Einflüsse von Art Deco

Art Deco, manchmal als Deco bezeichnet, ist ein Stil der bildenden Kunst, Architektur und Design, der zuerst in Frankreich kurz vor dem Ersten Weltkrieg erschien. Art Deco beeinflusste das Design von Gebäuden, Möbeln, Schmuck, Mode, Autos, Kinos, Züge Ozeandampfer und Alltagsgegenstände wie Radios und Staubsauger. Der Name, kurz für „Arts Décoratifs“, stammt von der internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst in Paris im Jahre 1925. Sie vereint modernistische Stile mit edler Handwerkskunst und reichhaltigen Materialien. In seiner Blütezeit repräsentierte Art Deco Luxus, Glamour, Überschwang und Glauben an sozialen und technologischen Fortschritt.

Beschreibender Begriff für einen Stil der dekorativen Kunst, der in den 1920er und 1930er Jahren in Europa und den USA verbreitet wurde. Abgeleitet von dem Stil, der durch die Internationale Ausstellung der Exposition populär gemacht wurde. Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris im Jahr 1925, der Begriff wurde nur seit den späten 1960er Jahren verwendet, als es eine Wiederbelebung des Interesses für die dekorativen Künste des frühen 20. Jahrhunderts gab. Seitdem wurde der Begriff „Art Deco“ angewendet eine große Vielfalt an Werken, die in der Zwischenkriegszeit und sogar im Deutschen Bauhaus entstanden sind. Aber Art Deco war im Wesentlichen französischer Herkunft, und der Begriff sollte daher nur auf französische Werke und solche aus direkt von Frankreich beeinflussten Ländern angewandt werden.

Art Deco war eine Pastiche von vielen verschiedenen Stilen, manchmal widersprüchlich, vereint durch den Wunsch modern zu sein. Von Anfang an war Art Deco von den kühnen geometrischen Formen des Kubismus beeinflusst; die hellen Farben des Fauvismus und der Ballets Russes; die modernisierte Handwerkskunst der Möbel der Epochen Louis Philippe und Louis XVI; und die exotischen Stile von China und Japan, von Indien, von Persien, von altem Ägypten und von Maya-Kunst. Es zeigte seltene und teure Materialien wie Ebenholz und Elfenbein und exquisite Handwerkskunst. Das Chrysler Building und andere Wolkenkratzer von New York, die in den 1920er und 1930er Jahren erbaut wurden, sind Monumente des Art-Deco-Stils.

In den 1930er Jahren, während der Großen Depression, wurde der Art-Deco-Stil gedämpfter. Neue Materialien sind angekommen, einschließlich Verchromung, Edelstahl und Kunststoff. Eine schlankere Form des Stils, genannt Streamline Moderne, erschien in den 1930er Jahren; Es zeigte geschwungene Formen und glatte, polierte Oberflächen. Art Deco ist einer der ersten wirklich internationalen Stile, aber seine Dominanz endete mit dem Beginn des Zweiten Weltkriegs und dem Aufstieg der streng funktionalen und schlichten Stile der Moderne und des internationalen Stils der Architektur, die folgten.

Benennung
Art Deco erhielt seinen Namen, kurz für „Arts Décoratifs“, von der Internationalen Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Paris im Jahr 1925, obwohl die verschiedenen Stile, die den Art Deco charakterisieren, bereits vor dem Ersten Weltkrieg in Paris und Brüssel erschienen sind.

Der Begriff arts décoratifs wurde erstmals 1858 in Frankreich verwendet; veröffentlicht im Bulletin de la Société française de photographie.

Im Jahr 1868 verwendete die Zeitung Le Figaro den Begriff Objets d’Art décoratifs in Bezug auf Objekte für Bühnenbilder, die für das Théâtre de l’Opéra geschaffen wurden.

1875 erhielten Möbeldesigner, Textil-, Schmuck- und Glasdesigner sowie andere Handwerker von der französischen Regierung offiziell den Status eines Künstlers. Als Antwort darauf wurde die 1766 unter König Ludwig XVI. Gegründete Königliche Freie Schule für Design (École royale gratuite de dessin) zur Ausbildung von Künstlern und Handwerkern im Bereich der schönen Künste in Nationale Schule für dekorative Künste (École nationale des arts décoratifs). Der heutige Name wurde ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) im Jahre 1927 verliehen.

