Landschaftsmalerei

Landschaftsmalerei, auch als Landschaftskunst bezeichnet, ist die Darstellung von Landschaften in Landschaften – natürliche Landschaften wie Berge, Täler, Bäume, Flüsse und Wälder, besonders dort, wo das Hauptthema eine weite Sicht ist – mit ihren Elementen in einer zusammenhängenden Komposition . In anderen Arbeiten können Landschaftshintergründe für Figuren immer noch einen wichtigen Teil der Arbeit bilden. Der Himmel ist fast immer in der Ansicht enthalten, und das Wetter ist oft ein Element der Zusammensetzung. Detaillierte Landschaften als eigenständiges Subjekt finden sich nicht in allen künstlerischen Traditionen und entwickeln sich, wenn es bereits eine ausgeklügelte Tradition der Darstellung anderer Themen gibt.

Die beiden Haupttraditionen stammen aus der westlichen Malerei und der chinesischen Kunst, die in beiden Fällen weit über tausend Jahre zurückreicht. Die Anerkennung eines spirituellen Elements in der Landschaftskunst ist seit den Anfängen in der ostasiatischen Kunst präsent und stützt sich auf den Daoismus und andere philosophische Traditionen, wird im Westen jedoch nur mit der Romantik explizit.

Landschaftsansichten in der Kunst können gänzlich imaginär sein oder aus der Realität mit unterschiedlicher Genauigkeit kopiert werden. Wenn der Hauptzweck eines Bildes darin besteht, einen tatsächlichen, spezifischen Ort darzustellen, insbesondere Gebäude prominent miteinzubeziehen, wird dies als topographische Ansicht bezeichnet. Solche Ansichten, die im Westen sehr häufig vorkommen, werden oft als Kunstlandschaften betrachtet, obwohl die Unterscheidung nicht immer sinnvoll ist. Ähnliche Vorurteile gab es in der chinesischen Kunst, wo die Literatenmalerei gewöhnlich imaginäre Ansichten darstellte, während professionelle Hofkünstler reale Ansichten malten, oft einschließlich Palästen und Städten.

Landschaftstypen:
Aufgrund der Art und Weise, wie das Thema der Landschaft behandelt wird, können drei grundlegende Arten unterschieden werden:

Die “kosmische” oder “erhabene” Landschaft, in der die Natur wild dargestellt wird, immense Landschaften, die nicht unbedingt real existierende Orte darstellen und in denen sich der Mensch verloren fühlt. Innerhalb dieser Linie würde die “naturalistische Landschaft” eine grandiose, üppige und wilde Natur widerspiegeln, in der atmosphärische Phänomene als Stürme erscheinen. Es ist typisch für Künstler aus Nordeuropa, vor allem deutsche Malerei, wie Dürer, Elsheimer oder Friedrich.

Die Natur wird vom Menschen “dominiert”, wie im Fall der flämischen oder holländischen Landschaft. Die Anwesenheit des Menschen lässt die Natur nicht bedrohlich erscheinen. Oft wird es zu einer “topografischen Landschaft”, die notwendigerweise einen präzisen und identifizierbaren Ort mit einer bescheidenen Natur darstellt. Innerhalb dieser Linie können Patinir, Pieter Brueghel der Ältere oder holländische Meister des siebzehnten Jahrhunderts zitiert werden.

Vom Menschen “kolonisierte” Natur, typisch für die italienische Landschaft. Sie erscheinen bebaute Relieffelder, Hügel, Täler und Ebenen mit Häusern, Kanälen, Straßen und anderen menschlichen Bauten; Die Natur ist keine Bedrohung mehr, aber der Mensch hat es auch zu seinem gemacht. Innerhalb dieser Landschaft kann man von der “klassischen Landschaft” sprechen, in der eine ideale, grandiose Natur dargestellt wird. Die Darstellung ist nicht glaubwürdig, sondern neu zusammengesetzt, um die Natur zu sublimieren und perfekt darzustellen. In dieser Art von Landschaft ist eine Geschichte normalerweise verborgen. Es ist aktuell die Anwesenheit von Elementen der römischen Architektur, kombiniert mit einem Berg oder Hügel und mit einem Wasserflugzeug. Diese Art von “idealer Landschaft” wurde von Annibale Carracci geschaffen, gefolgt von Domenichino und dem Franzosen Poussin. Jahrhundertelang war die italienische Landschaft das akademische Vorbild, auch Italien war das Land, aus dem Künstler aus ganz Europa kamen.

Unter einem anderen Gesichtspunkt, der sich auf das dargestellte Subjekt bezieht und nicht so sehr auf die Art und Weise, in der es behandelt wird, ist es möglich zu unterscheiden zwischen:

Marinas in Kompositionen, die Ozeane, Meere oder Strände zeigen.
Fluviale Landschaftskompositionen mit Flüssen oder Strömen.

Natürliche Landschaften repräsentieren Landschaften wie Wälder, Dschungel, Wüsten, Haine und andere Staaten des Territoriums ohne die Anwesenheit des Menschen.
Costumbristas Landschaften sind jene, die Bräuche und Traditionen bestimmter Orte symbolisieren, wie zum Beispiel die typischen Landschaften kolumbianischer Städte, die in der populären Malerei vertreten sind.

Sternlandschaften oder wolkige Landschaften sind Darstellungen von Wolken, Klimaformationen und atmosphärischen Bedingungen.
Mondlandschaften zeigen Landschaften der Vision des Mondes auf der Erde.

Stadtlandschaften zeigen Städte.
Hardscape oder harte Landschaften, in denen Bereiche wie gepflasterte Straßen und große Komplexe von Unternehmen oder Industrien vertreten sind.

