Matisse Museum in Nizza, Provence-Alpes-Côte d’Azur, Frankreich

Das Matisse-Museum in Nizza ist der Arbeit des französischen Malers Henri Matisse gewidmet. Es vereint eine der weltweit größten Sammlungen seiner Werke, die es uns ermöglicht, seine künstlerische Reise und seine Entwicklungen von seinen Anfängen bis zu seinen neuesten Werken nachzuvollziehen. Das Museum befindet sich in der Villa des Arenes, einer genuesischen Villa aus dem xvii. Jahrhundert in der Gegend von Cimiez, und wurde 1963 eröffnet.

Das als „Musée de France“ eingestufte Musée Matisse erstreckt sich über eine Gesamtfläche von 2.800 m2, von denen 1.200 m2 Ausstellungsfläche die Villa und die Erweiterung umfassen. 2013 wurde die Keramik La Piscine, ein Geschenk von Claude und Barbara Duthuit, ausgestellt In einem speziellen Raum auf der Eingangsebene installiert. 2017 begann eine Renovierungskampagne. Sie begann mit einer Neufassung der Besucherroute, der Umgestaltung des Eingangsraums und der Installation von Lehrmitteln.

Das Musée Matisse ist Teil eines riesigen Patrimonialkomplexes der Cimiez-Stätte, der die römischen Arenen und Ruinen, einen Garten mit hundertjährigen Olivenbäumen sowie das Cimiez-Kloster umfasst.

Henri Matisse
Henri Matisse war ein französischer Künstler, Maler, Zeichner und Bildhauer, der vor allem als Maler bekannt war, sowohl wegen seiner Verwendung von Farben als auch wegen seiner fließenden und originellen Zeichenkunst. Matisse wird zusammen mit Pablo Picasso allgemein als einer der Künstler angesehen, die am besten dazu beigetragen haben, die revolutionären Entwicklungen in der bildenden Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts zu definieren, die für bedeutende Entwicklungen in der Malerei und Skulptur verantwortlich sind.

Als bedeutende Figur des 20. Jahrhunderts ist ihr Einfluss auf die Kunst der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts durch die Verwendung von Vereinfachung, Stilisierung, Synthese und Farbe als alleinigem Gegenstand des Gemäldes beträchtlich, sowohl für die vielen figurativen als auch für die abstrakten Maler wird auf ihn und seine Entdeckungen Anspruch erheben. Er war der Anführer des Fauvismus. Viele seiner schönsten Werke entstanden etwa im Jahrzehnt nach 1906, als er einen rigorosen Stil entwickelte, der abgeflachte Formen und dekorative Muster betonte. 1917 zog er in einen Vorort von Nizza an der französischen Riviera, und der entspanntere Stil seiner Arbeit in den 1920er Jahren brachte ihm die Anerkennung als Verfechter der klassischen Tradition der französischen Malerei ein. Nach 1930 nahm er eine kühnere Vereinfachung der Form an. Als ihn die Krankheit in seinen letzten Jahren am Malen hinderte,

Seine Beherrschung der Ausdruckssprache von Farbe und Zeichnung, die in einem über ein halbes Jahrhundert umfassenden Werk gezeigt wurde, brachte ihm die Anerkennung als eine der führenden Figuren der modernen Kunst ein. Pablo Picasso, der sein Freund war und ihn als seinen Rivalen betrachtete, Andy Warhol, der „Matisse sein wollte“, alle Maler des 20. Jahrhunderts wurden mit dem Ruhm und Genie von Matisse konfrontiert.

Fauvismus
Der Fauvismus als Stil begann um 1900 und setzte sich über 1910 hinaus fort. Die Bewegung als solche dauerte nur wenige Jahre, 1904–1908, und hatte drei Ausstellungen. Die Führer der Bewegung waren Matisse und André Derain. Matisses erste Einzelausstellung fand 1904 in der Galerie von Ambroise Vollard statt, ohne großen Erfolg. Seine Vorliebe für helle und ausdrucksstarke Farben verstärkte sich, nachdem er im Sommer 1904 mit den Neoimpressionisten Signac und Henri-Edmond Cross in St. Tropez gemalt hatte. In diesem Jahr malte er die wichtigsten seiner Werke im neoimpressionistischen Stil, Luxe, Calme et Volupté. 1905 reiste er erneut nach Süden, um mit André Derain in Collioure zu arbeiten. Seine Gemälde dieser Zeit zeichnen sich durch flache Formen und kontrollierte Linien aus, wobei der Pointillismus weniger streng als zuvor verwendet wird.

