Jean Fouquet (geboren um 1420 vielleicht in Tours (Frankreich) und starben zwischen 1478 und 1481, wahrscheinlich in der gleichen Stadt), gilt als einer der größten Maler der ersten Renaissance und der Erneuerer der Französisch Malerei von fünfzehnten Jahrhundert.

Formed in der Französisch Tradition der internationalen Gotik entwickelte er einen neuen Stil durch die starken chromatischen Töne der gotischen Integration mit der Perspektive und der italienischen Volumen des Quattrocento, sowie die Naturwissenschaftler Innovationen der flämischen Primitiven. Seine Meisterwerke sind die Diptyque von Melun und die Miniaturen der Stunden von Etienne Chevalier.

für seine Zeit erkannt, fiel das Werk von Jean Fouquet in Vergessenheit, bis seine Rehabilitation im neunzehnten Jahrhundert von dem Französisch und deutschen Romantikern, von mittelalterlicher Kunst faszinierte. Es wurde von einer Ausstellung über das primitive Französisch organisiert von der Nationalbibliothek von Frankreich im Jahr 1904 endgültig aufgewertet, die seine verstreuten Werke zu sammeln erlaubt und bekannt zu machen.

Im letzten Drittel des vierzehnten Jahrhunderts, ein neuer Bildstil verbreitete in Europa aus dem päpstlichen Hof von Avignon. Simone Martini und andere italienische und Französisch Künstler verbreiteten den naturalistischen Realismus des Malers der Sieneser Schule und die Verfeinerung des Französisch Illuminationen. Dieser Stil, die im Laufe des neunzehnten Jahrhunderts durch die Gattungsbezeichnung „International Gothic“ bezeichnet wurde, entwickelte vor allem in Paris, Siena, Köln und Böhmen.

Paris, auch als Frankreich wurde in den Hundertjährigen Krieg gestürzt, hatte das Zentrum der europäischen Beleuchtung worden. Die Brüder von Limbourg, wahrscheinlich die besten Miniaturisten ihrer Generation, arbeitete für den Herzog von Berry (1340-1416), für die sie dieses Meisterwerk geschaffen, die sehr reich Stunden. Die Herrschaft von Karl VI ist eine Zeit der allgemeinen Sprudel für die Kunst. Es endete um 1410. Die Besetzung von Paris durch das englische (1419-1436) und das Exil Teil des Hofes von Frankreich in Bourges, nach dem Delphin Charles, eine Pause in der künstlerischen Tätigkeit Französisch markiert. Nachdem sich König gelang es Karl VII dank der Ruck durch die Ausrüstung von Jeanne d’Arc provoziert, fortzusetzen Paris und dauerhaft die Engländer aus Frankreich (1453, mit Ausnahme von Calais) zu vertreiben. Wie sein Vater, zieht Louis XI das Loire-Tal nach Paris;

In Flandern, Jan van Eyck, der um 1422 aktiv wurde, war eine wichtige Figur in der Kunstgeschichte und war durch seine Art und Weise Realität darstellt, einer der wichtigsten Innovatoren dieser Zeit. Lange als Erfinder der Ölmalerei bekannt, es war mehr sicher derjenige, der es seinen Aufstieg während des fünfzehnten Jahrhunderts zu verdanken. Die Verwendung von Öl als Bindemittel machte es möglich, mehr Flüssigkeit Farben zu erhalten, die in aufeinander folgenden, fast transparenten Schichten aufgebracht, gab alle Abstufungen der Farbe und Leuchtkraft, und machte die Details der Objekte. Durch empirische Methoden versuchte der Flämischen Primitiven auch Perspektive wiederherzustellen. Sie erhielten sie dank der „Vogelperspektive“ mit Farbabstufungen in Richtung bläulich grau für weit entfernte Objekte: dieses System von Jean Pèlerin theoretisiert wurde, bekannt als Le Viator, in seinem Werk De artificiali perspectiva,

Im gleichen Zeitraum wird die quattrocentistischen, die erste Renaissance war die Blüte der quattrocentistischen, der art „in dem Maße des Menschen“, wobei die Perspektive die Illusion einer dritten Dimension hat. Die Vorgeschichte dieser neuen Sprache wurde in Skulpturen von Ghiberti, Della Quercia und Donatello begegnet. Es war in Florenz im Jahr 1427, im Rahmen der Trinität, dass der Maler Masaccio, wahrscheinlich in Zusammenarbeit mit dem Architekten Brunelleschi, das Problem der Perspektive gelöst. Leon Battista Alberti, Architekt und Freund von Brunelleschi, theoretisiert, dann diese Lösung in seinem De Pictura. Später, von 1430, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Piero della Francesca und Mantegna vervollständigten die Entwicklung dieser neuen Technik.

