Die Sammlung Modern & Contemporary des Virginia Museum of Fine Arts umfasst europäische Kunst nach 1900, amerikanische Kunst nach 1950 und eine globale Sammlung von Kunst des 21. Jahrhunderts.

Deutscher Expressionismus
Der größte Teil der deutschen expressionistischen Kunst von VMFA wurde ursprünglich von 1905 bis 1925 von Ludwig und Rosy Fischer, zukunftsweisenden Sammlern aus Frankfurt, gekauft. Die Sammlung ging später an ihre Söhne Max und Ernst über. 1934 verließen Ernst und seine Frau Anne Deutschland und ließen sich schließlich in Richmond nieder. Im Jahr 2009 erwarb VMFA Ernsts Hälfte der Sammlung, etwa 200 Werke, durch einen Geschenkkaufvertrag. Zwei weitere Werke repräsentieren Max Fischers Hälfte der Sammlung.

Die Sydney und Francis Lewis Sammlung
Sydney und Frances Lewis spendeten über achtzig Prozent der Kunst der 1950er bis 1980er Jahre, die derzeit auf der VMFA zu sehen sind. Ihr Sammeln begann in den frühen sechziger Jahren bescheiden, aber Ende der sechziger Jahre erreichten sie die oberste Stufe derjenigen, die zeitgenössische amerikanische Kunst sammelten. 1985 gaben die Lewises das Beste aus ihrer Privatsammlung an VMFA. Die Galerien Sydney und Frances Lewis von VMFA repräsentieren nun eine der Top-Sammlungen der Nachkriegszeit in einem umfassenden Museum in den Vereinigten Staaten.

Kunst des 21. Jahrhunderts
Mit Werken globaler Künstler spiegelt die VMFA-Sammlung den erweiterten Charakter der zeitgenössischen Kunst wider. Mobilität und Vielfalt haben der Kunst des 21. Jahrhunderts eine kaleidoskopische Qualität verliehen, ohne dominierenden Stil, Medium oder Bewegung. Neue Technologien verbinden Arbeiten in innovativen und traditionellen Formaten. In den letzten Jahren haben Geschenke von Spendern wie Pamela K. und William A. Royall Jr. das Wachstum der VMFA-Sammlung mit einem besonders starken Engagement für afroamerikanische Künstler vorangetrieben.

Höhepunkte
Die Ludwig und Rosy Fischer-Sammlung des deutschen Expressionismus und die T. Catesby Jones-Sammlung der französischen Moderne bieten herausragende Beispiele europäischer Kunst im frühen 20. Jahrhundert. Die Sammlung von Sydney und Frances Lewis repräsentiert amerikanische Kultkunst aus den 1950er bis 1980er Jahren sowie europäische Kunst aus den 1980er Jahren. Mit der Unterstützung von Spendern wie Pamela K. und William A. Royall Jr. wächst unsere dynamische und vielfältige Sammlung zeitgenössischer Kunst weiter.

Sechs Tänzer
Ernst Ludwig Kirchner, Deutscher, 1880 – 1938
Kirchner malte Haut und Kostüm dieser Tänzer in der gleichen intensiven lila Farbe und machte sie puppenhaft. Ihre steifen, unbeholfenen Posen verstärken diesen Eindruck, was darauf hindeutet, dass Kirchner ebenso an der Inszenierung des Gesamtrhythmus und der Harmonie des Bildes interessiert war wie an den Figuren. Kirchners Aufmerksamkeit für die Musterung, gepaart mit seiner hellen Palette, entspricht der Kunst von Matisse und den Fauvisten, während die markante Pinselführung und der abgeflachte Raum an die Arbeit von Cézanne erinnern.