Luft- oder Luftlandschaft, die die von oben gesehene Erdoberfläche zeigt, insbesondere von Flugzeugen oder Raumfahrzeugen. Wenn der Blickwinkel nach unten sehr stark ist, wird der Himmel nicht geschätzt. Dieses Genre kann mit anderen kombiniert werden, wie in der trüben ätherischen Kunst von Georgia O’Keeffe, der ätherischen Mondlandschaft von Nancy Graves oder der ätherischen Stadtlandschaft von Yvone Jacquette.

Traumlandschaft, in landähnlichen (meist surrealen oder abstrakten) Kompositionen, die die psychoanalytische Vision des Geistes als dreidimensionalen Raum ausdrücken wollen.

Geschichte
Die frühesten Formen der Kunst auf der Welt zeigen wenig, was man wirklich Landschaft nennen könnte, obwohl Grundlinien und manchmal Hinweise auf Berge, Bäume oder andere natürliche Merkmale enthalten sind. Die frühesten “reinen Landschaften” ohne menschliche Figuren sind Fresken aus dem minoischen Griechenland um 1500 v.

Jagdszenen, vor allem jene, die sich im geschlossenen Schilf des Nil-Deltas aus dem alten Ägypten befinden, können ein starkes Gefühl für den Ort vermitteln, aber die Betonung liegt auf individuellen Pflanzenformen und menschlichen und tierischen Figuren und nicht auf dem Gesamtbild der Landschaft. Die Fresken aus dem Grab von Nebamun, heute im British Museum (ca. 1350 v. Chr.), Sind ein berühmtes Beispiel.

Für eine kohärente Darstellung einer ganzen Landschaft wird ein grobes Perspektivensystem oder eine Skalierung nach Entfernung benötigt, und dies scheint aus literarischen Beweisen zu stammen, die zum ersten Mal im hellenistischen Zeitalter im antiken Griechenland entwickelt wurden, obwohl keine großräumigen Beispiele existieren. Von dem 1. Jahrhundert v. U. Z. an erhalten antike römische Landschaften besondere Fresken von Landschaften, die in archäologischen Stätten von Pompeji, Herculaneum und anderswo erhalten geblieben sind, und Mosaiken.

Die chinesische Tuschemalerei des Shan Shui (“Bergwasser”), oder “reine” Landschaft, in der das einzige Zeichen des menschlichen Lebens in der Regel ein Weiser oder ein Blick auf seine Hütte ist, verwendet ausgeklügelte Landschaftshintergründe, um Subjekte zu erfinden, und Landschaftskunst dieser Zeit behält einen klassischen und viel nachgeahmten Status innerhalb der chinesischen Tradition.

Sowohl die römische als auch die chinesische Tradition zeigen in der Regel großartige Panoramen von imaginären Landschaften, die in der Regel von spektakulären Bergen umgeben sind – in China oft mit Wasserfällen und in Rom oft mit Seen, Flüssen oder Seen. Diese wurden, wie im dargestellten Beispiel, häufig verwendet, um die Lücke zwischen einer Vordergrundszene mit Figuren und einem entfernten Panoramaausblick zu überbrücken, ein hartnäckiges Problem für Landschaftskünstler. Der chinesische Stil zeigte im allgemeinen nur eine entfernte Sicht oder benutzte toten Boden oder Nebel, um diese Schwierigkeit zu vermeiden.

Ein großer Kontrast zwischen der Landschaftsmalerei in West- und Ostasien war, dass sie im Westen bis zum 19. Jahrhundert eine niedrige Position in der akzeptierten Hierarchie der Genres einnahm, während in Ostasien die klassische chinesische Bergwasser-Tuschmalerei traditionell die größte war prestigeträchtige Form der visuellen Kunst. Ästhetische Theorien in beiden Regionen gaben den Werken den höchsten Stellenwert, von denen sie am meisten Phantasie verlangten. Im Westen war das Historienmalerei, aber in Ostasien war es die imaginäre Landschaft, wo berühmte Praktizierende, zumindest in der Theorie, Amateurliterati waren, darunter mehrere Kaiser aus China und Japan. Sie waren oft auch Dichter, deren Linien und Bilder sich gegenseitig illustrierten.

Im Westen jedoch erforderte die Geschichtsmalerei gegebenenfalls einen umfangreichen Landschaftshintergrund, so dass die Theorie nicht ganz gegen die Entwicklung der Landschaftsmalerei vorging – mehrere Jahrhunderte lang wurden Landschaften regelmäßig durch die Hinzufügung von kleinen zum Status der Historienmalerei befördert Figuren, um eine narrative Szene zu machen, typisch religiös oder mythologisch.

Western Landschaftsmalerei:

Mittelalterliche Landschaftsmalerei
In der westlichen Kunst des Mittelalters verschwindet das Interesse für die Landschaft fast vollständig, nur in Kopien von spätantiken Werken wie dem Utrecht Psalter erhalten; Die letzte Überarbeitung dieser Quelle, in einer frühgotischen Version, reduziert die zuvor ausgedehnten Landschaften auf ein paar Bäume, die Lücken in der Komposition füllen, ohne ein Gefühl für den gesamten Raum. Ein Wiedererwachen des Naturinteresses manifestierte sich zunächst vor allem in Darstellungen von Kleingärten wie dem Hortus Conclusus oder solchen in Millefleur-Wandteppichen. Die Fresken von Figuren bei der Arbeit oder spielen vor einem Hintergrund von dichten Bäumen im Palast der Päpste, Avignon sind wahrscheinlich ein einzigartiges Überleben von dem, was ein gemeinsames Thema war. Von römischen Häusern wie der Villa von Livia sind mehrere Fresken von Gärten erhalten geblieben.