Matisse und eine Gruppe von Künstlern, die heute als „Fauves“ bekannt sind, stellten 1905 gemeinsam in einem Raum im Salon d’Automne aus. Die Gemälde drückten Emotionen mit wilden, oft dissonanten Farben aus, ohne Rücksicht auf die natürlichen Farben des Motivs. Matisse zeigte Open Window und Woman with the Hat im Salon. Der Kritiker Louis Vauxcelles kommentierte eine einsame Skulptur, die von einer „Orgie reiner Töne“ umgeben war, als „Donatello chez les fauves“ (Donatello unter den wilden Tieren) und bezog sich auf eine Skulptur vom Typ Renaissance, die den Raum mit ihnen teilte. Sein Kommentar wurde am 17. Oktober 1905 in Gil Blas, einer Tageszeitung, gedruckt und allgemein verwendet. Die Ausstellung stieß auf scharfe Kritik – „Ein Topf mit Farbe wurde der Öffentlichkeit ins Gesicht geworfen“, sagte der Kritiker Camille Mauclair -, aber auch auf positive Aufmerksamkeit.

Matisse wurde zusammen mit André Derain als Anführer der Fauves anerkannt; Die beiden waren freundliche Rivalen, jeder mit seinen eigenen Anhängern. Weitere Mitglieder waren Georges Braque, Raoul Dufy und Maurice de Vlaminck. Der symbolistische Maler Gustave Moreau (1826–1898) war der inspirierende Lehrer der Bewegung. Als Professor an der École des Beaux-Arts in Paris drängte er seine Studenten, außerhalb der Grenzen der Formalität zu denken und ihren Visionen zu folgen.

Anfang 1905 nahm Matisse am Salon des Indépendants teil. Im Sommer 1905 blieb er in Begleitung von Derain an den Ufern des Mittelmeers in Collioure. Er trifft den Bildhauer Maillol. Im Salon d’Automne im Jahr 1905 verursachte das Aufhängen von Werken von Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain und Kees van Dongen einen Skandal durch die reinen und gewalttätigen Farben, die flach auf ihre Leinwände gelegt wurden. Als der Kritiker Louis Vauxcelles diese Gemälde im selben Raum gruppiert sieht, beschreibt er in einem Artikel mit dem Titel „Le Salon d’automne“, der am 17. Oktober 1905 in Gil Blas veröffentlicht wurde, das Wohnzimmer Raum für Raum. Er schreibt insbesondere „Raum Nr. VII. MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Raum archi-klar, gewagt, empörend, dessen Absichten entschlüsselt werden müssen, Den Klugen und Narren das Recht zu lachen lassen, Kritik zu leicht. In der Mitte des Raumes ein Kindertorso und eine kleine Marmorbüste von Albert Marque, der mit feiner Wissenschaft modelliert. Die Offenheit dieser Büsten überrascht mitten in der Orgie der reinen Töne: Donatello chez les fauves… “.

Der Name „Fauve“ wurde sofort von den Malern selbst übernommen und beansprucht. Diese Periode markiert auch die Anerkennung von Matisses Werk und ermöglicht ihm schließlich eine relative materielle Leichtigkeit; Er wird zum Anführer des Fauvismus.

Matisse erklärt es so:
Die Farbe wurde proportional zur Form. Die Form änderte sich entsprechend den Reaktionen der farbigen Nachbarschaften. Weil der Ausdruck von der farbigen Oberfläche kommt, die der Zuschauer in seiner Gesamtheit erfasst. „“

André Gide schreibt in der Promenade au salon d’Automne:
„Ich möchte zugeben, dass Herr Henri Matisse die besten natürlichen Begabungen hat. Die Leinwände, die er heute präsentiert, sehen aus wie Theorempräsentationen. Alles kann abgeleitet, erklärt werden, Intuition hat nichts zu tun.“