Mutter-Gans-Melodie
Helen Frankenthaler, Amerikanerin, 1928 – 2011
Der Maler macht etwas magisch, räumlich und lebendig auf einer ebenen Oberfläche und mit Materialien, die inert sind. Diese Magie macht ein Gemälde einzigartig und notwendig. Malen ist in vielerlei Hinsicht eine herrliche Illusion. – Helen Frankenthaler

In Mother Goose Melody kombiniert Frankenthaler die gestischen Spritzer und Tropfen der Malerei des Abstrakten Expressionismus mit der innovativen Technik der gebeizten Leinwand, mit der sie 1952 Pionierarbeit geleistet hat. Die Vielfalt an Farben, Formen und Linien macht diese Komposition rhythmisch und dynamisch. Die spiralförmige rote Form auf der rechten Seite wirkt der dichten Farbfläche auf der linken Seite entgegen, während das breite gelbe Band, das sich über den Boden erstreckt, beide verbindet. Die Künstlerin merkte an, dass die drei braunen Formen sich auf sie und ihre beiden Schwestern beziehen könnten und dass die roten und schwarzen Linien „eine Art Storchfigur darstellen – das Ganze hatte ein Kinderreimgefühl“.

Inhaltsangabe einer Schlacht
Cy Twombly, Amerikaner, 1928 – 2011
„Ich versuche festzustellen, dass die moderne Kunst nicht aus dem Gleichgewicht gerät, sondern etwas mit Wurzeln, Tradition und Kontinuität. Für mich ist die Vergangenheit die Quelle (denn alle Kunst ist von entscheidender Bedeutung für die Gegenwart). “- Cy Twombly (Aus der Bewerbung um ein Stipendium an das Virginia Museum of Fine Arts von 1952)

Die lebendigen, freilaufenden Kompositionen des in Virginia geborenen Cy Twombly spielen oft auf historische und mythologische Themen an. In der Synopse einer Schlacht, die zufällig zu sein scheint, sind chalklike Zeichnungen auf einer schiefergrauen Tafel tatsächlich gezeichnete und gemalte Zeichen und Symbole, die sich auf ein bestimmtes Ereignis beziehen – die Schlacht von Issus (333 v. Chr.), In der Alexander der Große Darius besiegte von Persiens viel größerer Armee.

Unter den kryptischen, graffitiartigen Markierungen des Werks geben die Wörter „Issus“ (oben links) und „Flanke“ (links und rechts) Hinweise auf das militärische Thema des Gemäldes. Die ausstrahlende oder flankierende Form deutet auf Diagramme der Truppenbewegungen hin.

Twombly kombiniert die Energie der abstrakten expressionistischen Geste mit dem vereinfachenden Drang des Minimalismus. Das Gemälde spiegelt auch die fragende Haltung der Konzeptkunst wider. Twombly interessiert sich für Sprache als visuelle Form und mentales Konstrukt, um die Vergangenheit lebendig in die Gegenwart zu bringen.

Zwischen der Uhr und dem Bett
Jasper Johns, Amerikaner, geboren 1930
„Ich bin in einem Auto gefahren und habe ein Wochenende in die Hamptons gefahren, als ein Auto in die entgegengesetzte Richtung fuhr. Es war mit diesen Markierungen bedeckt, aber ich sah es nur für einen Moment – dann war es weg – nur ein kurzer Blick. Aber ich dachte sofort, ich würde es für mein nächstes Gemälde verwenden. “- Jasper Johns

Schraffuren erscheinen als Details oder als Gesamtmuster in vielen Gemälden und Drucken von John, beginnend in den frühen 1970er Jahren. Was auf den ersten Blick als zufällige Markierungen erscheint, ist in der Tat ein sorgfältig strukturiertes System von wiederholten und umgekehrten Mustern. Der linke und der rechte Teil des dreiteiligen Gemäldes spiegeln sich nahezu exakt.

Johns Bilder sind oft vielschichtige visuelle Rätsel, die die Paradoxien erforschen, die den Doppelpolen der Malerei – Abstraktion und Repräsentation – innewohnen. Der Titel dieses Stücks, Zwischen der Uhr und dem Bett, stammt aus einem späten Selbstporträt des norwegischen Künstlers Edvard Munch (1863-1944), nachdem Johns die Ähnlichkeit zwischen seinem eigenen Schraffurmuster und dem Muster von Munchs Bettdecke bemerkt hatte.