Die historische Dokumentation gibt uns nur sehr wenig Informationen über die Geschichte des Malers. Weniger als fünfzehn Archivalien erzählen Sie uns über sein Leben. Die Kunsthistoriker haben viele Hypothesen zu diesem Thema hervorbringen, aber nicht in der Lage, sie zu überprüfen.

Das Geburtsdatum ist völlig unbekannt. Nach den Biographen, variiert seine Schätzung zwischen 1415 und 1425 und dieser Geburt traditionell in Tours ohne jeden Beweis mit Ausnahme der sehr spät Inschrift von François Robertet im Manuskript der Judaic Antiquities befindet. Ein gewisser Jean Fouquet, ein Priester von Tours, die nach Rom gereist und Pfarrern von Bécon-les-Granit in Anjou benannt, in Dokumenten datiert erwähnt 1449. Die Hypothese aufgestellt worden, dass dies der Maler sein könnte, aber andere Daten zeigen, dass er nicht konnte ein Geistlicher sein. Es könnte ein Mitglied seiner Familie sein.

Dieses Fehlen von Quellen auf der Jugend des Malers läßt nur Mutmaßungen über den Ort seiner Ausbildung als Maler. Die Touraine Malerei dieser Zeit ist völlig unbekannt. Clues wurden in den Pariseren Studios dieser Zeit das einzigen künstlerischen Zentrum von Bedeutung in der Nähe gesucht. Aber die einzige große Werkstatt noch aktiv in den 1430er Jahren, dass der Master of Bedford und seine wahrscheinlichen Nachfolger die Meister von Dunois, ist sehr weit entfernt in seinem Stil von der Fouquet. Sein Stil findet einige Echos in dem eines anderen Pariser Meister, der Meister von Boucicaut, aber dieser hatte aufgehört, bereits ihre Tätigkeit zu diesem Zeitpunkt. Der deutsche Kunsthistoriker Eberhard König hat die Hypothese aufgestellt, dass es im Westen von Frankreich gebildet worden sein könnte, in der Umgebung des Master of Jouvenel, deren Aktivität in Angers belegt. Der Meister von Boucicaut ist bekannt für mehrere Beleuchter im Westen von Frankreich beeinflusst zu haben, die eine Ausbildung eher in dieser Region zu bestätigen neigt. In der Tat, nach einer anderen Kunsthistoriker, Nicole Reynaud, die Aktivität dieses Master of Jouvenel ist zu spät (Jahre 1440-1450) für die junge Fouquet geholfen haben zu trainieren, aber sie einander gekannt haben könnte und sie Arbeitete beide in der gleichen Manuskript, ein Buch von Stunden für die Nutzung von Angers, um 1450 datiert.

Die Residenz von Jean Fouquet in Italien wird durch eine Passage des Treatise of Architecture von Le Filaretus um 1465 geschrieben bezeugt: durch die „guten Meister“ Notierung an denen man nicht mehr zählen, er weist darauf hin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden und Fouquet des Französisch, die er sagt, dass er nicht weiß, ob er starb aber, dass er sehr gut war, an der Natur zu ziehen. Er weist darauf hin, dass er ein Porträt (jetzt verloren) gemalt von Papst Eugen IV, der in der Kirche der Minerva in Rom getätigt. Diese Anzeige ermöglicht es, während des Papst Aufenthalt in Rom zwischen 1443 und 1447. Andere Zeugnisse später bestätigen diesen Aufenthalt in Rom, einschließlich der von Giorgio Vasari in Le Vite in Italien seinen Aufenthalt bis heute. Dieses Porträt von Eugene IV ist bekannt, heute durch eine Kopie von Cristofano dell’Altissimo (Uffizien, Florenz) und einem Stich aus dem sechzehnten Jahrhundert.

Zum Zeitpunkt der das Porträt des Papstes, wohnte ein gewisser Fra Angelico im benachbarten Dominikanerkloster, auf dem der Minerva Kirche, genannt in Rom vom selben Papst Eugen IV in 1445, wahrscheinlich kannte ihn in Florenz. Fouquet traf wahrscheinlich den Florentiner Meister. Mehrere Kunsthistoriker haben sogar vorgeschlagen, dass der Französisch Maler mit Fra Angelico in der Verwirklichung seiner römischen Fresken zusammengearbeitet haben könnte. Der Einfluss des letzteren ist in der späteren Arbeit von Fouquet deutlich wahrnehmbar. Es ist auch wahrscheinlich, dass er nach Florenz ging, wo er die Arbeit der großen toskanischen Innovatoren gesehen hätte, wie auch in Mantua, wo er das Porträt des Gonella Jester gemalt hätte (obwohl diese Zuschreibung noch diskutiert wird).

