Miniaturkunst

Miniaturkunst oder Miniaturmalerei in kleinen ist ein Genre, das sich auf Kunst konzentriert (vor allem Malerei, Gravur und Skulptur) mit einer langen Geschichte, die auf die Schreiber des Mittelalters zurückgeht. Miniaturkunstgesellschaften, wie der Weltverband der Miniaturisten (WFM), bieten anwendbare Definitionen des Begriffs. Eine oft verwendete Definition ist, dass ein Stück Miniaturkunst in der Handfläche gehalten werden kann oder dass es weniger als 25 Quadratzoll oder 100 cm² bedeckt. Themen werden in 1/6 der tatsächlichen Größe dargestellt, und in allen Gemälden sollte der Geist der Miniaturisierung beibehalten werden.

Miniatur-Kunst (Miniatur-Kunst) ist ein Genre der Kleinkunst, die Malerei, Drucke, Skulpturen und mehr umfasst. The Fine Arts Association, der Weltverband der Miniaturisten (WFM) Die Definition ist anders, aber viele Organisationen verlangen, dass das Kunstwerk nicht größer als 100 Quadratzentimeter sein sollte. Der Reiz eines Kunstwerks ist, dass es in der Hand gehalten werden kann.

Miniaturkunst ist eine kleine Illustration, die verwendet wird, um eine alte oder mittelalterliche illuminierte Handschrift zu dekorieren; die einfachen Illustrationen der frühen Codices sind mit diesem Pigment verfeinert oder abgegrenzt worden. Der im allgemeinen kleine Maßstab der mittelalterlichen Bilder hat zweitens zu einer etymologischen Verwechslung des Begriffes mit Kleinigkeit und zu seiner Anwendung auf kleine Gemälde, insbesondere Porträtminiaturen, geführt, die jedoch aus derselben Tradition erwachsen und zumindest anfangs ähnliche Techniken verwendet haben.

Neben den westlichen und byzantinischen Traditionen gibt es eine weitere Gruppe asiatischer Traditionen, die in der Regel eher illustrativ ist und aus den Ursprüngen der Manuskript-Buchdekoration auch zu einseitigen kleinen Gemälden entwickelt wurde, die in Alben aufbewahrt werden, die auch Miniaturen genannt werden , wie die westlichen Entsprechungen in Aquarell und anderen Medien nicht sind. Dazu gehören persische Miniaturen und ihre Mogul-, Ottoman- und andere indische Ableger.

Miniaturkunst wird seit über 1000 Jahren hergestellt und von Sammlern geschätzt. Das amerikanische Weiße Haus, das Smithsonian American Art Museum, das Astolat Dollhouse Castle und Museen auf der ganzen Welt haben Sammlungen von Miniaturgemälden, Zeichnungen, Originaldrucken und Radierungen sowie Skulpturen.

Miniaturmalerei bedeutet wörtlich Miniaturmalerei. Das Wort Miniatur kommt aus dem lateinischen Wort miniāre (um rot zu färben), was rotes Zinnoberrot bedeutet. Im Mittelalter wurden die Bücher mit dem roten Zinnoberrot Europas gedruckt und auf diese Weise das handgeschriebene Buch oder Töpfchen in Form eines Miniaturbildes in Form einer monochromen Figur dargestellt. Viele berühmte Miniaturen der Moghul-Zeit des indischen Jahres wurden gemalt.

Miniaturkunst Geschichte:

3.-6. Jahrhundert:
Die frühesten erhaltenen Miniaturen sind eine Reihe von farbigen Zeichnungen oder Miniaturen aus der Ambrosianischen Ilias, einer illustrierten Handschrift der Ilias aus dem 3. Jahrhundert. Sie sind in Stil und Behandlung mit der Bildkunst der späteren römischen Klassik ähnlich. In diesen Bildern gibt es eine beträchtliche Vielfalt in der Qualität der Zeichnung, aber es gibt viele bemerkenswerte Fälle von feinem Zahlenzeichnen, ziemlich klassisch in der Stimmung, zeigend, dass die frühere Kunst noch seinen Einfluss ausübte. Auch solche Andeutungen der Landschaft sind vom klassischen Typus, nicht konventionell im Sinne des mittelalterlichen Konventionalismus, versuchen aber dennoch der Natur zu folgen, wenn auch in unvollkommener Weise; genau wie bei den Pompeischen und anderen Fresken aus der Römerzeit.