Triple Elvis
Andy Warhol, Amerikaner, 1928 – 1987
„Bei meinen Kunstwerken würde das Malen mit der Hand viel zu lange dauern und das ist sowieso nicht das Zeitalter, in dem wir leben. Mechanische Mittel sind heute. . . Siebdruck ist eine ebenso ehrliche Methode wie jede andere, einschließlich Handmalerei. “- Andy Warhol

Warhol stützte dieses Macho-Unterzeichner-Revolverheld-Porträt von Elvis Presley auf eine Werbefotografie für den Western Flaming Star von 1960. Diese öffentliche Person, so sorgfältig verpackt wie Campbells Suppe, passte ideal zu Warhols Zielen und zu seinem Fokus auf das Aussehen der Oberfläche und nicht auf die psychologische Interpretation. Warhols Wiederholung identischer Bilder und seine Siebdrucktechnik spielen oft auf die Verbreitung der Konsumkultur an. Die überlappenden Mehrfachfiguren deuten auch auf einzelne Filmbilder und filmische Bewegungen hin, während der metallische Hintergrund des Werks an Hollywoods Leinwand erinnert.

Kunstgeschichte ist nicht linear
Ryan McGinness, Amerikaner, geboren 1972
„Kunstgeschichte ist nicht linear, obwohl sie oft als solche gelehrt wird. Kultur ist ein mehrdimensionales Netzwerk, das sich in einem über die Zeit hinausgehenden Brei nährt und auf sich selbst aufbaut.“ – Ryan McGinness

McGinness wurde in Virginia Beach geboren und wuchs dort auf. Heute lebt er in New York und ist international für seine überbordende Verbindung von Abstraktion und Repräsentation bekannt. Sein frühes Interesse an Design, Illustration und Populärkultur führte zu einem flachen, kantigen Stil von kühnen logogleichen Bildern. Er bezeichnet seine Bilder als Ikonen und verweist auf sein Interesse an der Verschmelzung von Unternehmenskultur und bildender Kunst.

Dieses mehrteilige Gemälde wurde speziell für seinen aktuellen Standort in Auftrag gegeben. Seine zweihundert Ikonen basieren auf Arbeiten aus der VMFA-Sammlung, die McGinness über mehrere Jahre hinweg durch direkte Beobachtung, Buchrecherche und Besuche der Website des Museums studierte. McGinness interpretierte die Arbeiten durch einen Prozess der Handzeichnung und des Computerdesigns neu und produzierte ein Repertoire neuer repräsentativer Ikonen. Mit Intuition als Leitfaden collagierte er die neuen Bilder im Siebdruckverfahren, um eine Reihe lebendiger, dicht geschichteter Gemälde zu erstellen, die zusammen eine Einführung in die Bestände des Museums bilden.

Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Vereinigte Staaten
Das Virginia Museum of Fine Arts (VMFA) ist ein Kunstmuseum in Richmond, Virginia, USA, das 1936 eröffnet wurde.

Das Museum ist im Besitz des Commonwealth of Virginia und wird von diesem betrieben. Private Spenden, Stiftungen und Gelder werden für die Unterstützung spezifischer Programme und den Erwerb von Kunstwerken sowie für zusätzliche allgemeine Unterstützung verwendet. Der Eintritt ist frei (ausgenommen Sonderausstellungen). Es ist eines der ersten Museen im amerikanischen Süden, das mit staatlichen Mitteln betrieben wird. Es ist auch eines der größten Kunstmuseen in Nordamerika. VMFA zählt zu den Top Ten der umfassenden Kunstmuseen in den Vereinigten Staaten.

Das Virginia Museum of Fine Arts verankert zusammen mit der angrenzenden Virginia Historical Society das gleichnamige „Museum District“ von Richmond (auch als „West of the Boulevard“ bekannt).