Im 14. Jahrhundert begannen Giotto di Bondone und seine Gefolgsleute, die Natur in ihrer Arbeit zu berücksichtigen, wobei sie zunehmend Elemente der Landschaft als Hintergrund für das Wirken der Figuren in ihren Bildern einführten. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts wurde die Landschaftsmalerei als ein Genre in Europa etabliert, als ein Ort menschlichen Handelns, der oft in einem religiösen Thema zum Ausdruck kommt, wie die Themen der Ruhe auf der Flucht nach Ägypten, der Reise der Könige oder Heiliger Hieronymus in der Wüste. Luxuriös illuminierte Manuskripte waren sehr wichtig in der frühen Entwicklung der Landschaft, besonders in Serien der Montags-Arbeiten, wie jene in den Très Riches Heures du Duc de Berry, die herkömmlicherweise kleine Genrefiguren in immer größer werdenden Landschaftsbildern zeigten. Ein besonderer Fortschritt zeigt sich in den weniger bekannten Turiner-Mailänder Stunden, die jetzt weitgehend durch Feuer zerstört wurden, deren Entwicklung sich in der frühniederländischen Malerei für den Rest des Jahrhunderts niederschlug. Der Künstler “Hand G”, wahrscheinlich einer der Brüder Van Eyck, war besonders erfolgreich in der Wiedergabe von Lichteffekten und in einer natürlich scheinenden Progression vom Vordergrund bis zum Fernblick. Das war etwas, was andere Künstler für ein Jahrhundert oder mehr als schwierig empfanden. Oft lösten sie das Problem, indem sie einen Landschaftshintergrund von oben über eine Brüstung oder ein Fensterbrett aus einer beträchtlichen Höhe zeigten.

Renaissance Landschaftsmalerei
Landschaft Hintergründe für verschiedene Arten von Malerei wurde im 15. Jahrhundert zunehmend prominenter und geschickter. In der Zeit um das Ende des 15. Jahrhunderts entstanden reine Landschaftszeichnungen und Aquarelle von Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo und anderen, aber auch von Albrecht Altdorfer und anderen Deutsche Donauschule im frühen 16. Jahrhundert. Zur gleichen Zeit entwickelte Joachim Patinir in den Niederlanden die “Weltlandschaft”, einen Stil von panoramischer Landschaft mit kleinen Figuren und einem hohen Luftausblick, der für ein Jahrhundert einflussreich blieb und von Pieter Brueghel dem Älteren genutzt und perfektioniert wurde. Die italienische Entwicklung eines gründlichen Systems der graphischen Perspektive war inzwischen in ganz Europa bekannt, wodurch große und komplexe Ansichten sehr gut gezeichnet werden konnten.

In dieser Zeit diente die Landschaft dazu, die urbanen Utopien und aufkommenden Politiken auszudrücken. Oft “wahrgenommen” durch den Rahmen der Fenster in den Bildern, die Innenszenen darstellen, wurde es eine immer wichtigere Rolle, bis die gesamte Oberfläche der Leinwand besetzen. Zur gleichen Zeit “schrumpften” die Figuren der religiösen Szenen draußen, bis sie nur noch durch die Elemente der Landschaft symbolisiert wurden (zum Beispiel Jesus von Nazareth für einen Berg). Aber in der Synthese war die Landschaft immer noch nur Teil eines Bildes der Geschichte oder eines Porträts.

Die Landschaften wurden idealisiert und spiegelten vor allem ein pastorales Ideal der klassischen Poesie wider, das zuerst von Giorgione und dem jungen Tizian voll zum Ausdruck kam und vor allem mit der hügeligen bewaldeten italienischen Landschaft verbunden war, die von Künstlern aus Nordeuropa dargestellt wurde, die Italien nie besucht hatten. So wie die einfachen Literaten in China und Japan schwindelerregende Berge malten. Obwohl oft junge Künstler ermutigt wurden, Italien zu besuchen, um italienisches Licht zu erleben, konnten viele nordeuropäische Künstler ihren Lebensunterhalt damit verdienen, italienische Landschaften zu verkaufen, ohne jemals die Reise anzutreten. Tatsächlich waren bestimmte Stile so beliebt, dass sie zu Formeln wurden, die immer wieder kopiert werden konnten.

Die Publikation in Antwerpen von 1559 und 1561 von zwei Serien von insgesamt 48 Drucken (die Kleinen Landschaften) nach Zeichnungen eines anonymen Künstlers, der als der Meister der Kleinen Landschaften bezeichnet wurde, signalisierte eine Abkehr von den imaginären, fernen Landschaften mit religiösem Inhalt von der Weltlandschaft zu den Nahaufnahmen auf Augenhöhe von identifizierbaren Landgütern und Dörfern, die mit Figuren bevölkert sind, die sich täglich betätigen. Durch den Verzicht auf den Panorama-Blick auf die Weltlandschaft und die Konzentration auf die bescheidenen, ländlichen und sogar topografischen Landschaften haben die Kleinen Landschaften im 17. Jahrhundert die Bühne für die niederländische Landschaftsmalerei geschaffen. Nach der Veröffentlichung der Kleinen Landschaften setzten sich die Landschaftskünstler in den Niederlanden entweder mit der Weltlandschaft fort oder folgten der neuen, von den Kleinen Landschaften vorgestellten Form.

Barocke Landschaftsmalerei
Zu Beginn der Barockzeit war die Landschaft noch wenig kultiviert. Nur der Deutsche Adam Elsheimer zeichnet sich dadurch aus, dass er die meist heiligen Geschichten als authentische Landschaften behandelt, in denen er oft spektakuläre Studien zu atmosphärischen Effekten, Licht oder Morgen- und Abenddämmerungsstudien macht.