Das genaue Datum seiner Rückkehr nach Frankreich ist nicht bekannt. Die frühesten Dokumente ihm Datum von 1461. Erwähnen wurde er dann nach Paris gerufen, um die Teilnahme an den Vorbereitungen für die Beerdigung von Charles VII, sondern auch in Tours für die Vorbereitungen für den Eintritt von Louis XI in die Stadt, die ‚schließlich nicht stattfinden . Nachfolgende notarielle Dokumente zeigen, dass sein Haus in der gleichen Stadt, Rue des Pucelles, vermietet wurde bereits 1448. Mehrere andere Dokumente seine Teilnahme an kommunalen Leben unter Beweis stellen: Sein Name wird in einer Beratung des Gemeinderates von 1469 und eine Strafe eingegeben Rereguet , das ist die nächtliche Überwachung der Wälle der Stadt in 1465. Er malte ein weiteres Vordach für den Einzug in die Stadt von König Alfons V. von Portugal in 1476. Er hat auch Werke für das Elites der Stadt produziert zu sagen.

Er reagiert auch auf Aufträge von Aristokraten und mächtige Männer des Königreichs. Es gibt attestieren Dokumente zur Realisierung der Bücher von Stunden für Marie d’Orléans im Jahr 1472, in Blois installiert, sondern auch für Philippe de Commynes in 1474. Er arbeitet auch für den Finanziers des Königs. Dies sind Platten wie die Diptyque de Melun, datiert um 1452-1458 gemalt für Étienne Chevalier, Schatzmeister von Frankreich oder das Porträt von Guillaume Jouvenel des Ursins, königliche Kanzler (ca. 1460-1465) sowie Bilderhandschriften für Laurent Girard, Sekretär des Königs (der Boccaccio München) und Antoine RAGUIER, Schatzmeister der Kriege (RAGUIER-Robertet Stunden).

Von 1459, wurde er in seiner Werkstatt Beleuchtung durch eine hervorragende Mitarbeiter, mit dem Namen der Meister des Boccaccio München abgeordnet, die angeblich einen seiner Söhne, Louis oder Francis sein. Diese nehmen allmählich einen prominenten Platz in den illuminierten Handschriften des Künstlers aus dieser Zeit.

Erst 1475, die Fouquet wurde als „König des Malers“ Louis XI, in den königlichen Archiven signalisiert, was darauf hinweist, dass er eine Rente von 50 livres tournois als solche empfängt. Seine Tätigkeit bei den Königen von Frankreich ist jedoch älter. Das Porträt von Charles VII geht zurück auf mindestens die Jahre 1450-1455 und es beteiligt sich an den Arbeiten von Gemälden bei der Beerdigung des letzten in 1461. Für seinen Nachfolger realisiert, 1471 Gemälde von Waffen an die Ritter gemalt Von den neu geschaffenen neue Ordnung, die Ordnung von St. Michael. Er malte auch eine Beleuchtung für die Statuten dieser Reihenfolge. Im Jahr 1474 wurde er erneut aufgefordert, mit dem Bildhauer Michel Colombe zu arbeiten, um ein Modell eines Grabes für den König in der Kirche Notre-Dame de Cléry, die letztlich nicht beibehalten wurden zu ziehen.

Das Datum seines Todes ist nicht bekannt. Es ist noch am Leben im Jahr 1478, aber die Zahl seiner Erbschaft greift im November 1481. Er greift wahrscheinlich in seiner Residenzstadt, Tours.

Seine Zeichnungen wurden sorgfältig durchdacht: er die technischen Mittel kannte die Aufmerksamkeit des Betrachters durch eine Komposition zu erfassen, basierend auf Kreise, goldenen Zahlen und regelmäßige Polygone.

Er verwendet in der Regel einen zentralen Kreis und einen zweiten Kreis, der in der oberen Hälfte des Rahmens passt. Beachten Sie die Beziehung zwischen den beiden, und wie die erste allgemeinere führt zu dem am zweithäufigsten Besonderen. Die ersten beiden Tabellen zeigen, wie die Breite / Längenänderung der beiden Kreise betrifft.

Im ersten Bild, das Gesicht und der Oberkörper sind im Haupt Kreis eingeschrieben, während die kleineren umfasst das Gesicht und die Kappe. In dem zweiten, dass der König bestimmt der große Kreis die Position der Hände, die Arme und die Vorhänge, während des Sekundär Rahmen das Gesicht, die Pelzkragen und der Hut.

