Joan Jonas: Sie kommen wortlos zu uns, Pavillon der Vereinigten Staaten, Biennale von Venedig 2015

Für die 56. Internationale Kunstausstellung – die Biennale di Venezia – beauftragte das MIT List Visual Arts Center Joan Jonas, eine Pionierin der Video- und Performancekunst, mit der Erstellung einer neuen Multimedia-Installation, die die gesamten fünf Galerien des US-Pavillons einnahm.

Die Installation enthält Jonas ‚ikonische Mischung aus Performance, Videokunst, Zeichnung und Skulptur, um eine eindringliche, mehrteilige Reise zu schaffen, die sich mit der Fragilität der natürlichen Welt befasst.

Jonas ist seit fünf Jahrzehnten Vorreiter interdisziplinärer Kunstformen. Ihre bahnbrechende Integration von Video, Skulptur und Performance schafft weitläufige Umgebungen, in denen traditionelle Modelle der Bilderzeugung und des Erzählens von Geschichten verschoben werden. Jonas gilt als einer der einflussreichsten Video- und Performancekünstler der späten 1960er Jahre und schafft weiterhin neue Werke, die Themen wie die Figur in der Landschaft, den rituellen Gebrauch von Objekten und Gesten und die Fragilität der natürlichen Umgebung in der Landschaft berücksichtigen Zeitalter des Anthropozäns. Ihre Arbeit war kürzlich Gegenstand einer großen Retrospektive an der Tate Modern und sie erhielt den Kyoto-Preis 2018, der globale Errungenschaften und Beiträge zur Menschheit würdigt.

Inspiriert von Jonas ‚früherer Untersuchung von Halldόr Laxness‘ fantastischem Roman Under the Glacier, ihren Sommern in Nova Scotia und dem Wunder der Natur, kommen sie ohne Wort zu uns und integrieren Video, Zeichnungen, Ton, Objekte und Performance, um fünf beeindruckende Galerien zu konstruieren, die jeweils organisiert sind um ein zentrales Bild (Bienen, Fische, Spiegel, Wind und Klassenraum). Fragmente von Geistergeschichten, die aus mündlichen Überlieferungen aus Kap-Breton, Nova Scotia, stammen, bilden eine nichtlineare Erzählung, die jede Galerie mit der nächsten verbindet. Durch das Zusammenspiel unterschiedlicher Medien spiegeln sie ohne ein Wort den menschlichen Eingriff in die Ökosysteme der Natur wider und schaffen eine Erfahrung, bei der die Wirkung jedes künstlerischen Elements im gesamten Raum nachhallt. Zusammen bilden diese Elemente ein hochkomplexes Werk, das eine gebrochene, aber voneinander abhängige Lebenskette darstellt.

Biografie
Joan Jonas (* 13. Juli 1936 in London) ist eine US-amerikanische bildende Künstlerin und Pionierin der Video- und Performancekunst. Sie ist eine der wichtigsten Künstlerinnen, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren entstanden ist. Jonas ‚Projekte und Experimente bildeten die Grundlage, auf der viel Video-Performance-Kunst basieren würde. Ihre Einflüsse erstreckten sich auch auf Konzeptkunst, Theater, Performancekunst und andere visuelle Medien. Sie lebt und arbeitet in New York und Nova Scotia, Kanada.

Jonas wurde 1936 in New York City geboren. Electronic Arts Intermix, abgerufen am 13. August 2014. ref> 1958 erhielt sie einen Bachelor-Abschluss in Kunstgeschichte vom Mount Holyoke College in South Hadley, Massachusetts. Später studierte sie Bildhauerei und Zeichnung an der Schule des Museum of Fine Arts in Boston und erhielt 1965 einen MFA in Bildhauerei von der Columbia University. Jonas tauchte in der Kunstszene der Innenstadt von New York in den 1960er Jahren auf und studierte zwei Jahre bei der Choreografin Trisha Brown . Jonas arbeitete auch mit den Choreografen Yvonne Rainer und Steve Paxton zusammen.