Im Barock wurde die Landschaftsmalerei endgültig als Gattung in Europa etabliert, mit der Entwicklung des Sammelns, als Ablenkung für die menschliche Tätigkeit. Es ist ein für Nordeuropa typisches Phänomen, das zu einem großen Teil der protestantischen Reform und der Entwicklung des Kapitalismus in den Niederlanden zugeschrieben wird. Der Adel und der Klerus, bis dahin die wichtigsten Auftraggeber der Maler, verloren an Bedeutung und wurden durch die Kaufmannsbourgeoisie ersetzt. Die Vorlieben dieses einen gingen nicht zu den komplexen Gemälden der Geschichte, mit Themen der klassischen Antike, der Mythologie oder der Heiligen Geschichte, noch zu komplexen Allegorien, sondern bevorzugten einfache und alltägliche Themen, weshalb sie bis dahin die Unabhängigkeit erreichten Genres wie das Stillleben, die Landschaft oder die Genreszene. Es gab eine solche Spezialisierung, dass jeder Maler einer bestimmten Art von Landschaft gewidmet war. So gab es Maler, die die “niedrigen Länder”, dh die Länder, die unterhalb des Meeresspiegels lagen, mit ihren Kanälen, Poldern und Windmühlen zum Thema machten; in diesem Kerl van Goyen, Jacob Ruysdael und Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp hat sich auf Winterdrucke mit gefrorenen Teichen und Skatern spezialisiert.

Während in Nordeuropa alle Arten von reinen Landschaften entwickelt wurden, war im Süden noch eine religiöse, mythische oder historische Anekdote als Vorwand für das Malen von Landschaften nötig. Es war eine Landschaft, die «klassisch», «klassizistisch» oder «heroisch» genannt wurde und einen idyllischen Charakter hatte, der keinem wirklich existierenden Beton entsprach, sondern aus verschiedenen Elementen (Bäumen, Ruinen, Architekturen, Bergen …) bestand. Der Titel des Gemäldes und die kleinen in der Natur verlorenen Figuren geben den Schlüssel zu der Geschichte, die auf den ersten Blick nur als eine Landschaft erscheint. Dieser Typus wurde vom Klassizismus der Römer und Bologneser geschaffen, insbesondere von seinem berühmtesten Maler, Annibale Carracci, in dessen Flucht nach Ägypten die heiligen Charaktere weniger wichtig sind als die Landschaft, die sie umgibt.

Landschaftsmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts
Die Beliebtheit exotischer Landschaftsszenen zeigt sich im Erfolg des Malers Frans Post, der 1632-1644 den Rest seines Lebens damit verbrachte, brasilianische Landschaften zu malen. Andere Maler, die niemals die Alpen überquerten, konnten mit dem Verkauf rheinischer Landschaften Geld verdienen, und wieder andere, die für einen bestimmten Auftrag, wie Cornelis de Mans Ansicht von Smeerenburg 1639, Fantasieszenen konstruierten.

Kompositorische Formeln mit Elementen wie dem Repoussoir wurden entwickelt, die in der modernen Fotografie und Malerei, vor allem von Poussin und Claude Lorrain, beide im Rom des 17. Jahrhunderts lebende Franzosen und weitgehend klassizistische Motive, oder biblische Szenen in den gleichen Landschaften prägend bleiben. Anders als ihre holländischen Zeitgenossen wollten italienische und französische Landschaftsarchitekten immer noch ihre Einordnung in die Hierarchie der Genres als Historienmalerei beibehalten, indem sie kleine Figuren einschlossen, die eine Szene aus der klassischen Mythologie oder der Bibel darstellen. Salvator Rosa gab seinen Landschaften eine malerische Erregung, indem er das wilder süditalienische Land zeigte, das oft von banditi bevölkert wurde.

Dutch Golden Age Gemälde des 17. Jahrhunderts sah das dramatische Wachstum der Landschaftsmalerei, in denen viele Künstler spezialisiert, und die Entwicklung von extrem subtilen realistischen Techniken für die Darstellung von Licht und Wetter. Es gibt verschiedene Stile und Epochen und Subgenres von Meeres- und Tiermalerei, sowie einen ausgeprägten Stil italienischer Landschaft. Die meisten holländischen Landschaften waren relativ klein, aber Landschaften in der flämischen Barockmalerei, noch gewöhnlich bevölkert, waren häufig sehr groß, vor allem in der Reihe von Arbeiten, die Peter Paul Rubens für seine eigenen Häuser malte. Sehr beliebt waren auch Landschaftsdrucke, wobei die von Rembrandt und die experimentellen Arbeiten von Hercules Seghers meist als die besten gelten.

Die Holländer neigten dazu, kleinere Gemälde für kleinere Häuser zu machen. Einige niederländische Landschaftsspezialitäten, die in historischen Inventaren genannt werden, umfassen die Batalje oder Kampfszene; die Maneschijntje oder Mondscheinszene; die Bosjes oder Waldszene; die Boederijtje, oder Bauernhofszene, und die Dorpje oder Dorfszene. Die Beliebtheit der römischen Ruinen, die damals noch nicht als spezifisches Genre bezeichnet wurde, inspirierte viele holländische Landschaftsmaler dieser Zeit, die Ruinen ihrer eigenen Region zu malen, wie Klöster und Kirchen, die nach dem Beeldensturm zerstört wurden.

