Der italienische Barock (oder Barocco) ist eine Stilrichtung in der italienischen Geschichte und Kunst, die vom späten 16. Jahrhundert bis zum frühen 18. Jahrhundert reichte.

Baroque Italian ist die historiographische Bezeichnung der lokalen Dimension in Italien des Barock, eine kulturelle Bewegung mit intellektuellen, literarischen und allen Genre der Kunst Erweiterung, ihre zeitliche Lage geht vom Ende des XVI Jahrhunderts (Caravaggio) bis zur Mitte des XVIII Jahrhundert (Tiepolo). Während der gesamten Periode koexistiert die Periode mit dem Klassizismus (klassizistische Malerei, Bologneser Schule im 16. und 17. Jahrhundert, Akademismus der Accademia di San Luca seit 1593 und Neoklassizismus im 18. Jahrhundert – Name, der der vorherrschenden Bewegung von der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts-). Es wird allgemein mit dem siebzehnten Jahrhundert oder Seicento („Jahre [tausend] sechs hundert“ auf Italienisch identifiziert – siehe auch Duecento, Trecento, Quattrocento und Cinquecento).

Mit dem Namen „Barock“ wird oft die Kunst des 17. Jahrhunderts genannt. Diese Bezeichnung ist relativ modern: wir sind es Francesco Milizia zu verdanken, der es in seinem Dizionario delle belle arti del disegno (1797) verwendet, um alle jene Künstler zu klassifizieren, die einen Stil haben, der dem Klassiker widerspricht. Das Barock erscheint als das Gegenteil des Klassizismus: es ist das Übermaß, die Verwirrung, die Dynamik vor der Stille und das Maß gegen die Ordnung und Klarheit des römischen Klassizismus.

Valeriano Bozal.
Die Reaktion der Gegenreformation gegen den Protestantismus war nach dem manieristischen Intellektualismus und den im Konzil von Trient festgesetzten Normen zur Reife gekommen und suchte eine über die Vernunft hinausgehende populäre Erweiterung in der Verführung der Sinne. Englisch: www.db-artmag.de/2003/12/e/1/114.php Die Künstler haben eine spannungsvolle Bildsprache geschaffen, die den ikonoklastischen Tendenzen der lutherischen Reformation gegenübersteht. Vor der Klarheit und linearen Schärfe des Klassizismus suchte der Barock die Verwindung und Verwirrung, den Kontrast, die Mischung von Materialien und Texturen und sogar die Mischung aus die Künste selbst (Malerei, Skulptur, Architektur), die zu einer wahren Symbiose verschmolzen. Einige der italienischen Barockkünstler (Gianlorenzo Bernini, Pietro da Cortona) waren facettenreich und ragten in verschiedenen Künsten, wie den Genies der Renaissance, hervor.

Die päpstliche Schirmherrschaft in Rom war ein extremer Fall von Vielfalt im Vergleich zu den italienischen Staatsstädten (romanisches Barock – vom blühenden Savoyerhaus inspiriert, venezianischer Barock – das letzte goldene Zeitalter der Republik Serenissima, das die lokale architektonische Tradition fortsetzte und sich entwickelte in der Malerei der Arbeit der besten Vedutisti, wie Guardi und Canaletto) und der spanischen Domänen in Italien (Neapolitanischer Barock – José de Ribera, Luca Giordano-, sizilianischer Barock, Lombardseicento oder Mailänder Barock – Giulio Cesare Procaccini-). Der Papst, der als Bischof von Rom und zeitlicher Herrscher des Kirchenstaates zugleich Oberhaupt der Universalkirche ist, kontrollierte die Stadt und ihren Städtebau eng und beauftragte Bauwerke und künstlerische Programme. Bis 1725 wurden in Rom nur 323 neue Kirchen für eine Bevölkerung von etwa 150.000 gebaut.