Von einem künstlerischen Standpunkt aus betrachtet, sind die Miniaturen der vatikanischen Handschrift von Virgil, bekannt als der Vergilius Vaticanus, des frühen 5. Jahrhunderts von noch größerer Wert. Sie sind in einem perfekteren Zustand und in einem größeren Maßstab als die Ambrosianischen Fragmente, und sie bieten daher bessere Möglichkeiten zur Untersuchung von Methode und Technik. Die Zeichnung ist ziemlich klassisch und die Idee ist, dass die Miniaturen direkte Kopien einer älteren Serie sind. Die Farben sind undurchsichtig: In der Tat, in allen Miniaturen der frühen Manuskripte war der Einsatz der Körperfarbe universell. Die Methode, die beim Platzieren der verschiedenen Szenen auf der Seite eingehalten wird, ist sehr lehrreich für die Praxis, die, wie wir annehmen können, von den Künstlern der frühen Jahrhunderte übernommen wurde. Es scheint, dass der Hintergrund der Szene zuerst vollständig gemalt wurde und die gesamte Oberfläche der Seite bedeckt hat; dann wurden über diesen Hintergrund die größeren Figuren und Objekte gemalt; und über diesen wiederum lagen die kleineren Details vor ihnen. (Der Algorithmus des Malers.) Wiederum wurde, um etwas wie Perspektive zu sichern, eine Anordnung von horizontalen Zonen angenommen, wobei die oberen kleinere Figuren als die unteren enthielten.

Es war der byzantinischen Schule vorbehalten, sich entschiedener von der natürlichen Darstellung der Dinge zu lösen und künstlerische Konventionen zu entwickeln. Doch in den besten frühen Beispielen dieser Schule bleibt das klassische Gefühl noch erhalten, wie die Relikte der Miniaturen der Cotton Genesis und die besten der Miniaturen der Wiener Dioskuriden bezeugen; und in den Miniaturen der späteren byzantinischen Manuskripte, die von früheren Beispielen kopiert wurden, ist die Reproduktion der Modelle treu. Aber wenn man die Miniaturen der byzantinischen Schule allgemein mit ihren klassischen Vorgängern vergleicht, hat man das Gefühl, von der freien Luft in das Kloster übergegangen zu sein. Unter der Zurückhaltung der kirchlichen Herrschaft wurde die byzantinische Kunst mehr und mehr stereotyp und konventionell. Die Tendenz wächst, die Fleischfarben in dunklen Tönen zu malen, die Glieder zu verlängern und abzumagern und den Gang zu versteifen. Browns, Blau-Grautöne und Neutraltöne sind dafür. Hier finden wir zuerst die technische Behandlung der Fleischmalerei, die später zur Spezialpraxis italienischer Miniaturisten wurde, nämlich das Auflegen der eigentlichen Fleischtöne über einen olivgrünen, grünen oder anderen dunklen Farbton. Die Landschaft, so wie sie war, wurde bald ganz konventionell und gab das Beispiel für das bemerkenswerte Fehlen der wahren Darstellung der Natur, die ein so bemerkenswertes Attribut der Miniaturen des Mittelalters ist.

Und doch, während die asketische Behandlung der in der byzantinischen Kunst so stark erhaltenen Miniaturen sich zeigt, zeigt sich zugleich der orientalische Glanz des Glanzes in der Brillanz eines Großteils der Färbung und der verschwenderischen Verwendung von Gold. In den Miniaturen der byzantinischen Manuskripte werden zuerst jene Hintergründe des hellen Goldes gesehen, die später in solcher Überfülle in den Produktionen jeder westlichen Schule der Malerei erscheinen.

Der Einfluss der byzantinischen Kunst auf das mittelalterliche Italien ist offensichtlich. Die frühen Mosaiken in den Kirchen Italiens, wie jene in Ravenna und Venedig, sind ebenfalls Beispiele des dominierenden byzantinischen Einflusses. Aber das frühe Mittelalter bietet nur wenige Orientierungspunkte, um den Studenten zu führen; und erst im 12. Jahrhundert mit seinen Fresken und Miniaturen, die immer noch den Eindruck der byzantinischen Tradition tragen, kann er sich davon überzeugen, dass die Verbindung in den dazwischenliegenden Jahrhunderten immer bestanden hat.