In England waren Landschaften anfangs hauptsächlich Hintergründe für Porträts, die in der Regel die Parks oder Grundstücke eines Grundbesitzers suggerierten, obwohl sie größtenteils in London von einem Künstler gemalt wurden, der nie die hügeligen Morgen seines Modells besucht hatte. Die englische Tradition wurde von Anthony van Dyck und anderen meist flämischen Künstlern in England gegründet, aber im 18. Jahrhundert wurden die Werke von Claude Lorrain sehr stark gesammelt und beeinflusst nicht nur Gemälde von Landschaften, sondern die englischen Landschaftsgärten von Capability Brown und anderen.

Das 18. Jahrhundert war auch ein großes Alter für den topografischen Druck, der mehr oder weniger genau eine echte Ansicht darstellte, wie es die Landschaftsmalerei nur selten tat. Anfangs konzentrierten sich diese hauptsächlich auf ein Gebäude, aber im Laufe des Jahrhunderts, mit dem Wachstum der romantischen Bewegung, wurden reine Landschaften häufiger. Der topographische Druck, der oft gerahmt und an eine Wand gehängt werden sollte, blieb ein sehr populäres Medium bis ins 20. Jahrhundert, wurde aber oft als eine niedrigere Kunstform als eine imaginäre Landschaft klassifiziert.

Landschaften in Aquarell auf Papier wurden zu einem besonderen Spezialismus, vor allem in England, wo eine besondere Tradition von talentierten Künstlern, die nur oder fast ausschließlich Landschaftsaquarelle malten, entstand, wie es in anderen Ländern nicht der Fall war. Diese waren oft reale Ansichten, obwohl manchmal die Zusammensetzungen für den künstlerischen Effekt angepasst wurden. Die Bilder verkauften sich relativ billig, waren aber viel schneller zu produzieren. Diese Fachleute konnten ihr Einkommen durch Ausbildung der “Armeen der Amateure”, die auch malten, erweitern.

Landschaftsmalerei des 19. und 20. Jahrhunderts
Die romantische Bewegung verstärkte das bestehende Interesse an Landschaftskunst, und entfernte und wilde Landschaften, die ein wiederkehrendes Element in der früheren Landschaftskunst gewesen waren, traten nun in den Vordergrund. Der deutsche Caspar David Friedrich hatte einen unverwechselbaren Stil, beeinflusst von seiner dänischen Ausbildung, in der sich ein eigener Nationalstil entwickelte, der sich an dem niederländischen Vorbild des 17. Jahrhunderts orientierte. Dazu fügte er eine quasi-mystische Romantik hinzu. Französische Maler entwickelten die Landschaftsmalerei langsamer, aber ab etwa den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts gründeten Jean-Baptiste-Camille Corot und andere Maler der Schule von Barbizon eine französische Landschaftstradition, die mit den Impressionisten und Die Impressionisten machen zum ersten Mal die Landschaftsmalerei zur Hauptquelle der allgemeinen stilistischen Innovation in allen Arten von Malerei.

Alles führt zwangsläufig zur Landschaft, Landschaftsmalerei war die große künstlerische Schöpfung des 19. Jahrhunderts. Die Menschen waren “in der Lage anzunehmen, dass Wertschätzung der Naturschönheit und der Landschaftsmalerei ein normaler und dauerhafter Teil unserer spirituellen Aktivität ist. Die zugrundeliegenden europäischen Wege, die Komplexität der Landschaft in eine Idee umzusetzen, waren vier grundlegende Ansätze: die Akzeptanz beschreibender Symbole, Neugierde auf die Tatsachen der Natur, durch die Schaffung von Phantasien, um Träume von tiefen Wurzeln in der Natur und durch den Glauben an ein Goldenes Zeitalter, von Harmonie und Ordnung zu lindern, die man zurückgewinnen könnte.

In der Romantik wird die Landschaft zu einem Akteur oder Produzenten von Emotionen und subjektiven Erfahrungen. Das Malerische und Erhabene erscheinen dann als zwei Arten, die Landschaft zu sehen. Die ersten Touristenführer der Geschichte sammeln diese Ansichten, um eine beliebte Erinnerung an die Orte und ihre Landschaften zu machen. Der Engländer John Constable eröffnete den Weg, der der Landschaftsmalerei des ländlichen Englands gewidmet war, unberührt von der industriellen Revolution, einschließlich der Orte, die ihm seit seiner Kindheit bekannt waren, wie das Dedham Valley. Er machte es mit einer Technik der Farbzerlegung in kleinen Strichen, die es zu einem Vorläufer des Impressionismus macht; Er studierte atmosphärische Phänomene, insbesondere Wolken. Die Ausstellung seiner Werke im Pariser Salon von 1824 war bei französischen Künstlern sehr erfolgreich, angefangen bei Delacroix. Der Engländer William Turner, sein Zeitgenosse, aber mit einem längeren künstlerischen Leben, reflektierte Modernität, wie in seinem berühmtesten Werk: Regen, Dampf und Geschwindigkeit, in dem ein wirklich neues Thema erschien, die Eisenbahn und die Brücke von Maidenhead, ein Wunderkind von Technik zu der Zeit. Mit Turner lösten sich die Formen der Landschaft in Farbwirbeln auf, die nicht immer erkennen ließen, was sich im Bild widerspiegelt.

In Deutschland spiegelte Blechen weiterhin die traditionelle Landschaft par excellence, italienisch, aber ganz anders als in früheren Zeiten wider. Er präsentierte ein Italien, das nicht sehr malerisch, nicht idyllisch war, was kritisiert wurde. Philipp Otto Runge und Caspar David Friedrich, die beiden herausragenden Künstler der deutschen romantischen Malerei, widmeten sich der Landschaft ihres Landes. Von einem pietistischen Geist ermutigt, versuchten sie, religiöse Bilder zu schaffen, aber nicht indem sie Szenen mit einem solchen Thema darstellten, sondern indem sie die Größe der Landschaften so reflektierten, dass sie sich in Frömmigkeit bewegten.

