Der moderne Tanz als eine Reaktion auf klassische Formen und wahrscheinlich als ein Bedürfnis, freier mit dem Körper auszudrücken. Es ist eine Tanzklasse, die versucht, durch den Tänzer eine Idee, ein Gefühl, eine Emotion, wie klassisches Ballett, auszudrücken, aber körperliche Bewegungen des zwanzigsten und einundzwanzigsten Jahrhunderts zu mischen.

Sein Ursprung geht auf das Ende des 19. Jahrhunderts zurück. Zu Beginn wurde eine Alternative zur strengen Technik des klassischen Balletts gesucht, Tänzer begannen barfuss zu tanzen und machten weniger starre Sprünge als die traditionellen auf der Bühne. Im Laufe der Zeit traten Variationen auf, bei denen die klassische Technik durch ihre Abwesenheit auffiel und sogar Bewegungen anderer Körpertechniken wie Flamenco, Bewegungen von Stammestänzen und sogar Yoga eingeführt wurden. Bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs wurde dieser erneuerte Tanzstil als moderner Tanz bezeichnet, aber seine Entwicklung von den späten 1940er Jahren führte zu der Vorliebe, den Ausdruck danach zeitgenössischen Tanz zu verwenden. Heutzutage werden moderne Techniken durch einen Strudel von Stilmischungen ersetzt, wobei sogar unklar wird, welchem ​​Stil er ähnelt oder welchen Mustern er folgt.

Der Choreograph trifft in der Regel kreative Entscheidungen. Er entscheidet, ob das Stück einen abstrakten oder narrativen Charakter hat. Die Tänzer werden aufgrund ihrer Fähigkeiten und ihres Trainings ausgewählt. Die Choreographie wird aufgrund ihrer Beziehung zur Musik oder den Klängen, mit denen sie getanzt wird, bestimmt. Die Rolle der Musik im zeitgenössischen Tanz unterscheidet sich von der anderer Genres, da sie als Hintergrund für das Stück dienen kann. Die Choreographin überwacht die Auswahl der Kostüme und deren ästhetischen Wert für die Gesamtkomposition der Aufführung und auch, wie sie die Bewegungen der Tänzer beeinflusst.

Der moderne Tanz gilt oft als Ablehnung oder Auflehnung gegen das klassische Ballett. Sozioökonomische und kulturelle Faktoren trugen ebenfalls zu seiner Entwicklung bei. Im späten 19. Jahrhundert bahnten Tanzkünstler wie Isadora Duncan, Maud Allan und Loie Fuller neue Formen und Praktiken in dem aus, was heute als ästhetischer oder freier Tanz für Performance bezeichnet wird. Diese Tänzer ignorierten das strikte Bewegungsvokabular des Balletts, das bestimmte, begrenzte Set von Bewegungen, die für das Ballett angemessen waren, und hörten auf, auf der Suche nach größerer Bewegungsfreiheit Korsetts und Spitzenschuhe zu tragen.

Moderner Tanz kann über ein Konzept sprechen, eine Umgebung vorschlagen oder Bewegungen präsentieren, um eine bestimmte Ästhetik zu erreichen, es muss nicht immer eine Geschichte erzählen. Auf der anderen Seite wird der klassische Tanz durch bestehende Schritte aufgebaut und immer kodifiziert, während der zeitgenössische Tanz nach den Bedürfnissen des Choreografen oder des Interpreten nach Innovation und der Schaffung neuer Bewegungsformen sucht. Klassischer Tanz sucht die Preziosität, das Strukturierte und Perfekte, die Verbindung mit dem Ätherischen, mit dem Himmlischen; es ist vielmehr mit dem Konzept des Apollinischen verbunden. Der moderne Tanz sucht die Verbindung mit dem Irdischen, mit dem Menschen und seinen Leidenschaften, mit der Nichtstruktur, der Überschreitung; Es ist mit dem Konzept des Dionysischen verbunden.

Im Laufe des 20. Jahrhunderts trugen gesellschaftspolitische Bedenken, wichtige historische Ereignisse und die Entwicklung anderer Kunstformen zur fortschreitenden Entwicklung des modernistischen Tanzes in den Vereinigten Staaten und in Deutschland bei. In den 1960er Jahren entstanden neue Ideen über Tanz als Antwort auf frühere Tanzformen und soziale Veränderungen. Schließlich würden postmoderne Tanzkünstler den Formalismus des modernen Tanzes ablehnen und Elemente wie Performancekunst, Kontaktimprovisation, Veröffentlichungstechnik und Improvisation einschließen.

