Führung durch das Louvre-Museum, Paris, Frankreich

Der Louvre ist das meistbesuchte Museum der Welt und ein historisches Wahrzeichen in Paris, Frankreich. Das Louvre-Museum ist ein Pariser Kunst- und Archäologiemuseum, das im ehemaligen Königspalast des Louvre untergebracht ist. Es wurde 1793 eröffnet und ist eines der größten und reichsten Museen der Welt, aber mit fast 9 Millionen Besuchern pro Jahr auch das meistbesuchte. Es ist die Heimat einiger der bekanntesten Kunstwerke, darunter die Mona Lisa und die Venus von Milo.

Der Louvre-Palast beherbergt das größte Museum der Welt. Das Musée du Louvre enthält mehr als 380.000 Objekte und zeigt 35.000 Kunstwerke in acht kuratorischen Abteilungen mit mehr als 60.600 Quadratmetern, die der ständigen Sammlung gewidmet sind. Der Louvre zeigt Skulpturen, Kunstgegenstände, Gemälde, Zeichnungen und archäologische Funde. Das Louvre-Museum präsentiert sehr unterschiedliche Sammlungen, wobei ein großer Teil der Kunst und den Zivilisationen der Antike gewidmet ist: Mesopotamien, Ägypten, Griechenland und RomLogo, das Tarife angibt, die sie zitieren; Das mittelalterliche Europa und das napoleonische Frankreich sind ebenfalls weit verbreitet.

Das Museum ist im Louvre-Palast untergebracht, der ursprünglich im späten 12. bis 13. Jahrhundert unter Philipp II. erbaut wurde. Reste der mittelalterlichen Louvre-Festung sind im Untergeschoss des Museums zu sehen. Die Festung aus dem 12. Jahrhundert wurde im Laufe der Jahrhunderte mehrmals erweitert und renoviert. Bevor es als Museum eröffnet wurde, wählten König Karl V. und Philippe II. diesen Palast als ihre Residenz und schmückten ihn mit ihren ständig wachsenden Kunstsammlungen.

Aufgrund der Stadterweiterung verlor die Festung schließlich ihre Verteidigungsfunktion und wurde 1546 von Franz I. zur Hauptresidenz der französischen Könige umgebaut. Das Gebäude wurde viele Male erweitert, um den heutigen Louvre-Palast zu bilden. Das Louvre-Museum mit der Kunstsammlung des französischen Monarchen und den Ergebnissen der Plünderungen, die während des Kaiserreichs Napoleons durchgeführt wurden, wurde 1793 eröffnet. Seit seiner Einweihung war das Museum an einigen Tagen in der Woche für die Öffentlichkeit zugänglich und galt als revolutionär Zeit.

Der Louvre hat eine lange Geschichte der künstlerischen und historischen Erhaltung, vom Ancien Régime bis zur Gegenwart. Nach der Abreise Ludwigs XIV. nach Schloss Versailles Ende des 17. Jahrhunderts wird dort ein Teil der königlichen Sammlungen von Gemälden und antiken Skulpturen aufbewahrt. Nachdem der ehemalige königliche Palast ein Jahrhundert lang mehrere Akademien beherbergt hatte, darunter die für Malerei und Bildhauerei, sowie verschiedene Künstler, die vom König beherbergt wurden, wurde er während der Revolution wirklich in ein „Zentralmuseum der Künste der Republik“ umgewandelt. Es wurde 1793 eröffnet und zeigt rund 660 Werke, hauptsächlich aus königlichen Sammlungen oder beschlagnahmt von emigrierten Adligen oder aus Kirchen. In der Folge werden die Sammlungen weiter bereichert durch Kriegsbeute, Erwerbungen, Patenschaften, Vermächtnisse, Schenkungen,

1981 wurde der chinesisch-amerikanische Architekt Ieoh Ming Pei im Rahmen eines umfangreichen Projekts, das bis 1997 dauern sollte (Le Grand Louvre), beauftragt, einen neuen Empfangsbereich zu entwerfen und den Zugang zum Museum zu verbessern. Erbaut mit den gleichen Proportionen wie die Cheops-Pyramide, ganz aus Stahl und Glas, ist das Haupttor zum Louvre und offiziell. Die Pyramide wurde am 30. Mai 1989 offiziell eröffnet, um mit dem 200. Jahrestag der Französischen Revolution zusammenzufallen.

