Beleuchtung ist ein wichtiges Konzept in der bildenden Kunst. Die Beleuchtung des Motivs einer Zeichnung oder eines Gemäldes ist ein Schlüsselelement bei der Schaffung eines künstlerischen Stücks, und das Zusammenspiel von Licht und Schatten ist eine wertvolle Methode in der Werkzeugkiste des Künstlers. Die Platzierung der Lichtquellen kann einen erheblichen Unterschied in der Art der präsentierten Nachricht bewirken. Mehrere Lichtquellen können beispielsweise Falten im Gesicht einer Person auswaschen und ein jugendlicheres Aussehen verleihen. Im Gegensatz dazu kann eine einzelne Lichtquelle, wie z. B. hartes Tageslicht, dazu dienen, jede Textur oder interessante Merkmale hervorzuheben. Die Verarbeitung von Beleuchtung ist ein wichtiges Konzept in der Bildverarbeitung und Computergrafik.

Helldunkel ist in der Kunst die Verwendung starker Kontraste zwischen hell und dunkel, normalerweise kühne Kontraste, die eine ganze Komposition beeinflussen. Es ist auch ein Fachbegriff, der von Künstlern und Kunsthistorikern für die Verwendung von Lichtkontrasten verwendet wird, um ein Volumengefühl bei der Modellierung dreidimensionaler Objekte und Figuren zu erreichen. Ähnliche Effekte im Kino und in der Fotografie werden auch Helldunkel genannt.

Weitere spezielle Verwendungen des Begriffs umfassen Hell-Dunkel-Holzschnitt für farbige Holzschnitte, die mit verschiedenen Blöcken gedruckt sind, wobei jeder eine andere farbige Tinte verwendet; und Hell-Dunkel-Zeichnung für Zeichnungen auf farbigem Papier in einem dunklen Medium mit weißer Hervorhebung.

Das zugrunde liegende Prinzip ist, dass die Solidität der Form am besten durch das gegen sie fallende Licht erreicht wird. Zu den für die Entwicklung der Technik bekannten Künstlern zählen Leonardo da Vinci, Caravaggio und Rembrandt. Es ist eine tragende Säule der Schwarzweiß- und Low-Key-Fotografie. Es ist eine der Arten, Farben in der Kunst der Renaissance zu malen (neben cangiante, sfumato und unione). Zu den Künstlern, die für ihre Verwendung von Helldunkel bekannt sind, gehören Rembrandt, Caravaggio, Vermeer und Goya.

Die Technik wird auch zwischen Manieristen auferlegt, Beispiele hierfür sind das Abendmahl von Tintoretto oder das Porträt von zwei, das Kompositionen Rembrandt verkörpert. Der niederländische Maler war einer der auffälligsten Hell-Dunkel-Praktiker und verwendete Licht in seiner Komposition, um nur sein spezifisches Objekt hervorzuheben.

Der Begriff italienisches Hell-Dunkel wird, obwohl er anscheinend dasselbe bedeutet, spezifischer für eine Technik des Ätzens in Holzschnitten verwendet, die Bildern durch komplementäre Platten Farbe verleiht, als wären sie das Aquarell gemalt. Die erste bekannte Verwendung des Begriffs mit dieser Bedeutung wird dem italienischen Kupferstecher Ugo da Carpi aus dem 16. Jahrhundert zugeschrieben, der die Idee aus Kompositionen deutscher oder flämischer Herkunft übernommen hätte. Andere Graveure, die an dieser Technik arbeiteten, waren Antonio da Trento und Andrea Andreani. In Da Carpis Radierungen hebt der Hell-Dunkel-Effekt eine zentrale Figur hervor, die von einer Lichtquelle beleuchtet wird, die normalerweise in der Ebene des Gemäldes fehlt. Die dunklen Bereiche sind jedoch nicht so akzentuiert, wie es bei den Hauptsendern von Chiaroscuro, Caravaggio und Giovanni Baglione der Fall wäre.

Geschichte
Die Entdeckung mazedonischer Gräber ab 1977 zeigt deutlich, dass die größten Maler des antiken Griechenland Helldunkel sehr gut beherrschen. In dieser Hinsicht unterscheidet sich die hellenistische griechische Kunst von Gemälden ohne Helldunkel, die vorausgingen: die schwarzfigurige Keramik und die mit roten Figuren, grafische Lösungen mehr als bildliche, die den Hauptteil der derzeit erhaltenen griechischen Gemälde ausmachen. Die Figuren werden dort durch eingeschnittene, gravierte oder gemalte Linien nachgezeichnet und große Flatblacks bilden entweder die Form oder den Hintergrund. Helldunkel hingegen ist in hellenistischen Gemälden mit einer Modellierung durch nuancierte Farben und durch Schraffur nach einer Methode sichtbar, die sich stark von der modernen unterscheidet: wie auf dem Arm von Persephone im Grab der Vergina zu sehen ist.

