Geschichte der westlichen Architektur

Die Architekturgeschichte zeichnet die Veränderungen in der Architektur durch verschiedene Traditionen, Regionen, übergreifende Stiltrends und Daten nach. Die Zweige der Architektur sind Zivil-, Sakral-, Marine-, Militär- und Landschaftsarchitektur.

Mittelalterliche Architektur
Überlebende Beispiele mittelalterlicher weltlicher Architektur dienten hauptsächlich der Verteidigung. Burgen und Festungsmauern bieten die bemerkenswertesten, nicht religiösen Beispiele der mittelalterlichen Architektur. Die Fenster haben sich zu mehr als nur dekorativen Zwecken kreuzförmig entwickelt: Sie waren perfekt für einen Armbrustschützen geeignet, um von innen Eindringlinge sicher abzuschießen. Zinnenwände (Zinnen) boten Schutz für Bogenschützen auf den Dächern, um sich dahinter zu verstecken, wenn sie nicht schossen.

Vorromanisch
Westeuropäische Architektur im frühen Mittelalter kann in frühchristliche und vorromanische, einschließlich Merowinger, Karolinger, Ottonen und Asturier unterteilt werden. Während diese Begriffe problematisch sind, dienen sie dennoch angemessen als Einstieg in die Ära. Überlegungen, die Geschichte jeder Periode eingehen, schließen Trachtenbergs „historisinging“ und „modernisierende“ Elemente, italienische gegen nördliche, spanische und byzantinische Elemente, und besonders die religiösen und politischen Manöver zwischen Königen, Päpsten und verschiedenen kirchlichen Beamten ein.

Romanisch
Die Romanik, die im 11. und 12. Jahrhundert im mittelalterlichen Europa vorherrschend war, war der erste gesamteuropäische Stil seit der römischen Kaiserarchitektur und Beispiele finden sich in allen Teilen des Kontinents. Der Begriff war nicht zeitgenössisch mit der Kunst, die er beschreibt, sondern ist eine Erfindung der modernen Wissenschaft, die auf ihrer Ähnlichkeit mit der römischen Architektur in Formen und Materialien beruht. Die Romanik zeichnet sich durch runde oder leicht spitzbogige Bögen, Tonnengewölbe und kreuzförmige Pfeiler aus, die die Gewölbe stützen.

gotisch
Die verschiedenen Elemente der gotischen Architektur entstanden in einer Reihe von Bauprojekten im 11. und 12. Jahrhundert, vor allem in der Île de France, wurden aber erst in der Abteikirche aus dem 12. Jahrhundert zu einem unverwechselbaren gotischen Stil zusammengefügt von Saint-Denis in Saint-Denis, in der Nähe von Paris. Die Vertikalität wird in der gotischen Architektur betont, die fast skelettartige Steinstrukturen mit großen Glasflächen, abgeschrägte Wandflächen mit äußeren Strebebögen, spitzbogige Spitzbogengewölbe, gerippte Steingewölbe, gruppierte Säulen, Zinnen und scharf zugespitzte Turmspitzen aufweist. Die Fenster enthalten wunderschöne Glasfenster, die Geschichten aus der Bibel und aus dem Leben der Heiligen zeigen. Solche Fortschritte im Design erlaubten den Kathedralen, größer als je zuvor zu werden, und es wurde so etwas wie ein interregionaler Wettbewerb, um eine Kirche so hoch wie möglich zu bauen.

Renaissance-Architektur
Die Renaissance bezieht sich oft auf die italienische Renaissance, die im 14. Jahrhundert begann, aber neuere Forschungen haben die Existenz ähnlicher Bewegungen in Europa vor dem 15. Jahrhundert gezeigt; Folglich hat der Begriff „Frühe Neuzeit“ Popularität bei der Beschreibung dieser kulturellen Bewegung gewonnen. Diese Zeit der kulturellen Wiedergeburt wird oft mit der Wiederherstellung der Wissenschaft in den klassischen Altertümern und der Aufnahme neuer wissenschaftlicher und philosophischer Kenntnisse, die die Künste gespeist haben, begründet.