8. bis 12. Jahrhundert:
Dieser reich verzierte Text, der das Johannes-Evangelium im Buch von Kells, Anfang des 9. Jahrhunderts, öffnet, zeigt den insularen Stil der Erleuchtung: dekorativ und nicht illustrativ.
In den einheimischen Schulen der Beleuchtung Westeuropas war Dekoration nur das Hauptmotiv. In den Manuskripten der merowingischen Zeit, in der Schule, die Frankland und Norditalien verband und als lombardisch oder französisch-lombardisch bekannt ist, in den Manuskripten Spaniens, in den Inszenierungen der Insularen Kunst der Britischen Inseln, Figurenzeichnung war kaum bekannt und diente eher als Dekorationsmerkmal als als Repräsentation der menschlichen Form.

Die angelsächsische Schule entwickelte sich besonders in Canterbury und Winchester, die ihre charakteristische Freihandzeichnung aus klassischen römischen Vorbildern wohl kaum durch das byzantinische Element beeinflußte. Die höchsten Qualitäten der Miniaturen des 10. und 11. Jahrhunderts dieser Schule liegen in einer feinen Umrisszeichnung, die die englische Miniatur der späteren Jahrhunderte nachhaltig beeinflusste. Aber die südliche angelsächsische Schule steht eher abseits der allgemeinen Entwicklungslinie der westlichen mittelalterlichen Miniatur.

Unter den karolingischen Monarchen entwickelte sich eine von klassischen Vorbildern abgeleitete Schule der Malerei, hauptsächlich des byzantinischen Typs. In dieser Schule, die ihren Ursprung der Ermutigung Karls des Großen verdankte, sieht man, dass die Miniatur in zwei Formen erscheint. Da ist zuerst die wirklich konventionelle Miniatur, die dem byzantinischen Vorbild folgt, wobei die Motive im allgemeinen die Porträts der vier Evangelisten oder Porträts der Kaiser selbst sind: die Figuren formell; die Seiten brillant gefärbt und vergoldet, in der Regel in architektonische Umgebungen eines festen Typs und ohne Landschaft im wahrsten Sinne des Wortes. Begleitet von einer üppigen Dekoration in der Grenze und in der Initiale, bildete es das Muster für die späteren kontinentalen Schulen des Westens. Auf der anderen Seite gibt es auch die Miniatur, in der es einen Versuch der Illustration gibt, wie zum Beispiel die Darstellung von Szenen aus der Bibel. Hier gibt es mehr Freiheit; und wir verfolgen den klassischen Stil, der römische, im Gegensatz zu byzantinischen Modellen kopiert.

Der Einfluß, den die karolingische Schule auf die Miniaturen der angelsächsischen Künstler des Südens ausübte, zeigt sich in der ausgedehnten Verwendung von Körperfarbe und in der aufwendigeren Verwendung von Gold in der Dekoration. Eine solche Handschrift wie der Benediktiner von St. Æthelwold, Bischof von Winchester, 963 bis 984, mit seiner Serie von Miniaturen, die im einheimischen Stil gezeichnet, aber in opaken Pigmenten gemalt sind, zeigt den Einfluss der ausländischen Kunst. Aber die eigentliche Zeichnung blieb im wesentlichen national, gekennzeichnet durch ihre eigene Behandlung der menschlichen Figur und durch die Disposition der Draperie mit flatternden Falten. Der Stil wurde verfeinert, Tendenz zur Übertreibung und Unverhältnismäßigkeit der Gliedmaßen. Mit der normannischen Eroberung starb diese bemerkenswerte einheimische Schule.

Mit dem Erwachen der Kunst im 12. Jahrhundert erhielt die Dekoration von Handschriften einen starken Impuls. Die Künstler der Zeit zeichneten sich in der Grenze und der Initiale aus, aber in der Miniatur gab es auch kräftige Zeichnung, mit kühnen geschwungenen Linien und sorgfältigem Studium der Draperien. Die Künstler wurden in der Figurenzeichnung geübter, und während es immer noch die Tendenz gab, die gleichen Themen in der gleichen konventionellen Weise zu wiederholen, erzeugte die individuelle Anstrengung in diesem Jahrhundert viele Miniaturen sehr edlen Charakters.

Die normannische Eroberung hatte England direkt in die kontinentale Kunstgeschichte gebracht; und nun begann die Gruppierung der französischen und der englischen und der flämischen Schulen, die durch den wachsenden Verkehr und durch gemeinsame Impulse gefördert wurden und zu den großartigen Produktionen der Illuminatoren Nordwesteuropas ab der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts führten .