Während der Ausstellung von 1925 schrieb der Architekt Le Corbusier für seine Zeitschrift L’Esprit Nouveau eine Reihe von Artikeln über die Ausstellung unter dem Titel „1925 Expo: Arts Déco“, die zu einem Buch „L’art décoratif d’aujourd“ zusammengefasst wurden. hui „(Dekorative Kunst heute). Das Buch war ein lebhafter Angriff auf die Exzesse der farbenfrohen und verschwenderischen Objekte der Ausstellung; und auf der Idee, dass praktische Gegenstände wie Möbel irgendeine Dekoration überhaupt haben sollten; sein Fazit war, dass „moderne Dekoration keine Dekoration hat“.

Der Kurztitel „Art Deco“, den Le Corbusier in den Artikeln und im Buch verwendete, wurde 1966 für den Titel der ersten modernen Ausstellung über das Thema adaptiert, genannt Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, die die Vielfalt abdeckte der großen Stile in den 1920er und 1930er Jahren. Der Begriff Art déco wurde dann in einem Zeitungsartikel aus dem Jahr 1966 von Hillary Gelson in der Times (London, 12. November) verwendet und beschrieb die verschiedenen Stile der Ausstellung.

Art Deco wurde 1968 als breit angelegtes Stillabel eingeführt, als der Historiker Bevis Hillier das erste große akademische Buch über den Stil veröffentlichte: Art Deco der 20er und 30er Jahre. Hillier bemerkte, dass der Begriff bereits von Kunsthändlern verwendet wurde und zitiert The Times (2. November 1966) und einen Aufsatz namens „Les Arts Déco“ in der Zeitschrift Elle (November 1967) als Beispiele für die vorherige Verwendung. 1971 organisierte Hillier eine Ausstellung am Minneapolis Institute of Arts, die er in seinem Buch The World of Art Deco detailliert beschreibt.

Ursprünge

Gesellschaft der dekorativen Künstler (1901-1913)
Die Entstehung des Art déco war eng mit dem Aufstieg der dekorativen Künstler verbunden, die bis Ende des 19. Jahrhunderts einfach als Handwerker angesehen wurden. Der Begriff „Arts décoratifs“ wurde 1875 erfunden und gab den Designern von Möbeln, Textilien und anderen Dekorationen offiziellen Status. Die Société des Artistes Décorateurs (SAD) wurde 1901 gegründet, und dekorative Künstler erhielten die gleichen Urheberrechte wie Maler und Bildhauer. Eine ähnliche Bewegung entwickelte sich in Italien. Im Jahr 1902 fand in Turin die erste internationale Ausstellung statt, die sich ausschließlich der dekorativen Kunst widmete, der Esposizione Internationale d’Arte Decorative Moderna. In Paris wurden mehrere neue Magazine für dekorative Künste gegründet, darunter Arts et décoration und L’Art décoratif moderne. In den jährlichen Salons der Société des artistes français, später im Salon d’automne, wurden die Sektionen für dekorative Kunst eingeführt. Der französische Nationalismus spielte auch eine Rolle beim Wiederaufleben der dekorativen Künste; Französische Designer fühlten sich durch den zunehmenden Export weniger teurer deutscher Möbel herausgefordert. 1911 schlug die SAD vor, 1912 eine große neue internationale Ausstellung für dekorative Künste abzuhalten. Es sollten keine Kopien alter Stile erlaubt werden; nur moderne Arbeiten. Die Ausstellung wurde auf 1914 verschoben und dann wegen des Krieges auf 1925 verschoben, als sie der ganzen Déco-Familie ihren Namen gab.