Obwohl Jonas ihre Karriere als Bildhauerin begann, zog sie 1968 in ein damals führendes Gebiet: Sie mischte Performance mit Requisiten und vermittelten Bildern, die sich im Freien in städtischen oder ländlichen Landschaften und / oder industriellen Umgebungen befanden. Zwischen 1968 und 1971 führte Jonas Mirror Pieces auf, Werke, bei denen Spiegel als zentrales Motiv oder Requisit verwendet wurden. In diesen frühen Performances wurde der Spiegel zum Symbol für (Selbst-) Porträt, Repräsentation, Körper und Real vs. Imaginär, während er manchmal auch ein Element der Gefahr und eine Verbindung zum Publikum hinzufügte, die ein wesentlicher Bestandteil der Arbeit war. In Wind (1968) filmte Jonas Darsteller, die steif durch das Sichtfeld gingen, gegen einen Wind, der der Choreografie ein psychologisches Mysterium verlieh.

1970 unternahm Jonas mit dem Bildhauer Richard Serra eine lange Reise nach Japan, wo sie ihre erste Videokamera kaufte und das Theater Noh, Bunraku und Kabuki sah. Ihre Video-Performances zwischen 1972 und 1976 reduzierten die Besetzung auf einen Schauspieler, die Künstlerin selbst, die in ihrem New Yorker Loft als Organic Honey auftrat, ihr bahnbrechendes Alter Ego, das als „elektronische erotische Verführerin“ erfunden wurde und deren puppenartiges Gesicht sich widerspiegelte Teile vor der Kamera erkundeten das fragmentierte weibliche Bild und die wechselnden Rollen von Frauen. Zeichnungen, Kostüme, Masken und Interaktionen mit dem aufgenommenen Bild waren Effekte, die optisch mit einer Verdoppelung von Wahrnehmung und Bedeutung verbunden waren. In einer solchen Arbeit, Organic Honey’s Visual Telepathy (1972), scannt Jonas ihr eigenes fragmentiertes Bild auf einen Videobildschirm. In Disturbances (1973) schwimmt eine Frau lautlos unter dem Spiegelbild einer anderen Frau. Songdelay (1973), der sowohl mit Tele- als auch mit Weitwinkelobjektiven (die entgegengesetzte Extreme in der Schärfentiefe erzeugen) gefilmt wurde, zeichnete Jonas ‚Reisen nach Japan nach, wo sie Gruppen von Noh-Darstellern sah, die Holzblöcke klatschten und Winkelbewegungen machten. In einem Videointerview für das MoMA beschrieb Jonas ihre Arbeit als androgyn; Frühere Arbeiten befassten sich mehr mit der Suche nach einer weiblichen Umgangssprache in der Kunst, erklärt sie, und im Gegensatz zu Skulptur und Malerei war das Video offener und weniger von Männern dominiert.

1975 trat Jonas als Darsteller in dem Film Keep Busy des Fotografen Robert Frank und des Drehbuchautors Rudy Wurlitzer auf. 1976 gelangte Jonas mit The Juniper Tree zu einer narrativen Struktur aus verschiedenen literarischen Quellen wie Märchen, Mythologie, Poesie und Volksliedern und formalisierte eine hochkomplexe, nichtlineare Präsentationsmethode. Mit einem farbenfrohen Theater-Set und aufgenommenem Sound erzählte The Juniper Tree eine Geschichte von Grimm Brothers über eine archetypische böse Stiefmutter und ihre Familie.