Das dritte Gemälde, der Pietà de Nouans, ist horizontal, die mit den anderen Gemälden von Jean Fouquet kontrastiert, die meisten von ihnen vertikal. Er komponierte sie wieder durch zwei Kreise verwenden, die einen seltsamen Effekt macht, kein Zweifel, weil die Vision des Zuschauers leichter zwei Kreise umfasst vertikal angeordnet sind; Vielleicht wissen sie nicht, dass sie der linken Seite zuerst in Richtung der rechten Seite würde statt. Im vierten Bild, wandelt der Maler die beiden vertikalen Kreise in einen einzigen Kreis, der den oberen Rand tangiert.

In Bezug auf das goldenen Verhältnis oder die Anzahl von Gold, wurde es seit der Antike bekannt und wurde in der Renaissance häufig verwendet, da es das perfekte Verhältnis angesehen wurde.

Fouquet eingesetzt, um die goldene Segmente zugleich, die die Höhe und die Breite des Rahmens bezogen. Im zweiten Bild, das von Charles VII, verwendet er zwei goldene Segmente die symmetrischen Verticals zu verfolgen, die das Gesicht des Königs begrenzen. In dem vierten, verwendete er nur eine dieser vertikalen Linien den Reiter und Pferd zu positionieren, sowie eine der horizontalen Segmente, die die Zeichen im Hintergrund zu begrenzen.

Auf der Miniatur der Krönung Louis VI kann man eine „Vogelperspektive“, beobachtet, die die atmosphärischen Effekte hervorbringen. Dieses Gemälde erinnert an den Hintergrund der Jungfrau des Kanzlers Rolin, im Jahre 1435 gemalt, wo Van Eyck eine Landschaft verwendet, in denen Reflexionen auf den Betrachter projiziert werden. In beiden Fällen wiederholen sich die Brücken selbst im Wasser sowie in der Miniatur, die Burg. In den beiden Werken wird man auch die Zeichen bemerken, der die Zinnen bücken.

Wie bereits darauf hingewiesen wurde, ist die „Vogelperspektive“ über eine Abstufung der Farben in Richtung bläulichen Grautönen erhalten eine Technik für die am weitesten entfernten Objekte, die in dieser Tabelle zu beobachten ist: wie wir weg bewegen, wobei die Seitenwand des Schlosses präsentiert bis zu fünf Abstufungen von blau; Die Reflexionen von der Wand in dem Wasser des Grabens verblassen; Das Blau des Wassers des Grabens zieht auf den weißen und den gleichen Effekt auf den Himmel beobachtet; Die Reflexionen der Brücke leichter sind als diejenigen des Bootes; Der Turm der Brücke ist von einem braunen unveränderlicher als die von der Burg des Bodens; Auch in den Fenstern der Kapelle, wo der Himmel weißer ist. Der Betrachter hat das Gefühl, die Luft der Palpation.

In diesem Detail Diptyque de Melun, merkt man, dass das Gesicht der Jungfrau eiförmig ist und dass das Licht, das sie in zwei Teile teilt, ein reduzierte mit starken Schatten und Reliefs, die anderen ausgedehntere, praktisch ohne Schatten, mit einer glatten Rendering. Die Modellierung ist nicht kontinuierlich: die Oberflächen auf der rechten Seite sind sehr akzentuiert, Abnahme nach links gehen dann verschwinden. Bis in den linken Bereichen, die Schatten und dass der Maler hat mir bewusst vergessen haben sollte. Er tritt damit die Nachfolge die beiden Teile des Gesichts in der Opposition bei der Umsetzung, eine in vollem Licht, mit einer glatten Erscheinung, die mit der Spannung und Tiefen Kontraste, die die andere animieren, die im Schatten geblieben ist. Wir werden auch bemerken, wie der Blick behandelt wird, mit Augenlid praktisch geschlossen und die drei Zonen von Licht auf sie sowie auf den Lippen.

Jean Fouquet legt großen Wert auf die Innovationen der flämischen Maler, die er in seine eigene Technik eingebaut. Er wußte, analysiert und assimilierte die Sammlungen flämischer Stiche, die in den Werkstätten von Französisch Miniaturisten in Umlauf gebracht.

Zwei Beispiele ermöglichen es uns, zu verstehen, wie er den Einfluss anderer Maler aufgesaugt. So in seinem verlorenen Porträt von Papst Eugen IV, wurde er von dem Timothy Van Eyck inspiriert. Dieser hatte seine Malerei im selben Jahr wie die mystische Lamm fertig, und er war in der Fülle seiner Kunst. Auf einem schwarzen Hintergrund, wird dieser Mann von links beleuchtet; Er lehnt sich an einem Vorsprung von gravierten Stein, als Trompe-l’oeil dargestellt. Die rechte Hand wird verkürzt und die Ellbogen ragen aus dem Brett.