Ursprung in der Hell-Dunkel-Zeichnung
Der Begriff Helldunkel entstand während der Renaissance als Zeichnung auf farbigem Papier, wobei der Künstler mit weißer Gouache vom Grundton des Papiers in Richtung Licht und mit Tinte, Körperfarbe oder Aquarell in Richtung Dunkel arbeitete. Diese wiederum stützten sich auf Traditionen in beleuchteten Manuskripten, die auf spätrömische kaiserliche Manuskripte auf lila gefärbtem Pergament zurückgehen. Solche Werke werden „Hell-Dunkel-Zeichnungen“ genannt, können aber in der modernen Museumsterminologie nur durch Formeln wie „Stift auf vorbereitetem Papier, mit weißer Körperfarbe verstärkt“ beschrieben werden. Helldunkel-Holzschnitte begannen als Nachahmungen dieser Technik. Bei der Erörterung der italienischen Kunst wird der Begriff manchmal verwendet, um gemalte Bilder in Monochrom oder zwei Farben zu bezeichnen, die im Englischen allgemein unter dem französischen Äquivalent Grisaille bekannt sind.

Vom Mittelalter bis zur Renaissance
Nach dem traditionellen Verfahren des Mittelalters, das noch von Cennino Cennini (1370-1440) empfohlen wird, erfolgt die Modellierung entweder durch Sättigung der lokalen Farbe oder durch Änderung der Farbe im Farbton (der (it) cangiantismo) als man sieht es in Giottos Fresko in Padua. Nach ihm machte Alberti die „Rezeption der Lichter“ zum dritten Teil des Gemäldes, der Leonardo da Vinci durch die Bedeutung der Schatten ankündigt. Laut André Chastel führt für Vinci „die Sorge um„ Erleichterung “zum Opfer der Farbe zugunsten der Modellierung. Aber es bereitet sich auf den Konflikt von Konturen und Reflexionen vor, der früh zu formulieren beginnt und in (it) sfumato endet. “

Daniel Arasse entwickelt diesen Moment, in dem er, anstatt von „Umriss“ zu sprechen, die Inschrift von Figuren durch die perspektivische Geometrie und ihr einheitliches Prinzip hervorruft, das durch den Schatten als einheitliches Prinzip des Gemäldes ersetzt wird, das wichtiger ist als die Perspektive. Und diese „wahre“ Farbe ist unmöglich wahrzunehmen. Das Hell-Dunkel ((es): Hell-Dunkel), das wir in einer Studie über Vorhänge von 1500-1508 sehen, erreicht den polierten Aspekt des Steins durch eine komplexe Arbeit mit einem Pinsel, schwarzer Tinte und grauer Waschung, die mit Weiß auf Hellblau verstärkt ist gewaschenes Papier (hellblaue Wäsche). Ab dem Beginn des 16. Jahrhunderts wird die Hell-Dunkel-Zeichnung auf halbtonfarbenem Papier und für die helleren Teile mit deutlichen Reflexen ausgeführt.

Hell-Dunkel-Modellierung
Die technischere Verwendung des Begriffs Helldunkel ist der Effekt der Lichtmodellierung beim Malen, Zeichnen oder Drucken, wobei das dreidimensionale Volumen durch die Wertabstufung der Farbe und die analytische Unterteilung von Licht- und Schattenformen – oft als „Schattierung“ bezeichnet – nahegelegt wird. . Die Erfindung dieser Effekte im Westen, „Skiagraphia“ oder „Schattenmalerei“ für die alten Griechen, wurde traditionell dem berühmten athenischen Maler des 5. Jahrhunderts v. Chr., Apollodoros, zugeschrieben. Obwohl nur wenige antike griechische Gemälde erhalten sind, ist ihr Verständnis der Wirkung der Lichtmodellierung noch in den Mosaiken von Pella, Mazedonien, aus dem späten 4. Jahrhundert v. Chr. Zu sehen, insbesondere im Hirschjagdmosaik im Haus der Entführung Helens, das eingeschrieben ist gnosis epoesen oder „Wissen hat es getan“.