Auch die Pariser Kaufhäuser und Modedesigner spielten eine wichtige Rolle beim Aufstieg von Art Déco. Etablierte Firmen wie der Gepäckhersteller Louis Vuitton, die Silberwarenfirma Christofle, der Glasdesigner René Lalique und die Juweliere Louis Cartier und Boucheron, die alle begannen, Produkte in moderneren Stilen zu entwerfen. Ab 1900 hatten die Kaufhäuser dekorative Künstler eingestellt, um in ihren Designstudios zu arbeiten. Die Dekoration des Salon d’Automne 1912 wurde dem Kaufhaus Printemps anvertraut. Im selben Jahr gründete Printemps eine eigene Werkstatt namens „Primavera“. Um 1920 beschäftigte Primavera mehr als dreihundert Künstler. Die Stile reichten von den aktualisierten Versionen von Louis XIV, Louis XVI und vor allem Louis Philippe Möbeln von Louis Süe und der Primavera Werkstatt bis hin zu moderneren Formen aus der Werkstatt des Au Louvre Kaufhauses. Andere Designer, darunter Émile-Jacques Ruhlmann und Paul Foliot, weigerten sich, Massenproduktion zu verwenden, und bestanden darauf, dass jedes Stück einzeln von Hand hergestellt wurde. Der frühe Art-Deco-Stil zeigte luxuriöse und exotische Materialien wie Ebenholz, Elfenbein und Seide, sehr helle Farben und stilisierte Motive, insbesondere Körbe und Blumensträuße in allen Farben, die einen modernen Look verleihen.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
Das Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913) von Auguste Perret war das erste Art-Deco-Gebäude in Paris. Zuvor war Stahlbeton nur für Industrie- und Wohngebäude verwendet worden, Perret hatte in den Jahren 1903-04 das erste moderne Stahlbetonwohnhaus in Paris in der Rue Benjamin Franklin gebaut. Henri Sauvage, ein weiterer bedeutender Art Deco-Architekt, baute 1904 in der Rue Trétaigne (1904) ein weiteres. Von 1908 bis 1910 arbeitete der 21-jährige Le Corbusier als Zeichner in Perrets Büro und erlernte die Techniken des Betonbaus. Perrets Gebäude hatte eine saubere rechteckige Form, geometrische Dekoration und gerade Linien, die zukünftigen Marken von Art Deco. Die Einrichtung des Theaters war auch revolutionär; Die Fassade wurde mit Tafeln von Art Deco von Antoine Bourdelle, einer Kuppel von Maurice Denis, Gemälden von Édouard Vuillard und einem Art Deco-Vorhang Ker-Xavier Roussel verziert. Das Theater wurde berühmt als Austragungsort für viele der ersten Auftritte der Ballets Russes. Perret und Sauvage wurden in den 1920er Jahren zu den führenden Art-Deco-Architekten in Paris.

Salon d’Automne (1912-1913)
Bei seiner Geburt zwischen 1910 und 1914 war Art Deco eine Explosion von Farben, mit hellen und oft widersprüchlichen Farben, häufig in floralen Designs, präsentiert in Möbelbezügen, Teppichen, Schirmen, Tapeten und Stoffen. Viele farbenfrohe Werke, darunter Stühle und ein Tisch von Maurice Dufrene und ein heller Gobelin-Teppich von Paul Follot, wurden 1912 im Salon des artistes décorateurs präsentiert. In den Jahren 1912-1913 entwarf der Designer Alfred Karbowsky für das Jagdhaus des Kunstsammlers Jacques Doucet einen floralen Stuhl mit Papageien-Design. Die Möbeldesigner Louis Süe und André Mare haben unter dem Namen Atelier Française erstmals im Jahr 1912 mit farbenfrohen Stoffen und exotischen und teuren Materialien, darunter Ebenholz und Elfenbein, ausgestellt. Nach dem Ersten Weltkrieg wurden sie zu einer der bekanntesten französischen Innenarchitekten, die Möbel für die erstklassigen Salons und Kabinen der französischen Transatlantik-Ozeandampfer fertigten.

Die leuchtenden Farben von Art Deco stammen aus vielen Quellen, darunter die exotischen Bühnenbilder von Leon Bakst für die Ballets Russes, die kurz vor dem Ersten Weltkrieg in Paris Furore machten. Einige der Farben wurden von der früheren Fauvismus-Bewegung von Henri inspiriert Matisse; andere durch den Orphismus von Malern wie Sonia Delaunay; andere von der Bewegung bekannt als die Nabis, und in der Arbeit des symbolistischen Malers Odilon Redon, der Kaminschirme und andere dekorative Objekte entwarf. Helle Farben prägten die Arbeiten des Modedesigners Paul Poiret, der sowohl Art Deco Mode als auch Interior Design beeinflusste.