An den Wänden von Montparnasse konnte man lesen: „Matisse verrückt, Matisse ist gefährlicher als Absinth.“ Im selben Jahr traf er Edmond-Marie Poullain und Signac kauft Luxe, Calme et Volupté. Im Jahr 1907 schrieb Guillaume Apollinaire in seinen Rezensionen:
„Jedes Gemälde, jede Zeichnung von Henri Matisse hat eine Tugend, die wir nicht immer identifizieren können, die aber eine echte Stärke ist. Und es ist die Stärke der Künstlerin, sie nicht zu verärgern, sie handeln zu lassen. Wenn man die Arbeit von Henri vergleichen müsste Matisse zu etwas, müsste man sich für Orange entscheiden. Wie sie ist das Werk von Henri Matisse eine Frucht blendenden Lichts. Mit vollkommenem guten Glauben und dem reinen Wunsch, sich selbst zu kennen und zu verwirklichen, hat dieser Maler nie aufgehört, seinem Instinkt zu folgen. Er überlässt es ihr, zwischen den Emotionen zu wählen, die Fantasie zu beurteilen und einzuschränken und das Licht gründlich zu hinterfragen, nichts als das Licht. Auf einen Blick wurde seine Kunst entkleidet und trotz ihrer immer größeren Einfachheit wurde sie immer wieder üppiger. Es ist nicht die Fähigkeit, die diese Kunst einfacher und die Arbeit lesbarer macht. Aber,Die Schönheit des Lichts verschmilzt jeden Tag mehr und mehr mit der Tugend des Instinkts, auf den sich der Künstler vollständig verlässt. Alles, was sich dieser Vereinigung widersetzte, verschwindet, wenn Erinnerungen manchmal in den Nebeln der Vergangenheit verschmelzen. “

1907 schrieb Guillaume Apollinaire in einem in La Falange veröffentlichten Artikel über Matisse: „Wir sind nicht hier in Gegenwart eines extravaganten oder extremistischen Unternehmens: Matisses Kunst ist äußerst vernünftig.“ Aber auch Matisses damalige Arbeit stieß auf heftige Kritik, und es fiel ihm schwer, für seine Familie zu sorgen. Sein Gemälde Nu bleu (1907) wurde 1913 auf der Armory Show in Chicago als Bildnis verbrannt.

Am 18. September 1909 unterzeichnet Matisse seinen Vertrag mit der Galerie Josse und Gaston Bernheim, die ihn ausstellt. Dieser Vertrag sieht vor, dass Matisse 25% des Verkaufspreises der Gemälde erhält. Der Dreijahresvertrag wurde um siebzehn Jahre verlängert. Matisse fand sich in seinen eigenen Worten wieder: „Verdammt, nur Meisterwerke zu machen.“

Der Niedergang der fauvistischen Bewegung nach 1906 hatte keinen Einfluss auf die Karriere von Matisse; Viele seiner schönsten Werke entstanden zwischen 1906 und 1917, als er aktiv an der großen Sammlung künstlerischer Talente in Montparnasse teilnahm, obwohl er mit seinem konservativen Auftreten und seinen strengen bürgerlichen Arbeitsgewohnheiten nicht ganz dazu passte. Er nahm weiterhin neue Einflüsse auf. Er reiste 1906 nach Algerien und studierte afrikanische Kunst und Primitivismus. Nachdem er 1910 eine große Ausstellung islamischer Kunst in München gesehen hatte, verbrachte er zwei Monate in Spanien und studierte maurische Kunst. Er besuchte Marokko 1912 und erneut 1913 und nahm während des Malens in Tanger einige Änderungen an seiner Arbeit vor, einschließlich seiner Verwendung von Schwarz als Farbe. Die Wirkung auf Matisses Kunst war eine neue Kühnheit bei der Verwendung intensiver, unmodulierter Farben, wie in L’Atelier Rouge (1911).

Matisse hatte eine lange Beziehung zum russischen Kunstsammler Sergei Shchukin. Er schuf eines seiner Hauptwerke La Danse speziell für Shchukin im Rahmen eines Auftrags mit zwei Gemälden, das andere Gemälde war Musik von 1910. Eine frühere Version von La Danse (1909) befindet sich in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York Stadt.

Gertrude Stein
Matisse lernte die in Paris lebenden amerikanischen Sammler Leo und Gertrude Stein kennen, die ihm Frau mit Hut (San Francisco Museum of Modern Art) kauften, ein Porträt von Madame Matisse, das im „Cage aux Fauves“ ausgestellt wurde. 1907 lernte er zu Hause Picasso kennen. Gertrude Stein definierte die beiden Künstler als „Nordpol“ (Matisse) und „Südpol“ (Picasso) der modernen Kunst. Fernande Olivier erinnert sich, dass Matisse beim Abendessen in der Stadt gelehrt und bekennend wirkte, nur mit Ja oder Nein antwortete oder plötzlich in endlosen Theorien versank. „Matisse, viel älter, ernst, hatte nie die Ideen von Picasso.“ Dann findet Matisse den Kritiker Louis Vauxcelles, dem er bei der Jury des Salons ein Gemälde von Georges Braque „in kleinen Würfeln“ gesehen haben soll, das Matisse tauft unter dem Namen „Kubismus“.