Die Entwicklung der Architektur des Mittelalters betraf die Art und Weise, wie Geometrie zwischen der Ungreifbarkeit des Lichts und der Greifbarkeit des Materials vermittelt wurde, um die göttliche Schöpfung mit der irdischen Existenz in Beziehung zu setzen. Diese Beziehung wurde in gewissem Maße durch die Erfindung der Perspektive verändert, die durch die neuen Darstellungen des Horizontes, die in den in der Renaissancemalerei erschlossenen Weiten des Raumes gezeigt werden, ein Gefühl der Unendlichkeit in das menschliche Verständnis brachte und neues humanistisches Denken mitgestaltete .

Die Perspektive repräsentierte ein neues Verständnis von Raum als einer universellen, apriorischen Tatsache, verstanden und kontrolliert durch menschliche Vernunft. Renaissancebauten weisen daher einen anderen Sinn für konzeptionelle Klarheit auf, wobei Räume so konzipiert sind, dass sie in ihrer Gesamtheit von einem bestimmten festen Standpunkt aus verstanden werden. Die Macht der Perspektive, die Realität universell zu repräsentieren, beschränkte sich nicht nur auf die Beschreibung von Erfahrungen, sondern erlaubte es auch, die Erfahrung selbst vorherzusehen, indem sie das Bild in die Realität projizierte.

Die Renaissance verbreitete sich im späten 15. Jahrhundert nach Frankreich, als Karl VIII. 1496 mit einigen italienischen Künstlern nach seiner Eroberung Neapels zurückkehrte. Renaissanceschlösser wurden im Loire-Tal gebaut, das früheste Beispiel war das Château d’Amboise, und der Stil wurde unter Franz I. (1515-1547) dominierend. (Siehe Châteaux des Loire-Tals). Das Château de Chambord ist eine Kombination aus gotischer Struktur und italienischem Ornament, ein Stil, der unter Architekten wie Sebastiano Serlio weiterentwickelt wurde, der nach 1540 im Château de Fontainebleau tätig war.

Architekten wie Philibert Delorme, Androuet du Cerceau, Giacomo Vignola und Pierre Lescot ließen sich von den neuen Ideen inspirieren. Die südwestliche Innenfassade des Cour Carree des Louvre in Paris wurde von Lescot entworfen und mit Außenarbeiten von Jean Goujon bedeckt. Die Architektur blühte unter Heinrich II. Und Heinrich III.

In England war der erste große Vertreter der Renaissance-Architektur Inigo Jones (1573-1652), der Architektur in Italien studiert hatte, wo der Einfluss von Palladio sehr stark war. Jones kehrte voller Enthusiasmus für die neue Bewegung nach England zurück und begann sofort, 1616 Gebäude wie das Queen’s House in Greenwich und drei Jahre später das Banqueting House in Whitehall zu entwerfen. Diese Arbeiten mit ihren klaren Linien und Symmetrie waren revolutionär in einem Land, das immer noch mit Pfostenfenstern, Zinnen und Türmchen verzaubert war.

Europäische und koloniale Architektur
Mit dem Aufstieg verschiedener europäischer Kolonialreiche vom 16. Jahrhundert bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die neuen Stilrichtungen Europas an Orte in der ganzen Welt exportiert oder übernommen, wobei sich oft neue regionale Variationen entwickelten.

Barocke Architektur
Die Perioden des Manierismus und des Barocks, die auf die Renaissance folgten, signalisierten eine wachsende Angst vor Bedeutung und Repräsentation. Wichtige Entwicklungen in Wissenschaft und Philosophie hatten mathematische Repräsentationen der Realität vom Rest der Kultur getrennt und grundlegend die Art und Weise verändert, wie Menschen durch Architektur mit ihrer Welt zusammenhingen. Unter dem dekorativen Geschmack des Rokoko würde es seine extremste und verschönerteste Entwicklung erreichen.