Die Technik überlebte auch in der byzantinischen Kunst in ziemlich grober standardisierter Form und wurde im Mittelalter erneut verfeinert, um im frühen fünfzehnten Jahrhundert zum Standard für Malerei und Manuskriptbeleuchtung in Italien und Flandern zu werden, und verbreitete sich dann auf die gesamte westliche Kunst.

Nach der Theorie der Kunsthistorikerin Marcia B. Hall, die sich durchgesetzt hat, ist Helldunkel neben cangiante, sfumato und unione eine von vier Malfarben, die italienischen Malern der Hochrenaissance zur Verfügung stehen.

Das abgebildete Raphael-Gemälde mit Licht von links zeigt sowohl eine delikate Hell-Dunkel-Modellierung, um dem Körper des Modells Volumen zu verleihen, als auch eine starke Hell-Dunkel-Darstellung im allgemeineren Sinne im Kontrast zwischen dem gut beleuchteten Modell und dem sehr dunklen Hintergrund von Laub. Um die Sache noch weiter zu verkomplizieren, würde das kompositorische Helldunkel des Kontrasts zwischen Modell und Hintergrund wahrscheinlich nicht mit diesem Begriff beschrieben, da die beiden Elemente fast vollständig getrennt sind. Der Begriff wird hauptsächlich verwendet, um Kompositionen zu beschreiben, bei denen zumindest einige Hauptelemente der Hauptkomposition den Übergang zwischen hell und dunkel zeigen, wie in den oben und unten dargestellten Gemälden von Baglioni und Geertgen tot Sint Jans.

Die Hell-Dunkel-Modellierung ist mittlerweile eine Selbstverständlichkeit, hat aber einige Gegner. Nämlich: Der englische Porträtminiaturist Nicholas Hilliard warnte in seiner Abhandlung über das Malen vor allen außer dem minimalen Gebrauch, den wir in seinen Werken sehen, und spiegelte die Ansichten seiner Patronin Königin Elizabeth I. von England wider: „Um das Beste zu sehen, braucht man keinen Schatten des Ortes sondern das offene Licht … Ihre Majestät … wählte ihren Platz, um zu diesem Zweck in der offenen Gasse eines schönen Gartens zu sitzen, wo kein Baum in der Nähe war und überhaupt kein Schatten … “

In Zeichnungen und Drucken wird die Modellierung von Helldunkel häufig durch Schraffur oder Schattierung durch parallele Linien erreicht. Wasch-, Punktierungs- oder Punktierungseffekte und „Oberflächenton“ beim Drucken sind andere Techniken.

Helldunkel-Holzschnitte
Helldunkel-Holzschnitte sind alte Meisterdrucke im Holzschnitt, bei denen zwei oder mehr Blöcke in verschiedenen Farben gedruckt werden. Sie weisen nicht unbedingt starke Hell- und Dunkelkontraste auf. Sie wurden zuerst hergestellt, um ähnliche Effekte wie Hell-Dunkel-Zeichnungen zu erzielen. Nach einigen frühen Experimenten im Buchdruck wurde der für zwei Blöcke konzipierte echte Hell-Dunkel-Holzschnitt wahrscheinlich erstmals 1508 oder 1509 von Lucas Cranach dem Älteren in Deutschland erfunden, obwohl er einige seiner ersten Drucke zurückdatierte und einigen zuerst produzierten Drucken Tonblöcke hinzufügte für den Schwarzweißdruck, gefolgt von Hans Burgkmair the Elder. Trotz Vasaris Anspruch auf italienischen Vorrang in Ugo da Carpi ist klar, dass sein erstes italienisches Beispiel aus dem Jahr 1516 stammt. Andere Quellen legen jedoch nahe, dass der erste Hell-Dunkel-Holzschnitt der Triumph von Julius Cäsar war.

Andere Druckereien, die diese Technik verwendet haben, sind Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien und Parmigianino. In Deutschland erreichte die Technik um 1520 ihre größte Popularität, wurde jedoch im 16. Jahrhundert in Italien eingesetzt. Spätere Künstler wie Goltzius machten manchmal davon Gebrauch. Bei den meisten deutschen Zweiblockdrucken wurde der Schlüsselblock (oder „Linienblock“) in Schwarz gedruckt, und der Tonblock oder die Tonblöcke hatten flache Farbbereiche. In Italien wurden Hell-Dunkel-Holzschnitte ohne Schlüsselblöcke hergestellt, um einen ganz anderen Effekt zu erzielen.