Um den April 1906 traf er Pablo Picasso, der 11 Jahre jünger als Matisse war. Die beiden wurden sowohl lebenslange Freunde als auch Rivalen und werden oft verglichen. Ein wesentlicher Unterschied zwischen ihnen ist, dass Matisse aus der Natur gezeichnet und gemalt hat, während Picasso eher dazu neigte, aus der Fantasie heraus zu arbeiten. Die von beiden Künstlern am häufigsten gemalten Motive waren Frauen und Stillleben, wobei Matisse seine Figuren eher in vollständig realisierten Innenräumen platzierte. Matisse und Picasso wurden erstmals im Pariser Salon von Gertrude Stein mit ihrer Begleiterin Alice B. Toklas zusammengebracht. Während des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts waren die Amerikaner in Paris – Gertrude Stein, ihre Brüder Leo Stein, Michael Stein und Michaels Frau Sarah – wichtige Sammler und Unterstützer von Matisses Gemälden. Darüber hinaus Gertrude Stein ‚ Die beiden amerikanischen Freunde aus Baltimore, die Cone-Schwestern Claribel und Etta, wurden Hauptförderer von Matisse und Picasso und sammelten Hunderte ihrer Gemälde und Zeichnungen. Die Cone-Sammlung ist jetzt im Baltimore Museum of Art ausgestellt.

1908 veröffentlichte Matisse Note of a Painter. Im selben Jahr eröffnete Matisse unter anderem mit finanzieller Hilfe von Sarah und Michael Stein eine freie Akademie im Couvent des Oiseaux, dann im Hôtel de Biron (wo Rodin seinen Präsentationsworkshop hatte). Der Erfolg war sofort spürbar: Von insgesamt 120 eingeschriebenen Studenten waren überwiegend ausländische Studenten, da es keine französischen und hauptsächlich jungen skandinavischen Maler sowie Deutsche aus dem Kreis des Café du Dôme gab. Der Maler Hans Purrmann ist genannt „großer massier“. Die Matisse-Akademie wurde 1911 geschlossen.

Während zahlreiche Künstler den Stein-Salon besuchten, waren viele dieser Künstler nicht unter den Gemälden an den Wänden in der Rue de Fleurus 27 vertreten. Während die Werke von Renoir, Cézanne, Matisse und Picasso die Sammlung von Leo und Gertrude Stein dominierten, betonte die Sammlung von Sarah Stein besonders Matisse.

Die Zeitgenossen von Leo und Gertrude Stein, Matisse und Picasso wurden Teil ihres sozialen Kreises und nahmen routinemäßig an den Versammlungen teil, die am Samstagabend in der Rue de Fleurus 27 stattfanden. Gertrude schrieb Matisse die Anfänge der Salons am Samstagabend zu und bemerkte:
„Immer häufiger besuchten die Leute die Matisse-Gemälde – und die Cézannes: Matisse brachte Leute, jeder brachte jemanden, und sie kamen zu jeder Zeit, und es wurde ein Ärgernis, und auf diese Weise waren es Samstagabende begann.“

Matisse erinnert sich an seine Lehrtätigkeit im Jahr 1951: „Ich kam immer wieder abends vorbei, um zu sehen, was sie taten. Mir wurde schnell klar, dass ich mich zuerst meiner eigenen Arbeit widmen musste, dass ich auch Ausgaben riskierte Nach jeder Kritik befand ich mich vor Lämmern, die ich Woche für Woche endlos wieder auf die Beine stellen musste, um sie zu Löwen zu machen. Dann fragte ich mich, ob ich tatsächlich Maler war oder ein Lehrer; ich kam zu dem Schluss, dass ich Maler war und schnell die Schule verließ. “

1909 bestellte der russische Sammler Sergei Chtchoukine zwei Gemälde bei ihm: La Danse und La Musique. Diese beiden Leinwände, die vom Maler als zwei Meisterwerke angesehen werden, wurden 1910 im Salon d’Automne ausgestellt und 1911 in Moskau installiert.