Kubistisches Haus (1912)
Der als Kubismus bekannte Kunststil entstand zwischen 1907 und 1912 in Frankreich und beeinflusste die Entwicklung des Art Deco. Die Kubisten, selbst unter dem Einfluss von Paul Cézanne, waren an der Vereinfachung der Formen zu ihren geometrischen Grundelementen interessiert: dem Zylinder, der Kugel, dem Kegel.

Im Jahr 1912 stellten die Künstler der Sektion d’Or Werke aus, die für die Öffentlichkeit wesentlich zugänglicher waren als der analytische Kubismus von Picasso und Braque. Das kubistische Vokabular war darauf ausgerichtet, Mode-, Möbel- und Innenarchitekten anzulocken.

In den 1912 Schriften von André Vera. Le Nouveau Stil, veröffentlicht in der Zeitschrift L’Art décoratif, drückte er die Ablehnung der Jugendstilformen (asymmetrisch, polychrom und malerisch) aus und forderte simplicité volontaire, symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie, Themen, die schließlich werden würden üblich im Art Deco; obwohl der Deco Stil mit der Zeit oft extrem bunt und alles andere als einfach war.

In der Abteilung Art Décoratif des Salon d’Automne von 1912 wurde eine architektonische Installation ausgestellt, bekannt als La Maison Cubiste. Die Fassade wurde von Raymond Duchamp-Villon entworfen. Das Dekor des Hauses stammt von der Firma Louis Süe und André Mare, die 1912 eine Firma namens „Atlier Français“ gegründet hatten. La Maison Cubiste war eine möblierte Installation mit einer Fassade, einer Treppe, schmiedeeisernen Geländern, einem Schlafzimmer, einem Wohnzimmer-der Salon Bourgeois, wo Gemälde von Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger und Roger de La Fresnaye aufgehängt wurden. Tausende von Zuschauern im Salon durchliefen das Modell in Originalgröße.

Die Fassade des von Duchamp-Villon entworfenen Hauses war nach modernen Maßstäben nicht sehr radikal; die Stürze und Giebel hatten prismatische Formen, aber ansonsten ähnelte die Fassade einem gewöhnlichen Haus der Zeit. Die Zimmer wurden von Mare mit Stühlen und Sofas im Neo-Louis XVI- und Louis-Philippe-Stil möbliert, die mit eckigen Elementen versehen wurden, um den kubistischen Gemälden den letzten Schliff zu geben. Der Kritiker Emile Sedeyn beschrieb Mares Arbeit in der Zeitschrift Art et Décoration: „Er bringt sich nicht mit Einfachheit in Verlegenheit, denn er vervielfältigt Blumen, wo immer man sie hinstellen kann. Die Wirkung, die er sucht, ist offensichtlich eine von malerischer und fröhlicher Art. Er erreicht sie.“ Das kubistische Element wurde von den Gemälden zur Verfügung gestellt. Trotz ihrer Zahmheit wurde die Installation von einigen Kritikern als extrem radikal attackiert, was zu ihrem Erfolg beitrug. Diese architektonische Installation wurde anschließend auf der Armory Show 1913 in New York, Chicago und Boston ausgestellt. Dank der Ausstellung begann der Begriff „Kubist“ auf alles Neue zu übertragen, von Frisuren für Frauen über Kleidung bis hin zu Theateraufführungen.

Der kubistische Stil setzte sich im Art Deco fort, auch als Deco sich in viele andere Richtungen ausbreitete. Im Jahr 1927 arbeiteten die Kubisten Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, der Bildhauer Gustave Miklos und andere an der Dekoration eines von Paul Ruaud und Paul Ruaud entworfenen Atelierhauses in der Rue Saint-James in Neuilly-sur-Seine mit im Besitz des französischen Modedesigners Jacques Doucet, der auch Sammler post-impressionistischer Kunst von Henri Matisse und kubistischer Gemälde war (darunter Les Demoiselles d’Avignon, das er direkt von Picassos Atelier kaufte). Laurens entwarf den Brunnen, Csaky entwarf Doucets Treppenhaus, Lipchitz den Kaminmantel und Marcoussis einen kubistischen Teppich.