Kompositorisches Helldunkel nach Caravaggio
Die Manuskriptbeleuchtung war, wie in vielen Bereichen, besonders experimentell, um ehrgeizige Lichteffekte zu versuchen, da die Ergebnisse nicht öffentlich zugänglich waren. Die Entwicklung des kompositorischen Helldunkels erhielt in Nordeuropa durch die Vision der Geburt Jesu von Saint Bridget von Schweden, einem sehr beliebten Mystiker, erhebliche Impulse. Sie beschrieb das Jesuskind als Licht emittierend; Darstellungen reduzierten zunehmend andere Lichtquellen in der Szene, um diesen Effekt zu betonen, und die Geburt Christi wurde bis zum Barock sehr häufig mit Helldunkel behandelt. Hugo van der Goes und seine Anhänger malten viele Szenen, die nur von Kerzen oder dem göttlichen Licht des Christuskindes beleuchtet wurden. Wie bei einigen späteren Malern war die Wirkung in ihren Händen eher Stille und Ruhe als das Drama, mit dem es während des Barock verwendet werden würde.

Starkes Hell-Dunkel wurde im 16. Jahrhundert zu einem beliebten Effekt im Manierismus und in der Barockkunst. Das göttliche Licht beleuchtete die Kompositionen von Tintoretto, Veronese und ihren vielen Anhängern oftmals nur unzureichend. Die Verwendung dunkler Motive, die von einem Lichtstrahl einer einzigen verengten und oft unsichtbaren Quelle dramatisch beleuchtet wurden, war ein Kompositionsgerät, das von Ugo da Carpi (ca. 1455 – ca. 1523), Giovanni Baglione (1566–1643) und Caravaggio entwickelt wurde (1571–1610), von denen der letzte entscheidend für die Entwicklung des Tenebrismus war, bei dem dramatisches Hell-Dunkel zu einem dominanten Stilmittel wird.

Barockzeit
Umgekehrt sprechen wir von Tenebrismus, wenn helle Teile sofort mit sehr dunklen Teilen ohne Verschlechterung die Schultern reiben, was zu Kontrasteffekten führt und der Schatten das gesamte Bild dominiert. Dies ist insbesondere bei Caravaggio der Fall, der die Praxis im frühen xvii. Jahrhundert weiterentwickeln wird. Die Systematisierung des akzentuiertesten Helldunkels hat in Caravaggios Gemälde eine Bedeutung: Die irdische Welt wird in Unwissenheit in Dunkelheit getaucht, während das Eindringen Gottes durch das Licht einer bedeutenden Handlung signalisiert wird. Dieser Prozess ermöglicht es, die dramatische Spannung zu erhöhen, die Einstellungen in einem bestimmten Moment einzufrieren, die Illusion der Erleichterung mit einem stark ausgeprägten Volumen zu erzeugen – was das Know-how des Künstlers bezeugt.

Das Caravaggio, das besonders auf den Gemälden des französischen Valentin de Boulogne zu sehen ist, ist nicht nur in Bezug auf Lichteffekte und dramatisches Hell-Dunkel zu betrachten. Die Methode, die Caravaggios Anhänger Bartolomeo Manfredi perfektioniert hat, berücksichtigt bestimmte privilegierte Themen, wie z. B. Gruppen von Musikern in historischen Kostümen, die im Maßstab eins (1/1) gemalt sind, in Nahaufnahme usw. Einige Niederländer Maler, die nach Italien gereist sind und in einer Schule in Utrecht, Honthorst, ter Brugghen, Baburen, versammelt sind, haben diese Methode übernommen. In Flandern ist das Phänomen begrenzter und wird mit viel größerer Freiheit interpretiert, da diese Künstler außer Louis Finson nicht nach Italien gereist sind, sondern den größten Teil seiner Karriere in Italien und dann in Frankreich verbracht haben. Der berühmteste Künstler von Diese Flamen sind heute Jordaens. aber er ist sehr weit vom Karawagismus entfernt. Eine ferne Welle wird eintreffen, aber auf komplexere und diffusere Weise bis zu Jan Lievens und Rembrandt oder sogar Vermeer. Aber alle diese Künstler praktizieren offensichtlich Helldunkel, wie alle ihre Zeitgenossen.

Klassik
Wie die meisten Konzepte in der Malerei ist Helldunkel in Frankreich Gegenstand erbitterter Diskussionen. Das klassische Französisch verurteilt die Kontraste von Caravaggio, weil sie die Darstellung einer edlen, perfekten Form beeinträchtigen. 1765 definierten Diderot und Watelet Helldunkel als ein technisches und ästhetisches Problem: „die gerechte Verteilung von Schatten und Licht“. Er missbilligt „Lichteffekte“ und lobt eine „abgestufte Verteilung“ und die „Wahrheit der Lichter“. Helldunkel in einer Landschaft beinhaltet atmosphärische Perspektive; im porträt schafft er die illusion von volumen.