In Venedig wurde eine wachsende Anzahl von Kopien von Andachtswerken12 für die Forderung des Klerus und gebildeten Laien gedruckt; dass sie sowohl in der Sekte als auch in der privaten Hingabe verwendet wurden und sich ständig an die Gegenwart der Religion im täglichen Leben erinnerten.

Die wissenschaftliche Revolution von Giordano Bruno, Galileo und Torricelli litt in Italien unter den Höhen und Tiefen ihrer Akzeptanz oder Repression durch zivile und religiöse Autoritäten; im Gegensatz dazu triumphierte er in England (Bacon, Newton, Royal Society).

Das Verhältnis von italienischem Klassizismus und Barock zum französischen Barock und Klassizismus war sehr eng (Claudius von Lothringen, Nicolas Poussin, Französische Akademie in Rom, 1666); und die italienischen Kontakte des spanischen Barocks und des flämischen Barocks waren auch sehr fruchtbar (neben der Errichtung des valencianischen Ribera-lo spagnoleto-, der fruchtbaren Reisen nach Italien des Sevillan Velázquez und der Flamen Rubens-Guilda de Romanistas von Antwerpen) .

Geschichte
Das frühe 17. Jahrhundert war für die Katholiken eine Zeit des Umbruchs. Sie symbolisierten ihre Stärke als Gemeinde und die Intelligenz ihrer kreativen Köpfe. Als Reaktion auf die protestantische Reformation des frühen 16. Jahrhunderts begannen die Katholiken mit einem Restaurierungsprogramm, einer neuen Lebensweise, die als Gegenreformation bekannt wurde. Der Zweck der Gegenreformation bestand darin, einige der von den Protestanten zu Beginn des Jahrhunderts herausgeforderten Mißbräuche zu beheben. Innerhalb der Kirche wurde der italienischen Gesellschaft eine erneuerte katholische Kultur aufgezwungen. Es begann mit dem Konzil von Trient, auferlegt von Papst Paul III., Einer Kommission von Kardinälen, die zusammenkamen, um Probleme der katholischen Kirche anzugehen und den Glauben unter Anbetern zurückzugewinnen. Dies führte zu Richtlinien, die von der Kirche für die Auftragsarbeit von Künstlern eingeführt wurden, um biblische Wahrheiten und Ideale zu vermitteln.

Weltliche Konstruktion
Neue säkulare Konstruktionen resultierten aus der Gründung wegweisender religiöser Orden. Zwischen 1524 und 1575 entstanden der Orden der Barnabiten, Jesuiten, Oratorianer und Theatiner, und als sich ihr Einfluss ausbreitete, begannen immer mehr neue Kirchen zu bauen. Um 1725 gab es allein in Rom 323 Kirchen, die eine ständige Bevölkerung von weniger als 150.000 Menschen hatten. Wegen dieses schnellen Wachstums im Kirchenbau wurde es Aufgabe dieser religiösen Orden, das Wort des Katholizismus an die Bevölkerung zu verbreiten. Religiöse Bücher wurden zunehmend in Venedig gedruckt, um an Geistliche und gebildete Gläubige verteilt zu werden, die während der Messe in Vergessenheit gerieten und ständig an die Gegenwart Christi im täglichen Leben erinnerten.

Die Kirchen waren jetzt ein Ort der Ermutigung – Räume von großer Schönheit und Dekoration.

Sie lieferten aufregende Bilder, die im Kontrast zu den ikonoklastischen Neigungen der protestantischen Reformation Martin Luthers stehen „.

Die römische Kirche erkannte die Macht, die die Kunst inspirieren könnte, und wurde daher von Extravaganz und Entfaltung erfüllt. Ihre Absicht war, die Zuschauer zu überwältigen, ihre Aufmerksamkeit zu erregen und sie dazu zu bringen, mehr sehen zu wollen. Der Eintritt in eine barocke Kirche, in der Bildraum, Musik und Zeremonie vereint waren, war ein mächtiges Instrument, um die Loyalität der Gemeinden zu sichern. Je größer und schöner der Raum, desto mehr Menschen wollten gehen. Komplexe Geometrie, geschwungene und komplizierte Treppenanordnungen und großformatige Skulpturenverzierungen verliehen dem Raum ein Gefühl von Bewegung und Geheimnis.