Amerikanischer moderner Tanz kann (grob) in drei Perioden oder Epochen eingeteilt werden. In der Frühen Neuzeit (ca. 1880-1923), geprägt von den Werken von Isadora Duncan, Loie Fuller, Ruth St. Denis, Ted Shawn und Eleonore King, änderte sich die künstlerische Praxis radikal, aber deutlich unterschieden sich moderne Tanztechniken noch nicht aufgetaucht. Die Choreografen Martha Graham, Doris Humphrey, Katherine Dunham, Charles Weidman und Lester Horton suchten in der zentralen Neuzeit (ca. 1923-1946) spezifisch amerikanische Bewegungsstile und Vokabulare und entwickelten klar definierte und wiedererkennbare Tanztrainingsysteme. In der Spätmoderne (ca. 1946-1957), José Limón, Pearl Primus, Merce Cunningham, Talley Beatty, Erick Hawkins, Anna Sokolow, Anna Halprin, führte Paul Taylor klare Abstraktion und Avantgardebewegungen ein und ebnete den Weg für postmoderner Tanz.

Der moderne Tanz hat sich mit jeder nachfolgenden Generation von teilnehmenden Künstlern weiterentwickelt. Künstlerischer Inhalt hat sich verändert und von einem Choreografen zum anderen verschoben, ebenso wie Stile und Techniken. Künstler wie Graham und Horton entwickelten Techniken in der zentralen Neuzeit, die noch heute weltweit unterrichtet werden, und zahlreiche andere Arten des modernen Tanzes existieren heute.

Hintergrund
Der moderne Tanz gilt oft als Ablehnung oder Auflehnung gegen das klassische Ballett, obwohl Historiker darauf hingewiesen haben, dass sozioökonomische Veränderungen sowohl in den USA als auch in Europa dazu beigetragen haben, Veränderungen in der Tanzwelt herbeizuführen. In Amerika führten die zunehmende Industrialisierung, der Aufstieg einer Mittelschicht (die mehr verfügbares Einkommen und Freizeit hatte) und der Rückgang der sozialen Spannungen in der viktorianischen Zeit unter anderem zu einem neuen Interesse an Gesundheit und körperlicher Fitness. „In dieser Atmosphäre entstand ein, neuer Tanz ’sowohl durch die Ablehnung sozialer Strukturen als auch durch die Unzufriedenheit mit dem Ballett.“ In der gleichen Zeit „haben die Meister des Sportunterrichts den Weg für den modernen Tanz bereitet, und gymnastische Übungen dienten als technische Ausgangspunkte für junge Frauen, die sich am Tanzen sehnten.“ Frauen-Colleges begannen Ende der 1880er Jahre mit „ästhetischen Tanzkursen“. Emil Rath, der zu dieser Zeit ausführlich über diese aufstrebende Kunstform schrieb,

„Musik und rhythmische körperliche Bewegung sind Zwillingsschwestern der Kunst, wie sie gleichzeitig entstanden sind … Heute sehen wir in der künstlerischen Arbeit von Isadora Duncan, Maud Allan und anderen die Verwendung einer Form des Tanzes, die sich in der Darstellung zu bewegen strebt Bewegungen, die der Musikmeister in seinen Kompositionen ausdrückt – interpretierendes Tanzen. “

Freier Tanz
1877: Isadora Duncan war eine Vorläuferin des modernen Tanzes mit ihrem Stress auf das Zentrum oder den Oberkörper, nackte Füße, lockere Haare, frei fließende Kostüme und die Einbeziehung von Humor in den emotionalen Ausdruck. Sie war inspiriert von klassischen griechischen Kunst, Volkstänzen, Gesellschaftstänzen, Natur, Naturgewalten und neuer amerikanischer Athletik wie Springen, Laufen, Springen, Springen und abrupten Bewegungen. Sie dachte, dass Ballett hässlich und bedeutungslos Gymnastik sei. Obwohl sie zu verschiedenen Zeitpunkten ihres Lebens in die Vereinigten Staaten zurückkehrte, wurde ihre Arbeit dort nicht sehr gut aufgenommen. Sie kehrte nach Europa zurück und starb 1927 in Nizza.

1891: Loie Fuller (eine burleske Rocktänzerin) experimentiert mit dem Effekt, den die Gasbeleuchtung auf ihre Seidenkostüme hat. Fuller entwickelte eine Form von natürlichen Bewegungs- und Improvisationstechniken, die in Verbindung mit ihrer revolutionären Lichttechnik und durchscheinenden Seidenkostümen verwendet wurden. Sie patentierte ihre Apparaturen und Methoden der Bühnenbeleuchtung, die die Verwendung von farbigen Gelen und brennenden Chemikalien für Lumineszenz beinhalteten, und patentierte auch ihre voluminösen Seidenkostüme.