Aber von der natürlichen Landschaft gibt es nichts, außer Felsen und Bäume von einem stereotypen Charakter können so angesehen werden. Daher wurde der Hintergrund der Miniatur des 12. und unmittelbar folgenden Jahrhunderts zum Dekorationsfeld, um die Figuren in der Szene stärker hervorzuheben. Und so entstand die Praxis, den ganzen Raum mit einer oft polierten Goldplatte auszufüllen: eine brillante Ornamentik, die wir bereits in der byzantinischen Schule praktiziert haben. Wir müssen auch die konventionelle Behandlung der heiligen Gestalten bemerken, die fortan aus einem Gefühl der Verehrung heraus in den traditionellen Roben der frühen Jahrhunderte gekleidet sind, während die anderen Figuren der Szene die gewöhnliche Kleidung jener Zeit tragen.

13. bis 15. Jahrhundert:
Wenn wir das 13. Jahrhundert betreten, erreichen wir die Zeit, in der die Miniatur die moderne falsche Etymologie rechtfertigt, die den Titel mit der Genauigkeit verbindet. Der breite, kühne Stil des 12. Jahrhunderts gibt dem genauen und winzigen Platz Platz. Bücher im Allgemeinen tauschten ihre Form vom großen Folio zum Octavo und kleineren Größen aus. Es gab eine größere Nachfrage nach Büchern; und Pergament war in der Quantität begrenzt und musste weiter gehen. Die Handschrift wurde kleiner und verlor die Rundheit des 12. Jahrhunderts. Kontraktionen und Abkürzungen in den Texten nahmen stark zu. Überall wird versucht, Platz zu sparen. Und so mit der Miniatur. Die Figuren waren klein, mit feinen Strichen in den Gesichtszügen und mit gepflegten schlanken Körpern und Gliedmaßen. Die Hintergründe leuchten mit Farbe und brüniertem Gold; und zarte Windelmuster von abwechselndem Gold und Farbe sind reichlich vorhanden. Häufig, und besonders in englischen Manuskripten, sind die Zeichnungen lediglich getönt oder mit transparenten Farben gewaschen. Auch in diesem Jahrhundert dringt die Miniatur in die Initiale ein. Während in den früheren Perioden fette blühende Schriftrollen die Mode sind, wird jetzt eine kleine Szene in die Leerstellen des Briefes eingeführt.

Um die Arbeit der drei Schulen zu vergleichen, ist die Zeichnung der englischen Miniatur im besten Fall vielleicht die anmutigste; das Französisch ist das sauberste und das genaueste; die flämische, einschließlich der westdeutschen, ist weniger verfeinert und in härteren und stärkeren Linien. Was die Farben anbelangt, so wirkt der englische Künstler auf etwas hellere Tönungen als die der anderen Schulen: Eine Voreingenommenheit ist für hellgrün, für graublau und für See zu beobachten. Der französische Künstler liebte tiefere Töne, besonders Ultramarin. Der Flame und der Deutsche malten in der Regel in weniger reinen Farben und neigten zur Schwere. Ein bemerkenswertes Merkmal in französischen Manuskripten ist das rote oder kupferfarbene Gold, das in ihren Illuminationen verwendet wurde, in starkem Gegensatz zum blasseren Metall Englands und der Niederlande.

Es ist bemerkenswert, wie die Kunst der Miniatur während des 13. Jahrhunderts ihre hohe Qualität sowohl in der Zeichnung als auch in der Farbe beibehielt, ohne dass es zu einer markanten Veränderung kam. Während des ganzen Jahrhunderts waren die Bibel und der Psalter günstig; und natürlich liefen die gleichen Themen und die gleichen Szenen durch die Periode und wurden von Künstler für Künstler wiederholt; und der Charakter dieser heiligen Bücher würde Innovationen eher einschränken. Aber gegen Ende der Periode wurden solche weltlichen Werke wie die Romanzen immer populärer und boten ein breiteres Feld für die Erfindung des illustrierenden Künstlers. Mit der Eröffnung des 14. Jahrhunderts kommt es daher zu einem spürbaren Stilwechsel. Wir gehen zu mehr fließenden Linien über; nicht zu den kühnen, geschwungenen Strichen und Kurven des 12. Jahrhunderts, sondern zu einem anmutigen, zarten, nachgiebigen Stil, der die schönen schwankenden Figuren dieser Zeit hervorbrachte. Tatsächlich beginnt sich die Miniatur nun von der Rolle eines integralen Bestandteils des dekorativen Beleuchtungsschemas zu lösen und sich je nach ihrem künstlerischen Wert für die zukünftige Position in das Bild zu entwickeln. Dies zeigt sich an dem prominenteren Platz, den die Miniatur nun einnimmt, und an ihrer wachsenden Unabhängigkeit von der dekorativen Grenze und Initiale.