Der Louvre ist so groß, dass man leicht mehrere Tage damit verbringen könnte, seine Ausstellungen zu erkunden. Besucher benötigen mindestens einen halben Tag, um sich einen Überblick über den Louvre zu verschaffen und die wichtigsten Gemälde, Skulpturen und andere Kunstgattungen zu sehen. Das Louvre-Museum bietet seinen Gästen einen Audioguide mit Informationen zu jedem einzelnen Stück in der Galerie.

Abteilungen
Das Louvre-Museum umfasst verschiedene sehr reiche Sammlungen von Kunstwerken aus verschiedenen Zivilisationen, Kulturen und Epochen. Die riesige Sammlung ist thematisch in verschiedene Abteilungen gegliedert: eine Abteilung für orientalische Altertümer, eine Abteilung für ägyptische Altertümer, eine Abteilung für griechische Altertümer sowie eine römische und eine etruskische Abteilung. Das Museum umfasst auch einen Teil zur Geschichte des eigentlichen Palastes, darunter der Louvre im Mittelalter, islamische Kunst, Gemälde, Skulpturen und Grafiken. Zu den bekanntesten Stücken gehören „Die Mona Lisa“, „Die Venus von Milo“, „Der kauernde Schreiber“, „Der Sieg von Samothrake“ und „Der Kodex von Hammurabi“.

Abteilung für orientalische Altertümer

Die Abteilung für orientalische Altertümer des Louvre-Museums in Paris stammt aus dem Jahr 1881 und bietet einen Überblick über die frühe nahöstliche Zivilisation und „erste Siedlungen“ vor der Ankunft des Islam. Die Abteilung Orientalische Altertümer verwahrt Objekte aus einer Region zwischen dem heutigen Indien und dem Mittelmeer (Türkei, Syrien, Irak, Libanon, Israel, Jordanien, Saudi-Arabien, Iran, Afghanistan …).

Mit mehr als 150.000 Objekten gehört sie (neben denen des British Museum und des Pergamonmuseums) zu den drei bedeutendsten Sammlungen der Welt. Die Abteilung präsentiert in rund dreißig Räumen 6.500 Werke, darunter universelle Meisterwerke wie den Kodex von Hammurabi oder den beeindruckenden Lamassus aus dem Palast von Khorsabad.

Es bietet ein fast vollständiges Panorama der alten Zivilisationen des Nahen und Mittleren Ostens. Die Entwicklung der Sammlung entspricht archäologischen Arbeiten wie der Expedition von Paul-Émile Botta nach Khorsabad im Jahr 1843 und der Entdeckung des Palastes von Sargon II. Diese Funde bildeten den Grundstock des Assyrischen Museums, dem Vorläufer der heutigen Abteilung.

Das Museum enthält Exponate aus Sumer und der Stadt Akkad mit Denkmälern wie der Stele der Geier des Prinzen von Lagash aus dem Jahr 2450 v . Der 2,25 Meter lange Kodex von Hammurabi, der 1901 entdeckt wurde, zeigt die babylonischen Gesetze deutlich, sodass sich niemand auf ihre Unkenntnis berufen kann. Das Wandgemälde der Investitur von Zimrilim aus dem 18. Jahrhundert v. Chr. und die Statue von Ebih-Il aus dem 25. Jahrhundert v. Chr., die im antiken Stadtstaat Mari gefunden wurde, sind ebenfalls im Museum ausgestellt.

Der persische Teil des Louvre enthält Arbeiten aus der archaischen Zeit, wie den Bestattungskopf und die persischen Bogenschützen von Darius I. Dieser Abschnitt enthält auch seltene Objekte aus Persepolis, die 2005 auch dem British Museum für seine Ausstellung Ancient Persia geliehen wurden.

Das Assyrische Museum des Louvre, das 1847 eingeweiht und dann der Abteilung für Altertümer angegliedert wurde, ist das erste Museum der Welt, das orientalischen Altertümern gewidmet ist. Die Abteilung für orientalische Altertümer wird offiziell per Dekret vom 20. August 1881 gegründet, nach den Ausgrabungen von Tello und den beträchtlichen Fortschritten bei der Wiederentdeckung der östlichen Antike, zu denen die Abteilung des Assyrischen Museums aktiv beigetragen hat. Im Laufe des 19. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelten sich die Sammlungen dank der Erkundungen und Ausgrabungen französischer Diplomaten und Archäologen im Nahen und Mittleren Osten, insbesondere an den Stätten von Khorsabad, Tello, Susa und Mari , Ugarit oder sogar Byblos.