Auf der Kopie des verlorenen Tisches des Papstes, wird darauf hingewiesen, dass der Trompe-l’oeil mehr reduziert ist und hat fast keine Dicke. Der Künstler definiert es mit einer Lichtlinie auf der Oberseite, die mit dem Schatten des linken Armes Kontraste, die leicht ansteigt, einen Eindruck von Tiefe. Die rechte Hand nicht vorab aus dem Bild heraus, wie in Van Eyck scheint aber auch mit dem Teil des Arms in verkürzt, die man sieht. Der Papst Körper ist größer, aber sein Kopf kleiner. Die beiden Zeichen haben die gleiche Ruhe, mit tiefen Augen. Doch im Fall des Papstes kann man eine komplexere Persönlichkeit erraten: dieser rictus, die die Ernsthaftigkeit in Eugene IV markiert wird durch Markieren der Steifheit der Muskeln des Gesichts und durch ein intensives Muster von Lichtern und Schatten. Das Ergebnis ist ein völlig anderes Bild.

Im zweiten Fall wird die Miniatur der Kreuzigung der Stunden von Etienne Chevalier ist mit einem Gemälde von Van Eyck und einem anderen von Fra Angelico verglichen, die sie inspirierte: Spezialisten insbesondere betonen den Einfluss der zweiten.

Die Kreuzigung von Van Eyck hat eine verringerte Größe – 56,5 cm 19,7 cm – und bildet das Gegenstück eines Jüngsten Gerichts. Zu den Füßen der Kreuz eine Menge zu Fuß massen und auf das Pferd: die Charaktere sind wie die Zeitgenossen von Van Eyck gekleidet, mit Mänteln mit Pelz gefüttert. Eine Luftperspektive hilft mit dem Boden zu beschäftigen. Im Vordergrund steht eine Gruppe von Frauen beklagten, die Jungfrau und St. John.

Jean Fouquet baute ein ähnliches und anderes Bild. Es gibt viele Ähnlichkeiten: die Jungfrau gekleidet in blau und Saint John in Rot steht im Vordergrund, obwohl er sie vertreten hat an Christus suchen; Der Heilige Johannes von Fouquet ähnelt sehr dem von Van Eyck; Die Pferde sind weniger zahlreich in der Malerei des Franzosen, aber ebenso gut gemacht; Der Mantel des Reiters mit seinem Fell erscheint auf den beiden Bildern, ohne dass genau das gleiche; Die Lanzen in den Himmel zeigte die Perspektive in Fouquet bringen, die sie in einer abnehmenden Art und Weise angeordnet sind; Die Kleidung von einem der Soldaten von der Rückseite ist hellbraun in den beiden Bildern, mit dem Schwert Gürtel, und sein Arm ist in der gleichen Position; Die Fläche des Kreuzes ist das Zeichens frei, die Aussicht auf die Stadt und die Berge zu öffnen; Schließlich verwendet Fouquet auch eine Luftperspektive.

Jean Fouquet hatte das Fresko von Fra Angelico kennen und bewundern die außerordentliche Anordnung der Kreuze und Kruzifixe. Mit sehr begrenzten Mitteln, durch die Lage der Querbalken, gelang es ihm, in eine Tiefenwirkung zu schaffen, durch die auf die Arme der beiden Diebe angewendet Abkürzung akzentuiert. Darüber hinaus sind die Kreuze sehr hoch gelegt, was eine klare Trennung zwischen dem Gekreuzigten führt und diejenigen, die sie begleitet. Fouquet verwendet die gleiche Technik: er die Kreuz erhöht, so dass sie besonders gut in dem Blau des Himmels stehen, vor allem, dass Christi.

Keine Arbeit ist formell zu Jean Fouquet auf der Grundlage eines historischen Dokuments oder eine Unterschrift zugeschrieben. Die Arbeiten, die mit ihm verbunden sind, sind nur auf stilistische Basis im sechsten Jahrhundert von einer Inschrift in einem Manuskript der jüdischen Altertümer (BnF, Mss., Französisch 247) gefunden etabliert. Allerdings sind diese Zuschreibungen regelmäßig von Kunsthistorikern in Frage gestellt. So im Jahr 2003 vorgeschlagen, die Kuratorin der Französisch Nationalbibliothek François Avril erneut Attribut eine große Anzahl von beleuchteten Arbeiten nicht zu Fouquet sondern zu seinem Mitarbeiter und seinen Sohn vielleicht, der Meister des Boccaccio in München. Dies ist der Fall der Miniaturen der Judaic Antiquities selbst, dessen Stils ist schwerer und die Berührung „unendlich weniger ausgegraben und verfeinert“ als in denen der Heures d’Etienne Chevalier. Die Inschrift des Namens Fouquet ist in der Tat spät (20 Jahre nach seinem Tod) und erroneous19 sein könnte. Diese neue Zuordnung hat die Unterstützung von anderen Fachleuten auf dem Gebiet angezogen.