Der Tanz wird von Marcel Sembat beschrieben: „Ein rasender Kreis dreht rosa Bewegungen auf blauem Hintergrund. Links treibt eine große Figur die ganze Kette an. Was für eine Trunkenheit. Was für eine Bacchantin. Diese souveräne Arabeske, diese packende Kurve, die von der Kurve ausgeht Kopf zur vorspringenden Hüfte steigt entlang des ausgestreckten Beins ab. “

Zwischen 1908 und 1912 wurden seine Werke in Moskau, Berlin, München und London ausgestellt. Matisse und Amélie kehren im Dezember 1912 nach Ajaccio zurück. 1913 wurde Matisse auf der Armory Show in New York ausgestellt, zusammen mit Werken von Marcel Duchamp und Francis Picabia als so vielen Vertretern der modernsten Kunst.

Nach Paris
1917 zog Matisse nach Cimiez an der französischen Riviera, einem Vorort der Stadt Nizza. Seine Arbeit des Jahrzehnts oder so nach diesem Umzug zeigt eine Entspannung und Erweichung seines Ansatzes. Diese „Rückkehr zur Ordnung“ ist charakteristisch für viele Kunstwerke nach dem Ersten Weltkrieg und kann mit dem Neoklassizismus von Picasso und Strawinsky sowie der Rückkehr zum Traditionalismus von Derain verglichen werden. Matisses orientalistische Odaliskenbilder sind charakteristisch für diese Zeit; Während dieses Werk beliebt war, fanden es einige zeitgenössische Kritiker flach und dekorativ.

In den späten 1920er Jahren arbeitete Matisse erneut aktiv mit anderen Künstlern zusammen. Er arbeitete nicht nur mit Franzosen, Holländern, Deutschen und Spaniern zusammen, sondern auch mit einigen Amerikanern und jüngsten amerikanischen Einwanderern.

Nach 1930 erschien in seiner Arbeit eine neue Kraft und kühnere Vereinfachung. Der amerikanische Kunstsammler Albert C. Barnes überzeugte Matisse, ein großes Wandbild für die Barnes Foundation, The Dance II, zu produzieren, das 1932 fertiggestellt wurde. Die Stiftung besitzt mehrere Dutzend andere Gemälde von Matisse. Dieser Schritt zur Vereinfachung und Vorahnung der Ausschnitttechnik zeigt sich auch in seinem Gemälde Large Reclining Nude (1935). Matisse arbeitete mehrere Monate an diesem Gemälde und dokumentierte den Fortschritt mit einer Serie von 22 Fotografien, die er an Etta Cone schickte.

Die Skulptur
1924 widmete sich Matisse der Skulptur und produzierte Grand nu assis, das beispielhaft für seinen Stil – sowohl in Arabesken als auch in Winkeln – in der Runde ist. Matisse praktiziert seit seiner Kindheit bei Antoine Bourdelle Bildhauerei, von der Matisse den Geschmack für große Stilisierungen bewahrt, wie aus der großen Serie von Nu de dos, einer Reihe monumentaler Pflaster, hervorgeht, die er kreiert. zwischen 1909 und 1930. Matisse konfrontiert die Bildprobleme, auf die er im Basrelief stößt: die Umrisse der monumentalen Figuren (die Produktion von Nu de dos I aus dem Jahr 1909 ist zeitgemäß mit der der großen Kompositionen La Musique und La Danse), die Beziehung zwischen Form und Substanz (die für die Barnes Foundation bestimmten Fresken wurden 1930 hergestellt, wie beispielsweise Nu de dos IV). Jedoch,

Die Ausschnitte
Bei Matisse wurde 1941 Bauchkrebs diagnostiziert, und er wurde operiert, so dass er stuhl- und bettlägerig war. Malerei und Skulptur waren zu physischen Herausforderungen geworden, deshalb wandte er sich einem neuen Medium zu. Mit Hilfe seiner Assistenten begann er, geschnittene Papiercollagen oder Decoupage zu erstellen. Er schnitt von seinen Assistenten mit Gouache vorgestrichene Blätter in Formen unterschiedlicher Farben und Größen und arrangierte sie zu lebendigen Kompositionen. Anfangs waren diese Stücke von bescheidener Größe, verwandelten sich aber schließlich in Wandbilder oder raumgroße Werke. Das Ergebnis war eine ausgeprägte und dimensionale Komplexität – eine Kunstform, die nicht ganz Malerei, sondern nicht ganz Skulptur war.