In den 1990er Jahren entfernte sich Jonas ‚My New Theatre-Serie von der Abhängigkeit von ihrer physischen Präsenz. Die drei Stücke wurden nacheinander untersucht: ein kap-bretonischer Tänzer und seine lokale Kultur; ein Hund springt durch einen Reifen, während Jonas eine Landschaft zeichnet; und schließlich mit Steinen, Kostümen, Erinnerungsgegenständen und ihrem Hund ein Video über den Akt der Aufführung. Sie schuf auch ‚Revolted by the Thought of Known Places… (1992) und Woman in the Well (1996/2000).

In ihrer Installation / Performance, die für Documenta 11, Lines in the Sand (2002) in Auftrag gegeben wurde, untersuchte Jonas Themen des Selbst und des Körpers in einer Performance-Installation, die auf dem epischen Gedicht „Helen in Egypt“ (Hilda Doolittle) der Autorin HD (Hilda Doolittle) basiert. 1951–55), der den Mythos von Helena von Troja überarbeitet. Jonas hat viele ihrer frühen Auftritte in The Kitchen gezeigt, darunter Funnel (1972) und die Vorführung von Vertical Roll (1972). In The Shape, The Scent, The Feel of Things, das 2004 von The Renaissance Society produziert wurde, greift Jonas auf Aby Warburgs Arbeit zu Hopi-Bildern zurück.

Seit 1970 verbringt Jonas einen Teil jedes Sommers in Cape Breton, Nova Scotia. Sie hat in Griechenland, Marokko, Indien, Deutschland, den Niederlanden, Island, Polen, Ungarn und Irland gelebt und gearbeitet.

Jonas ‚Werke wurden erstmals in den 1960er und 1970er Jahren für einige der einflussreichsten Künstler ihrer Generation aufgeführt, darunter Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham und Laurie Anderson. Während sie in Europa weithin bekannt ist, sind ihre bahnbrechenden Leistungen in den Vereinigten Staaten weniger bekannt, wo, wie der Kritiker Douglas Crimp 1983 über ihre Arbeit schrieb, „der Bruch, der in modernistischen Praktiken verursacht wird, später unterdrückt und geglättet wurde“. Bei der Neuinszenierung früher und neuerer Werke findet Jonas jedoch immer wieder neue Bedeutungsebenen in Themen und Fragen des Geschlechts und der Identität, die ihre Kunst seit über dreißig Jahren befeuern.

Jonas ‚Performance, inspiriert von den Schriften des deutschen Anthropologen Aby Warburg, The Shape, The Scent, The Feel of Things, wurde von Dia Beacon in Auftrag gegeben und zwischen 2005 und 2006 zweimal aufgeführt. Dieses Projekt begründete eine kontinuierliche und kontinuierliche Zusammenarbeit mit dem Pianisten Jason Moran.

Für die Spielzeit 2014/2015 entwarf Joan Jonas in der Wiener Staatsoper im Rahmen der Ausstellungsreihe Sicherheitsvorhang, die vom Museum in Bearbeitung konzipiert wurde, ein großformatiges Bild (176 m²).

Jonas ‚war 2003 auch als Choreograf für Robert Ashleys Oper mit dem Titel Celestial Excursions zu sehen

Unterrichten
Ab 1993 verbrachte der in New York lebende Jonas einen Teil jedes Jahres in Los Angeles und unterrichtete einen Kurs in New Genres an der UCLA School of the Arts. 1994 wurde sie ordentliche Professorin an der Staatlichen Akademie der bildenden Künste Stuttgart. Seit 1998 ist sie Professorin für Bildende Kunst am Massachusetts Institute of Technology (MIT), wo sie derzeit Professorin für Kunst, Kultur und Technologie an der School of Architecture and Planning ist.

Anerkennung
Jonas hat Stipendien und Stipendien für Choreografie, Video und bildende Kunst von der National Endowment for the Arts erhalten. Rockefeller Foundation; Fonds für zeitgenössisches Kunstfernsehen (CAT); Fernsehlabor bei WNET / 13, New York; Künstlerfernsehworkshop bei WXXI-TV, Rochester, New York; und Deutscher Akademischer Austauschdienst (DAAD). Jonas erhielt den Preis des Hyogo Prefecture Museum of Modern Art beim Tokyo International Video Art Festival, den Polaroid Award für Video und den Maya Deren Award des American Film Institute für Video.