1905: Ruth St. Denis, beeinflusst von der Schauspielerin Sarah Bernhardt und der japanischen Tänzerin Sada Yacco, entwickelt ihre Übersetzungen der indischen Kultur und Mythologie. Ihre Auftritte wurden schnell populär und sie tourte ausgiebig während der Erforschung der orientalischen Kultur und Kunst.
Expressionistischer und frühneuzeitlicher Tanz in Europa

In Europa entwickelten Mary Wigman, Francois Delsarte, Émile Jaques-Dalcroze (Eurhythmics) und Rudolf Laban Theorien der menschlichen Bewegung und des menschlichen Ausdrucks und Lehrmethoden, die zur Entwicklung des europäischen modernen und expressionistischen Tanzes führten. Weitere Pioniere waren Kurt Jooss (Ausdruckstanz) und Harald Kreutzberg.

Radikaler Tanz
Gestört durch die Weltwirtschaftskrise und die zunehmende Bedrohung durch den Faschismus in Europa, versuchten die radikalen Tänzer, das Bewusstsein zu erhöhen, indem sie die wirtschaftlichen, sozialen, ethnischen und politischen Krisen ihrer Zeit dramatisierten.

Hanya Holm, eine Schülerin von Mary Wigman und Dozentin an der Wigman-Schule in Dresden, gründete 1931 die New Yorker Wigman School of Dance (die 1936 zum Hanya Holm Studio wurde) und führte Wigman-Technik, Labans Theorien der räumlichen Dynamik und später sie ein eigene Tanztechniken zum amerikanischen Modern Dance. Als erfolgreiche Choreografin war sie Gründungsmitglied des ersten American Dance Festivals in Bennington (1934). Holms Tanzarbeit Metropolitan Daily war die erste moderne Tanzkomposition, die auf NBC übertragen wurde, und ihre Labanotation für Kiss Me, Kate (1948) war die erste Choreographie, die in den USA urheberrechtlich geschützt war. Holm choreographierte ausführlich in den Bereichen Konzerttanz und Musiktheater.

Anna Sokolow-Eine Schülerin von Martha Graham und Louis Horst, Sokolow gründete ihre eigene Tanzkompanie (ca. 1930). Sokolow präsentierte dramatische zeitgenössische Bilder und war im Allgemeinen abstrakt. Oft enthüllte Sokolow das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrung, das die Spannung und Entfremdung der Zeit und der Wahrheit der menschlichen Bewegung widerspiegelt.

José Limón-Im Jahr 1946, nach dem Studium und der Zusammenarbeit mit Doris Humphrey und Charles Weidman, gründete Limón seine eigene Firma mit Humphrey als künstlerischem Leiter. Es war unter ihrer Mentorschaft, dass Limón seinen Unterschrift Tanz The Moors Pavane (1949) schuf. Limóns choreografische Werke und Techniken haben einen starken Einfluss auf die zeitgenössische Tanzpraxis.
Merce Cunningham – Ein ehemaliger Ballettschüler und Darsteller mit Martha Graham, präsentierte 1944 sein erstes New Yorker Solokonzert mit John Cage. Beeinflusst von Cage und der Einbeziehung der modernistischen Ideologie mit postmodernen Prozessen, führte Cunningham Zufallsverfahren und reine Bewegung in Choreografie und Cunningham-Technik ein zu den Kanonen der Tanztechniken des 20. Jahrhunderts. Cunningham hat mit seinem nicht-linearen, nicht-klimatischen, nicht-psychologischen abstrakten Werk die Grundlagen für postmodernen Tanz geschaffen. In diesen Werken ist jedes Element an und für sich expressiv, und der Beobachter (zu einem großen Teil) bestimmt, was es kommuniziert.

Erick Hawkins – Ein Schüler von George Balanchine, Hawkins wurde Solist und der erste männliche Tänzer in Martha Grahams Tanzkompanie. Im Jahre 1951 eröffnete Hawkins, der sich für das neue Gebiet der Kinesiologie interessierte, seine eigene Schule und entwickelte seine eigene Technik (Hawkins-Technik) zu einem Vorläufer der meisten somatischen Tanztechniken.