Neben den kubistischen Künstlern brachte Doucet weitere Deko-Innenarchitekten mit, die bei der Dekoration des Hauses mitwirkten, darunter Pierre Legrain, der für die Dekoration zuständig war, und Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray und Rose Adler für Möbel . Das Dekor umfasste massive Stücke aus Makassar-Ebenholz, die von afrikanischer Kunst inspiriert waren, und Möbel, die mit Marokko-Leder, Krokodilleder und Schlangenhaut sowie mit Mustern aus afrikanischen Designs verziert waren.

Einflüsse
Art Deco war kein Stil, sondern eine Sammlung verschiedener und manchmal widersprüchlicher Stile. In der Architektur war Art Deco der Nachfolger und Reaktion auf den Jugendstil, der in Europa zwischen 1895 und 1900 blühte, und ersetzte allmählich auch die Beaux-Arts und Neoklassik, die in der europäischen und amerikanischen Architektur vorherrschend waren. Im Jahr 1905 schrieb und veröffentlichte Eugène Grasset die Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, in der er die dekorativen (ornamentalen) Aspekte geometrischer Elemente, Formen, Motive und deren Variationen im Gegensatz zu (und als Abkehr von) der wellenförmigen Kunst systematisch untersuchte Nouveau Stil von Hector Guimard, so populär in Paris ein paar Jahre zuvor. Grasset betonte das Prinzip, dass verschiedene einfache geometrische Formen wie Dreiecke und Quadrate die Grundlage aller kompositorischen Anordnungen sind. Die Stahlbetonbauten von Auguste Perret und Henri Sauvage, insbesondere das Theater des Champs-Elysees, boten eine neue Form der Konstruktion und Dekoration, die weltweit kopiert wurde.

In der Dekoration wurden viele verschiedene Stile geliehen und von Art Deco verwendet. Sie enthielten vormoderne Kunst aus aller Welt und sind im Musée du Louvre, im Musée de l’Homme und im Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie zu sehen. Es gab auch ein populäres Interesse an der Archäologie aufgrund von Ausgrabungen in Pompeji, Troja und dem Grab des Pharaos Tutanchamun aus der 18. Dynastie. Künstler und Designer integrierten Motive aus dem alten Ägypten, Mesopotamien, Griechenland, Rom, Asien, Mesoamerika und Ozeanien mit Elementen des Maschinenzeitalters.

Andere geborgte Stile schlossen russischen Konstruktivismus und italienischen Futurismus sowie Orphism, Funktionalismus und Modernismus im Allgemeinen ein. Art Deco verwendete auch die widersprüchlichen Farben und Designs des Fauvismus, vor allem in den Werken von Henri Matisse und André Derain, inspiriert die Designs von Art-Deco-Textilien, Tapeten und bemalte Keramik. Es nahm Ideen aus dem hohen Modevokabular der Periode, die geometrische Designs, Chevrons, Zickzacks und stilisierte Blumensträuße zeigte. Es war beeinflusst von Entdeckungen in der Ägyptologie und wachsendem Interesse am Orient und an der afrikanischen Kunst. Ab 1925 wurde es oft von einer Leidenschaft für neue Maschinen wie Luftschiffe, Autos und Ozeandampfer inspiriert, und 1930 führte dieser Einfluss zu dem Stil, der stromlinienförmige Moderne genannt wurde.

Stil von Luxus und Modernität
Art Deco wurde mit Luxus und Modernität assoziiert; Es kombiniert sehr teure Materialien und exquisite Handwerkskunst in modernistischen Formen. Nichts war billig über Art Deco: Möbelstücke enthalten Elfenbein und Silber Intarsien, und Stücke von Art Deco Jewellry kombinierten Diamanten mit Platin, Jade und anderen wertvollen Materialien. Der Stil wurde verwendet, um die erstklassigen Salons von Ozeandampfern, Luxuszügen und Wolkenkratzern zu schmücken. Es wurde auf der ganzen Welt verwendet, um die großen Filmpaläste der späten 1920er und 1930er Jahre zu dekorieren. Später, nach der Großen Depression, änderte sich der Stil und wurde nüchterner.