2009 wurde Jonas vom Solomon R. Guggenheim Museum mit einem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet.

2012 wurde Jonas anlässlich des Kitchen Spring Gala Benefit geehrt.

Jonas wurde zur Whitechapel Gallery Art Icon 2016 ernannt. 2018 gewann Jonas den Kyoto-Preis für Kunst.

Jonas ‚wurde von Anonymous Was A Woman (1998) ausgezeichnet; die Rockefeller Foundation (1990); Maya Deren Award des American Film Institute für Video (1989); Guggenheim-Stiftung (1976); und die Nationale Stiftung für die Künste (1974).

Öffentliche Sammlungen
Joan Jonas wird in New York von Gavin Browns Unternehmen und in Los Angeles von der Rosamund Felsen Gallery vertreten. Jonas arbeitet nicht nur an ihrer Kunst, sondern ist seit 2018 Mitglied des Beirats des Hauser & Wirth Instituts.

Jonas ‚Arbeiten sind in einer Reihe öffentlicher Einrichtungen zu finden, darunter:

Museum für moderne Kunst, New York
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Tate Modern, London

Die Ausstellung
Joan Jonas konzipiert einen neuen Komplex von Werken, der ein vielschichtiges Ambiente schafft und Videos, Zeichnungen, Objekte und Ton enthält. Literatur war schon immer eine Inspiration und Quelle für Jonas, und das Projekt für Venedig wird ihre Untersuchung der Arbeit von Halldór Laxness und seines Schreibens über die spirituellen Aspekte der Natur erweitern, sich aber auf andere literarische Quellen konzentrieren.

Jonas hat während ihrer gesamten Karriere weiterhin mit einem multimedialen Ansatz gearbeitet und war eine der ersten Künstlerinnen, die das Potenzial der Videokamera als Werkzeug für die Bilderzeugung und des Fernsehmonitors als skulpturales Objekt erkundet hat. Gleichzeitig experimentierte Jonas in ihren Performances damit, den Körper in das Gesichtsfeld einzubeziehen. Ihre Installationen und Performances bringen diese Komponenten durch Zeichnen, Requisiten und Objekte zusammen, um Werke zu schaffen, die ihre Forschungen in Bezug auf Raum, Erzählung oder Geschichtenerzählen sowie Materialien widerspiegeln, die durch verschiedene Technologien wie Spiegel, Video und Distanz verändert werden. In Venedig wird sie mit diesen verschiedenen Aspekten ihrer Praxis arbeiten, um fünf verschiedene Räume zu schaffen, in denen gemeinsame Themen im gesamten Raum vereinheitlicht und mitschwingen und sich poetisch auf den gegenwärtigen Zustand der Welt beziehen.

Jonas ‚Arbeit entwickelte sich aus ihren kunsthistorischen Studien und ihrer bildhauerischen Praxis und wurde in den 1960er Jahren durch ihr Engagement für die New Yorker Avantgarde-Szene auf Performance und Film ausgeweitet. Ihre Arbeit hat bis heute einen bedeutenden Einfluss auf die zeitgenössische Kunst gehabt, da sie in den letzten fünf Jahrzehnten weiterhin eine wichtige Figur in den Bereichen Performance und Videokunst war.

