Die Ruya-Stiftung für zeitgenössische Kultur im Irak (Ruya) hat den Nationalen Pavillon des Irak auf der 56. Biennale von Venedig im Mai 2015 in Auftrag gegeben. Die Ausstellung Invisible Beauty wird von Philippe Van Cauteren, künstlerischer Leiter von S.M.A.K. (Museum für zeitgenössische Kunst) in Gent. Es zeigt fünf zeitgenössische Künstler aus dem ganzen Irak und der Diaspora. Die Künstler arbeiten in einer Reihe von Medien und der Pavillon umfasst neue Werke, die speziell für die Ausstellung produziert wurden, sowie Werke, die nach langen Zeiträumen der Unaufmerksamkeit wiederentdeckt wurden. Begleitet wird die Ausstellung von über 500 Zeichnungen von Flüchtlingen im Nordirak. Der weltbekannte Künstler Ai Weiwei hat eine Reihe dieser Zeichnungen für eine große Publikation ausgewählt, die auf der Biennale erscheint.

Die Ausstellung umfasst eine Vielzahl von Medien mit neu in Auftrag gegebenen und wiederentdeckten früheren Werken. Begleitend zur Hauptausstellung wird auch eine Sammlung von 500 Zeichnungen von Flüchtlingen im Nordirak ausgestellt. Der chinesische Künstler Ai Weiwei hat eine Reihe dieser Zeichnungen für eine Publikation ausgewählt, die auf der Biennale vorgestellt wird.

Der Irak erinnert in Zeichnungen, Aquarellen und Fotografien an die Brutalität des Islamischen Staates (auch als ISIS oder ISIL bekannt). Ein Hauptaugenmerk des irakischen Pavillons in diesem Jahr liegt auf einer Reihe von Zeichnungen erwachsener irakischer Flüchtlinge, die vor dem Ansturm des Islamischen Staates geflohen sind. Diese Darstellungen – ein militanter Mann mit Kapuze, der Mutter und Kind erschießt, ein verbundener Mann, dessen blutendes Herz wie der Irak geformt ist – entstanden, als die Ruya-Stiftung Flüchtlingen in drei Lagern im Nordirak Papier, Bleistifte und Buntstifte brachte.

Von den fünf ausgestellten Künstlern haben zwei Werke geschaffen, die in direktem Zusammenhang mit dem Islamischen Staat stehen. Haider Jabbar, ein junges Exil in der Türkei, zeigt expressionistische Aquarelle mit einer Reihe abgetrennter, blutender Köpfe, die jeweils eine Fallnummer (anstelle eines Namens) im Titel haben. Akam Shex Hadis elegant inszenierte Schwarz-Weiß-Fotografien zeigen isolierte Figuren aus Gemeinden unter islamischem Staatsangriff, die mit schwarzem Stoff – der die Flagge der Angreifer darstellt – um ihre Füße gewickelt stehen. „ISIS kommt nur, um zu töten“, sagte Hadi, ein irakischer Kurde, neben seinen Fotos und fügte hinzu, dass die Flagge „wie eine Schlange“ sei, die sich um ihre Opfer dreht.

Unsichtbare Schönheit
Der Titel der Ausstellung bezieht sich sowohl auf ungewöhnliche oder unerwartete Themen, die in den Werken der Künstler anzutreffen sind, als auch auf ihre Unsichtbarkeit auf der internationalen Bühne. Unter den untersuchten Themen sind Überleben, Aufzeichnungen, Therapie und Schönheit.

‚Invisible Beauty‘ soll Künstler sichtbar machen, die derzeit im und außerhalb des Irak arbeiten. Es geht um Identität und Politik, um Erinnerung und Verlust, um Mut als Form der Schönheit.