Die Porträts von Jean Fouquet, die Grundlage seiner künstlerischen Arbeit, zeigen seine Fähigkeit, die Persönlichkeit seiner Modelle zu übersetzen. Zu dieser Zeit das Porträt, die bis dahin spärlich gewesen war, wurde zu einem großen Genre umgewandelt und religiöse wurde profan. Von da an wurde der Versuch unternommen, die Psychologie der Modelle zu enthüllen.

Im Porträt von Charles VII, etwa 1450-1455 (Paris, Louvre), malte er den König drei Viertel und von Vorhängen umgeben. Er folgte der Französisch Tradition den Souverän zu vertreten, ohne die Attribute seines Ranges, mehr als unter den Attributen eines Spenders, eine Formel, die schon ein Jahrhundert zuvor in dem Porträt von Johannes dem Gut beschäftigt waren.

Im Porträt des Gonella buffoon (Wien, Kunsthistorisches Museum) in Italien gemalt, schilderte er die Figur in einer Nahaufnahme, mit einem großen Teil des Körpers aus dem Bild heraus geworfen zu werden; Er hatte die ganze Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Gesicht konzentriert, dank derer er meisterlich die tiefe Menschlichkeit des Modells übertragen. Lang Van Eyck zugeschrieben, und auch zu Brueghel, war Otto Pächt der erste den Namen Fouquet22 vorzurücken, aber dieser Preis ist noch nicht einig.

Auf der Kopie des verlorenen Porträt von Papst Eugen IV., Ausgeführt in Rom hatte er den Papst in Büste vertreten und konzentriert seine Bemühungen auf die psychologische Rendering des Modells, ein mächtiger Mann, beide konzentriert und energisch.

In seinem Selbstporträt (Paris, Louvre), präsentiert er das Gesicht eines jungen Mannes, etwas gelehnt, von sich überzeugt, einen festen Blick auf den Betrachter zu lenken. Es ist ein 6,8 cm Kupferlack Medaillon, das seine Beherrschung der anderen Maltechniken offenbart, und wahrscheinlich auch die Bedeutung, die er den Diptyque de Melun davon zugeschrieben das Porträt Teil vor der Revolution war.

Rund 1465 malte er das Porträt des Kanzlers von Frankreich, Guillaume Jouvenel des Ursins (Paris, Musée du Louvre). Er bildete den linken Teil eines Diptychons oder eines Triptychons, der rechte Teil davon ging verloren. Der Sponsor, im Gebet vertreten, drei Viertel platziert, nimmt einen wichtigen Platz in der Malerei. Aber im Gegensatz zu dem Porträt von Etienne Chevalier im Diptyque von Melun, weiß er nicht von seinem Patron begleitet erscheinen: Das Thema hat seinen religiösen Charakter deutlich verloren. Jean Fouquet hat vor allem versucht, eine Vorstellung von Adel und Güte in seinem Modell zu vermitteln; Er versuchte dann den hohen Rang des Kanzlers zu betonen; Es ist durch die Kleidung, die Handtasche, die an seinem Gürtel hängt, das Kissen und die vergoldeten Pilaster, die der Maler sein Vermögen gemacht hat.

Die Diptyque de Melun ist ein Votivbild um 1452-1458 im Auftrag von Étienne Chevalier, Schatzmeister des Königs von Frankreich Charles VII gemalt, früher über seinem Grab in der Stiftskirche Notre-Dame de Melun erhalten. Das Diptychon wurde in der gleichen Kirche bis zum achtzehnten Jahrhundert aufbewahrt, bevor sie wahrscheinlich in den 1770er Jahren und dispergiert verkauft wurden. Die beiden Platten werden nun im Antwerpener Museum of Fine Arts für die rechte Seite, und die Gemäldegalerie in Berlin für das linke Panel erhalten; Das Selbstporträt von Jean Fouquet ist im Louvre aufbewahrt.