17. und 18. Jahrhundert
Der Tenebrismus wurde besonders in Spanien und im von Spanien regierten Königreich Neapel von Jusepe de Ribera und seinen Anhängern praktiziert. Adam Elsheimer (1578–1610), ein in Rom lebender deutscher Künstler, produzierte mehrere Nachtszenen, die hauptsächlich vom Feuer und manchmal vom Mondlicht beleuchtet wurden. Im Gegensatz zu Caravaggio enthalten seine dunklen Bereiche sehr subtile Details und Interesse. Die Einflüsse von Caravaggio und Elsheimer waren stark auf Peter Paul Rubens, der ihre jeweiligen Ansätze zur Tenebrosität für dramatische Effekte in Gemälden wie The Raising of the Cross (1610–1611) ausnutzte. Artemisia Gentileschi (1593–1656), eine Barockkünstlerin, die Caravaggio folgte, war auch eine herausragende Vertreterin von Tenebrismus und Helldunkel.

Ein besonderes Genre, das sich entwickelte, war die von Kerzenlicht beleuchtete nächtliche Szene, die auf frühere Künstler aus dem Norden wie Geertgen tot Sint Jans und unmittelbar auf die Innovationen von Caravaggio und Elsheimer zurückblickte. Dieses Thema spielte sich in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts mit vielen Künstlern aus den Niederlanden ab, wo es mit den Utrecht Caravaggisti wie Gerrit van Honthorst und Dirck van Baburen sowie mit flämischen Barockmalern wie Jacob Jordaens in Verbindung gebracht wurde. Rembrandt van Rijns (1606–1669) frühe Werke aus den 1620er Jahren übernahmen ebenfalls die Einzelkerzenlichtquelle. Die nächtliche Kerzenlichtszene tauchte in der niederländischen Republik Mitte des 17. Jahrhunderts in kleineren Werken in Werken von Fijnschildern wie Gerrit Dou und Gottfried Schalken wieder auf.

Rembrandts eigenes Interesse an Dunkelheitseffekten verlagerte sich in seinen reifen Werken. Er stützte sich weniger auf die scharfen Kontraste von Hell und Dunkel, die die italienischen Einflüsse der früheren Generation kennzeichneten, ein Faktor, der in seinen Radierungen aus der Mitte des 17. Jahrhunderts zu finden war. In diesem Medium hatte er viele Ähnlichkeiten mit seinem Zeitgenossen in Italien, Giovanni Benedetto Castiglione, dessen Arbeit in der Druckgrafik ihn dazu brachte, den Monotyp zu erfinden.

Außerhalb der Niederlande machten Künstler wie Georges de La Tour und Trophime Bigot in Frankreich und Joseph Wright aus Derby in England mit einem so starken, aber abgestuften Hell-Dunkel-Kerzenlicht weiter. Watteau verwendete ein sanftes Helldunkel im grünen Hintergrund seiner Feste Galantes, und dies wurde in Gemälden vieler französischer Künstler, insbesondere Fragonard, fortgesetzt. Am Ende des Jahrhunderts verwendeten Fuseli und andere ein schwereres Hell-Dunkel für romantische Effekte, ebenso wie Delacroix und andere im neunzehnten Jahrhundert.

Fotografie xix. Und xx. Jahrhundert
Das Foto, sobald es um 1850 scharfgestellt ist, ist nur Helldunkel. Dieses Phänomen wird bis zu den Bildhauern reproduziert, die gerne Effekte in der Nähe von Malerei und Zeichnung erzeugen. Ihre Methode besteht darin, mit allen möglichen Parametern des fotografischen Geräts zu spielen: der Kamera und ihrem Objektiv, dem Licht in Bezug auf das gerahmte Motiv, den lichtempfindlichen Papieren und Komponenten, der Laborarbeit und der immer möglichen Retusche. Alfred Stieglitz war einer der großen Förderer dieser Praxis der Fotografie. Aber sein Entrepontmanifest ein klassisches Hell-Dunkel, alles in Nuancen. Die Fotografie tritt in die Moderne ein, indem sie die soziale Situation bei der Wahl des Rahmens klar zum Ausdruck bringt und den klaren Teil des Oberdecks für wohlhabende Reisende und das Unterdeck und seine dunklen Bereiche für mittellose Migranten reserviert.