Obwohl der Papierausschnitt in den letzten zehn Jahren seines Lebens Matisses Hauptmedium war, wurde er 1919 zum ersten Mal bei der Gestaltung des Dekors für den von Igor Strawinsky komponierten Le chant du rossignol verwendet. Albert C. Barnes ließ Pappschablonen aus den ungewöhnlichen Abmessungen der Wände herstellen, auf die Matisse in seinem Atelier in Nizza die Komposition bemalter Papierformen fixierte. Eine weitere Gruppe von Ausschnitten wurde zwischen 1937 und 1938 angefertigt, während Matisse an den Bühnenbildern und Kostümen für Sergei Diaghilevs Ballets Russes arbeitete. Erst nach seiner Operation begann Matisse bettlägerig, die Ausschneidetechnik als eigene Form und nicht als früheren nützlichen Ursprung zu entwickeln.

Er zog 1943 auf den Hügel von Vence, Frankreich, wo er sein erstes großes Ausschnittprojekt für das Buch seines Künstlers mit dem Titel Jazz produzierte. Diese Ausschnitte wurden jedoch als Entwürfe für Schablonendrucke konzipiert, die im Buch betrachtet werden sollen, und nicht als eigenständige Bildwerke. Zu diesem Zeitpunkt betrachtete Matisse die Ausschnitte immer noch als von seiner Hauptkunstform getrennt. Sein neues Verständnis dieses Mediums entfaltet sich mit der Einführung des Jazz im Jahr 1946. Nach einer Zusammenfassung seiner Karriere verweist Matisse auf die Möglichkeiten, die die Ausschnitttechnik bietet, und besteht darauf, dass „ein Künstler niemals ein Gefangener seiner selbst, ein Gefangener eines Stils, ein Gefangener eines Rufs, ein Gefangener des Erfolgs …“ sein darf.

Die Anzahl der unabhängig konzipierten Ausschnitte nahm nach dem Jazz stetig zu und führte schließlich zur Schaffung von Werken in Wandgröße wie Oceania the Sky und Oceania the Sea von 1946. Unter der Leitung von Matisse steckte Lydia Delectorskaya, seine Studioassistentin, locker fest die Silhouetten von Vögeln, Fischen und Meeresvegetation direkt an den Wänden des Raumes. Die beiden Stücke aus Ozeanien, seine ersten Ausschnitte dieser Größenordnung, erinnerten an eine Reise nach Tahiti, die er Jahre zuvor unternommen hatte.

Kapelle und Museum
1948 begann Matisse, Entwürfe für die Chapelle du Rosaire de Vence vorzubereiten, die es ihm ermöglichten, diese Technik in einem wirklich dekorativen Kontext zu erweitern. Die Erfahrung mit der Gestaltung der Kapellenfenster, Kaseln und Tabernakeltüren, die alle nach der Ausschnittmethode geplant wurden, hatte zur Folge, dass das Medium als sein Hauptaugenmerk konsolidiert wurde. Matisse beendete sein letztes Gemälde im Jahr 1951 (und die letzte Skulptur im Jahr zuvor) und verwendete den Papierausschnitt bis zu seinem Tod als einziges Ausdrucksmittel.

1952 gründete er ein seiner Arbeit gewidmetes Museum, das Matisse-Museum in Le Cateau. Dieses Museum ist heute die drittgrößte Sammlung von Matisse-Werken in Frankreich.

1963 öffnete auch das Matisse-Museum in Nizza seine Türen und 1970 wurde im Grand Palais in Paris die erste Retrospektive von Matisses Werken in Frankreich organisiert. Im folgenden Jahr veröffentlichte Aragon Henri Matisse, einen Roman, eine Sammlung von etwa zwanzig Artikeln, Texten und Vorworten zu Katalogen, Aragon-Konferenzen, die dem Maler gewidmet waren. Matisses Arbeit trifft die französische Öffentlichkeit.