Der Übergang von der «klassischen Landschaft» zur realistischen Landschaft wird von Camille Corot gegeben, der wie Blechen oder Turner in Italien sein Ausbildungsstadium durchlief. Mit ihm begann eine andere Art der Behandlung der Landschaft, anders als die der Romantiker. Wie nach der Schule von Barbizon und später dem Impressionismus gab er der Landschaft eine ganz andere Rolle als die der Romantiker. Sie haben es in Bezug auf Licht und Farbe akribisch und relativ beobachtet, mit dem Ziel, eine Repräsentation zu schaffen, die der Wahrnehmung eines Beobachters entspricht. Diese Treue, die zum Beispiel in Kontrasten und Berührungen auf “lebendige” Weise erfahren wird.

Die Leidenschaft des Post-Impressionisten Vincent van Gogh für die Arbeit seiner Vorgänger führte ihn dazu, die provenzalische Landschaft aus dem Jahre 1888 zu malen. Sein Werk, von intensiven Farben, in denen die Figuren deformiert und gekrümmt sind und sich vom Realismus entfernen, ist ein Präzedenzfall expressionistischer Tendenzen.

In Nordamerika entstanden die nationalen Malerschulen zu einem großen Teil durch Landschaftsmaler, die die Erde malten. In den Vereinigten Staaten schuf Frederick Edwin Church, Maler großer Panoramen, umfangreiche Kompositionen, die die Größe und Unermesslichkeit des amerikanischen Kontinents symbolisieren (Niagarafälle, 1857). Die Hudson River Schule, in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts, ist wahrscheinlich die bekannteste indigene Manifestation. Seine Maler schufen Werke von kolossaler Größe, um den epischen Umfang der Landschaften einzufangen, die sie inspiriert haben. Die Arbeit von Thomas Cole, der allgemein als Gründer der Schule anerkannt ist, hat viel mit den philosophischen Idealen der europäischen Landschaftsmalerei gemein, einer Art säkularem Glauben an die spirituellen Vorteile, die aus der Kontemplation der Schönheit gewonnen werden können. natürlich. Einige der späteren Künstler der Hudson River School, wie Albert Bierstadt, schufen Werke von romantischer Natur, die mehr die harten, ja schrecklichen Kräfte der Natur hervorhoben.

Der Nationalismus der neuen Vereinigten Provinzen war ein Faktor in der Popularität der holländischen Landschaftsmalerei des 17. Jahrhunderts gewesen und im 19. Jahrhundert, als andere Nationen versuchten, nationale nationale Schulen der Malerei zu entwickeln, der Versuch, die besondere Natur der Landschaft von auszudrücken das Heimatland wurde zur allgemeinen Tendenz. In Russland wie in Amerika war die gigantische Größe der Bilder selbst eine nationalistische Aussage.

In den Vereinigten Staaten ist die Hudson River School, die Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts vorherrschend ist, wahrscheinlich die bekannteste einheimische Entwicklung in der Landschaftskunst. Diese Maler schufen Werke von Mammutskala, die den epischen Umfang der Landschaften zu erfassen versuchten, die sie inspiriert haben. Die Arbeit von Thomas Cole, dem allgemein anerkannten Begründer der Schule, hat viel mit den philosophischen Idealen der europäischen Landschaftsmalerei gemein – eine Art säkularer Glaube an die spirituellen Vorteile, die sich aus der Betrachtung der natürlichen Schönheit ergeben. Einige der späteren Künstler der Hudson River School, wie Albert Bierstadt, schufen weniger tröstliche Werke, die (mit viel romantischer Übertreibung) die rohe, ja erschreckende Kraft der Natur stärker in den Vordergrund rückten. Die besten Beispiele für kanadische Landschaftskunst finden sich in den Werken der Siebenergruppe, die in den 1920er Jahren bekannt wurde.

Die Entdecker, Naturforscher, Seefahrer, Kaufleute, die die Küsten des Atlantikkanadas kolonisierten, hinterließen eine Reihe von Beobachtungen, manchmal wissenschaftlich, manchmal fantastisch oder extravagant, dokumentiert in ihren Karten und Gemälden.

Obwohl sie in der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg sicherlich weniger dominant waren, malten viele bedeutende Künstler Landschaften in den verschiedensten Stilen, wie Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney und Sidney Nolan.

Zeitgenössische Landschaftsmalerei
Zeitgenössische Landschaftsmalerei löste die Existenz von Genres auf, aber innerhalb der verschiedenen avantgardistischen “Ismen” können wir Gemälde unterscheiden, in denen das Repräsentierte eine Landschaft ist, immer mit dem eigenen Stil des Autors. Cézanne, der “Vater der modernen Malerei”, widmete dem Berg Sainte-Victoire eine ganze Reihe von Gemälden. Derain, Dufy, Vlaminck und Marquet malten Landschaften fovistas, und Braque, einer der Gründer des Kubismus, versuchte wiederholt die Landschaft von L’Estaque. In Wien wurden zu Beginn des Jahrhunderts Werke des Modernismus Gustav Klimt und des Expressionisten Egon Schiele geschaffen.

Expressionisten übertrugen ihre Gefühle und Farbempfindungen auch durch Landschaften, wie Erich Heckel oder Karl Schmidt-Rottluff in seinen Gemälden im Fischerdorf Dangast.

Die verschiedenen Formen der Abstraktion verdrängten die Bedeutung der Landschaft und begrenzten den Spielraum von Realismus und Repräsentation. Der Begriff “abstrakte Landschaftsmalerei” wird jedoch häufig in Bezug auf mehrere nicht-figurative Maler (Bazaine, Le Moal oder Manessier) verwendet. Die sizilianische Landschaft inspirierte das Werk des Expressionisten Renato Guttuso.