In Verbindung mit der Präsentation ihrer neuen Arbeiten im US-Pavillon wird Joan Jonas: Selected Films and Videos 1972-2005 vorgestellt. Diese von Henriette Huldisch kuratierte Ausstellung zeigt vom 7. April bis 5. Juli 2015 in der Bakalar Gallery der Liste sieben der bedeutendsten einkanaligen Videoarbeiten von Jonas, die aus ihrer 40-jährigen Karriere ausgewählt wurden. Die intime Ausstellung bietet wichtige Hintergrundinformationen und Kontext für Jonas ’neue Arbeit, die gleichzeitig in Venedig zu sehen ist, und wird dem lokalen Publikum die entscheidenden Videos und Performances zeigen, die zur Auswahl des Künstlers als US-Vertreter für die Biennale von Venedig 2015 geführt haben. Zu den Werken der Ausstellung gehören:
Organische Honigs visuelle Telepathie (1972)
Songdelay (1973)
Gute Nacht Guten Morgen (1976)
Mirage (1976)
Double Lunar Dogs (1984)
Volcano Saga (1989)
Linien im Sand (2002-2005)

Themen
Sie kommen ohne ein Wort zu uns, das Videos, Zeichnungen, skulpturale und performative Elemente enthält, und rufen die Zerbrechlichkeit der Natur in einer sich schnell ändernden Situation hervor. Jeder Raum des Pavillons repräsentiert eine bestimmte Kreatur (Bienen, Fische), ein Objekt (Spiegel), eine Kraft (Wind) oder einen Ort (den Klassenraum). Fragmente von Geistergeschichten aus der mündlichen Überlieferung von Cape Breton, Nova Scotia, sind Teil einer kontinuierlichen Erzählung, die einen Raum mit dem nächsten verbindet. Diese gesprochenen Fragmente dienen teilweise als Referenz auf das, was übrig bleibt. Jonas sagt: „Wir werden heimgesucht, die Räume werden heimgesucht.“ Ein Stück im Freien im Innenhof des Pavillons, bestehend aus toten Baumstämmen, die durch Draht zusammengehalten werden, spiegelt die Themen der Installation wider.

In vier der Räume sind jeweils zwei Videos zu sehen, von denen eines das Hauptmotiv des Raums und das andere die Geistererzählung darstellt. Jonas entwickelte die Videos 2015 in New York mit Kindern im Alter von fünf bis sechzehn Jahren. Die Kinder traten vor Videokulissen auf, die Auszüge aus Jonas ‚früheren Arbeiten sowie Landschaften enthielten, die der Künstler in Nova Scotia, Kanada, und Brooklyn, New York, gedreht hatte.

Eine Auswahl von Objekten, die in den Videos als Requisiten verwendet wurden, befindet sich in jedem Raum neben Jonas ‚markanten Zeichnungen. Die Installation wird durch einen von Jonas entworfenen Soundtrack animiert, der Musikausschnitte des Jazzpianisten, Komponisten Jason Moran und Lieder der norwegischen samischen Sängerin Ánde Somby verwendet. Die maßgeschneiderte Beleuchtung wurde von Designer Jan Kroeze konzipiert.

Spiegel bedecken die getäfelten Wände der Rotunde des Pavillons, wo Jonas eine kronleuchterartige Struktur mit Kristallperlen an der Decke aufgehängt hat. Die welligen Spiegel wurden von Jonas entworfen und in Murano handgefertigt.

Joan Jonas erhielt von einer internationalen Jury für die 56. Biennale von Venedig eine Auszeichnung für ihre eindrucksvolle Video- und Toninstallation. Jonas ‚Installationen, Videoarbeiten und Performances bringen diese Komponenten mit Zeichnungen, Requisiten, Objekten und Sprache zusammen und spiegeln ihre Forschungen darüber wider, wie das Bild durch die Medien Spiegel, Distanz, Video und Erzählung verändert wird.

Performancekunst
In Verbindung mit der Ausstellung präsentierte Jonas Performances von Moving Off the Land, eine faszinierende Hommage und eine poetische Reaktion auf die Kraft des Ozeans. Die vielschichtige Performance vereint Lesungen, Tanz, Live-Zeichnungen und Projektionen, um die Bewohner der biologischen Vielfalt des Ozeans und gefährdete Meereskulturen darzustellen.