Die Hintergrundbeleuchtung im Porträt von Rodin von Edward Steichen reserviert das Hell-Dunkel im Hintergrund, auf dem die Figur in einer völlig schwarzen Silhouette hervorsticht. Paul Strand (Wall Street, New York City [1915]) und noch mehr Walker Evans in seinen Ansichten über Fassaden um 1929 sind zwei gute außergewöhnliche Beispiele, bei denen Helldunkel fast vollständig beseitigt wurde. Die Polaroids von Andy Warhol und das Malen von Bildern durch Siebdruck sind Teil desselben Prozesses, bei dem die Hell-Dunkel-Töne beseitigt werden und nur die flachen Farbtöne oder Schwarztöne vereint bleiben.

Was Degas, den Fotografen, betrifft, so können seine Porträts in seinen Fotografien nicht mit Bildporträts verglichen werden. „Seine Helldunkel scheinen die Porträts von Edward Steichen um 1900-1905 anzukündigen.“

Gemälde xix th und xx th Jahrhundert
Die Frage nach der Darstellung von Licht und Schatten hat in der modernen Kunst mit den Gemälden der Impressionisten und Postimpressionisten, die den Tonwert von Farben ausnutzen, andere Lösungen gefunden. Wir haben auch alte Lösungen modernisiert, beispielsweise wenn Franz Marc eine beliebige Farbe auf die von ihm dargestellte Form anwendet und die Darstellung des Modells vereinfacht. Dies wurde bereits in Giottos Gemälde getan, aber während Giotto schließlich abhängig von seinem Tonwert eine andere Farbe verwendete, verwendet Marc einfach dieselbe Farbe, die „dunkler“ ist und dennoch „rein“ bleibt.

Anwendung
Die französische Verwendung des Begriffs „clair-obscur“ wurde vom Kunstkritiker Roger de Piles aus dem 17. Jahrhundert im Rahmen eines berühmten Streits (Débat sur le coloris) über die relativen Vorzüge von Zeichnung und Farbe in der Malerei (his) eingeführt Dialogues sur le coloris (1673) war ein wichtiger Beitrag zum Débat.

Im Englischen wird der italienische Begriff mindestens seit dem späten 17. Jahrhundert verwendet. Der Begriff wird nach dem späten 19. Jahrhundert weniger häufig in der Kunst verwendet, obwohl der Expressionismus und andere moderne Bewegungen den Effekt in großem Maße nutzen.

Insbesondere seit dem starken Anstieg des Ansehens von Caravaggio im 20. Jahrhundert wird der Begriff im nicht spezialisierten Gebrauch hauptsächlich für starke Hell-Dunkel-Effekte wie seinen oder Rembrandts verwendet. Wie die Tate es ausdrückt: „Helldunkel wird im Allgemeinen nur dann bemerkt, wenn es ein besonders herausragendes Merkmal der Arbeit ist, normalerweise wenn der Künstler extreme Kontraste von Licht und Schatten verwendet“. Fotografie und Kino haben den Begriff ebenfalls übernommen. Zur Geschichte des Begriffs siehe René Verbraeken, Clair-obscur, Histoire d’un Mot (Nogent-le-Roi, 1979).

Tenebrismo
Der als Tenebrismus bezeichnete Stil ist nichts anderes als eine radikale Anwendung von Helldunkel, bei der nur die thematisch zentralen Figuren vor einem allgemein dunklen Hintergrund hervorstechen. Es ist nicht bekannt, ob der Stil aufgrund des Einflusses von Caravaggio oder aufgrund einer parallelen Entwicklung in der spanischen Malerei des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts aus dem Werk des Katalanen Francisco Ribalta sehr wichtig werden würde. Ribalta würde Farbe und Licht verwenden, um den Figuren Volumen zu verleihen und die Schauspieler in seinen religiösen Fresken hervorzuheben, von denen einige von großer Schönheit sind. Sein Stil würde den seines früh verstorbenen Sohnes Juan Ribalta und Vicente Castelló beeinflussen. Indirekt würde es auch Zurbarán und den bekanntesten spanischen Tenebristas, José de Ribera, belasten; Letzteres würde den Stil zur Reife bringen,

In der Zeichnung
Das Hell-Dunkel im engeren Sinne ist mit der Grafik verbunden und technisch der nächste Schritt zum linearen Zeichnen. Manchmal kann die zeitliche Beziehung zwischen dem Zeichnen von Linien und Lichtern / Schatten umgekehrt werden, beginnend mit letzterem.