In den letzten Jahren zeichnete sich der argentinische Künstler Helmut Ditsch mit Bildern aus, die von extremen Naturaspekten inspiriert waren. Sein Werk heißt Vivid Realism und behauptet, dass Ditschs Malerei keiner bildlichen, naturalistischen oder realistischen Auffassung unterliegt, sondern aus der vitalistischen und mystischen Naturerfahrung geboren ist.

Orient Landschaftsmalerei:

China Landschaftsmalerei
Die Landschaftsmalerei wurde als “Chinas größter Beitrag zur Kunst der Welt” bezeichnet und verdankt ihren besonderen Charakter der taoistischen (daoistischen) Tradition in der chinesischen Kultur. William Watson stellt fest: “Es wurde gesagt, dass die Rolle der Landschaftskunst in der chinesischen Malerei der des Aktes im Westen entspricht, als ein in sich unveränderliches Thema, das jedoch das Vehikel der unendlichen Nuancen des Sehens und Fühlens ist.”

Seit der Han-Dynastie gibt es immer differenziertere Landschaftshintergründe, die Jagd, Landwirtschaft oder Tiere zeigen. Die meisten Beispiele sind Stein- oder Lehmreliefs aus Gräbern, die vermutlich den vorherrschenden Stilen der Malerei folgen, ohne das Ganze zu erfassen Wirkung der Originalbilder. Der genaue Status der späteren Kopien berühmter Maler (von denen viele in der Literatur verzeichnet sind) vor dem 10. Jahrhundert ist unklar. Ein Beispiel ist ein berühmtes Gemälde aus der kaiserlichen Sammlung aus dem 8. Jahrhundert mit dem Titel Der Kaiser Ming Huang, der in Shu reiste. Dies zeigt die Entourage, die durch schwindelerregende Berge fährt, wie es für spätere Gemälde typisch ist, aber in voller Farbe “ein Gesamtmuster erzeugt, das fast persisch ist”, was offensichtlich ein populärer und modischer Hoftyp war.

Der entscheidende Wechsel zu einem monochromen, fast figurlosen Landschaftsstil wird Wang Wei (699-759) zugeschrieben, der auch als Dichter berühmt ist; meist überleben nur Kopien seiner Werke. Ab dem 10. Jahrhundert sind immer mehr Originalgemälde erhalten, und die besten Werke der Südlichen Schule der Song-Dynastie (960-1279) gehören bis heute zu den angesehensten in einer ununterbrochenen Tradition. Die chinesische Konvention schätzte die Bilder des Amateurgelehrten, oft auch eines Dichters, über die von Fachleuten produzierten Bilder, obwohl die Situation komplexer war. Wenn sie irgendwelche Figuren enthalten, sind es sehr oft solche Personen oder Weise, die die Berge betrachten. Berühmte Werke haben zahlreiche rote “Anerkennungssiegel” angesammelt und oft Gedichte, die von späteren Besitzern hinzugefügt wurden – der Qianlong-Kaiser (1711-1799) war nach früheren Kaisern eine produktive Ergänzung seiner eigenen Gedichte.

Die Shan-Shui-Tradition sollte niemals tatsächliche Orte repräsentieren, selbst wenn sie nach ihnen benannt wurden, wie in der Konvention der Acht Ansichten. Ein anderer Stil, der von Werkstätten professioneller Hofkünstler produziert wurde, malte offizielle Ansichten von imperialen Führungen und Zeremonien, wobei der Schwerpunkt auf sehr detaillierten Szenen von überfüllten Städten und großen Zeremonien von einem hohen Standpunkt lag. Diese waren auf Schriftrollen von enormer Länge in hellen Farben gemalt.

Die chinesische Skulptur erreicht auch die schwierige Aufgabe, effektive Landschaften in drei Dimensionen zu schaffen. Es gibt eine lange Tradition der Wertschätzung von “Sichtsteinen” – natürlich geformte Felsbrocken, typischerweise Kalkstein von den Ufern der Gebirgsflüsse, die in fantastische Formen erodiert wurden, wurden in die Höfe und Gärten der Literaten transportiert. Wahrscheinlich damit verbunden ist die Tradition, viel kleinere Felsbrocken aus Jade oder einem anderen Halbedelstein in Form eines Berges zu schnitzen, einschließlich winziger Figuren von Mönchen oder Weisen. Die chinesischen Gärten entwickelten auch viel früher eine hoch entwickelte Ästhetik als die westlichen; Der Karensansui oder japanische Trockengarten des Zen-Buddhismus bringt den Garten noch näher an ein Kunstwerk der Skulptur, das eine stark abstrahierte Landschaft darstellt.

Japan Landschaftsmalerei
Die japanische Kunst passte chinesische Stile ursprünglich an, um ihr Interesse an erzählerischen Themen in der Kunst zu reflektieren. Szenen, die in Landschaften angesiedelt waren, mischten sich mit jenen, die Palast- oder Stadtszenen zeigten, mit dem gleichen hohen Aussichtspunkt. Diese erschienen in den sehr langen Yamato-e Schriftrollen von Szenen, die das Märchen von Genji und andere Themen, meistens vom 12. und 13. Jahrhundert, illustrieren. Das Konzept des Gentleman-Amateurfotografen hatte im feudalen Japan, wo Künstler in der Regel Profis mit einem starken Bezug zu ihrem Meister und seiner Schule waren, wenig Resonanz, als die klassischen Künstler aus der fernen Vergangenheit, aus denen chinesische Maler ihre Inspiration schöpften . Die Malerei war anfänglich vollfarbig, oft hell, und die Landschaft überwältigt nie die oft überdimensionierten Figuren.

