Die Bezeichnung „Hochrenaissance“ bezieht sich allgemein auf die Kunst, die in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts in Italien produziert wurde, als sich die Karrieren der großen Renaissancemeister Leonardo da Vinci, Raphael und Michelangelo überschnitten. Die technische Beherrschung und anmutige Harmonie, die sie in ihrer Arbeit erreichten, wurde von Schriftstellern wie Vasari als Ideal angesehen.

In der Kunstgeschichte bezeichnet die Hochrenaissance die Blütezeit der bildenden Kunst in der italienischen Renaissance. Die Zeit beginnt traditionell in den 1490er Jahren mit Leonardos Fresko des Letzten Abendmahls in Mailand und dem Tod von Lorenzo de ‚Medici in Florenz und endete 1527 mit der Entlassung Roms durch die Truppen Kaiser Karls V. Der Begriff wurde erstmals im frühen 19. Jahrhundert in Deutsch (Hochrenaissance) verwendet und hat seinen Ursprung in dem von Johann Joachim Winckelmann beschriebenen „Hohen Stil“ von Malerei und Bildhauerei. In den letzten zwanzig Jahren wurde der Begriff von akademischen Kunsthistorikern häufig dafür kritisiert, dass er künstlerische Entwicklungen zu sehr vereinfachte, den historischen Kontext ignorierte und sich nur auf einige ikonische Werke konzentrierte.

Die Hochrenaissance bezieht sich auf die Kunst des päpstlichen Roms, Florenz und der Republik Venedig von 1500 bis 1530. Mit der Malerei der Hochrenaissance erreicht die westliche Kunst ihren Höhepunkt und bringt Kunstwerke in den universellen Geltungsbereich.

Meister dieser Zeit sind Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564) und Raphael (1483-1520).
Leonardo da Vinci bringt die Technik des Sfumato in seinen Gemälden zur Virtuosität.

Überblick
Seit dem späten 18. Jahrhundert bezieht sich die Hochrenaissance auf eine kurze (ca. 30-jährige) Periode außergewöhnlicher künstlerischer Produktion in den italienischen Staaten, hauptsächlich in Rom, der Hauptstadt des Kirchenstaates, unter Papst Julius II. Behauptungen darüber, wo und wann die Periode beginnt und endet, variieren, aber im Allgemeinen die bekanntesten Vertreter der Malerei der Hochrenaissance, gehören Leonardo da Vinci, frühen Michelangelo und Raphael. Die bildende Kunst der Hochrenaissance erweiterte die allgemeine Rubrik der Renaissancekultur und zeichnete sich durch eine erneute Betonung der klassischen Tradition, die Ausweitung von Patronagesetzen und eine allmähliche Abschwächung figuraler Formen in den später als Manierismus bezeichneten Stil aus.

Die Gemälde im Vatikan von Michelangelo und Raphael werden von einigen Gelehrten wie Stephen Freedberg als Höhepunkt des Hochrenaissance-Stils in der Malerei bezeichnet, wegen des ambitionierten Umfangs dieser Werke, gepaart mit der Komplexität ihrer Komposition, eng beobachteten menschlichen Figuren , und ikonographische und dekorative Hinweise auf die klassische Antike, kann als emblematisch für die Hochrenaissance angesehen werden. In den letzten Jahren haben Kunsthistoriker die Hochrenaissance als eine Bewegung im Gegensatz zu einer Epoche charakterisiert, eine von mehreren verschiedenen experimentellen Einstellungen gegenüber der Kunst im späten fünfzehnten und frühen sechzehnten Jahrhundert. Diese Bewegung wird unterschiedlich als konservativ charakterisiert; als reflektiert neue Einstellungen gegenüber der Schönheit; ein bewusster Prozess der Synthese eklektischer Modelle, verbunden mit Moden in der literarischen Kultur; und reflektieren neue Beschäftigungen mit Interpretation und Bedeutung.

Die ihm vorausgehende Periode ist die frühe oder anfängliche Renaissance; und die Fortsetzung ist die späte oder letzte Renaissance. Der Begriff Under Renaissance ist irreführend in seiner Verwendung, sogar in der Fachbibliographie, die sowohl das eine als auch das andere bezeichnet. Manchmal wird der zweite Ausdruck der Renaissance als gleichwertig mit „hoch“ verwendet (wobei diese anfängliche Renaissance eine „erste Renaissance“ ist).