Paul Taylor – Ein Student der Juilliard School of Music und der Connecticut College School of Dance. Im Jahr 1952 erregte seine Leistung beim American Dance Festival die Aufmerksamkeit mehrerer großer Choreografen. In den Ensembles von Merce Cunningham, Martha Graham und George Balanchine (in dieser Reihenfolge) gründete er 1954 die Paul Taylor Dance Company. Der Gebrauch alltäglicher Gesten und modernistischer Ideologie ist charakteristisch für seine Choreographie. Zu den ehemaligen Mitgliedern der Paul Taylor Dance Company gehörten Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner und Senta Driver.

Alwin Nikolais – Ein Schüler von Hanya Holm. Nikolais Verwendung von Multimedia in Werken wie Masken, Requisiten und Mobiles (1953), Totem (1960) und Count Down (1979) wurde von anderen Choreografen nicht erreicht. Er stellte seine Tänzer oft in engen Räumen und Kostümen mit komplizierten Klängen und Sets dar und konzentrierte sich auf die physischen Aufgaben, Hindernisse zu überwinden, die er ihnen in den Weg legte. Nikolais betrachtete den Tänzer nicht als einen Künstler der Selbstdarstellung, sondern als ein Talent, das die Eigenschaften von physischem Raum und Bewegung untersuchen konnte.

Europäische Schule

Erste Generation: Europäische Pioniere

Philosophen und Denker

François Delsarte (Französisch, 1811-1871)
Er war die Inspiration für zeitgenössischen Tanz, zunächst mit dem Namen «expressive Gymnastik» (Bode) oder später «Rhythmische Sportgymnastik». Er bekräftigt, dass geistige Zustände durch Einstellungen und Bewegungen des Körpers als Einheit und nicht nur des Gesichts repräsentiert werden müssen. Die Sorge um die Technik ist viel größer als in der vorherigen. Unterteilen Sie den Körper in drei variable Zonen:

Die unteren Gliedmaßen drücken Kraft aus
Der Torso und die Arme drücken das Geistige und Emotionale aus
Und der Kopf-Hals, die Geste, reflektieren den mentalen Zustand
Seine Ideen wurden in die USA gebracht. von einem seiner Schüler, Steele Mackaye, der zusammen mit Genevieve Sebbins diese Ideen für die besten Schulen in New York verbreitete und vorstellte.

In Europa verbreitet Hedwig Kallmeyer, eine Schülerin von Sebbins, seine Ideen. 1930 gründete sie das Institut für expressive und korporale Kultur in Deutschland, wo sie das Delsarte-System als eine Form von PE für Frauen unterrichtet und damit ihre Aufnahme in die Schule erreicht; publiziert auch Beauty and health, eine Reaktion gegen traditionelle gymnastische Bewegungen.

Delsarte entwickelt die «Gesetze der harmonischen Bewegung», die sind:

Gesetz der harmonischen Haltung: Ausgewogene und natürliche Position als perfekte Ruheposition der griechischen Statuen.
Gesetz der entgegengesetzten Bewegung: Jede Bewegung verlangt durch Gleichgewichts-Prinzipien eine gegensätzliche Bewegung der anderen Segmente.
Gesetz der harmonischen Muskelfunktion: Muskelstärke muss direkt mit der Größe der Muskeln zusammenhängen.

Emile Jaques-Dalcroze (Schweizer, 1865-1950)
Er war der Schöpfer der Rhythmischen Gymnastik, Eurythmie. Er war ein vielseitiger Mann: Musiker, Choreograph, Schauspieler, Komponist und Pädagoge. Sein musikalisches und körperliches Wissen führte ihn dazu, die Notwendigkeit zu erkennen, diese beiden Aktivitäten für die Entwicklung der Person zu lernen und von hier aus begann er, die Gesetze des musikalischen Rhythmus durch Körperbewegungen zu untersuchen.

Die Beobachtungen, die er in seinen Solfeggio-Studenten am Konservatorium in Genf machte, waren der Ursprung seiner Methode der rhythmischen Gymnastik:

Er beobachtete, dass einige auf eine normale Weise hörig wurden; ihnen fehlte jedoch die Fähigkeit, Geräusche, das Gefühl von Dauer und den Rhythmus von Abfolgen zu messen.
Er stellte fest, dass sie oft mit unfreiwilligen Bewegungen bestimmter Körperteile infolge der Musik reagierten (zB: mit den Füßen auf den Boden aufschlagen), was zu der Schlussfolgerung führte, dass es einen Zusammenhang zwischen der Akustik und den höheren Nervenzentren geben könnte.
Nicht alle Kinder reagierten auf die gleiche Weise. Viele konnten ihre Bewegungen nicht koordinieren, reagierten nicht richtig auf den Körper der nervösen Befehle.