Viele weitere reine Landschaftsthemen überleben ab dem 15. Jahrhundert; mehrere Schlüsselkünstler sind Zen-buddhistische Geistliche und arbeiteten in einem monochromen Stil mit mehr Betonung auf Pinselstrichen in chinesischer Manier. Einige Schulen haben einen weniger verfeinerten Stil angenommen, wobei kleinere Ansichten den Vordergrund stärker betonen. Eine Art von Bild, das für japanische Künstler eine anhaltende Anziehungskraft hatte und als “japanischer Stil” bezeichnet wurde, ist in der Tat zuerst in China zu finden. Dies kombiniert einen oder mehrere große Vögel, Tiere oder Bäume im Vordergrund, typischerweise zu einer Seite in einer horizontalen Zusammensetzung, mit einer breiteren Landschaft darüber hinaus, die oft nur Teile des Hintergrunds bedeckt. Spätere Versionen dieses Stils verzichteten oft auf einen Landschaftshintergrund.

Der Ukiyo-e-Stil, der sich ab dem 16. Jahrhundert zunächst in der Malerei und dann in farbigen Holzschnitten, die billig und weit verbreitet waren, entwickelte, konzentrierte sich zunächst einzeln und in Gruppen auf die menschliche Figur. Aber seit dem Ende des 18. Jahrhunderts entwickelte sich Ukiyo-e unter Hokusai und Hiroshige zu einer der bekanntesten japanischen Landschaftskunstarten.

Landschaftsmalerei Techniken
Die meisten frühen Landschaften sind eindeutig imaginär, obwohl Stadtansichten von Anfang an eindeutig dazu gedacht sind, tatsächliche Städte mit unterschiedlicher Genauigkeit darzustellen. Verschiedene Techniken wurden verwendet, um die Zufälligkeit natürlicher Formen in erfundenen Kompositionen zu simulieren: Der mittelalterliche Ratschlag von Cennino Cennini, zerklüftete Felsen aus kleinen, rauen Felsen zu kopieren, wurde anscheinend von Poussin und Thomas Gainsborough gefolgt, während Degas Wolkenformen von einem zerknitterten Taschentuch kopierte gegen das Licht. Das System von Alexander Cozens verwendete zufällige Tintenflecken, um dem Künstler die Grundform einer erfundenen Landschaft zu geben.

Der markante Hintergrundblick über den Genfer See bis zum Le Môle in Der wunderbare Fischzug von Konrad Witz (1444) wird oft als die erste ländliche Landschaft im Westen bezeichnet, die eine bestimmte Szene zeigt. Die Landschaftsstudien von Dürer stellen eindeutig reale Szenen dar, die in vielen Fällen identifiziert werden können und zumindest teilweise vor Ort entstanden sind; die Zeichnungen von Fra Bartolomeo scheinen auch klar aus der Natur skizziert zu sein. Dürers fertige Arbeiten scheinen in der Regel erfundene Landschaften zu verwenden, obwohl die spektakuläre Vogelperspektive in seinem Kupferstich Nemesis in den Alpen eine tatsächliche Ansicht mit zusätzlichen Elementen zeigt. Es ist bekannt, dass einige Landschaftsmaler Zeichnungen und Aquarellskizzen aus der Natur gemacht haben, aber die Beweise für die frühe Ölmalerei, die draußen gemacht wird, sind begrenzt. Die Pre-Raphaelite Brotherhood machte besondere Anstrengungen in dieser Richtung, aber erst mit der Einführung von gebrauchsfertigen Ölfarben in Tuben in den 1870er Jahren, gefolgt von der tragbaren “Box Staffelei”, wurde das Malen in Freiluft weit verbreitet praktiziert.

Ein Vorhang aus Bergen im Hintergrund der Landschaft ist Standard in weiten römischen Ansichten und noch mehr in chinesischen Landschaften. In frühen Werken beider Traditionen wird dem Himmel relativ wenig Raum gegeben; Die Chinesen benutzten oft Nebel oder Wolken zwischen Bergen und manchmal zeigen sie auch Wolken am Himmel viel früher als westliche Künstler, die anfangs Wolken als Stützen oder Abdeckungen für göttliche Figuren oder den Himmel benutzten. Sowohl Tafelbilder als auch Miniaturen in Manuskripten hatten normalerweise bis etwa 1400 einen gemusterten oder goldenen “Himmel” oder Hintergrund über dem Horizont, aber Fresken von Giotto und anderen italienischen Künstlern hatten lange einen klaren blauen Himmel gezeigt. Das einzige überlebende Altarbild von Melchior Broederlam, das 1399 für Champmol fertiggestellt wurde, hat einen goldenen Himmel, der nicht nur von Gott und Engeln bevölkert ist, sondern auch ein fliegender Vogel. Eine Küsten-Szene in den Turin-Milan Stunden hat einen bewölkten Himmel mit sorgfältig beobachteten Wolken. In Holzschnitten kann eine große Leerstelle dazu führen, dass das Papier während des Druckvorgangs durchhängt. Deshalb sehen Dürer und andere Künstler oft Wolken oder Schnörkel, die Vögel darstellen, um dies zu vermeiden.

Die monochrome chinesische Tradition hat seit ihrer Gründung Tinte auf Seide oder Papier verwendet, mit einer großen Betonung des individuellen Pinselstrichs, um die Ts’un oder “Falten” in Berghängen und die anderen Merkmale der Landschaft zu definieren. Westliches Aquarell ist ein tonaleres Medium, selbst wenn die Zeichnung sichtbar ist.