Kollektions-Highlights
Mit mehr als 150.000 Objekten präsentiert die Abteilung für orientalische Altertümer des Louvre-Museums eine der bedeutendsten Sammlungen der Welt, die es ermöglicht, eines der vollständigsten Panoramen der antiken Geschichte des Nahen und Mittleren Ostens anzubieten. Die aktuelle Präsentation der Abteilung Orientalische Altertümer gliedert sich in drei Sammlungsschwerpunkte, die nach geografischen und kulturellen Gruppen verteilt sind: Mesopotamien; Alter Iran (Elam, Persien…) und Zentralasien; Pays du Levante.

Diese Werke decken rund 8.000 Jahre Geschichte über ein riesiges Gebiet ab, das für bestimmte Zeiträume von Zentralasien bis Spanien und vom Schwarzen Meer bis zum Indischen Ozean reicht. Seit der Jungsteinzeit haben sich in dieser Region viele Kulturen und Zivilisationen abgelöst, wo wir insbesondere das Aufkommen einer politischen, militärischen und religiösen Verwaltung oder die Geburt des Staates nach einer gemeinsamen Formel sehen. Es ist auch die Wiege der Schrift, die um -3300 in Uruk, Mesopotamien, auftauchte.

Khorsabad-Hof
Der Innenhof von Khorsabad zeigt die Überreste einer gigantischen Stadt, die in knapp zehn Jahren Ende des 8. Jahrhunderts v. Chr. erbaut wurde. Damals gehörte der Norden des heutigen Irak zum mächtigen Assyrischen Reich. König Sargon II beschließt den Bau einer neuen Hauptstadt in Khorsabad bei Mossul. Aber mit dem Tod ihres Gründers verlor die Stadt ihren Status als Hauptstadt. Erst im 19. Jahrhundert entdeckten französische Archäologen die Überreste der Stätte wieder. So entstand im Louvre das erste assyrische Museum der Welt.

Im 8. Jahrhundert v. Chr. regierte König Sargon II. über das Assyrische Reich. Gegen -713 trifft er eine starke Entscheidung, die seine Autorität begründen muss: eine neue Hauptstadt zu gründen. Er wählte einen weitläufigen Standort am Fuße des Berges im Norden des heutigen Irak. Dies wird Dûr-Sharrukin sein, die „Festung von Sargon“. Der König unternahm den Bau dieser neuen Stadt, die seiner Allmacht entsprechen muss. Seine Ausmaße übertreffen die größten Städte der Antike. Allein sein Palast hat 200 Zimmer und Höfe.

Aber nach dem Tod von Sargon II. im Jahr 705 gab sein Sohn und Nachfolger, König Sanherib, die Arbeit an der immer noch unvollendeten Stadt auf, um die Hauptstadt nach Ninive zu verlegen. Sargon II wurde in einem erbitterten Kampf getötet. Die allmählich vergessene Stätte wurde erst 1843 bei bahnbrechenden Ausgrabungen von Paul-Émile Botta, Vizekonsul von Frankreich in Mossul, gefunden. Dies ist der Beginn der mesopotamischen und allgemeiner östlichen Archäologie. Mit dieser Entdeckung tauchen die Überreste einer vergessenen Zivilisation wieder auf.

Unter dem Glasdach des Hofes spielt das Licht auf den großen skulptierten Tafeln. Ursprünglich befanden sich viele dieser Reliefs ebenfalls in einem Hof, aber im Freien. Viele schmückten den großen Ehrenhof, der den Zugang zum Thronsaal im gigantischen Palast von Sargon II ermöglichte. Diese Alabasterplatten bedeckten die Basis der Lehmziegelwände und waren mit satten Farben, einschließlich Blau und Rot, akzentuiert. Wir können immer noch einige Spuren davon sehen, besonders auf der Tiara (Königskrone), die von Sargon II getragen wurde. Die Flachreliefs stellen verschiedene Szenen (Bogenjagd, Prozessionen von Würdenträgern) dar, die das Leben am Hof ​​von Sargon II. evozieren und den König verherrlichen. Mehrere Tafeln scheinen den Transport von Zedernholz aus dem Libanon zum Bau der neuen Hauptstadt zu zeigen.