Aufgrund dieser Beobachtungen kam er zu folgendem Schluss:
Alles, was dynamisch und dynamisch in der Musik ist, hängt nicht nur vom Ohr, sondern auch von der Berührung ab.
Er hielt die rein auditive Musikalität für unvollständig.
Die musikalische Arrhythmie ist das Ergebnis einer allgemeinen Arrhythmie.
Es ist nicht möglich, musikalische Harmonien zu erzeugen, ohne einen inneren harmonischen musikalischen Zustand zu haben.
Die Dalcroze-Methode ist eine Methode des musikalischen Unterrichts durch Rhythmus und Bewegung. Es verwendet eine Vielzahl von Bewegungen als Analogien, um sich auf musikalische Konzepte zu beziehen, um ein integriertes und natürliches Gefühl für musikalischen Ausdruck zu entwickeln. Für seine Methode weist er auf drei zentrale Elemente hin: Rhythmus, Solfege und Improvisation. Sein Zweck ist es, die Fähigkeiten der Wahrnehmung, des Bewusstseins und des Handelns seitens des Schülers zu harmonisieren. Es zielt darauf ab, die nervösen Reaktionen des Kindes zu regulieren, seine Reflexe zu entwickeln, ihm temporäre Automatismen zu geben, seine Hemmungen zu bekämpfen, seine Sensibilität zu verfeinern und seine Dynamik zu verstärken.

Für Dalcroze ist Rhythmus keine Kunst für sich, sondern ein Mittel oder Instrument, um die anderen Künste zu erreichen. Sein Beitrag war revolutionär, da er als erster auf die Bedeutung von Musik für die persönliche Entwicklung hinwies und den Beginn der späteren Musiktherapie markierte.

Die verwendeten Arbeitsinhalte sind:

physikalische Überholungsübungen
Übungen für die Erziehung des Geistes
aktives Lernen und Schöpfer des Körperrhythmus.
aktives Lernen und Schöpfer des musikalischen Rhythmus.

Schöpfer von Techniken

Rudolf Laban (ungarisch, 1879-1958)
Er interessierte sich für die wesentlichen Wissenschaften zum Verständnis von Bewegung und studierte Mathematik, Physik, Chemie, Anatomie und Physiologie. Er reiste um die Welt auf der Suche nach natürlichen und kultivierten Aktivitäten. Das Ballett beanspruchte seine größte Aufmerksamkeit. Er war ein erklärter Feind der „Punkte“ und glaubte, dass die ausdrucksvolle Geste in derselben Linie wie Isadora Duncan zu einer totalen Befreiung der Seele und des Körpers führen müsse.

Laban entwickelt und interpretiert die Konzepte von Bewegung und Tanz und definiert drei Systeme:

Labanotation: Es ist eine Art, sich Bewegungen mittels Symbolen zu merken. Es schafft eine Technik der geschriebenen und zuverlässigen Sprache der Bewegungen, der Dynamiken, des Raumes und aller motorischen Handlungen des Körpers.
Die Ikosaeder-Technik: ermöglicht es den Tanzschülern, die Punkte zu sehen, von denen sie sich bewegen und verbessern ihre Präzision in der Bewegung.
Der expressive, freie, kreative Tanz oder moderne Bildungstanz: legt eine Reihe von Prinzipien und Konzepten über die Bewegung fest, die als Leitfaden für Forschung und Reflexion über die Art und Weise dienen sollen, wie die Bewegung ausgeführt und konzipiert werden kann. Auf diese Weise muss das Individuum, basierend auf spezifischen Themen, die Bewegung erforschen und kennenlernen, seine eigene Technik entdecken und seine eigene Körpersprache entwickeln.
Für Laban ist Tanz eine Form des körperlichen Ausdrucks eines Individuums oder einer Gruppe, und jeder hat seinen eigenen Tanz; aus diesem Grund muss die Technik des gleichen vielfältige Handlungsmöglichkeiten ermöglichen, die ihn dazu bringen, seine Persönlichkeit zu stärken.

Eine zeitgenössische Tanzsitzung könnte folgende Elemente enthalten:

Körpertraining: Körper und körperliche Konditionierung.
Studium der Bewegung: Es ist das Zentrum der Sitzung; Erfahrungen und Sequenzen von Einzel- und Gruppenbewegungen werden erlebt.
Komposition: Überprüft die Domäne des zuvor bearbeiteten Themas.
Bewusste Beobachtung: Beobachtung der vorherigen Kompositionen zur Begünstigung des kritischen Geistes und aktive oder passive Entspannung.