Il Gesù war die erste von vielen gegenreformatorischen Kirchen in Rom; dient als die Mutterkirche des neuen Jesuitenordens. Die Kirche von Il Gesù, die von Giacomo Barozzi da Vignola entworfen wurde, wurde bald zum Prototyp der barocken Kirchen, die der Jesuitenorden in der Zeit der Gegenreformation errichten ließ. Das Innere der Gesu war eine Studie der Großartigkeit, die der römische Klassizismus bieten konnte, wenn er mit Einfachheit in großem Maßstab kombiniert wurde. Hohe Fenster durchbohren das Tonnengewölbe des Kirchenschiffs, während ein Ring von Fenstern in der Trommel der Kuppel natürliche Lichtstrahlen in das Innere bringt, was einen dramatischen Kontrast von Licht und Dunkelheit in einem relativ dunklen Raum schafft.

Der Plan von Il Gesù wurde für viele Jahre zum Standard für die Kirchen; eine Abkehr von der idealen Mittelbaukirche der Renaissance in etwas Neues. Die Variation des lateinischen Kreuzes schuf ein größeres Gefühl räumlicher Vereinheitlichung innerhalb des Raumes. In seinem Entwurf für die Kirche von Il Gesù erweiterte Vignola das Kirchenschiff und ließ die Querschiffe und Seitenkapellen kleiner werden, wodurch ein besserer und hellerer Brennpunkt für den Hauptraum geschaffen wurde und mehr Raum für die Gemeinde bei der Messe geschaffen wurde. Die kulturelle Schirmherrschaft des Papstes in Rom war ein extremer Fall von Vielfalt im Vergleich zu den umliegenden italienischen Stadtstaaten. Der Papst diente seiner Rolle nicht nur als Oberhaupt der katholischen Kirche, sondern auch als amtierender Herrscher der Stadt. Er [der Papst] kontrollierte, was gebaut wurde und wer beauftragt wurde, es zu bauen.

Im Jahr 1605, zu Beginn seines Pontifikats, beauftragte Papst Paul V. Carlo Maderno mit der Neugestaltung des Petersdoms. Es war im Alter von 72, im Jahre 1546, als Michelangelo das unvollendete Wiederaufbauprojekt von Bramante anfing. Als Michelangelo starb, war der Bau des damals griechisch anmutenden Querschnitts um den päpstlichen Altar und das Grab des Petrus nur bis zur Trommelspitze vollendet. Die Kuppel wurde dann mit einigen Änderungen von Giacomo della Porta im Jahr 1590 fertiggestellt. Es war die fortwährende Debatte über die religiösen und ästhetischen Vorteile der Beibehaltung des griechischen Kreuzplans oder die Erweiterung des Raumes durch die Erweiterung in den lateinischen Kreuzplan, der Paul führte V, mutig für Madernos Dienstleistungen zu beauftragen. Die ersten Projekte von Maderno, einschließlich des Langhaus-Zusatzes, der eine neue Latin-Cross-Lösung auf dem Grundriss, der Fassade und dem Portikus schuf, wurden zu einem sofort erkennbaren Bild von Rom und dem Herzen und Geist des katholischen Christentums.

Um das Problem der überschüssigen Freiflächen in der erneuerten Basilika zu lösen, beauftragte Papst Urban VII. Gian Lorenzo Bernini mit der Gestaltung des Innenraums. Bernini war für einen Großteil des inneren Erscheinungsbildes der Basilika verantwortlich, insbesondere des Baldachin (1624-33), der über der Kuppel von St. Peter errichtet wurde. Es bildet einen Schwerpunkt im Raum und verbindet Skulptur und Architektur zu einem einheitlichen Kunstwerk. Der Baldachin ist ein Komplex in Form und mit Skulpturen verziert. Er ist ein großartiges Beispiel für den barocken „Stil“, massiv und reich verziert, der die Kirche und die katholische Religion verherrlicht.