Kehre zum Klassizismus zurück
Im späten 17. und 18. Jahrhundert wurden die Werke und Theorien von Andrea Palladio (aus dem 16. Jahrhundert in Venedig) wieder in England interpretiert und angenommen, verbreitet durch die englische Übersetzung seines I Quattro Libri dell’Architettura und Musterbücher wie Vitruvius Brittanicus von Colen Campbell. Diese palladianische Architektur und die fortgesetzte klassische Bildsprache würden wiederum Thomas Jefferson und andere frühe Architekten der Vereinigten Staaten auf ihrer Suche nach einer neuen nationalen Architektur beeinflussen.

In der Mitte des 18. Jahrhunderts gab es eher eine zurückhaltendere Dekoration und Verwendung von authentischen klassischen Formen als im Barock, die durch vermehrte Besuche der klassischen Ruinen im Rahmen der Grand Tour, gepaart mit den Ausgrabungen von Pompeji und Herculaneum, geprägt wurden.

Federal-Style-Architektur ist der Name für die klassizistische Architektur in Nordamerika zwischen c gebaut. 1780 und 1830, und besonders von 1785 bis 1815. Dieser Stil teilt seinen Namen mit seiner Ära, der Federal Period. Der Begriff wird auch in Verbindung mit Möbeldesign in den Vereinigten Staaten von der gleichen Zeitperiode verwendet. Der Stil entspricht weitgehend dem bürgerlichen Klassizismus des Biedermeier-Stils in den deutschsprachigen Ländern, dem Regency-Stil in Großbritannien und dem französischen Empire-Stil.

Revivalismus und Orientalismus
Das 19. Jahrhundert wurde von einer Vielzahl von stilistischen Revivals, Variationen und Interpretationen beherrscht.

Beaux-Arts-Architektur
Beaux-Arts-Architektur bezeichnet den akademischen klassischen Baustil, der an der École des Beaux Arts in Paris gelehrt wurde. Der Stil „Beaux-Arts“ ist vor allem das kumulative Produkt von zweieinhalb Jahrhunderten Unterricht unter der Autorität, zuerst der Académie royale d’architecture, dann, nach der Revolution, der Architekturabteilung der Académie des Beaux-Arts. Kunst. Die Organisation unter dem Ancien Régime des Wettbewerbs für den Grand Prix de Rome in der Architektur, der eine Chance bot, in Rom zu studieren, prägte seinen Code und seine Ästhetik in den Lehrplan ein, der während des Zweiten Kaiserreichs (1850-1870) und des Dritte Republik, die folgte. Die Art der Ausbildung, die die Beaux-Arts-Architektur hervorbrachte, wurde bis 1968 ohne größere Renovierung fortgesetzt.

Jugendstil
Um 1900 begann eine Reihe von Architekten auf der ganzen Welt, neue architektonische Lösungen zu entwickeln, um traditionelle Präzedenzfälle mit neuen sozialen Anforderungen und technologischen Möglichkeiten zu integrieren. Die Arbeiten von Victor Horta und Henry van de Velde in Brüssel, Antoni Gaudí in Barcelona, ​​Otto Wagner in Wien und Charles Rennie Mackintosh in Glasgow können unter vielen als gemeinsamer Kampf zwischen alt und neu gesehen werden.

Frühe moderne Architektur
Frühe Moderne Architektur begann mit einer Reihe von Baustilen mit ähnlichen Eigenschaften, vor allem die Vereinfachung der Form und die Beseitigung der Verzierung, die um 1900 entstand. In den 1940er Jahren hatten diese Stile weitgehend konsolidiert und als der internationale Stil identifiziert.

Die genauen Merkmale und Ursprünge der modernen Architektur sind noch offen für Interpretation und Debatte. Ein wichtiger Auslöser scheint die Louis Sullivan zugeschriebene Maxime gewesen zu sein: „form follows function“. Funktionalismus, in der Architektur, ist das Prinzip, dass Architekten ein Gebäude basierend auf dem Zweck des Gebäudes entwerfen sollten. Diese Aussage ist weniger selbstverständlich als sie zuerst erscheint und ist eine Frage der Verwirrung und Kontroverse innerhalb des Berufs, insbesondere in Bezug auf die moderne Architektur.

Expressionistische Architektur
Die expressionistische Architektur war eine Architekturbewegung, die sich in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in Nordeuropa parallel zu den expressionistischen bildenden und darstellenden Künsten entwickelte.