Andere Beiträge von Laban sind:

Die Chöre der Bewegung, die sich durch die Betonung identischer Bewegungen mehrerer Tänzer auszeichnen, um Emotionen auszudrücken.
Eine Technik der Bewegungen, die sie aus vier Aspekten betrachtet:
Zeit: Sie interessieren sich für die Geschwindigkeit und Langsamkeit und die Änderungen zwischen den beiden (Beschleunigung und Verzögerung).
Gewicht: Betrachte die Bewegung als stark und leicht. Die Faktoren Zeit und Gewicht geben der Bewegung die dynamische Qualität.
Raum: Es bezieht sich sowohl auf die Art, wie wir uns bewegen, als auch auf die Richtung, in die wir es tun.
Flow: Dieser Faktor durchdringt die gesamte Bewegung und vermittelt das Gefühl, gestoppt oder festgehalten zu werden.

Mary Wigman (deutsch, 1886-1973)
Der Schüler von RV Laban trägt als Element zur „kreativen Intuition“ bei. Bedenken Sie, dass der Job des Tänzers eine Berufung ist. Er beeinflusste die Ausbildung von Tänzern und schuf eine eigene Schule. Sein Einfluss auf die Entwicklung der modernen Gymnastik basiert auf der übertriebenen Expressivität von Gesten und dem Wechsel zwischen Kontraktion und Entspannung, wobei spannungsvolle und spannungsgeladene kontinuierliche Einstellungen beibehalten werden, die sich zu dynamischen Bewegungen und fröhlichen Rhythmen hin verändern. Er benutzt verschiedene Stufen in seinem Tanzunterricht und Tanztraining: Teil des Tanzes ohne jegliche musikalische Begleitung, dann stellt er Perkussionsinstrumente vor (in denen die Trommeln auffallen) und schließlich kommt die Musik an.

Kurt Jooss (deutsch, 1901-1979)
Er war Deutschlehrer, Tänzer und Choreograf. Nach dem Tanzstudium bei Rudolf Laban eröffnete er eine Schule und seine Firma nannte sich Ballets Jooss. 1930 wurde er Tanzlehrer am Opernhaus in Essen, wo er sein Ballett The Green choreographierte
Zweite Generation
Herold Kreutzberg
Gret Palucca
Vera Skonel
Dore Hoyer
Sacharow: Alexandre Sacharow und Clotilde von Derp

Dritte Generation
In der Mitte des Kalten Krieges entwickelte sich der klassisch-zeitgenössische Tanz in verschiedenen europäischen Ländern sehr unterschiedlich. Der Einfluss der Schulen von Laban und Mary Wigman wird auf zahlreiche Künstler ausgeübt und einige Interpreten-Choreografen, die es nicht schaffen, eine Schule zu schaffen, erscheinen überall. Weder die wirtschaftliche Situation (Europa erholt sich von zwei Kriegen), noch Geopolitik (Europa geteilt durch den „Eisernen Vorhang“) begünstigt die Schaffung von Schulen oder stabile Bewegungen des Tanzes.

Wichtig ist auch die Etablierung verschiedener nordamerikanischer Choreografen und Pädagogen aus Modern Dance in Frankreich, Spanien, Schweden, Deutschland und Österreich. Die Verbreitung der Techniken Graham, Limón, Horton und Cunningham wird für die zukünftige Entwicklung des gegenwärtigen europäischen Tanzes wichtig sein.

In den Vereinigten Staaten

Frühe Modern Dance in Amerika
Im Jahr 1915 gründete Ruth St. Denis mit ihrem Ehemann Ted Shawn die Denishawn Schule und Tanzgruppe. St. Denis war für den größten Teil der kreativen Arbeit verantwortlich, und Shawn war verantwortlich für Lehrtechnik und Komposition. Martha Graham, Doris Humphrey und Charles Weidman waren alle Schüler der Schule und Mitglieder der Tanzkompanie. Duncan, Fuller und Ruth St. Denis, die ein breiteres und akzeptierenderes Publikum für ihre Arbeit suchten, tourten durch Europa. Fullers Arbeit erhielt auch außerhalb Europas wenig Unterstützung. St. Denis kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um ihre Arbeit fortzusetzen.