Dieser Raum ist ein Beispiel für Quadratura, ein Versuch, durch Architektur, Malerei und Skulptur eine Illusion zu schaffen. Malerei und Skulptur schaffen eine Illusion von unendlicher Höhe und dramatischer Komposition.

Plastische Künste
Periodisierung
Die Periodisierung des Barocks ist nicht einstimmig: Der „triumphale Barock“, der sich mit dem „dekorativen Barock“ (Barocco-Dekor) des späten 17. Jahrhunderts identifizieren lässt, würde dem „Vollbarock“ (Barocco pieno) der mittleren Jahrzehnte folgen des Jahrhunderts; während mit weniger Verbreitung der Gebrauch von „nüchternem Barock“ (nüchterner Barocco) oder sogar dem Oxymoron „klassizistischen Barock“ (Barocco classicista) den „klassizistischen“ gegenüber dem „naturalistischen“ oder „Tenebrist“ -Trend definiert („Barock Tenebrista „oder“ Naturforscher „.) Es ist üblich, Barockperioden mit mehr oder weniger chronologischen Angaben, wie“ Frühbarock „oder“ Anfang „(Barocco iniziale, Frühbarock, Frühbarock) – der Caravaggio, die es hat Erster großer Auftrag 1599, oder jener von Ribera, der 1616 in Neapel eintraf – „voll barock“ oder „hoch“ (Barocco pieno oder Barocco pieno, Hochbarock) – der von Bernini, der seit 1623 von den Päpsten gesponsert wurde dass er 1665 an den französischen Hof berufen wurde – und „spätbarock“, „niedrig“ oder „endgültig“ (Basso Barocco oder Barocco Finale, Nieder- oder Spätbarock) – derjenige von Luca Giordano, der zwischen 1692 an den spanischen Hof berufen wurde und 1702, jener von Juvarra, der seit 1719 durch Europa tourte, oder jener von Tiepolo, der 1761 nach Madrid berufen wurde. Cent XVIII bedeutete einerseits den Triumph eines sinnlichen Rokoko im privaten Bereich und andererseits den Triumph des strengen neoklassischen Akademismus in den öffentlichen Bereichen, insbesondere durch die Entdeckung der Ruinen von Herculaneum (1738) und Pompeji (1748). ausgegraben von Roque Joaquín de Alcubierre unter der Herrschaft von Borbón Carlos VII von Neapel (zukünftige Carlos III von Spanien) und die Veröffentlichung von Le Antichità di Ercolano (1757-1792).

Er selbst war das Flattern der moralischen Leidenschaft des moralischen Charakters im ‚600, wenn er „generi“ pittorici verschlang und cosiddeti; Wenn ich es mir schmecke, ich esse, ich gab einen realistischen barocco, gab ich einen klassizistischen barocco, und gab einen grandiosen und dekorativen barocco pro aggiudicare ad ogni Künstler oder Sohle die relative appartenenza.

Gemälde
Italienische Barockmalerei (Barockmalerei, italienische Malerei).

Das Rom von 1630 war zweifellos ein Zentrum von bemerkenswertem künstlerischem Interesse. Es wurde die Kontroverse des Naturalismus gelebt – fast in den extremen Formulierungen des radikalen Caravaggismus überwunden, aber lebendig und aktiv in kleineren Kreisen, wie die „Bambler“, die Velázquez interessieren konnten – und der Klassizismus, der die römisch-bolognesische Linie vertrat von Reni und Guercino, angereichert durch die Anwesenheit von Poussin. Dies sind die Jahre, in denen bei den begabtesten lebenden Künstlern in Rom ein Interesse von Venedig neu entfacht und ein Wiederaufleben des Studiums der Werke von Tizian und Veronese, das einige Jahre später im triumphalen Barock eines Pietro de Cortona, aber das erlaubt jetzt, im gleichen Tempo, in der gemeinsamen neo-venezianischen Hingabe, zu so unterschiedlichen Künstlern wie Cortona, Poussin oder Andrea Sacchi zu gehen.