Hochrenaissance in Italien
In der italienischen Renaissance gibt es den Ersatz von Florenz durch Rom als das renommierteste künstlerische Zentrum (es ist üblich, den Ausdruck Florentine-Roman Renaissance zu verwenden). 3 Florenz wurde durch gewalttätige soziale und politische Bewegungen erschüttert, darunter der Aufstieg und Fall von Savonarola und die Vertreibung der Medici. In Rom zog das ehrgeizige künstlerische Programm des Vatikans (Petersdom, Sixtinische Kapelle, Estancias de Rafael) eine Konstellation erstklassiger Künstler an: Bramante, Sangallo, die bereits erwähnten Rafael und Miguel Ángel; unter denen sind diejenigen, die in der folgenden Zeit, manieristisch (Giulio Romano, Benvenuto Cellini, etc.) herausstechen werden. Unter den anderen Kunststädten Italiens ist es Venedig nur durch die einzigartigen Merkmale der venezianischen Malerschule gelungen, die in diesen Jahren den größten Teil der Produktion der Bellini, Giorgione und Tizian bestritten hat.

Das übrige Europa war bereits von der künstlerischen Revolution der Ersten Renaissance oder des Quattrocento (italienische Jahre) beeinflusst, aber in Wirklichkeit war es erst in der späteren Zeit, dem Ende des Cinquecento (Jahre [tausend]). Fünfhundert auf Italienisch), bezeichnet als Renaissance oder Manierismo, als der Einfluss der Kunst der klassizistischen Phase der Renaissance ihre ganze Dimension erreichte; und dies lag zum großen Teil an dem außerordentlichen Prestige, das Gelehrte wie Vasari, der Autor der Vite (1550), den Genies der Generation vor seinen eigenen gab, sie sogar quasi vergötterte (tatsächlich wurde Rafael calledivo genannt). „die göttliche“ -).

In Bezug auf die Renaissance der Mitte des 15. Jahrhunderts, die durch Experimente mit linearer Perspektive gekennzeichnet war, war die Hochrenaissance durch die Reife und Ausgewogenheit gekennzeichnet, die in Leonardos sfumato gefunden wurde; in den Marmor Bänden der Michelangelesque terribilitá; in den Farben, Texturen und dem Helldunkel der Venezianer oder der Madonnen von Raffael, die Licht und Schatten eine neue Prominenz geben; beim Überholen des Armes in den Porträts (wie in der Gioconda); in der Komposition klar, vor allem die dreieckige, geprägt durch die Beziehung der Figuren mit Aussehen und Haltungen, vor allem in den Händen.

Der Manierismus, obwohl ihn die Historiographie zur Zeit als eigenständigen Stil definiert, 6 war zunächst eine abwertende Bezeichnung für Künstler ohne Originalität, die die maniera di Miguel Ángel oder Rafael malten oder skulptierten. Das Prestige, das die Künstler der Hochrenaissance vollbracht hatten, ließ sie sich alle mit ihnen vergleichen: Ein Künstler von so großer Persönlichkeit wie Tintoretto proklamierte, „die Farbe Tizians und die Zeichnung Michelangelos“ zu verwenden.

Während des siebzehnten Jahrhunderts, unter dem Vorsitz der rupturistischen Ästhetik des Barock, blieb ein klassizistischer Trend (französischer Klassizismus, Bologneser Schule, klassizistische Malerei), der bis ins 18. Jahrhundert durch die Arbeit der Akademien und des neoklassizistischen Stils (dieser eine mehr konzentrierte sich auf die archäologische Wiederherstellung der Reinheit der Formen antiker Kunst) und in der zeitgenössischen Kunst durch Akademismus, der bis zur ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts das offizielle Paradigma der Kunst war, die avantgardistischen Innovationen widersteht. In der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts gab die Bewegung Präraffaeli vor Rafael die Rückkehr zur handwerklichen Reinheit des Gemäldes.

Hochrenaissance im übrigen Europa
Die Rezeption der italienischen Renaissanceformen war während des fünfzehnten Jahrhunderts langsam und inhomogen gewesen; aber in der Mitte des 16. Jahrhunderts hatte die Verbreitung der Werke der Hochrenaissance dank des Kupferstichs und der Texte, der Traktaten (Vasari, Serlio, Vignola, Palladio) sie zu einem klassischen Kanon gemacht.