Gleichzeitig aber strebt die Miniatur des 14. Jahrhunderts danach, sich von den übrigen illuminierten Details des Manuskriptes zu distanzieren, in sich blüht sie in der Dekoration. Neben der größeren Elastizität des pigmentierten Zeichens gibt es eine parallele Entwicklung in den Designs der Hintergründe. Die Windeln werden kunstvoller und brillanter; die Schönheit des brünierten Goldes wird durch die gepunkteten Muster verstärkt, die häufig darauf bearbeitet werden; Die gotischen Vordächer und andere architektonische Merkmale, die es zu praktizieren gab, folgten natürlich der Entwicklung der Architektur jener Zeit. Mit einem Wort, die große Ausdehnung des künstlerischen Gefühls in der Dekoration der besten Art, die im höheren Werk des 14. Jahrhunderts so prominent ist, ist in der belichteten Miniatur ebenso bemerkenswert.

In der ersten Hälfte des Jahrhunderts ist englische Zeichnung sehr anmutig, die Figuren biegen sich mit einer winkenden Bewegung, die, wenn sie nicht so einfach wäre, eine Affektiertheit wäre. Sowohl in den Umrissmustern, mit transparenter Farbe gewaschen, als auch in der vollen. gemalte Beispiele, die beste englische Arbeit dieser Zeit ist unübertroffen. Die französische Kunst behält immer noch ihre ordentliche Präzision bei, die Farben sind lebendiger als die von England und die Gesichter sind ohne viel Modellierung fein angedeutet. Die Produktionen der Niederlande, die immer noch dem schwereren Stil der Zeichnung folgen, erscheinen neben den Werken der anderen Schulen grob. Auch die deutsche Miniaturkunst dieser Zeit hat keine hohe Stellung, da sie in der Regel mechanisch und von rustikalem Charakter ist. Im Laufe der Zeit monopolisiert die französische Miniatur das Feld, brilliert in der Farbigkeit, verliert aber viel von ihrer Reinheit der Zeichnung, obwohl der allgemeine Standard immer noch hoch bleibt. Die englische Schule rückt allmählich zurück und scheint, zweifellos aus politischen Gründen und den Kriegen mit Frankreich, keine nennenswerte Arbeit hervorgebracht zu haben. Erst gegen Ende des 14. Jahrhunderts gibt es eine Wiederbelebung.

Diese Erweckung wurde einer Verbindung mit der blühenden Schule von Prag zugeschrieben, einer Schule, die in der Farbgebung einen südlichen Einfluss auf die Hochzeit von Richard II. Mit Anne von Böhmen im Jahre 1382 vermuten lässt. Der neue Stil der englischen Miniaturmalerei zeichnet sich durch Reichtum der Farbe und durch die sorgfältige Modellierung der Gesichter, die im Vergleich mit der leichteren Behandlung durch die zeitgenössischen französischen Künstler günstig ist. Ähnliches gilt auch für die nordflämische oder niederländische Schule in dieser Zeit und im frühen 15. Jahrhundert; und es kann daher als ein Attribut der germanischen Kunst angesehen werden, die sich vom französischen Stil unterscheidet.

Das Versprechen der Neuentwicklung in englischer Miniaturmalerei war jedoch nicht zu erfüllen. Im ersten Viertel des 15. Jahrhunderts wurden Beispiele von großem Verdienst produziert, aber in der Zeichnung und durch mittelalterliche Konventionen stillgelegt. Die heimische Kunst kam praktisch um die Mitte des Jahrhunderts zu einem Ende, als die bessere Wertschätzung der Natur die alte konventionelle Darstellung der Landschaft in der europäischen Kunst auflöste und die Miniatur in ein modernes Bild verwandelte. Jedes Miniaturgemälde, das nach dieser Zeit in England entstehen sollte, sollte das Werk fremder Künstler oder von Künstlern sein, die einen fremden Stil nachahmen. Der Zustand des Landes während der Rosenkriege erklärt hinreichend die Aufgabe der Kunst. So muss die Geschichte der Miniatur im 15. Jahrhundert in den Manuskripten der kontinentalen Schulen gesucht werden.