Durch das Hell-Dunkel ist es möglich, eine Vorstellung von Volumen, Materialien und Raum zu geben. Es gibt verschiedene Techniken, von solchen, mit denen das Zeichen gesehen werden kann (Schraffur, durchgezogene Linien usw.), bis zu solchen, die es unsichtbar machen (Schattierung, allmähliche Passagen usw.). Das Hell-Dunkel kann nur angewendet werden, indem die Schatten mit einer oder mehreren Farben (Holzkohle, Sanguinik usw.) gestrichen werden oder indem die Lichter in Bezug auf die Farbe des Trägers aufgehellt werden. Das Zeichnen von Lichtern wird als „Hervorheben“ bezeichnet und kann beispielsweise mit einem weißen Stift auf einem ockerfarbenen Blatt erfolgen.

In der Malerei
In der Malerei ist Helldunkel mit der Verwendung von Farben verbunden.

In der antiken Malerei verwendet, verlor es seine Bedeutung in der byzantinischen und mittelalterlichen Kunst, wo die Symbolik der Figuren kein plastisch-räumliches Relief erforderte. Um Licht- und Schatteneffekte zu erzielen, wurde höchstens eine Schraffur mit mehr oder weniger feiner Maserung verwendet.

In Italien hat Cimabue Ende des 13. Jahrhunderts die Verwendung der feinsten Farbtöne wiederbelebt und das Problem des Lichts und die Art und Weise, wie es die verschiedenen Körperteile, Materialien und unterschiedlichen Oberflächen auf unterschiedliche Weise beleuchtet, wiederentdeckt. Ein Meisterwerk in diesem Sinne war das Kruzifix von Santa Croce. Mit Giotto wurde das chromatische Farbspektrum breiter und ähnelte immer mehr dem echten Licht. Spätere Maler entwickelten diese Techniken und machten Helldunkel bis zum 19. Jahrhundert zu einem wesentlichen Element der bildlichen Darstellung. Seit dieser Zeit führten die ersten Impressionisten (verbunden mit einem Gemälde aus reinem Licht und Farbe) und die Kubisten (die flache und geometrische Formen wiederentdeckten) zu einer Überwindung des Helldunkels: Matisse zum Beispiel verzichtete vollständig darauf.

In Skulptur und Architektur
Im allgemeineren Sinne sprechen wir von Helldunkel, was das Spiel von Licht und Schatten bedeutet, das auf den Oberflächen erzeugt wird. In der Architektur sprechen wir beispielsweise von Helldunkel, wenn das Spiel von vollen und leeren Volumina einen Variationseffekt in Bezug auf die Monotonie einer flachen Oberfläche erzeugt. Ein Beispiel für ein Gebäude mit Hell-Dunkel-Werten ist das Äußere der Kathedrale von Modena, wobei die falschen Loggien ausschließlich zum Bewegen der Fassade und der Seiten erstellt wurden.

Auch in der Skulptur sprechen wir von Helldunkel, wenn das Relief einen Kontrast zwischen Licht und natürlichem Schatten erzeugt, der die Figuren vielleicht hervorheben und einige Details hervorheben kann. Das Hell-Dunkel ist ein grundlegendes Element, wenn man Bewegung in der Skulptur darstellen will; Je stärker die Auswirkungen von Licht und Schatten sind, desto turbulenter wird die Szene. Zu den bekanntesten Beispielen zählen der Sarkophag von Portonaccio der römischen Kunst, das Massaker an den Unschuldigen des heiligen Andreas, der Kanzel von Giovanni Pisano oder die Schlacht der Zentauren von Michelangelo.

Andere Künste
Die Hell-Dunkel-Technik war sowohl bei Graveuren als auch bei Malern beliebt, wurde jedoch für lange Zeit nicht mehr verwendet. Durch die Vorliebe für deutlich strukturierte Kompositionen und die schockierende Zusammensetzung des deutschen Expressionismus würde es im Kino der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wiedergeboren werden. Obwohl einige plastische Werke Expressionisten dazu gekommen waren, um die Wirkung ihrer Motive zu verstärken – in Bildern wie Klosterneuburg von Egon Schiele oder dem Porträt von Adolf Loos von Oskar Kokoschka -, war die Verwendung von Helldunkel im Kino weitgehend eine originelle Entwicklung, die es war verwendet, um die technischen Einschränkungen des Films und den Mangel an Ton zu lösen, was eine starke visuelle Stilisierung zum Ausgleich erforderte.