Der Stil war geprägt von einer frühmodernistischen Übernahme neuartiger Materialien, formaler Innovation und sehr ungewöhnlicher Masse, manchmal inspiriert durch natürliche biomorphe Formen, manchmal durch die neuen technischen Möglichkeiten, die die Massenproduktion von Ziegeln, Stahl und insbesondere Glas bietet. Viele expressionistische Architekten kämpften im Ersten Weltkrieg und ihre Erfahrungen, kombiniert mit den politischen Unruhen und sozialen Umwälzungen, die auf die deutsche Revolution von 1919 folgten, resultierten in einer utopischen Perspektive und einer romantischen sozialistischen Agenda. Die wirtschaftlichen Bedingungen schränkten die Anzahl der gebauten Kommissionen zwischen 1914 und Mitte der 1920er Jahre stark ein. Viele der bedeutendsten expressionistischen Werke blieben als Papierprojekte übrig, wie Bruno Tauts Alpine Architecture und Hermann Finsterlins Formspiels. Ephemere Ausstellungsgebäude waren zahlreich und in dieser Zeit von großer Bedeutung. Die Szenografie für Theater und Filme bot der expressionistischen Imagination einen weiteren Nährboden und bot Designern, die versuchten, Konventionen in einem rauen Wirtschaftsklima herauszufordern, zusätzliche Einnahmen.

Art Deco
Der Art Deco-Stil in der Architektur entstand kurz vor dem Ersten Weltkrieg in Paris mit dem Théâtre des Champs-Élysées von Auguste Perret (1911-1913) und dem Majorelle Building von Henri Sauvage (1913). Seine revolutionäre Verwendung von Stahlbeton, geometrischen Formen, geraden Linien und dekorativen Skulpturen, die auf der Außenseite des Gebäudes in Tafeln aus Marmor, Keramik und Stuck und später in Edelstahl angebracht wurden, waren eine Abkehr vom Jugendstil. Der Stil erreichte seinen Höhepunkt in den 1920er und 1930er Jahren und erhielt seinen Namen von der Internationalen Ausstellung für moderne industrielle und dekorative Kunst in Paris im Jahr 1925. Art Deco wurde besonders in den Vereinigten Staaten in den späten 1920er Jahren populär, wo der Stil verwendet wurde Wolkenkratzer einschließlich des Chrysler Building (1930) und Empire State Building (1931), und für verschwenderische Filmpaläste einschließlich Radio City Music Hall (1932) in New York City und dem Paramount Theatre in Oakland, Kalifornien. In den 1930er Jahren entstand eine abgespeckte Variante namens Streamline Moderne, die von den geschwungenen aerodynamischen Formen von Ozeandampfern, Flugzeugen und Zügen inspiriert wurde. Art Deco wurde in den 1930er Jahren für Bürogebäude, Regierungsgebäude, Bahnhöfe und Kinos auf der ganzen Welt verwendet, ging jedoch Ende des Jahrzehnts aufgrund der großen Depression und der intensiven Kritik des Stils durch moderne Architekten wie Le Corbusier schnell zurück , der das anprangerte, was er für seine übermäßige Verzierung hielt. Bis 1939 war der Stil weitgehend aus der Mode und wurde durch den strengeren International Style ersetzt.

Internationaler Stil
Der internationale Stil war ein wichtiger architektonischer Trend der 1920er und 1930er Jahre. Der Begriff bezieht sich in der Regel auf die Gebäude und Architekten der prägenden Jahrzehnte der Moderne vor dem Zweiten Weltkrieg. Der Begriff hatte seinen Ursprung in dem Namen eines Buches von Henry-Russell Hitchcock und Philip Johnson, das Eigenschaften identifizierte, kategorisierte und erweiterte, die der Moderne in der ganzen Welt gemeinsam sind. Der Fokus lag dabei mehr auf den stilistischen Aspekten der Moderne. Die grundlegenden Gestaltungsprinzipien des Internationalen Stils sind somit Teil der Moderne.