Zuerst müssen wir Nordfrankreich und die Niederlande berücksichtigen. Als sie aus dem 14. Jahrhundert kommt und in das 15. Jahrhundert eintritt, beginnt die Miniatur beider Schulen größere Freiheit in der Zusammensetzung zu zeigen; und es gibt eine weitere Tendenz, durch die Färbung eher eine allgemeine Wirkung als eine reine Zeichnung zu erzielen. Dies wurde durch das erweiterte Feld für den Miniaturisten gefördert. Bücher aller Art wurden illustriert, und heilige Bücher, Bibeln und Psalter und liturgische Bücher waren nicht mehr die wichtigsten, wenn nicht die einzigen Manuskripte, die erleuchtet wurden. Und doch gab es eine Klasse von Manuskripten, die zur größten Prominenz kam und gleichzeitig liturgisch war. Dies waren die Horen, oder Stundenbuch, Andachtsbücher für den individuellen Gebrauch, die in großer Zahl vervielfältigt wurden und einige der besten Werke der Miniaturisten enthielten. Die Ausschmückung dieser kleinen Bände entglitt in hohem Maße den konventionellen Beschränkungen, die ihr religiöser Charakter vielleicht auferlegt hatte. Außerdem hatte die Nachfrage nach illuminierten Manuskripten zu dieser Zeit einen regelmäßigen Handel begründet; und ihre Produktion wurde nicht, wie früher, zum Kloster beschränkt. Bemerkenswerte säkulare illuminierte Manuskriptkünstler schließen Meister Honoré der Paraisan Schule ein.

Anfang des Jahrhunderts behielt die alte konventionelle Behandlung der Landschaft noch ihre eigene Geltung; noch ging der gewindelte und vergoldete Hintergrund außer Gebrauch. In der Tat, in einigen der besten französischen Exemplare der Zeit sind die Windelmuster brillanter denn je. Aber die Naturlandschaft im zweiten Viertel des Jahrhunderts behauptet sich entschiedener, wenn auch mit perspektivischen Fehlern. Erst als eine andere Generation auftauchte, gab es eine wahre Wertschätzung des Horizontes und der atmosphärischen Wirkung.

Die Miniaturen der französischen und flämischen Schulen verlaufen zeitweise ziemlich parallel, aber nach der Mitte des Jahrhunderts werden die nationalen Besonderheiten stärker und divergenter. Die französische Miniatur begann sich zu verschlechtern, obwohl einige sehr gute Beispiele von den begabteren Künstlern der Schule produziert wurden. Die Figurenzeichnung war nachlässiger, und das Gemälde neigte zu Härte ohne Tiefe, die der Künstler durch eine übermäßige Vergoldung zu entlasten suchte.

Die flämische Schule in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts erreichte ihre höchste Qualität. Die flämische Miniatur beeinflusste extreme Weichheit und Farbtiefe; auch eine zunehmende Sorgfalt bei der Behandlung der Details, der Draperien, des Ausdrucks der Merkmale: der flämische Typ des Gesichtes der Jungfrau, zum Beispiel, mit seiner vollen, hohen Stirn, kann nie verwechselt werden. In den besten flämischen Miniaturen dieser Zeit gelingt es dem Künstler, eine wunderbare Weichheit und Farbigkeit zu präsentieren; Auch das hohe Niveau hörte mit dem 15. Jahrhundert nicht auf, denn viele ausgezeichnete Exemplare zeugen noch immer von dem Gefallen, in dem es noch einige Jahrzehnte gehalten wurde.

In den vorhergehenden Ausführungen gilt das, was im Hinblick auf die sorgfältige Behandlung von Einzelheiten gesagt wurde, noch mehr für die Miniaturen, die in Grisaille ausgeführt wurden, in denen die Abwesenheit von Farbe eine noch stärkere Betonung dieser Behandlung lud. Dies ist vielleicht am deutlichsten in den Grisaille-Miniaturen von Nordflandern zu sehen, die oft, besonders in den starken kantigen Linien der Draperien, eine Verbindung mit der Kunst des Holzschneiders andeuten.