Seitdem folgen Ausstellungen und Retrospektiven auf der ganzen Welt. Während der Ausstellung in der Tate Modern in London im Jahr 2014, die sich Papierausschnitten widmet, schreibt die Kritikerin Laura Cumming von The Guardian: „Die Kunst von Matisse ist eine Lektion im Leben und eine Quelle der Inspiration für den Betrachter: das ist was wir sollten alle in der Lage sein, bereit zu sein, die Schönheit des Lebens zu genießen, selbst wenn wir vor dem Ende stehen. “

Beeinflussen
Matisse, der zu Lebzeiten berühmt und gefeiert wurde, wird durch die Studenten seiner Akademie, Marg Moll, Oskar, einen überwiegenden Einfluss auf die amerikanische Malerei haben, insbesondere auf die New Yorker Schule, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell, aber auch in Deutschland Moll, Hans Purrmann …

Zur New York First School, die von den beiden Kritikern Harold Rosenberg und Clement Greenberg geleitet wird, ist es angebracht, die New York Second School mit Figuren wie Frank Stella und der Bewegung, die Greenberg als Post-Painterly-Abstraction definiert, Colorfield Painting (Morris) hinzuzufügen Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix) oder sogar harte Kanten (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer…).

Aber auch die Maler der Pop Art, darunter Warhol, der 1956 erklärte: „Ich will Matisse sein“, oder Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein, der den französischen Maler ausführlich zitieren wird.

In Frankreich findet sich der Einfluss von Matisse in den Malern von Supports / Surfaces und in den theoretischen Texten des Kritikers Marcelin Pleynet wie System of Painting.

Eine weitere Besonderheit ist, dass viele Nachkommen von Henri Matisse Maler oder Bildhauer sind, wie sein Sohn Jean, Bildhauer, sein Sohn Pierre, Galerist, seine Enkelkinder, Paul Matisse, Bildhauer, Jacqueline, Künstler und seine Urenkel-Tochter Sophie. Maler.

Im Jahr 2015 ergab eine Studie, die an der Europäischen Synchrotronstrahlungsanlage in Grenoble durchgeführt wurde, der Kunstwelt, dass Cadmiumsulfid, auch als das von Matisse verwendete gelbe Cadmiumpigment bekannt, während der Belichtung einem Oxidationsprozess unterliegt und sich somit in Cadmium umwandelt Sulfat, das in Wasser sehr gut löslich und vor allem farblos ist.

Geschichte des Museums
Die Villa des Arènes, deren Bauarbeiten 1670 begannen, wurde 1685 fertiggestellt und hieß dann Gubernatis Palace, benannt nach ihrem Besitzer und Sponsor Jean-Baptiste Gubernatis, Konsul von Nizza. Die Villa erhielt ihren heutigen Namen 1950, als die Stadt Nizza, die darauf bedacht war, sie zu erhalten, sie von einem Immobilienunternehmen kaufte.

Das 1963 im zweiten Stock der Villa des Arènes in der archäologischen Stätte in Cimiez eingeweihte Musée Matisse besitzt die Geschenke des Künstlers und seiner Erben an die Stadt Nizza.

1989 zog das Archäologische Museum, das sich das gleiche Gebäude teilte, in ein eigenes Gebäude um, um eine Umgestaltung des Museums zu starten. Das Matisse-Museum konnte dann erweitert werden: Es war Gegenstand einer umfassenden Renovierung sowie eines Erweiterungsprojekts, das es zwang, vier Jahre lang geschlossen zu bleiben.

Der Architekt Jean-François Bodin überarbeitete die Innenräume der alten genuesischen Villa und konzipierte die Erweiterung, die ein großes Foyer, ein Auditorium und eine Buchhandlung beherbergte. Das neue Gebäude wurde 1993 mit einem neuen modernen Flügel sowie renovierten Räumen eingeweiht, so dass die permanente Sammlung, die seit 1963 im Zuge von Spenden und Einlagen weiter gewachsen ist, vollständig ausgestellt werden kann. aufeinanderfolgend. Ein Bildungsworkshop wurde 2002 hinzugefügt, ein Cabinet des Dessin 2003.

Sammlungen
Die ständige Sammlung des Museums wurde dank verschiedener Spenden aufgebaut, zuerst der von Matisse persönlich, der von 1917 bis 1954 in Nizza lebte und arbeitete, dann der seiner Erben sowie durch Hinterlegungen von Werken des Staates. Das Museum vereint somit 68 Gemälde und ausgeschnittene Gouachen, 236 Zeichnungen, 218 Stiche, 57 Skulpturen und 14 illustrierte Bücher von Matisse, zu denen 95 Fotografien, 187 Objekte des Malers sowie Serigrafien, Wandteppiche, Keramiken, Buntglasfenster. und andere Arten von Dokumenten.