Das Ende des 16. Jahrhunderts bedeutete den Einbruch des Tenebrismus oder caravaggismo (Anhänger von Caravaggio, wie Giovanni Battista Caracciolo, Bartolomeo Manfredi oder Artemisia Gentileschi) gegen den spätmanieristischen Klassizismus der Bologneser Schule (Carracci, Accademia degli Incamminati, Guercino, Domenichino). Beide Tendenzen waren nicht unvereinbar, wie die Arbeit eines Meisters dieser Zeit zeigt (Fall Guido Reni).

In den 1630er Jahren führten Pietro da Cortona und Andrea Sacchi eine Debatte an der römischen Accademia di San Luca, in der sie ihre gegensätzlichen Bildstile verteidigten (die historiographisch „Barock“ bzw. „Klassizismus“ genannt werden). Die Diskussion konzentrierte sich im Wesentlichen auf die Anzahl der Figuren in einem Gemälde und wurde literarisch ausgedrückt, wobei Cortona für eine „epische“ Herangehensweise mit einer Fülle von Figuren plädierte, während Sacchi dasselbe für eine „tragische“ Herangehensweise tat als bequemer für die Übertragung von Nachrichten angesehen.

In der Tat, beide Meister in der Nähe von Cortona (Giovan Battista Gauli oder Ciro Ferri) und diejenigen in der Nähe von Sacchi (Nicolas Poussin, Claudio de Lorena oder Carlo Maratta) geteilt viel von ihrem Stil, wie die Verwendung von Farbe. Die Veröffentlichung des Lebens der Künstler von Gian Pietro Bellori im Jahre 1672 förderte den klassischen Idealismus und unterließ die Einbeziehung von Künstlern wie Cortona, Bernini oder Borromini (Caravaggio eingeschlossen).

Neben Rom und Bologna behielt der Rest der italienischen Städte die Vitalität ihrer Malereien mit jahrhundertealter Tradition bei. Bernardo Strozzi und Giovanni Benedetto Castiglione ragten in Genua heraus; in Venedig Francesco Maffei, Andrea Celesti, Sebastiano Ricci oder der Veteran Luca Carlevarijs (bereits im XVIII., Jacopo Amigoni, Guardi, Canaletto oder Tiepolo); in Mailand Giulio Cesare Procaccini; in Neapel José de Ribera spagnoletto oder Luca Giordano, usw. Der Mailänder Caravaggio hat die meisten seiner Werke in Rom gemacht, um sein kurzes und hektisches Leben zwischen Neapel, Malta, Sizilien und wieder in Rom zu beenden.

Skulptur
Italienische barocke Skulptur (barocke Skulptur, italienische Skulptur).

Alessandro Algardi und Gianlorenzo Bernini konkurrierten in den mittleren Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts als maximale Vertreter der Skulptur in Italien. In der Werkstatt von Bernini wurden Antonio Raggi und Ercole Ferrata trainiert. Schüler des Ferrata war Melchiorre Café (Ecstasy von Santa Catalina, Monte Magnanapoli). In Genua fiel Filippo Parodi auf; in Neapel, Giuseppe Sanmartino, Francesco Queirolo und Antonio Corradini, Autoren von drei außergewöhnlichen Werken für die Sansevero Kapelle, wo sie eine außergewöhnliche Virtuosität in der Darstellung von verschleiert oder in ein Netzwerk eingewickelt demonstrieren: die Kerze Christ, Disinganno und die Pudicizia (die drei Datenblätter zwischen 1752 und 1753); in Sizilien, Giacomo Serpotta (Dekoration zum Stuck der Oratorien in Palermo).