Das Bild besteht aus zwei Platten, ein Diptychon bilden, auf sich selbst zu schließen. Das rechte Fenster zeigt einen Säugling von Engeln umgeben, während die linke Platte des Spenders von St. Stephen, seinen Patron präsentiert darstellt. Kunsthistoriker zögern auf den genauen Gegenstand der Arbeit: für einige, es wäre ein Spender im Gebet vor einem Säugling Jungfrau sein, während für die anderen wäre es eine Darstellung von Stephen Knight für die Fürsprache der Jungfrau ruft sein, die vor dem Tod erscheint. Die Platten wurden von einem Holzrahmen bedeckt mit blauem Samt mit Medaillons in bemalter Emaille unterbrochen umgeben, wahrscheinlich Episoden aus dem Leben des Schutzheiligen darstellen, sowie ein Selbstporträt des Malers, verdient Unterschrift. Etwa fünfzehn war nur noch ein weiteres Medaillon bekannt, aber es jetzt verschwunden ist. In diesem Öl auf Holz, schilderte er auf der rechten Seite eine Jungfrau die statuarisch erinnert, aber mit einem Kind Jesus und einer Behandlung der Materialien, die die Primitiven flämischen erinnern. Nach der Tradition, hätte man seine Züge von denen Agnes Sorel entlehnt, die Geliebte des Königs. Im linken Bereich die architektonische Dekoration und die Figur des St. Stephen erinnern an die italienische Malerei seiner Zeit. Diese Arbeit hat beide Maler seiner Zeit und zeitgenössischen Künstlern beeinflusst.

Dieses Gemälde ist das einzige erhaltene Retabel des Malers, sondern auch das größte Bild aller (168 × 259 cm mit Rahmen). Es war sehr spät in den 1930er Jahren identifiziert und ist immer noch in seiner Kirche in Indre-et-Loire erhalten. Sein Sponsor, auf dem Brett gezeigt, ist nicht zu erkennen und seine Datierung unterliegt Diskussion. Laut Charles Sterling, wäre es ein Spätwerk, in denen die Werkstatt viel beigetragen hätte, nach Christian de Mérindol, wäre es eine sehr alte Arbeit, aus den frühen 1450er Jahren und von Jacques Herz für sein Hotel in Bourges in Auftrag gegeben, aber ohne Erläuterung der Anwesenheit eines Schreiber auf dem Brett. François Avril zieht es mit einigen späteren Ergänzungen um 1460 bis heute.

Das Bild stellt nicht ganz die Pietà, aber die Szene unmittelbar vor dem Joseph von Arimathäa und Nikodemus den Leib Christi auf den Knien der Jungfrau legen. Fouquet implementiert eine sehr ursprüngliche Zusammensetzung, die keine Entsprechung zu der Zeit kennt, außer vielleicht in einem Hugo van der Goes Quer Abstieg zum Teil an der Christ Church College in Oxford aufbewahrt. Es verwendet eine sehr strenge Geometrie aus Kreuzungen von Linien um den Leib Christi, die ein Dreieck mit dem Kopf von Johannes bildet. Das Gemälde ist auch durch seine Farbspiele in den Vorhängen sowie seine Lichtspiele, diese unterscheiden ungewöhnlich die von rechts kommen. So viel wie der Pinselstrich für die zentralen Persönlichkeiten als Spender gewährleistet ist, so viel ist es zurückhaltender auf dem Kopf des Johannes, die eine Umkehr verbirgt,

Fouquet ist zweifellos Illuminator der Bildung, und es ist in diesem Bereich, der die meisten seiner Werke erhalten bleibt. Als Ergebnis der jüngsten Umschichtungen, neun Handschriften haben noch Konsens mindestens eine Miniatur von Fouquet zu bewahren. Sieben weitere sind direkt mit seinem Mitarbeiter, der Meister des Boccaccio in München verliehen.

Dies ist ein altes Buch von Stunden zwischen 1452 und 1460 datiert, jetzt verstreut und teilweise zerstört. Nur 49 Blättchen enthält 47 Miniaturen bleiben, verteilt in acht verschiedenen Schutzgebieten in Europa und den Vereinigten Staaten. Vierzig dieser Folien sind im Museum Condé in Chantilly (ms.71) gehalten. Es wird von Etienne Chevalier, Schatzmeister des Königs Karl VII beauftragt, für die er zugleich die Diptyque von Melun gemalt. Wie in letzterem nimmt er wieder die Präsentation des Sponsors auf die Jungfrau und das Kind von seinem Patron von Engeln umgeben, auf einer Doppelseite angeordnet sind. Die ganze Arbeit, obwohl seine genaue Rekonstruktion komplex ist, stellt ursprüngliche Zyklen von Abbildungen des Lebens Christi, die Jungfrau und das Leben von Heiligen, die in anderen Handschriften jener Zeit selten zu finden sind. Jede Miniatur bildet einen kleinen Tisch in sich selbst, Verwendung zum ersten Mal der gesamte Seite der Darstellung zu implementieren, wird der Text auf ein kleines Fenster oder eine einfache Banner beschränkt zu sein. Sie enthalten innovative Layouts und zeigen eine große Beherrschung der Geometrie und Perspektive in ihrer Zusammensetzung. Darüber hinaus wird eine große Anzahl von Gebäuden und Landschaften aus dem späten Mittelalter, Paris und anderswo ist mit großem Realismus vertreten. Darüber hinaus eine weitere berühmte Miniatur, Fouquet, in der Anbetung der Könige, gibt das Aussehen des Königs Karl VII zu einer der Weisen. Paris und anderswo ist mit großem Realismus vertreten. Darüber hinaus eine weitere berühmte Miniatur, Fouquet, in der Anbetung der Könige, gibt das Aussehen des Königs Karl VII zu einer der Weisen. Paris und anderswo ist mit großem Realismus vertreten. Darüber hinaus eine weitere berühmte Miniatur, Fouquet, in der Anbetung der Könige, gibt das Aussehen des Königs Karl VII zu einer der Weisen.