Ein gutes Beispiel für den luxuriösen Stil des Art Déco ist das Boudoir der Modedesignerin Jeanne Lanvin, das von Armand-Albert Rateau (1882-1938) zwischen 1922 und 1925 entworfen wurde. Es befand sich in ihrem Haus in der Rue Barbet de Jouy Nr. 16 in Paris, das 1965 abgerissen wurde. Der Raum wurde im Museum für dekorative Künste in Paris rekonstruiert. Die Wände sind mit geformten Lambris unter den gemeißelten Basreliefs in Stuck bedeckt. Der Alkoven ist mit Marmorsäulen mit Sockeln und einem Sockel aus geformtem Holz umrahmt. Der Boden ist aus weißem und schwarzem Marmor und in den Schränken sind dekorative Objekte vor blauem Hintergrund ausgestellt. Ihr Badezimmer hatte eine Wanne und einen Waschtisch aus Sienamarmor mit einer Wand aus geschnitzten Stuck und Bronzebeschlägen.

Ab 1928 wurde der Stil mit tiefen Clubsesseln aus Leder angenehmer. Die Studie, die 1928/30 von der Pariser Firma Alavoine für einen amerikanischen Geschäftsmann im Brooklyn Museum entworfen wurde, hatte ein einzigartiges amerikanisches Merkmal. Da es während der Prohibition gebaut wurde, als das Servieren von Alkohol verboten wurde, enthielt es eine geheime Bar hinter den Tafeln.

In den 1930er Jahren war der Stil etwas vereinfacht, aber es war immer noch extravagant. Im Jahr 1932 machte der Dekorateur Paul Ruoud den Glass Salon für Suzanne Talbot. Es enthielt einen Serpentinensessel und zwei Armlehnstühle von Eileen Gray, einen Boden aus matt versilberten Glasplatten, eine Platte aus abstrakten Mustern in Silber und schwarzem Lack und eine Auswahl an Tierhäuten.

Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Künste (1925)
Das Ereignis, das den Höhepunkt des Stils markierte und ihm seinen Namen gab, war die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst, die von April bis Oktober 1925 in Paris stattfand. Diese wurde offiziell von der französischen Regierung gefördert und umfasste ein Gelände in Paris von 55 Hektar, vom Grand Palais am rechten Ufer bis Les Invalides am linken Ufer und entlang der Seineufer. Das Grand Palais, die größte Halle der Stadt, war mit Exponaten der dekorativen Kunst aus den teilnehmenden Ländern gefüllt. Es gab 15.000 Aussteller aus zwanzig verschiedenen Ländern, darunter England, Italien, Spanien, Polen, die Tschechoslowakei, Belgien, Japan und die neue Sowjetunion, obwohl Deutschland wegen Spannungen nach dem Krieg und den Vereinigten Staaten nicht eingeladen wurde, missverstanden den Zweck von die Ausstellung, lehnte die Teilnahme ab. Es wurde von sechzehn Millionen Menschen während seines siebenmonatigen Laufs besucht. Die Regeln der Ausstellung verlangten, dass alle Arbeiten modern sind; historische Stile waren nicht erlaubt. Der Hauptzweck der Ausstellung war die Förderung der französischen Hersteller von Luxusmöbeln, Porzellan, Glas, Metallarbeiten, Textilien und anderen dekorativen Produkten. Um die Produkte weiter zu fördern, hatten alle großen Pariser Kaufhäuser und große Designer ihre eigenen Pavillons. Die Ausstellung hatte einen sekundären Zweck bei der Förderung von Produkten aus französischen Kolonien in Afrika und Asien, einschließlich Elfenbein und exotischen Hölzern.

Das Hôtel du Riche Collectionneur war eine beliebte Attraktion der Ausstellung. Es zeigte die neuen Möbelentwürfe von Emile-Jacques Ruhlmann, sowie Art-déco-Stoffe, Teppiche und ein Gemälde von Jean Dupas. Das Innendesign folgt den gleichen Prinzipien der Symmetrie und geometrischen Formen, die es vom Jugendstil unterscheidet, und helle Farben, feine Handwerkskunst, seltene und teure Materialien, die es von der strengen Funktionalität des modernistischen Stils abheben. Während die meisten Pavillons üppig dekoriert und mit handgefertigten Luxusmöbeln ausgestattet waren, wurden zwei Pavillons, die der Sowjetunion und der Pavilion du Nouveau Esprit, gebaut von der gleichnamigen Zeitschrift von Le Corbusier, in strengem Stil erbaut einfache weiße Wände und keine Dekoration; Sie gehörten zu den frühesten Beispielen modernistischer Architektur.