Die unendlichen Interpretationsmöglichkeiten des Titels verweisen auf die vielfältigen Möglichkeiten, wie Kunst – die in einem Land geschaffen wurde, das Krieg, Völkermord, Menschenrechtsverletzungen und dem Aufstieg der Isis ausgesetzt war – angegangen werden kann. Dies ist eine wichtige Zeit, wie die Pressemitteilung hervorhebt, um die Stimmen derer hervorzuheben, die weiterhin Kunst im Irak schaffen, wo Isis das kulturelle Erbe des Landes in Hatra, Nimrud, Ninive und im Mosul-Museum systematisch zerstört hat.

Unsichtbare Schönheit ist wie eine zerbrechliche Membran, die die Schwingungen einer künstlerischen Praxis registriert, die vom gegenwärtigen Zustand des Landes und dem Stand der Technik durchdrungen ist.

Die Artisten

Die Künstler im Pavillon stellen einen Bruch dar – sowohl in Bezug auf die Medien als auch in Bezug auf allgemeinere soziale Belange – von den Zwängen einer klassischen Ausbildung, die die orthodoxe ästhetische Tradition der Mehrheit der irakischen Künstlerwerke prägt

Latif Al Ani
Latif Al Ani (* 1932) gilt als der Gründungsvater der irakischen Fotografie und seine umfangreiche Dokumentarfilmkarriere erstreckt sich von den späten 1950er bis zu den späten 1970er Jahren, als es aufgrund der zunehmend autoritären Atmosphäre des Saddam-Regimes und der Saddam-Region unmöglich wurde, öffentlich zu fotografieren der Iran-Irak-Krieg. Eine Dualität des Denkens macht sowohl die Modernisierung von Trends als auch die Beibehaltung alter Traditionen zu Themen von Al Anis Werk, und die Pavillon-Ausstellung konzentriert sich auf Werke aus der frühen Phase seiner Karriere.

Die Fotografien archäologischer Stätten von Latif Al Ani aus den späten 1950er und 1960er Jahren gewinnen vor dem Hintergrund aktueller dramatischer Ereignisse an Bedeutung. Damals war es die Absicht des Künstlers, eine Gesellschaft auf dem Weg zur Moderne zu dokumentieren. Heute fungieren diese Fotografien als kritische Mittel gegen die Tragödie des Verfalls und den Verlust von Würde und Raffinesse. Al Anis Arbeit ist ein schwarz-weißer Zeuge einer utopischen Gesellschaft, einer Gesellschaft, die jetzt von den Irrationalitäten von Krieg und Religion mitgerissen wird.

Mirjan Moschee (1960)
Bahnhof, Bagdad (1961)
Berlin (1965)
Nahr Street Shop (1960)
Karkh, Bagdad (1961)
Rashid Street, Haydarkhana (1961)
Musayb, schwimmende Brücke (1959)
Al Aqida, Gymnasium, Bagdad (1961)
Gestohlener Kopf, der nicht gefunden wurde, Hatra (ca. 1960er Jahre)

Akam Shex Hadi
Akam Shex Hadi (* 1985) repräsentiert eine spätere Generation irakischer Fotografie. Mit seinen inszenierten, symbolischen Werken nahm er an Fotofestivals in Asien und im Nahen Osten teil. Seine Arbeit befasst sich zusammen mit der von Haider Jabbar mit dem Aufstieg der Isis und der Flüchtlingskrise. Er hat eine neue Arbeit für den Pavillon geschaffen, die aus 28 Fotografien besteht. Ein wiederkehrendes Motiv in der Serie ist ein Abwickelfaden, der einer Schlange ähnelt, sich jedoch als Isis-Flagge herausstellt, eine kontinuierliche Erinnerung an seine fesselnden Eigenschaften. Shex Hadi präsentiert auch eine Reihe von Luftbildern, die eine scheinbar große Standuhr zeigen, mit der Ausnahme, dass sich die Ziffern nicht in der erwarteten Position befinden. Eine niedergeworfene Figur, die einen Zeiger der Uhr darstellt, macht die Werke zu einem Grübeln über die Kapitulation des Menschen vor der Zeit, eine Art Memento Mori.