Die Ideen der Moderne entwickelten sich vor allem in dem, was an der deutschen Bauhausschule in Weimar (ab 1919), Dessau (zwischen 1926 und 1932) und schließlich in Berlin zwischen 1932 und 1933 unter der Leitung ihres Gründers Walter Gropius, damals Hannes, unterrichtet wurde Meyer und schließlich Ludwig Mies van der Rohe. Die modernistische Theorie in der Architektur lag in dem Versuch, die Frage zu umgehen, in welchem ​​Stil ein Gebäude gebaut werden sollte, eine Sorge, die die Architektur des 19. Jahrhunderts überschattete, und den Wunsch, die Form auf ihren minimalen Ausdruck von Struktur und Funktion zu reduzieren. In den Vereinigten Staaten behandelten Philip Johnson und Henry-Russell Hitchcock dieses neue Phänomen 1931, als ob es einen neuen Stil repräsentiere – den Internationalen Stil und damit seine primäre Mission als eine bloße Frage der Beseitigung des traditionellen Ornaments falsch darstelle. Die Hauptbemühungen, die moderne Architektur als abstraktes, wissenschaftliches Programm zu verfolgen, wurden in Europa treuer vorangetrieben, aber stilistische Fragen überschatteten stets ihre strengeren und puritanistischen Ziele, nicht zuletzt in der Arbeit von Le Corbusier.

Zeitgenössische Architektur

Moderne Architektur
Die moderne Architektur zeichnet sich im Allgemeinen durch Vereinfachung der Form und Schaffung von Ornament aus der Struktur und dem Thema des Gebäudes aus. Es ist ein Begriff für eine übergreifende Bewegung, deren genaue Definition und Umfang sehr unterschiedlich sind. Moderne Architektur hat sich im 21. Jahrhundert als zeitgenössischer Stil, insbesondere für Bürogebäude, weiterentwickelt. Im weiteren Sinne begann die moderne Architektur um die Wende zum 20. Jahrhundert mit dem Bemühen, die Prinzipien der architektonischen Gestaltung mit dem schnellen technologischen Fortschritt und der Modernisierung der Gesellschaft in Einklang zu bringen. Es würde die Form von zahlreichen Bewegungen, Entwurfsschulen und architektonischen Stilen annehmen, von denen einige in Spannung zueinander stehen und einer solchen Klassifikation oft gleichermaßen widersprechen.

Kritischer Regionalismus
Kritischer Regionalismus ist eine Annäherung an die Architektur, die der Platzlosigkeit und dem Mangel an Bedeutung in der modernen Architektur entgegenwirken möchte, indem kontextuelle Kräfte verwendet werden, um einen Sinn für Ort und Bedeutung zu geben. Der Begriff kritischer Regionalismus wurde zuerst von Alexander Tzonis und Liane Lefaivre und später berühmter von Kenneth Frampton verwendet.

Frampton brachte seine Ansichten in „Hin zu einem kritischen Regionalismus: Sechs Punkte einer Architektur des Widerstands“ zum Ausdruck. Er erinnert an Paul Ricœurs Frage, „wie man modern wird und zu Quellen zurückkehrt; wie man eine alte, ruhende Zivilisation wiederbelebt und an der universellen Zivilisation teilnimmt“. Laut Frampton sollte kritischer Regionalismus moderne Architektur kritisch für seine universellen progressiven Qualitäten annehmen, gleichzeitig aber Reaktionen, die auf den Kontext zugeschnitten sind, wertschätzen. Der Schwerpunkt sollte eher auf der Topographie, dem Klima, dem Licht, der tektonischen Form als auf der Szenografie und dem Tastsinn und nicht auf der visuellen Ebene liegen. Frampton stützt sich auf Phänomenologie, um seine Argumente zu ergänzen.

Postmoderne Architektur
Postmoderne Architektur ist ein internationaler Stil, dessen erste Beispiele allgemein aus den 1950er Jahren zitiert werden und die bis heute die Architektur der Gegenwart prägen. Die Postmoderne in der Architektur wird im Allgemeinen als Antwort auf den Formalismus des internationalen Stils der Moderne durch die Rückkehr von „Witz, Ornament und Bezug“ auf die Architektur angekündigt. Wie bei vielen kulturellen Bewegungen können einige der ausgeprägtesten und sichtbarsten Ideen der Postmoderne in der Architektur gesehen werden. Die funktionalen und formalisierten Formen und Räume der modernistischen Bewegung werden durch eine unantastbar vielfältige Ästhetik ersetzt: Stile kollidieren, Form wird um ihrer selbst willen angenommen, und es gibt neue Möglichkeiten, vertraute Stile und Räume zu sehen.