Martha Graham gilt oft als Gründungsmutter des modernen Konzerttanzes des 20. Jahrhunderts. Graham betrachtete das Ballett als zu einseitig: europäisch, imperialistisch und unamerikanisch. Sie wurde 1916 Schülerin an der Denishawn-Schule und zog 1923 nach New York City, wo sie in Musikkomödien und Musiksälen auftrat und an ihrer eigenen Choreographie arbeitete. Graham entwickelte ihre eigene Tanztechnik, die Graham-Technik, die auf Konzepten der Kontraktion und der Freisetzung beruht. In Grahams Lehren wollte sie, dass ihre Schüler „fühlen“. „Fühlen“ bedeutet, ein erhöhtes Bewusstsein dafür zu haben, dass man auf dem Boden verankert ist, während man gleichzeitig die Energie durch den ganzen Körper spürt und auf das Publikum ausdehnt. Ihre wichtigsten Beiträge zum Tanz sind der Fokus des „Zentrums“ des Körpers (als Kontrast zur Betonung der Gliedmaßen im Ballett), die Koordination zwischen Atmung und Bewegung und die Beziehung eines Tänzers zum Boden.

1923: Graham verlässt Denishawn, um als Solokünstler in den Greenwich Village Follies zu arbeiten.
1928: Humphrey und Weidman verlassen Denishawn, um ihre eigene Schule und Firma zu gründen (Humphrey-Weidman).
1933: Shawn gründet seine gesamte männliche Tanzgruppe Ted Shawn und seine Men Dancers auf seiner Jacob’s Pillow Farm in Becket, Massachusetts.
Nachdem sie die Techniken und Kompositionsmethoden ihrer Lehrer verließen, entwickelten die frühen modernen Tänzer ihre eigenen Methoden und Ideologien und Tanztechniken, die zur Grundlage der modernen Tanzpraxis wurden:

Martha Graham und Louis Horst

Doris Humphrey und Charles Weidman
Helen Tamiris – ursprünglich in Freizügigkeit (Irene Lewisohn) und Ballett (Michel Fokine) ausgebildet Tamiris studierte kurz bei Isadora Duncan, lehnte jedoch ihre Betonung des persönlichen Ausdrucks und der lyrischen Bewegung ab. Tamiris glaubte, dass jeder Tanz seine eigenen expressiven Mittel schaffen müsse und daher keinen individuellen Stil oder eine eigene Technik entwickelt habe. Als Choreografin schuf Tamiris Werke, die auf amerikanischen Themen basierten und sowohl im Konzerttanz als auch im Musiktheater arbeiteten.

Lester Horton – er entschied sich in Kalifornien zu arbeiten (3000 Meilen von New York entfernt, dem Zentrum des modernen Tanzes), entwickelte Horton seinen eigenen Ansatz, der verschiedene Elemente einschloss, einschließlich indianischer Tänze und modernen Jazz. Hortons Tanztechnik (Lester Horton Technique) betont einen Ganzkörperansatz einschließlich Flexibilität, Stärke, Koordination und Körperbewusstsein, um die Freiheit des Ausdrucks zu ermöglichen.

Popularisierung
Im Jahr 1927 begannen Zeitungen regelmäßig mit der Zuweisung von Tanzkritikern wie Walter Terry und Edwin Denby, die sich eher dem Standpunkt eines Bewegungsspezialisten als eines Rezensenten der Musik oder des Dramas annäherten. Pädagogen akzeptierten den modernen Tanz in den Lehrplan der Universitäten und Universitäten, zuerst als Teil des Sportunterrichts, dann als darstellende Kunst. Viele College-Lehrer wurden an der Bennington Summer School of the Dance ausgebildet, die 1934 am Bennington College gegründet wurde.

Über das Programm in Bennington schrieb Agnes de Mille: „… Es gab eine feine Mischung von Künstlern, Musikern und Designern aller Art, und zweitens, weil alle Verantwortlichen für die Konzertreihe des Colleges hier auf dem Kontinent versammelt waren. … frei von den einschränkenden Strikten der drei großen monopolistischen Konzerne, die auf die Präferenz ihrer europäischen Kunden drängten, und zum ersten Mal wurden amerikanische Tänzer engagiert, um Amerika landesweit zu bereisen, und dies markierte den Beginn ihrer Solvenz. “

Afroamerikaner moderner Tanz
Die Entwicklung des modernen Tanzes beinhaltete die Beiträge von afroamerikanischen Tanzkünstlern, unabhängig davon, ob sie reine moderne Tanzmusik machten oder modernen Tanz mit afrikanischen und karibischen Einflüssen vermischten.