Der deutsche Expressionismus wäre kurzlebig, aber einflussreiche Werke würden Nosferatu, eine Symphonie des Grauens der FW Murnau, mögen, in der das Hell-Dunkel eine zentrale Rolle spielt. Der Transfer vieler deutscher Filmemacher in die USA als Folge des Aufstiegs des Nationalsozialismus würde zur Entwicklung eines Filmgenres führen, das die narrativen Konventionen der amerikanischen Krimis mit dem visuellen Einfluss des Expressionismus verband: film noir Verwendung ungewöhnlicher Schattenanteile (bis zu 90% des Bildschirms gegenüber den herkömmlichen 50% bis 60%) und Verwendung als dramatisches Kunststück – entweder durch Verdunkeln von Elementen auf suggestive Weise oder durch Aufbringen des Bildschirms auf den Bildschirm Silhouette eines unsichtbaren Objekts – Film Noir verwendete Helldunkel als visuelles Medium, um die moralische Ambiguität seiner Themen zu entwickeln. In Filmen wie The Maltese Falcon,

Kino und Fotografie
Helldunkel wird auch in der Kinematographie verwendet, um extrem zurückhaltende und kontrastreiche Beleuchtung anzuzeigen, um in Filmen, insbesondere in Schwarzweißfilmen, unterschiedliche Bereiche von Licht und Dunkelheit zu erzeugen. Klassische Beispiele sind das Kabinett von Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927), Der Glöckner von Notre Dame (1939), Der Teufel und Daniel Webster (1941) sowie die Schwarz-Weiß-Szenen in Andrei Tarkovskys Stalker (1979).

In Metropolis wird beispielsweise Hell-Dunkel-Beleuchtung verwendet, um einen Kontrast zwischen hellem und dunklem Mise-en-Scene und Figuren zu erzeugen. Dies führt in erster Linie dazu, dass die Unterschiede zwischen der kapitalistischen Elite und den Arbeitern hervorgehoben werden.

In der Fotografie kann Helldunkel mit „Rembrandt-Beleuchtung“ erreicht werden. In höher entwickelten fotografischen Prozessen kann diese Technik auch als „Umgebungslicht / natürliches Licht“ bezeichnet werden, obwohl das Aussehen, wenn dies für den Effekt getan wird, künstlich und im Allgemeinen nicht dokumentarisch ist. Insbesondere Bill Henson und andere, wie W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi und Ralph Gibson, können als einige der modernen Meister des Hell-Dunkel in der Dokumentarfotografie angesehen werden.

Die vielleicht direkteste beabsichtigte Verwendung von Helldunkel beim Filmemachen wäre Stanley Kubricks 1975er Film Barry Lyndon. Als Kubrick informiert wurde, dass derzeit kein Objektiv eine ausreichend große Blende hat, um ein Kostümdrama in großen Palästen nur bei Kerzenlicht aufzunehmen, kaufte er ein spezielles Objektiv für diese Zwecke und rüstete es nach: eine modifizierte Mitchell BNC-Kamera und ein Zeiss-Objektiv, das für die harten Bedingungen des Weltraums hergestellt wurde Fotografie mit einer maximalen Blende von 1: 0,7. Die natürlich uneingeschränkten Lichtsituationen im Film zeigten beispielhaft ein zurückhaltendes, natürliches Licht in der Filmarbeit in seiner extremsten Form außerhalb der osteuropäischen / sowjetischen Filmtradition (selbst veranschaulicht durch den harten, zurückhaltenden Beleuchtungsstil des sowjetischen Filmemachers Sergei Eisenstein).

Sven Nykvist, der langjährige Mitarbeiter von Ingmar Bergman, informierte auch einen Großteil seiner Fotografie mit Hell-Dunkel-Realismus, ebenso wie Gregg Toland, der Kameramänner wie László Kovács, Vilmos Zsigmond und Vittorio Storaro mit seiner Verwendung eines tiefen und selektiven Fokus beeinflusste, der mit starkem Fokus verstärkt wurde Schlüsselbeleuchtung auf Horizontebene, die durch Fenster und Türen dringt. Ein Großteil der gefeierten Film Noir-Tradition basiert auf Techniken, die Toland in den frühen dreißiger Jahren perfektioniert hat und die mit Hell-Dunkel zusammenhängen (obwohl High-Key-Beleuchtung, Bühnenbeleuchtung, Frontbeleuchtung und andere Effekte auf eine Weise eingestreut sind, die den Hell-Dunkel-Anspruch mindert).