Joan Jonas ‚Multimedia-Installation Sie kommen ohne ein Wort zu uns wurde im Juli 2015 im Teatro Piccolo Arsenale in Venedig nachgebildet und als eine Reihe von Aufführungen präsentiert. Dieser Prozess der Übersetzung zwischen Medien ist eine fortlaufende Praxis in Jonas ‚Arbeit. Für die Aufführungen überarbeitete der Künstler das speziell für den US-Pavillon erstellte Videomaterial. Mit „Sie kommen ohne ein Wort II zu uns“ untersucht Joan Jonas weiterhin Bewegung, Raum und Zeit in Bezug auf Ton und das projizierte Bild. In dieser Arbeit bezieht sich Jonas auf Aspekte des Verschwindens in der natürlichen Welt durch Schatten oder Geister, während Menschen die Umwelt weiterhin missachten.

Von Jonas konzipiert und inszeniert, kommen sie ohne ein Wort II zu uns. Sie enthalten neu komponierte Musik von Jonas ‚langjährigem Mitarbeiter, dem amerikanischen Jazzpianisten und Komponisten Jason Moran.

„Diese natürlichen Phänomene, die Joan Jonas heraufbeschwört, wenn sie mit Klang, Zeichnung, Bewegung und anderen Reizen auftritt, sind für sich selbst präsent und vermitteln dem Betrachter, was sie sind und was sie tun, wobei der Künstler als Dirigent fungiert oder Bote ihres Seins. „(Marina Warner)

„Obwohl die Idee meiner Arbeit die Frage beinhaltet, wie sich die Welt so schnell und radikal verändert, spreche ich das Thema nicht direkt oder didaktisch an“, sagte Jonas. „Die Ideen werden vielmehr poetisch durch Ton, Licht und das Nebeneinander von Bildern von Kindern, Tieren und Landschaften impliziert.“

Joan Jonas untersucht weiterhin Bewegung, Raum und Zeit in Bezug auf Ton und projiziertes Bild mit ihrer Weltpremiere im Teatro Piccolo Arsenale. Für die Aufführung hat Jonas speziell für den US-Pavillon erstelltes Videomaterial überarbeitet. Einige der Kinder, die in diesen ersten Videos gezeigt wurden, traten auch live im Teatro Piccolo Arsenale auf.

Pavillon der Vereinigten Staaten
Der amerikanische Pavillon ist ein nationaler Pavillon der Biennale von Venedig. Es beherbergt die offizielle Vertretung der Vereinigten Staaten während der Biennale. Der amerikanische Pavillon war der neunte, der auf den Giardini gebaut wurde, aber im Gegensatz zu anderen Pavillons, die von Regierungen gebaut wurden, befand sich der amerikanische Pavillon in Privatbesitz. Das Palladio-Gebäude mit drei Räumen wurde 1930 für die New Yorker Grand Central Art Galleries gebaut. Das Eigentum ging 1954 auf das Museum of Modern Art und 1986 auf die Guggenheim Foundation über.

Für die nationale Vertretung der Vereinigten Staaten wählt ein Expertenausschuss aus Vorschlägen von Institutionen aus. Der Beratende Ausschuss für internationale Ausstellungen wird von der Nationalen Stiftung der Künste und dem Außenministerium zusammengestellt. Der monatelange Prozess umfasst einen Antrag mit einer Länge von fast 100 Seiten und ein endgültiges Embargo vor der Ankündigung.