Der Name des Sponsors des Manuskripts ist unbekannt, aber die Qualität der Arbeit scheint eine königliche Herkunft zu zeigen und vielleicht Charles VII selbst, der für seine Vorliebe für Geschichte bekannt war. Das Manuskript für den ersten Teil geschrieben vermutlich aus den Jahren 1415-1420, wurde in den Jahren mit 51 Miniaturen abgeschlossen und illustriert wahrscheinlich 1455-1460.

Fouquet nicht die Position der Miniaturen wählen mußte aber die Räume im Text durch den Schreiber zur Verfügung gestellt biegen. Er findet somit selbst erzwungener häufig Krönung und Krönungszeremonien darstellen. Die Beziehungen zu England und dem Thema des Kreuzzugs werden oft in Zusammenhang mit dem Fall von Konstantinopel hervorgehoben in 1453. Für jede Miniatur verwendet er eine strenge Komposition, die Anzahl von Gold mit seiner entsorgen jeweils eine kleinen autonomen Bild darstellt. Er benutzt häufig realistisch topographische Dekorationen, die er aus seinem eigenen Wissen zieht. Dies ist der Fall, zum Beispiel mit dem Sacre de Charlemagne, die er in der alten Petersbasilika vertreten, die er selbst während seines Aufenthalts in Rom besucht. Es macht das gleiche mit Blick auf Paris, Orleans, Tours.

Zu den anderen Handschriften, in denen Miniaturen der Hand von Fouquet erkannt werden, sind drei andere Bücher von Stunden: ein Buch von Stunden auf die Verwendung von Angers aus dem Jahr 1450, die eine Miniatur enthält repräsentiert St. Francis d ‚empfängt Assisi die Stigmata vor ein Kanon, gemalt in der Zeit von Simon de Varye, in dem Fouquet sechs Miniaturen und die Stunden von Jean Robertet, in denen es neun ist. Seine Hand ist in der Frontispiz des Manuskripts der Statuten in der Größenordnung von St. Michael, sowie in mindestens vier der fünf Miniaturen von einer alten Handschrift der alten Geschichte bis zu Caesar und Fakten der Römer erkennt heute verteilt. François Avril glaubt, seine Hand in einer Miniatur des Armorial von Gilles Le Bouvier (BNF, Mss zu identifizieren.,

Drei Zeichnungen werden in der Regel als Autographen von Fouquet betrachtet: Das sind drei Portraits, dargestellt fast lebensgroß. Diese Arbeiten sind alle seltener, weil es nur sehr wenige Französisch Zeichnungen aus dem fünfzehnten Jahrhundert. Die erste ist eine Vorzeichnung des Porträts von Guillaume Jouvenel des Ursins im Kupferstichkabinett in Berlin erhalten. Er stellt den Kopf des Charakters auf der Stelle gezeichnet von einer Technik, nicht veröffentlichte für die Zeit unter Verwendung von vier verschiedenen Steinen und Pastell mit. Diese Technik erlaubt es ihm, einen lebendigen Aspekt zu sein Porträt zu geben. Die zweite, im Metropolitan Museum of Art in New York aufbewahrt ist ein Porträt eines päpstlichen Legaten. Seine genaue Identität ist unbekannt, auch wenn wir manchmal Kardinal Guillaume d’Estouteville sehen. Die meisten Kunsthistoriker denken, dass es nur Fouquet in der Lage sein zu vertreten, so getreu den Charakter einer Person in Frankreich zu dieser Zeit ist. Die dritte Zeichnung, die der Konsens nicht in seiner Zuschreibung machen, ist das Porträt eines Mannes mit dem Hut in der Eremitage in St. Petersburg aufbewahrt. Gezeichnet in Technik und Stil sehr ähnlich der Zeichnung Berlin, könnte es sich um eine Darstellung von Louis XI sein.