Die Architektur
Italienische Barockarchitektur (barocke Architektur, italienische Architektur).

Die Neubauten entstanden aus der Gründung neuer Orden in den Jahren 1524 bis 1575: Barnabiten, Jesuiten, Oratorianern, Theatinen; Sein Einfluss weitete sich aus und verlangte den Bau eines neuen Typs von Kirchen, einen Platz für die Propaganda des katholischen Glaubens (Propaganda Fide wurde 1622 gegründet), von großer Schönheit und Dekoration, die den Übergang zwischen Manierismus und Barock charakterisierte. Il Gesù, ein Bruch des Renaissance-Ideals einer Kirche mit einem zentralen Plan, entworfen von Giacomo Barozzi da Vignola (1568 – das Cover wurde 1584 von Giacomo della Porta modifiziert) – war das erste und diente dem Jesuiten als Vorbild Kirchen. Das Interieur war ein Beispiel dafür, wie der römische Klassizismus mit einer großen Einfachheit kombiniert werden konnte. Hohe Fenster perforieren das Tonnengewölbe ebenso wie der Ring der Fenster der Kuppeltrommel, um das Innere mit natürlichem Licht zu beleuchten und einen dramatischen Kontrast von Licht und Dunkelheit in einem relativ diffusen Raum zu schaffen. 1605 beauftragte der Papst Carlo Maderno mit der Neugestaltung der Basilika von San Pedro. Später kümmerte sich Gianlorenzo Bernini (dessen Einfluss auf das künstlerische Leben seiner Zeit als „Diktatur“ bezeichnet wurde) sowohl um die Innenausstattung als auch um die Gestaltung der Plaza de San Pedro.

Nach Bernini und Borromini war Carlo Fontana der einflussreichste Architekt Roms (konkave Fassade von San Marcello al Corso).

An seinem Hof ​​in Turin, das Haus von Savoyen, musste seine jüngste politische Förderung (Residenzen des Königshauses von Savoyen, Villen und Paläste von Turin) in ehrgeizige Werke übersetzen, war besonders empfänglich für den neuen Stil und beschäftigte ein prominentes Trio von Architekten: Guarino Guarini, Filippo Juvarra und Bernardo Vittone.

Die Architektur des venezianischen Barocks, die der lokalen Tradition folgt, hatte Baldassarre Longhena als ihren größten Vertreter, und nach der Pest von 1630 begann der Bau der Santa Maria della Salute mit einem zentralen Stockwerk. In den achteckigen Körper der Basilika fügte Longhena ein Heiligtum ein, das auf jeder Seite von zwei Apsiden eingefasst war, eine Lösung ähnlich der von Andrea Palladio in der Basilika von Santissimo Redentore, die die Längsachse des Tempels akzentuiert zentraler Körper. Der barocke Stil zeigt sich in der Konformation der äußeren Masse am Canal Grande: Der achteckige Körper, der von einer großen Kuppel bedeckt ist, wird von der Krone des Heiligtums und zwei Glockentürmen flankiert. Longhena baute auch Zivilgebäude: das Ca ‚Pesaro präsentiert einen scheinbar konventionellen Plan, aber die Rolle von Lichtern und Schatten auf der reich geschmückten Fassade gibt ihm einen typischen barocken Stil. Die plastischen Details erreichen ihr Ende in der Fassade der Kirche von Ospedaletto (abgeschlossen in den 1670er Jahren), geschmückt mit Atlanten, riesigen Köpfen und Löwenmasken. Andere venezianische Architekten dieser Zeit waren Andrea Tirali (Tolentini, Manfrin Venier Palace), Giuseppe Sardi (Santa Maria del Giglio) oder Domenico Rossi (Saint Stae, Ca ‚Corner della Regina).