Die nordische Renaissance (besonders die flämische Wiederbelebung – flämische Primitive – und die deutsche Renaissance – Dürer, Altdorfer, Grünewald, Donauschule -) hatte sich als autonomer Brennpunkt zwar in fließendem Verhältnis zum Italienischen entwickelt, aber auch eine klassische Epoche, die dank Die wirkliche soziale und intellektuelle Revolution, die die Druckerpresse ermöglichte (Gutenberg, 1453), verwandelte das letzte Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts und die ersten beiden des 16. Jahrhunderts (politisch dominiert sowohl in Flandern-Burgund als auch in Deutschland durch den Aufstieg von Maximilian I.) von Habsburg) im Szenario transzendentaler gesellschaftlicher, politischer und ideologischer Veränderungen, die in der protestantischen Reformation gipfeln (Luthers Thesis, 1517).

Für die Monarchie der Katholischen Könige und die ersten beiden Habsburger Spaniens (Philipp der Schöne und Karl I. – der Kaiser Karl V.) bezieht sich die Geschichtsschreibung gewöhnlich auf das letzte Viertel des 15. Jahrhunderts und die ersten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts als das Hochrenaissance in Spanien, während für das letzte Drittel des sechzehnten Jahrhunderts, dominiert von dem ehrgeizigen künstlerischen Programm von Philip II, behält es sich die Bezeichnung Under Renaissance in Spanien. 7 Alle Felder der spanischen intellektuellen Produktion traten in ein wahres Goldenes Zeitalter ein.

Siehe auch: Spanische Renaissance, spanische Renaissanceliteratur, Wissenschafts- und Technologiegeschichte in Spanien und Geschichte des Christentums in Spanien.
Die französische Renaissance und die englische Renaissance hatten auch ihre besonderen Eigenschaften.

Die Architektur
Traditionell beginnt der Hochrenaissance-Stil in der Architektur mit Donato Bramante, dessen Tempietto in S. Pietro in Montorio in Rom 1510 begonnen wurde. Der Tempietto bedeutet eine vollständige Wiederbelebung der antiken römischen Gedenkarchitektur. David Watkin schreibt, dass der Tempietto, wie Raphaels Werke im Vatikan (1509-11), „ein Versuch ist, christliche und humanistische Ideale zu versöhnen“.

Gemälde
Die Hochrenaissance wurde traditionell als eine große Explosion des kreativen Genies betrachtet und folgte einem Modell der Kunstgeschichte, das zuerst vom Florentiner Giorgio Vasari vorgeschlagen wurde. Selbst relativ kleine Maler dieser Zeit, wie Fra Bartolomeo und Mariotto Albertinelli, schufen Werke, die noch immer für die Harmonie ihres Designs und ihrer Technik gelobt werden. Die länglichen Proportionen und übertriebenen Posen in den Spätwerken Michelangelos, Andrea del Sartos und Correggios präfigurieren den sogenannten Manierismus, wie ihn der Stil der späteren Renaissance in der Kunstgeschichte bezeichnet.

Die heitere Stimmung und die leuchtenden Farben der Gemälde von Giorgione und dem frühen Tizian veranschaulichen den Stil der Hochrenaissance, wie er in Venedig praktiziert wird. Andere erkennbare Stücke dieser Periode schließen Leonardo da Vincis Mona Lisa und Raphaels Die Schule von Athen ein. Raffaels Fresko unter einem Bogen ist ein virtuoses Werk von Perspektive, Komposition und Disegno.

Skulptur
Die Skulpturen der Hochrenaissance, wie sie Michelangelos Pietà und der ikonische David zeigen, zeichnen sich durch ein „ideales“ Gleichgewicht zwischen Stille und Bewegung aus. Die Hochrenaissance-Skulptur wurde normalerweise von der Öffentlichkeit und dem Staat in Auftrag gegeben. Diese für die Bildhauerei immer beliebter werdende Skulptur ist eine teure Kunstform. Skulptur wurde oft verwendet, um Architektur zu dekorieren oder zu verschönern, normalerweise in Höfen, wo andere die Auftragsarbeiten studieren und bewundern konnten. Vermögende Personen wie Kardinäle, Herrscher und Bankiers waren die eher privaten Mäzene zusammen mit sehr wohlhabenden Familien; Papst Julius II. Hat auch viele Künstler gefördert. Während der Hochrenaissance entwickelten sich Kleinplastiken für private Gönner, auch die Entstehung von Büsten und Gräbern entwickelte sich. Das Thema der Skulptur war überwiegend religiös, aber auch mit einem bedeutenden Strang klassischer Individuen in Form von Grabskulpturen und Gemälden sowie Decken von Kathedralen.