Katherine Dunham – Eine afroamerikanische Tänzerin und Anthropologin. Ursprünglich Balletttänzerin, gründete sie 1936 ihre erste Compagnie Ballet Negre und später die Katherine Dunham Dance Company mit Sitz in Chicago, Illinois. 1945 eröffnete Dunham eine Schule in New York, wo sie Katherine Dunham Technique beibrachte, eine Mischung aus afrikanischer und karibischer Bewegung (flexibler Rumpf und Wirbelsäule, artikuliertes Becken, Isolation der Gliedmaßen und polyrhythmische Bewegung), integriert mit Techniken des Balletts und des modernen Tanzes .

Pearl Primus – Ein Tänzer, Choreograf und Anthropologe, Primus zeichnete auf afrikanische und karibische Tänze, um starke dramatische Werke zu schaffen, die durch große Sprünge in der Luft gekennzeichnet sind. Primus basierte ihre Tänze oft auf der Arbeit schwarzer Schriftsteller und auf rassischen und afroamerikanischen Themen. Primus schuf Werke auf der Grundlage von Langston Hughes The Negro Speaks of Rivers (1944) und Lewis Allans Strange Fruit (1945). Ihre Tanzkompanie entwickelte sich zum Pearl Primus Dance Language Institute, das ihre Methode der Mischung von afroamerikanischen, karibischen und afrikanischen Einflüssen mit modernen Tanz- und Balletttechniken lehrt.

Alvin Ailey – Ein Schüler von Lester Horton, Bella Lewitzky und später Martha Graham, arbeitete Ailey mehrere Jahre im Konzert- und Theater-Tanz. 1958 traten Ailey und eine Gruppe junger afroamerikanischer Tänzer als Alvin Ailey American Dance Theatre in New York auf. Ailey griff auf seine „Blutserinnerungen“ von Texas zurück, die Blues, Spirituals und das Evangelium als Inspiration. Sein bekanntestes und von der Kritik gefeiertes Werk ist Revelations (1960).

Vermächtnis des modernen Tanzes
Das Vermächtnis des modernen Tanzes kann in der Linie der Konzerttanzformen des 20. Jahrhunderts gesehen werden. Obwohl sie oft divergierende Tanzformen produzieren, teilen viele bahnbrechende Tanzkünstler ein gemeinsames Erbe, das sich auf den freien Tanz zurückführen lässt.

Postmoderner Tanz
Der postmoderne Tanz entwickelte sich in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten, als die Gesellschaft Wahrheiten und Ideologien in Politik und Kunst hinterfragte. Diese Zeit war geprägt von sozialen und kulturellen Experimenten in den Künsten. Choreografen haben keine spezifischen „Schulen“ oder „Stile“ mehr geschaffen. Die Einflüsse aus verschiedenen Tanzphasen wurden vager und fragmentierter. Es ist sehr üblich, dass postmoderner Tanz zu wenig oder gar keiner Musik aufgeführt wird.

Zeitgenössischer Tanz
Der zeitgenössische Tanz entstand in den 1950er Jahren als Tanzform, die moderne Elemente des Tanzes mit Elementen des klassischen Balletts verbindet. Es kann Elemente aus nicht-westlichen Tanzkulturen verwenden, wie zum Beispiel afrikanisches Tanzen mit gebeugten Knien als charakteristisches Merkmal, und Butoh, japanischer zeitgenössischer Tanz, der in den 1950er Jahren entwickelt wurde. Es ist auch abgeleitet von modernen europäischen Themen wie poetische und alltägliche Elemente, gebrochene Linien, nichtlineare Bewegungen und Wiederholung. Viele zeitgenössische Tänzer werden täglich im klassischen Ballett geschult, um mit der Technik der gegebenen Choreographie Schritt zu halten. Diese Tänzer neigen dazu, Ideen effizienter Körperbewegung zu folgen, Raum einzunehmen und auf Details zu achten. Zeitgenössischer Tanz umfasst heute sowohl den Konzert- als auch den kommerziellen Tanz, da die Linien durch Popkultur und Fernsehshows verschwimmen. Laut Treva Bedinghaus: „Moderne Tänzer benutzen den Tanz, um ihre innersten Gefühle auszudrücken, oft um sich ihrem Inneren zu nähern. Bevor sie versuchen, eine Routine zu choreographieren, entscheidet der moderne Tänzer, welche Emotionen er dem Publikum vermitteln möchte. Viele moderne Tänzer Wählen Sie ein Thema, das ihnen nahe steht, wie eine verlorene Liebe oder ein persönliches Versagen.Der Tänzer wird Musik wählen, die sich auf die Geschichte bezieht, die er erzählen möchte, oder sich entscheiden, überhaupt keine Musik zu verwenden und dann ein Kostüm zu wählen reflektieren ihre gewählten Emotionen. „