Die letzte Phase der italienischen Barockarchitektur wird in Neapel durch den Palast von Caserta von Luigi Vanvitelli veranschaulicht. Auf dem Weg zur neoklassizistischen Architektur, die dem Vorbild anderer Bourbon-Paläste (Schloss von Versailles, Königspalast von Madrid) folgt, ist es in die umgebende Landschaft integriert. Seine Dimensionen sind außergewöhnlich; Es gilt als das größte Gebäude im Europa des 18. Jahrhunderts.

Stadtplanung
Italienischer barocker Urbanismus (barocker Urbanismus, italienische Stadtplanung, Urbanismus) .54

… mit den neuen geraden Straßen, mit den Dreizacken, die die perfekte Formel für den neuen barocken Urbanismus werden, mit den neuen Gebäuden, die sie flankieren, verwandelt sich Rom auf eine überraschende und fast wunderbare Weise, sogar vor den Augen seiner die eigenen Bewohner werden selbst zum Objekt der Kontemplation, da Sixtus V nicht vergisst, dem Funktionalen, das in der Stadt viele dekorative Punkte wie Brunnen schafft, eine künstlerische Tradition zu verleihen, die im 17. und 18 das wird eine wichtige Rolle bei der Schaffung des Mythos des barocken Roms spielen … Obwohl Sixtus V. war es, seine Erweiterung mit der alten Stadt zu erzählen, ist die Tatsache, dass in seiner Regelebene verließ er seine Seite, die mittelalterliche Stadt zu verlassen Transformationen seiner eigenen Dynamik; denn in Rom gibt es neben dem Urbanismus von öffentlichem Interesse und dem darauf eingefügten auch noch ein anderes, das von den privaten Interessen der römischen Aristokratie bewegt wird – so wichtig die Kirche entschieden für dieses Modell als Ausdruck ihres Lebensideals ist – dass sie es benutzt in ihrem Nutzen die bestehenden städtischen Strukturen, ohne sie zu verändern. … Diese konstruktiven Praktiken der großen Familien … und der Mangel an globaler Vision … bei der Umgestaltung ihrer Paläste suchen nach einem ästhetischen Rahmen, der ihrer Position entspricht, aber … sie sorgen sich nicht um die Bereitstellung der notwendigen Infrastrukturen. ..

Fassaden
Von der manieristischen Fassade der Kirche der Gesellschaft Jesu (Il Gesù) machten die italienischen Architekten die Fassaden der Tempel immer dynamischer und durchbrachen die traditionellen architektonischen Elemente und die Frontalität. Mit ähnlicher Phantasie wurde auch die Struktur der Palazzi-Fassaden verändert.

Innenräume
Pietro da Cortona war einer der Maler des 17. Jahrhunderts, die diese illusionistische Malweise einsetzten. Zu seinen wichtigsten Auftragsarbeiten gehörten die Fresken, die er für den Palast der Barberini-Familie malte. Pietro da Cortonas Kompositionen waren die größten dekorativen Fresken, die seit der Arbeit von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle in Rom ausgeführt wurden. Harold Osborne, Autor des Oxford Companion of Art, kommentiert seine Arbeit mit der „Göttlichen Vorsehung“ für den Barberini-Palast:

Dieses, sein berühmteste Gemälde, ist ein Triumph des Illusionismus, denn die Mitte der Decke erscheint zum Himmel hin geöffnet und die von unten gesehenen Figuren scheinen in den Raum zu kommen und aus ihm herauszuwachsen. “

Stuck wurde zu einer der wichtigsten Eigenschaften der barocken Innenräume, die die Wandflächen, Nischen und Decken verstärken.

Es war die Ehrfurcht vor der Kirche, die immer mehr Bauprojekte finanzierte, die wiederum mehr Gläubige in die Stadt brachten – fünfmal so viele wie in einem Heiligen Jahr. Mit diesem Boom im Tourismus entstand für die Bürger Roms eine kontinuierliche Beschäftigungsmöglichkeit. Die Bauwirtschaft in Rom wurde bald zum größten Arbeitgeber der Stadt.