Der Pavillon der Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig wurde 1930 von den Grand Central Art Galleries errichtet, einer gemeinnützigen Künstlergenossenschaft, die 1922 von Walter Leighton Clark zusammen mit John Singer Sargent, Edmund Greacen und anderen gegründet wurde. Wie im Katalog der Galleries von 1934 angegeben, bestand das Ziel der Organisation darin, „der amerikanischen Kunst ein breiteres Feld zu geben, einem größeren Publikum in größerem Umfang auszustellen, nicht nur in New York, sondern im ganzen Land, und so der Welt zu präsentieren.“ der inhärente Wert, den unsere Kunst zweifellos besitzt. “

1930 leiteten Walter Leighton Clark und die Grand Central Art Galleries die Schaffung des US-Pavillons auf der Biennale in Venedig. Die Architekten des Pavillons waren William Adams Delano, der auch die Grand Central Art Galleries entwarf, und Chester Holmes Aldrich. Der Kauf des Grundstücks, das Design und der Bau wurden von den Galerien bezahlt und von Clark persönlich überwacht. Wie er im Katalog von 1934 schrieb:

„Um unseren Zweck zu verwirklichen, die amerikanische Kunst vor die Welt zu stellen, haben die Regisseure vor einigen Jahren auf dem Gelände der Internationalen Biennale einen Betrag von 25.000 US-Dollar für die Errichtung eines Ausstellungsgebäudes in Venedig bereitgestellt. Die Herren Delano und Aldrich spendeten die Pläne großzügig für dieses Gebäude, das aus istrischem Marmor und rosa Ziegeln gebaut ist und sich mit den 25 anderen Gebäuden im Park, die den verschiedenen europäischen Regierungen gehören, mehr als behauptet. “

Der Pavillon, der den Galerien gehört und von ihnen betrieben wird, wurde am 4. Mai 1930 eröffnet. Ungefähr 90 Gemälde und 12 Skulpturen wurden von Clark für die Eröffnungsausstellung ausgewählt. Zu den vorgestellten Künstlern gehörten Max Boehm, Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper, Abraham Poole, Julius Rolshoven, Joseph Pollet, Eugene Savage, Elmer Shofeld, Ofelia Keelan und der afroamerikanische Künstler Henry Tanner. US-Botschafter John W. Garrett eröffnete die Show zusammen mit dem Herzog von Bergamo.

Die Grand Central Art Galleries betrieben den US-Pavillon bis 1954, als er an das Museum of Modern Art (MOMA) verkauft wurde. In den 1950er und 1960er Jahren wurden Shows von MOMA, dem Art Institute of Chicago und dem Baltimore Museum of Art organisiert. Die Moderne zog sich 1964 von der Biennale zurück, und die US-amerikanische Informationsagentur leitete den Pavillon, bis er mit Mitteln der Peggy Guggenheim Collection an die Guggenheim Foundation verkauft wurde.

Finanzielle Unterstützung durch Philip Morris und privates Geld, das vom Komitee für den amerikanischen Pavillon 1986 auf der Biennale in Venedig 1986 gesammelt wurde, ermöglichten die Ausstellung im Pavillon der Vereinigten Staaten. Seit 1986 arbeitet die Peggy Guggenheim Collection mit der US-amerikanischen Informationsagentur, dem US-Außenministerium und dem Fonds für Künstler bei internationalen Festivals und Ausstellungen bei der Organisation der Ausstellungen für visuelle Kunst im US-Pavillon sowie mit der Solomon R. Guggenheim Foundation zusammen hat die vergleichbaren Ausstellungen auf den Architekturbiennalen organisiert. Alle zwei Jahre erläutern Museumskuratoren aus den USA ihre Visionen für den amerikanischen Pavillon in Vorschlägen, die vom NEA-Beratungsausschuss für internationale Ausstellungen (FACIE) geprüft werden. Diese Gruppe besteht aus Kuratoren, Museumsdirektoren und Künstlern, die dann ihre Empfehlungen an die öffentlich-privater Fonds für Künstler der Vereinigten Staaten bei internationalen Festivals und Ausstellungen.

Traditionell hat das Auswahlkomitee der Stiftung einen Vorschlag eines Museums oder Kurators ausgewählt, aber 2004 hat es einfach einen Künstler ausgewählt, der seinerseits einen Kurator nominiert hat, der später vom Außenministerium genehmigt wurde.

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.