Klassische Beispiele moderner Architektur sind das Lever House und das Seagram Building im kommerziellen Raum, die Architektur von Frank Lloyd Wright oder die Bauhaus-Bewegung in privaten oder gemeinschaftlichen Räumen. Übergangsbeispiele postmoderner Architektur sind das Portland Building in Portland und das Sony Building (New York City) (ursprünglich AT & T Building) in New York City, das Elemente und Referenzen aus der Vergangenheit aufnimmt und Farbe und Symbolik in die Architektur einführt. Ein Paradebeispiel für die Inspiration postmoderner Architektur ist der Las Vegas Strip, der von Robert Venturi in seinem 1972 erschienenen Buch Learning from Las Vegas untersucht wurde, um die gewöhnliche und gemeinsame Architektur des Strips zu feiern. Venturi meinte, „Weniger ist langweilig“, was Mies Van Der Rohes Diktum „Weniger ist mehr“ umkehrt.

Nach der postmodernen Bewegung etablierte sich eine Renaissance vormodernistischer städtischer und architektonischer Ideale, wobei New Urbanism und New Classical Architecture prominente Bewegungen waren.

Dekonstruktivistische Architektur
Dekonstruktivismus in der Architektur ist eine Entwicklung der postmodernen Architektur, die in den späten 1980er Jahren begann. Es ist geprägt von Fragmentierungsvorstellungen, nicht-linearen Gestaltungsprozessen, einem Interesse an der Manipulation von Ideen der Oberfläche oder Haut einer Struktur und einer scheinbaren nicht-euklidischen Geometrie (dh nicht-geradlinigen Formen), die dazu dienen, einige von ihnen zu verzerren und zu verschieben die Elemente der Architektur, wie Struktur und Hülle. Das fertige Erscheinungsbild von Gebäuden, die die vielen dekonstruktivistischen „Stile“ aufweisen, zeichnet sich durch eine stimulierende Unberechenbarkeit und ein kontrolliertes Chaos aus.

Wichtige Ereignisse in der Geschichte der dekonstruktivistischen Bewegung sind der 1982 Parc de la Villette architektonische Gestaltungswettbewerb (insbesondere der Beitrag von Jacques Derrida und Peter Eisenman und Bernard Tschumis Wahlsieg), der das Museum of Modern Art 1988 in New York in dekonstruktivistischer Architektur ausstellte von Philip Johnson und Mark Wigley, und die 1989 von Peter Eisenman entworfene Eröffnung des Wexner Center for the Arts in Columbus. Die New Yorker Ausstellung zeigte Werke von Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelblau und Bernard Tschumi. Viele der mit dem Dekonstruktivismus assoziierten Architekten haben sich seit der Ausstellung von dem Begriff distanziert. Nichtsdestoweniger ist der Begriff festgefahren und hat nun tatsächlich einen allgemeinen Trend in der zeitgenössischen Architektur angenommen.

Architektur im 21. Jahrhundert
Am 21. Januar 2013 begannen die Architekten mit den Vorbereitungen für den Bau des weltweit ersten 3D-gedruckten Gebäudes. Ein 3D-Drucker im industriellen Maßstab verwendete hochfesten Kunstmarmor. Unternehmen auf der ganzen Welt haben zahlreiche Gebäude in 3D gedruckt, von denen viele nur wenige Stunden benötigen. 3D-gedruckte Gebäude haben sich als praktisch, kosteneffektiv und umweltfreundlich erwiesen. Die Technologie wird auf andere Frameworks ausgeweitet.

Nachhaltige Architektur ist ein wichtiges Thema in der zeitgenössischen Architektur, einschließlich der Trends von New Urbanism, New Classical Architektur und Eco-Cities.