Akam Shex Hady, in dem er Menschen, die vor ISIS fliehen, auf subtile und delikate Weise fotografierte. Das schwarze Stück Stoff schleicht sich als bedrohliche Schlinge um die Menschen, die in der Nacktheit ihrer Tragödie gefangen sind, ins Bild.

Rabab Ghazoul
Rabab Ghazoul (* 1970) reagiert in ihrer Arbeit auch auf ihre besondere geografische Beziehung zum Irak. Ghazoul hat seinen Sitz in Wales und eine neue Videoarbeit für den Pavillon produziert, deren Ausgangspunkt die Chilcot-Untersuchung ist. Ghazouls Arbeit untersucht unsere Beziehung zu politischen und sozialen Strukturen und ein Teil dieser neuen Arbeit ist eine Bestandsaufnahme offizieller Zeugnisse über den Irak-Krieg, die von anonymen britischen Bürgern neu gesprochen wurden. Dieser Aspekt der Arbeit hebt drei der Schlüsselthemen der Ausstellung hervor – Kunst als Katalogisierungsakt, die Korrelation zwischen dem Moment, in dem eine Arbeit gemacht wird, und ihren formalen Qualitäten und Vorstellungen darüber, was Gemeinschaft ausmacht. Ghazoul, die einzige ausgestellte Künstlerin, hatte mehrere Einzelausstellungen in Cardiff und nahm an zahlreichen Gruppenausstellungen in ganz Wales und im übrigen Europa teil.

Indem Rabab Ghazoul dem Volk eine Stimme gibt, reflektiert er den Begriff der Öffentlichkeit und ihrer Vertreter. Durch die einfache Geste, die Stimmen anonymer Bürger Englands aufzuzeichnen, während sie eine Rede des ehemaligen britischen Premierministers Tony Blair wiederholen, dekonstruiert der Künstler Vorstellungen von Wahrheit, Schuld und Verantwortung.

Haider Jabbar
Der Maler Haider Jabbar (* 1986) zeigt eine Reihe von Aquarellporträts, die die Isis-Krise und die zahlreichen Opfer widerspiegeln, die er gefordert hat. Diese Arbeiten sind schockierende, oft brutale Darstellungen des Schicksals junger Männer, die im Konflikt gestorben sind. Die Männer werden nur anhand von Fallnummern identifiziert, und Jabbar, der sich als Teil einer Generation junger Männer betrachtet, deren Leben durch jahrzehntelange Konflikte im Irak unnötig ruiniert wurde, beabsichtigt, 2.000 dieser Werke zu produzieren. Jabbar ist selbst ein Flüchtling, der jetzt mit Unterstützung der Ruya Foundation in der Türkei lebt und arbeitet.

Haider Jabbars Gesichter werden nach dem brutalen Akt der Enthauptung stumm. Der Künstler reflektiert den Körper in Stücken, indem er ein Archiv enthaupteter Köpfe erstellt, die Opfer von Gewalt sind. Seine künstlerische Sprache verrät eine Faszination für die Arbeit einiger seiner älteren künstlerischen Kollegen, aber der Unterschied liegt in der Art und Weise, wie er das, was er durchlebt hat, in einem Bild mit universeller Anziehungskraft „übersetzt“. Jeder Ductus umfasst tragische Fragmente der Realität.

Salam Atta Sabri
Salam Atta Sabri (geb. 1953) hat ausgiebig in der Kunstverwaltung im Irak und im Ausland gearbeitet, aber trotz seiner Ausbildung zum Keramiker und seiner umfangreichen Zeichnung hat er seine Zeichnungen nie öffentlich gezeigt. Zwischen 2012 und 2015 produzierte er rund 300 Zeichnungen, die er nie ausgestellt hat, von denen mehr als 100 im Pavillon ausgestellt sind. Diese sehr persönlichen Arbeiten zeigen die Erfahrung eines Künstlers, der sich bemüht, im Schatten einer bröckelnden Kunstinfrastruktur zu schaffen. Atta Sabri kehrte 2005 nach Bagdad zurück, nachdem er 16 Jahre in den USA und Jordanien gelebt hatte. Seine Zeichnungen können als Tagebuch verstanden werden, in dem der Künstler die existenzielle Tragödie behandelt, die er erlebt, als er in seine Heimatstadt zurückkehrt.