Wolkenkratzer
Amerikanische Wolkenkratzer markieren den Gipfel des Art-Deco-Stils; Sie wurden zu den höchsten und bekanntesten modernen Gebäuden der Welt. Sie wurden entworfen, um das Prestige ihrer Erbauer durch ihre Höhe, ihre Form, ihre Farbe und ihre dramatische Beleuchtung in der Nacht zu zeigen. Der erste New Yorker Wolkenkratzer, das Woolworth Building, im neoklassizistischen Stil wurde 1913 fertiggestellt, und das American Telephone and Telegraph Building (1924) hatte ionische und dorische Säulen und einen klassischen dorischen Hypostyle mit Fries. Das American Radiator Building von Raymond Hood (1924) kombiniert gotische und deco moderne Elemente in der Gestaltung des Gebäudes. Schwarzer Ziegel an der Fassade des Gebäudes (Symbol für Kohle) wurde ausgewählt, um eine Vorstellung von Festigkeit zu geben und dem Gebäude eine solide Masse zu verleihen. Andere Teile der Fassade waren mit Goldziegeln verkleidet (Feuer symbolisierend), und der Eingang war mit Marmor und schwarzen Spiegeln verziert. Ein weiterer früher Art-Deco-Wolkenkratzer war Detroits Guardian Building, das 1929 eröffnet wurde. Entworfen vom Modernisten Wirt C. Rowland, war das Gebäude das erste, das Edelstahl als dekoratives Element und die umfangreiche Verwendung von farbigen Designs anstelle von traditionellen Ornamenten verwendete.

Die New Yorker Skyline wurde durch das Chrysler Building in Manhattan (Fertigstellung 1930), entworfen von William Van Alen, radikal verändert. Es war eine riesige, siebenundsiebzig Stock hohe Werbung für Chrysler-Automobile. Die Spitze wurde von einer Edelstahlspitze gekrönt und wurde von Deko „Gargoyles“ in Form von Edelstahl Kühlergrill Dekorationen geschmückt. Die Basis des Turms, dreiunddreißig Stockwerke über der Straße, war mit farbenfrohen Art-Deco-Friesen geschmückt, und die Lobby war mit Art Deco-Symbolen und Bildern geschmückt, die Modernität ausdrücken.

Dem Chrysler Building folgten das Empire State Building von William F. Lamb (1931) und das RCA Building (heute Comcast Building) im Rockefeller Center von Raymond Hood (1933), das die Skyline von New York komplett veränderte. Die Oberseiten der Gebäude waren mit Art-Deco-Kronen und mit Edelstahl verkleideten Türmen verziert, und im Falle des Chrysler-Gebäudes mit Art-Deco-Wasserspeiern, die Kühlerverzierungen nachempfunden waren, während die Eingänge und Lobbys mit Art-Deco-Skulpturen verziert waren, Keramik und Design. Ähnliche Gebäude, obwohl nicht ganz so groß, erschienen bald in Chicago und anderen großen amerikanischen Städten. Das Chrysler Building wurde bald vom Empire State Building in einem etwas weniger aufwändigen Deco-Stil in der Höhe übertroffen. Das Rockefeller Center fügte ein neues Designelement hinzu: mehrere hohe Gebäude gruppierten sich um einen offenen Platz mit einem Springbrunnen in der Mitte.