In ganz Italien wurden inspirierende Architekten am Arbeitsplatz geschult. In den meisten Teilen Italiens erfüllten lokale Architekten die Baubedürfnisse, aber in Rom wurden die Architekten speziell von den päpstlichen Staats- oder Familiendynastien beauftragt, an ihren Projekten zu arbeiten. Familien, die mit dem Papsttum verbunden waren, darunter die Barberini, Borghese, Chigi und Pamphili, waren sehr wohlhabend, und für sie wurden wiederum einige der reichsten und großartigsten Villen gebaut. Der Wettbewerb zwischen diesen herrschenden Familien führte dazu, dass sie sich in den aufwendigen Detaillösungen in ihren Häusern und in den Kirchen, die sie unterstützten, wetteiferten.

Das heiße Klima Italiens beeinflusste die Auswahl der Materialien und die Planung der Architektur. Für Bodenbeläge wurden Fliesen, Marmor und Stein verwendet; Terrazzoböden, die aus Chips aus Marmor in Zement hergestellt wurden, wurden manchmal auch in Innenräumen verwendet. All diese Materialien haben dazu beigetragen, den Raum zu kühlen. Bei der Bauplanung wurde auch auf die geografische Lage geachtet. Im Durchschnitt erhält Sizilien jedes Jahr 1.000 Sonnenstunden mehr als Turin. Die Fassaden in sizilianischer Architektur erscheinen im Vergleich zu den heutigen auf dem italienischen Festland sehr massiv. Regionale Variationen wie diese können in ganz Italien, einschließlich Rom, gesehen werden.

Die Rolle der Möbel in römischen Innenräumen sollte den sozialen Status unterstreichen und dem Interieur einfach ein dekoratives Element hinzufügen. Schnitzen war die bevorzugte Methode, Möbel zu dekorieren; während Walnuss das primäre Möbelholz war. Der Schwerpunkt der Möbel lag auf geschnitzten und gedrehten Gliedern, die kunstvoll auf hohen Lehnstühlen und Tischen platziert waren.

Die räumlichen Beziehungen für das Innere im Zeitalter des Barock veränderten sich von der Blockstruktur der Renaissance zu einer offeneren Planung. Große Proportionen waren typisch für barocke Innenräume. Dem Salone wurde hohe Priorität eingeräumt, wiederum mit Betonung auf übertriebener Dekoration, diesmal mit Akzenten in verschiedenen Höhen. Nischen, Gebälk, Giebel und Wandreliefs sorgten für Dynamik im Raum.

Für die Effekte von Trompe l’oeil oder architektonischer Illusion in der Innenausstattung war die Integration der drei Künste (Malerei, Skulptur und Architektur) von großer Bedeutung, so dass man auf den ersten Blick nicht sehen konnte, wo man anfing und wo ein anderes endete. Es half bei der Verwendung aller Arten von Trägern und Materialien und hob den Stuck hervor, der zu einem Schlüsselmaterial in allen Räumen der barocken Innenräume wurde und in Nischen, Decken, Wänden usw. verwendet wurde.

Hauptkapelle von Santa Maria Maddalena dei Pazzi (Florenz), ein Beispiel von cappella spettacolo („Schauspielkapelle“), Projekt von Ciro Ferri, der auch den zentralen Spaten malte; die Seiten sind von Luca Giordano, 1667-1685.
Die Treppe von Longhena für San Giorgio Maggiore in Venedig (1643) ist die erste der großen inneren monumentalen Treppen Italiens, viel größer als ihre Vorgänger in Genua (Gemeinde, 1564 und Università, 1623) und Florenz (das Treppenhaus der Bibliothek Laurenziana von Michelangelo, 1524 – Jahrzehnte später fertig -); und es ist wiederum der Präzedenzfall der großen szenographischen Architektur in der Treppenhalle nördlich der Alpen.