Das Tagebuch der Zeichnungen von Salam Atta Sabri. Briefe aus Bagdad können als introspektive Anmerkungen verstanden werden, in denen die tragischen Umstände eines Landes mit dem persönlichen Drama eines Künstlers kollidieren, der das Gebot hat, Kunst in einem Kontext zu machen, der von anderen als künstlerischen Bedingungen geprägt ist.

Überlebensspuren im Irak
Eine Ausstellung von mehr als 500 Zeichnungen von Flüchtlingen im Nordirak, die Ruya in Camp Shariya, Camp Baharka und Mar Elia Camp gesammelt hat, wird die Ausstellung begleiten. Der chinesische Künstler Ai Weiwei hat eine Reihe dieser Werke ausgewählt, um sie in die Publikation TRACES OF SURVIVAL: Zeichnungen von Flüchtlingen im Irak aufzunehmen, die von Ai Weiwei ausgewählt wurden und auf der Biennale vorgestellt werden. Der Erlös aus dem Buch wird an diejenigen weitergegeben, die den Inhalt bereitgestellt haben.

Die Ausstellung wird von Zeichnungen von Flüchtlingen im Nordirak begleitet. Im Dezember 2014 startete Ruya eine Kampagne, um erwachsenen Männern und Frauen in Flüchtlingslagern Zeichenmaterial zur Verfügung zu stellen. Ruya besuchte Camp Shariya, Camp Baharka und Mar Elia Camp und über fünf Tage sammelte die Stiftung 546 Beiträge, darunter Zeichnungen, Gedichte und Prosa. Eine Auswahl dieser Zeichnungen ist ausgestellt. Die Beiträge zeigen unglaublich starke Reaktionen auf das Leben in den Flüchtlingslagern. Eine Darstellung von Panzern und Flugzeugen, die sich gegenseitig beschossen, wurde von einem vierzigjährigen Mann mit der Aufschrift „Unser Volk hat nur zwischen Kriegen und Zerstörung gelebt“ gezeichnet, während ein anderes Bild eine isolierte Figur in einem überfluteten Flüchtlingslager zeigt, die Petitionen: „Rette uns vor dem Ertrinken. Ich bin Iraker. “Im Gegensatz dazu zeigen andere Zeichnungen das Leben vor der Flüchtlingskrise, darunter eine leuchtende Darstellung von Mosul, bevor Isis die Kontrolle übernahm, und eine Darstellung eines traditionellen jazidischen Festivals. Einige dieser Bilder wurden von Ai Weiwei für ein großes Buch ausgewählt, das anlässlich der Biennale veröffentlicht wurde. Der Erlös aus dem Buch geht an diejenigen zurück, die den Inhalt bereitgestellt haben.

Diese Arbeit wurde von einem 41-jährigen Mann gezeichnet, der seine Stadt Mosul darstellt, aus der er geflohen ist, als Isis übernahm. Die Überschrift bedeutet übersetzt: „Geliebter Mosul. Wir werden zurück sein, so Gott will. “Ein 18-jähriges Schulmädchen zeigt ihre beste Freundin, die sie tot und blutig gesehen hat, nachdem sie auf dem Berg Sinjar vergewaltigt worden war. Zum Zeitpunkt dieser Zeichnung war ihre Freundin noch nicht begraben. Dies ist eine Zeichnung des Lagers, in dem der Mann jetzt lebt. Es zeigt das überflutete Lager, einschließlich sich selbst und anderer, die rufen: „Rette uns vor dem Ertrinken. Ich bin Iraker. ‚

Ein Granatapfelbaum im Garten eines alten Yeziden, der gezwungen war, aus seinem Haus zu fliehen, als Isis den Berg Sinjar angriff. Er erinnert sich sehr genau an den Tag, an dem Isis angegriffen hat. Dieser Baum ist für ihn die Heimat.