Die flämische Miniatur hatte jedoch keine Rivalität mit Westeuropa. Dieser Rivale war im Süden entstanden und hatte sich im 15. Jahrhundert parallel zur Miniatur der Niederlande entwickelt. Dies war die italienische Miniatur, die die gleichen Stationen durchlief wie die Miniaturen von England und Frankreich und den Niederlanden. Die Interkommunikation zwischen den Ländern Europas war zu gut begründet, als dass der Fall anders hätte sein können. In italienischen Manuskripten des normalen Typs ist der Einfluss der byzantinischen Kunst im 13. und 14. Jahrhundert sehr deutlich. Das alte System der Bemalung der Fleischtönungen auf olivgrün oder ähnlichem Pigment, das auf den Linien der Merkmale freigelegt ist und so einen dunklen Teint erhält, wurde bis zum 15. Jahrhundert in mehr oder weniger modifizierter Form weiter praktiziert. In der Regel sind die verwendeten Pigmente undurchsichtiger als die in den nördlichen Schulen verwendeten; und der Künstler vertraute mehr auf Farbe allein, um die gewünschte Wirkung zu erzielen, als auf die Mischung von Farbe und Gold, die solche glänzenden Ergebnisse in den Windelmustern Frankreichs gab. Das lebhafte Scharlachrot der italienischen Miniaturisten ist eigentümlich. Die Figurenzeichnung ist weniger realistisch als die zeitgenössische Kunst englischer und französischer Manuskripte, die menschliche Form ist oft dickgestellt. Im Allgemeinen ist die italienische Miniatur vor ihrer großen Expansion im 14. Jahrhundert weit hinter den Miniaturen des Nordens zurückgeblieben. Aber mit dem 15. Jahrhundert, unter dem Einfluss der Renaissance, stieg es in die vordere Reihe und konkurrierte mit der besten Arbeit der flämischen Schule. Die Verwendung dickerer Pigmente ermöglichte es dem Miniaturisten, die für seine Arbeit so charakteristische harte und polierte Oberfläche zu erhalten und die Konturscharfe zu erhalten, ohne die Tiefe und Farbigkeit zu verlieren, die mit den gleichen Eigenschaften in der flämischen Schule vergleichbar sind.

Der italienische Stil wurde in den Manuskripten der Provence im 14. und 15. Jahrhundert verfolgt. Es wirkte sich auch auf die Schule Nordfrankreichs aus, von der es auch wiederum beeinflusst wurde. In den Manuskripten Süddeutschlands ist es ebenfalls zu sehen. Aber die Prinzipien, die in den wichtigeren Schulen als Leitlinie für die Entwicklung der Miniatur betrachtet wurden, gelten für alle gleichermaßen. Wie die Miniatur der flämischen Schule wurde die italienische Miniatur auch unter dem Patronat noch im 16. Jahrhundert einigermaßen erfolgreich bearbeitet; aber mit der schnellen Verschiebung des Manuskripts durch das gedruckte Buch wurde die Beschäftigung des Miniaturisten beendet.

Persien
Reza Abbasi (1565-1635), als einer der berühmtesten persischen Maler aller Zeiten, spezialisiert auf die persische Miniatur, mit einer Vorliebe für naturalistische Themen. Heute sind seine erhaltenen Werke in vielen der großen Museen der westlichen Welt zu finden, wie dem Smithsonian, dem Louvre und dem Metropolitan Museum of Art.

Mughal-Miniaturen
Die Mogulmalerei entstand während der Zeit des Mogulreiches (16.-18. Jahrhundert) und beschränkte sich im Allgemeinen auf Miniaturen, entweder als Buchillustrationen oder als Einzelwerke, die in Alben aufbewahrt wurden. Es entstand aus der persischen Miniaturmalerei-Tradition, die Mitte des 16. Jahrhunderts von Mir Sayyid Ali und Abd al-Samad in Indien eingeführt wurde. Es entfernte sich bald von seinen safavidischen Ursprüngen; Mit dem Einfluss hinduistischer Künstler wurden Farben heller und Kompositionen naturalistischer. Das Sujet war überwiegend säkular und bestand hauptsächlich aus Illustrationen zu Werken der Literatur oder Geschichte, Porträts von Hofmitgliedern und Naturstudien. In seiner Blütezeit war die Mughal-Malerei eine elegante Verbindung von persischer, europäischer und hinduistischer Kunst.

Miniaturkunst Ausstellungen:
Für zeitgenössische Künstler und Sammler, die interessiert sind, Miniaturkunstausstellungen zu besuchen oder daran teilzunehmen, gibt es mehrere solcher Ausstellungen. Hier ist eine Liste ausgewählter Miniaturshows, die repräsentativ für Miniaturkunst sind, die heute auf der ganzen Welt gezeigt wird:

Jährliche internationale Miniaturausstellung der Kunst-Gesellschaft von Florida jeden Januar in Dunedin, FL USA (Einträge müssen weniger als 25 Quadratzoll in der Größe für Malereien sein, weniger als 8 Zoll in irgendeiner Dimension für Skulpturen und mit Aufmerksamkeit zum Detail geschaffen. Es gibt einige Ausnahmen für sehr kleine Motive, aber im Allgemeinen sollten die abgebildeten Objekte kleiner als 1/6 ihrer ursprünglichen Größe sein.)