Spätes Art Deco
Im Jahr 1925 koexistierten zwei verschiedene konkurrierende Schulen im Art Deco: die Traditionalisten, die die Society of Decorative Artists gegründet hatten; darunter der Möbeldesigner Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, der Bildhauer Antoine Bourdelle und der Designer Paul Poiret; Sie verbanden moderne Formen mit traditioneller Handwerkskunst und teuren Materialien. Auf der anderen Seite waren die Modernisten, die die Vergangenheit zunehmend ablehnten und einen Stil wollten, der auf den Fortschritten in neuen Technologien, Einfachheit, Mangel an Dekoration, billigen Materialien und Massenproduktion beruhte. Die Modernisten gründeten 1929 ihre eigene Organisation, die Französische Union der modernen Künstler. Zu ihren Mitgliedern gehörten die Architekten Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier und in der Sowjetunion Konstantin Melnikov; die irische Designerin Eileen Gray und die französische Designerin Sonia Delaunay, die Juweliere Jean Fouquet und Jean Puiforcat. Sie griffen heftig den traditionellen Art-Deco-Stil an, von dem sie sagten, dass er nur für die Wohlhabenden geschaffen wurde, und bestanden darauf, dass gut gebaute Gebäude für jeden verfügbar sein sollten und dass diese Form der Funktion folgen sollte. Die Schönheit eines Objekts oder Gebäudes lag darin, ob es perfekt dazu geeignet war, seine Funktion zu erfüllen. Moderne industrielle Methoden führten dazu, dass Möbel und Gebäude nicht von Hand, sondern in Massenproduktion hergestellt wurden.

Der Art-Deco-Innenarchitekt Paul Follot verteidigte Art-Deco auf diese Weise: „Wir wissen, dass sich der Mensch niemals mit dem Unentbehrlichen begnügt und dass das Überflüssige immer gebraucht wird … Wenn nicht, müssten wir Musik, Blumen und Parfums ..! “ Le Corbusier war jedoch ein brillanter Publizist für die modernistische Architektur; Er erklärte, dass ein Haus einfach „eine Maschine zum Leben“ sei, und förderte unermüdlich die Idee, dass Art Deco die Vergangenheit sei und die Moderne die Zukunft. Le Corbusiers Ideen wurden nach und nach von Architekturschulen übernommen und die Ästhetik des Art Déco wurde aufgegeben. Die gleichen Eigenschaften, die Art Deco am Anfang populär machten, seine Kunstfertigkeit, reiche Materialien und Verzierung, führten zu seinem Niedergang. Die Große Depression, die 1929 in den Vereinigten Staaten begann und kurz danach nach Europa gelangte, reduzierte die Zahl der wohlhabenden Kunden, die für die Einrichtung und Kunstgegenstände aufkommen konnten, stark. Im Wirtschaftsklima der Depression waren nur wenige Unternehmen bereit, neue Wolkenkratzer zu bauen. Auch die Firma Ruhlmann griff auf Serienmöbel zurück, nicht auf einzelne handgefertigte Gegenstände. Die letzten Gebäude, die in Paris im neuen Stil gebaut wurden, waren das Museum für öffentliche Arbeiten von Auguste Perret (heute Französischer Wirtschafts-, Sozial- und Umweltrat) und das Palais de Chaillot von Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu und Léon Azéma und das Palais de Tokyo der Internationalen Ausstellung von Paris 1937; Sie schauten auf den grandiosen Pavillon des nationalsozialistischen Deutschlands, entworfen von Albert Speer, der vor dem ebenso grandiosen sozialistisch-realistischen Pavillon der Stalin-Sowjetunion stand.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde der dominierende Architekturstil der von Le Corbusier und Mies Van der Rohe initiierte Internationale Stil. Eine Handvoll Art-Déco-Hotels wurden nach dem Zweiten Weltkrieg in Miami Beach gebaut, aber anderswo war der Stil größtenteils verschwunden, außer im Industriedesign, wo er weiterhin im Automobilstyling und in Produkten wie Juke-Boxen verwendet wurde. In den 1960er Jahren erlebte es eine bescheidene akademische Wiederbelebung, zum Teil dank der Schriften von Architekturhistorikern wie Bevis Hillier. In den 1970er Jahren wurden in den Vereinigten Staaten und in Europa Anstrengungen unternommen, um die besten Beispiele der Art Deco-Architektur zu erhalten, und viele Gebäude wurden restauriert und umgenutzt. Die postmoderne Architektur, die erstmals in den 1980er Jahren wie Art Deco auftrat, umfasst oft rein dekorative Elemente. Deco inspiriert weiterhin Designer und wird oft in der zeitgenössischen Mode, Schmuck und Toilettenartikel verwendet.