Die unsichtbare Schönheit der Werke in dieser Ausstellung zeigt den Mut der Künstler in Bezug auf Engagement. Invisible Beauty gibt verschiedenen Künstlergenerationen eine Stimme, die alle Gefangene des Verfalls eines Landes sind. Gleichzeitig glaubt jeder von ihnen, dass man als Künstler eine Position einnehmen und eine Verantwortung übernehmen kann, die sich vom orthodoxen Glauben an reine Schönheit unterscheidet. Diese Künstler verankern ihre künstlerischen Praktiken in einem komplexen Aufruhr von Verlust, Identität, Erinnerung und Schönheit. Invisible Beauty ist eine Ausstellung, die flüstert, die sanft artikuliert. Vor dem apokalyptischen Hintergrund der jüngsten Vergangenheit des Irak finden Künstler immer noch den Mut, sich an Arbeiten zu beteiligen, bei denen der einzelne Künstler unabhängig von jeglicher Form von Akademismus ist und von einer dichten Reflexion darüber abhängt, wie Kunst mit der Gesellschaft zusammenhängt.

Palazzo Dandolo Farsetti
Ca ‚Farsetti (oder Palazzo Dandolo Farsetti) ist ein venezianischer Palast im Stadtteil San Marco mit Blick auf den Canal Grande, nicht weit von der Rialtobrücke entfernt. Es ist zusammen mit dem angrenzenden Ca ‚Loredan der Sitz der Gemeinde der Lagunenstadt.

Der Palast wurde im dreizehnten Jahrhundert nach dem Willen der Nachkommen von Doge Enrico Dandolo auf nur zwei Etagen erbaut.
Federigo Contarini, der den Palast 1440 kaufte, ließ ihn vergrößern und auf seine heutige Größe bringen.

Um 1670 geht es an die Familie über, die ihm ihren Namen gibt, die Farsetti, die im 18. Jahrhundert eine Art Kulturzentrum errichteten, das Intellektuellen, Künstlern, Bürgern und ausländischen Touristen offen stand. Im „Museum“ gab es eine reiche Sammlung von Kunstwerken aus verschiedenen Epochen und Hintergründen, ergänzt durch eine gut sortierte Bibliothek.

Das letzte Familienmitglied war Anton Francesco, der 1788, verschuldet von Schulden, die Galerie schloss und begann, die erhaltenen Werke zu entfremden. Sofort von den Staatsinquisitoren blockiert, konnte er nach dem Fall der Serenissima den Verkauf wieder aufnehmen.

Der 1808 verstorbene Palast wurde von der Witwe Andriana da Ponte als Mitgiftgläubiger versteigert. Eine Zeit lang wurde dort das Hotel „Gran Bretagna“ installiert, aber 1826 wurde es an die Stadtverwaltung von Venedig verkauft, die es im folgenden Jahr zu einer städtischen Residenz machte, eine Rolle, die es immer noch spielt.

Die Fassade des Palazzo Farsetti besteht aus drei Ebenen und einem Zwischengeschoss: Die ersten beiden sind die des ursprünglichen Kerns mit einer Loggia im venezianisch-byzantinischen Stil auf der Ebene des Kanals. Der zweite Stock und das Zwischengeschoss sind das Ergebnis von Renaissance-Arbeiten.

Das Erdgeschoss hat zentral einen Portikus, der von fünf Rundbögen geschlossen wird, die von vier korinthischen Säulen getragen werden, die strukturell der des angrenzenden Ca ‚Loredan ähneln, mit dem Ca‘ Farsetti auf der linken Seite durch eine „Überführung“ verbunden ist. Im Erdgeschoss ist die Fassade durch fünfzehn runde Öffnungen mit einer langen Balustrade gekennzeichnet, die die beiden Ebenen markiert.

Im Inneren befindet sich die Treppe des rechten Flügels aufgrund der Arbeiten der Farsetti im 18. Jahrhundert und die Halle im Erdgeschoss mit Stuck aus dem gleichen Jahrhundert.

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.