Internationale Miniatur- und Kleinkunstausstellung von Sulphur Springs Valley jeden Februar, Willcox, AZ USA (Gemälde müssen weniger als 20 Quadratzoll groß sein und die Objekte müssen 1/6 ihrer Originalgröße oder weniger sein.)

Seaside Art Gallery Annual Miniatur Fine Art Show jeden Mai, Nags Head, NC USA (Gemälde müssen 42 Quadratzentimeter oder weniger von der Außenseite der Frames messen. Skulpturen können 6 Zoll in keiner Dimension überschreiten. Die 1/6 Regel gilt nicht für dieser Wettbewerb.)

Jährliche internationale Juried Miniatur Show in Parklane Gallery jeden Mai, Kirkland, WA USA (Einträge müssen weniger als 25 Quadratzentimeter groß für Gemälde, weniger als 4 Zoll in jeder Dimension für Skulpturen und mit viel Liebe zum Detail erstellt werden. Es gibt einige Ausnahmen für sehr kleine Motive, aber im Allgemeinen sollten die abgebildeten Objekte kleiner als 1/6 ihrer ursprünglichen Größe sein.)

Die Kunst der Miniatur Jährliche Invitational Miniatur Kunst Ausstellung in der Snow Goose Gallery jeden Mai, Bethlehem, PA USA (Einträge müssen weniger als 25 Quadratzentimeter groß für Gemälde und mit Liebe zum Detail erstellt werden. Es gibt einige Ausnahmen für sehr kleine Themen , aber im Allgemeinen sollten die abgebildeten Objekte kleiner als 1/6 ihrer ursprünglichen Größe sein.)

Heartland Art Guild Internationale Miniatur-Gemälde und Skulpturen Art Show jeden Juli, Miami County Historisches Museum in Paola, KS USA (Einträge müssen weniger als 25 Quadratzoll für Gemälde, weniger als 6 Zoll in jeder Dimension für Skulpturen, und mit Aufmerksamkeit erstellt werden Die abgebildeten Artikel sollten kleiner als 1/6 ihrer Originalgröße sein.)

Jährliches Gateway zu den Rockies Art Show, Aurora History Museum, jeden Oktober Aurora, CO USA (Traditionelle Miniatur-Regeln gelten nicht. Das einzige Kriterium ist, dass Bilder 36 Quadratzoll oder weniger groß sind.)

Miniaturen und mehr Invitational Show, Albuquerque Art Museum, jeden Oktober, Albuquerque, NM USA (Gemälde sind auf eine gerahmte Größe von maximal 324 Quadratzentimeter (Höhe x Breite) oder einem beliebigen Anteil von gerahmten Höhe und Breite zusammengerechnet insgesamt 36 Zoll oder begrenzt Für die Skulptur ist die Größenbeschränkung 15-20 Zoll oder kleiner in einer beliebigen Dimension – Höhe, Breite oder Länge.

Rat für die Künste Jährliche Miniaturkunstausstellung im Capitol Theatre Center jeden November, Chambersburg, PA USA (Bilder müssen 24 Quadratzentimeter oder weniger messen. Skulpturen dürfen 5 Zoll in keiner Dimension überschreiten. Die 1/6 Regel trifft darauf nicht zu Wettbewerb.)

Miniatur Maler Sculptors Gravers Gesellschaft von Washington DC jährlichen Miniatur-Ausstellung jeden November, Bethesda, MD USA (Gemälde Bilder müssen 25 Quadratzentimeter oder weniger messen. Skulpturen können 6 Zoll in keiner Dimension überschreiten. Einträge müssen den „Geist der Miniatur“, die umfasst Liebe zum Detail und die 1/6 Regel für Objekte, die nicht zu klein sind, um 1/6 ihrer Größe darzustellen.)

Jährliche nordamerikanische Miniaturkunstausstellung in der Kunstgalerie von Fells Point, Baltimore, MD, USA (Bilder müssen 24 Quadratzentimeter oder weniger messen. Skulpturen dürfen 8 Zoll in keiner Dimension überschreiten. Die Einträge müssen dem „Geist der Miniatur“ entsprechen Liebe zum Detail und die 1/6 Regel für Objekte, die nicht zu klein sind, um 1/6 ihrer Größe darzustellen.)