Dieses prächtige Dekor hatte auch eine magische Funktion. Dies gilt insbesondere für die in die Wände gemeißelten Schutzgeister: Sie sollten über die Stadt und ihren Palast wachen. Sie sind daher an Orten vertreten, die besonderen Schutz benötigen, wie zum Beispiel Türen. Deshalb werden die Passagen von monumentalen geflügelten Bullen eingerahmt. Jeder wurde aus einem einzigen gigantischen Alabasterblock geschnitzt und wiegt etwa 28 Tonnen. Diese fantastischen Kreaturen, genannt aladlammû oder lamassu, haben den Körper und die Ohren von Stieren, die Flügel eines Adlers und ein menschliches Gesicht, das eine hohe Tiara trägt, ähnlich wie Darstellungen von Sargon II. Diese hybride Natur sowie die Doppel- oder Dreifachhörner sind Zeichen ihrer Göttlichkeit in der mesopotamischen Welt. Durch die Kombination der Kräfte dieser verschiedenen Wesen schützt ihre Macht die Stadt und ihren Palast auf wohltuende Weise.

Galerie Angoulême
In der Reihe von fünf Räumen mit neoklassizistischem Dekor werden die Sammlungen orientalischer Altertümer und insbesondere Werke aus der Levante und dem alten Iran ausgestellt. Aber diese Räume hatten andere Funktionen, bevor sie in Museumsräume umgewandelt wurden. Unter den 100.000 Objekten der Sammlung orientalischer Altertümer präsentiert die Galerie Angoulême Werke aus der Levante, also aus dem heutigen Syrien, dem Libanon, Israel, Jordanien und Zypern. Einige dieser Werke stammen aus dem Jahr 7000 v. Sie gehören zu den ältesten in den Sammlungen des Museums.

Sie wurden größtenteils während französischer Ausgrabungskampagnen entdeckt und zeugen von der künstlerischen Raffinesse dieser Austauschzone zwischen dem Mittelmeerraum und Asien, in der sich zahlreiche Einflüsse kreuzen. Diese Kreuzung zwischen Ägypten, Mesopotamien, Anatolien und der ägäischen Welt sah die Entwicklung wohlhabender Städte wie Byblos und Ugarit. Statuen, Stelen und mythologische Texte erinnern an die religiöse Welt dieser Königreiche, deren Erinnerung uns die Bibel übermittelt hat. Die Elfenbeindosen, Goldbecher und Juwelen offenbaren seinen Reichtum und seinen künstlerischen Reichtum.

Abteilung für Islamische Kunst

Die im August 2003 gegründete Abteilung für islamische Kunst des Louvre vereint Sammlungen, die die gesamte islamische Welt (geografisches Gebiet zwischen Spanien und Indien) von der Hegira bis zum 19. Jahrhundert abdecken. Die islamische Kunstsammlung, die neueste des Museums, umfasst „dreizehn Jahrhunderte und drei Kontinente“. Diese Exponate aus Keramik, Glas, Metallwaren, Holz, Elfenbein, Teppichen, Textilien und Miniaturen umfassen mehr als 5.000 Werke und 1.000 Scherben.

Ursprünglich Teil der Abteilung für dekorative Kunst, wurden die Bestände im Jahr 2003 getrennt. das Baptisterium von Saint-Louis, ein graviertes Messingbecken aus der Mamlukenzeit des 13. oder 14. Jahrhunderts; und das Grabtuch von Saint-Josse aus dem 10. Jahrhundert aus dem Iran. Die Sammlung enthält drei Seiten des Shahnameh, ein episches Buch mit Gedichten von Ferdowsi auf Persisch, und eine syrische Metallarbeit namens Barberini Vase.

Diese Abteilung vereint mehrere Juwelen der islamischen Kunst: die Pyxis von al-Mughira, eine spanische Elfenbeinkiste aus dem Jahr 968, die Pfauenschale, wichtige osmanische Keramiken und insbesondere das Baptisterium von Saint Louis, eines der berühmtesten Stücke. und die rätselhafteste aller islamischen Kunst, geschaffen von Muhammad ibn al-Zayn im frühen 14. Jahrhundert. Bemerkenswert ist auch das wichtige Material der Ausgrabungen von Susa (heute Iran), an denen das Museum beteiligt war.

Seit dem 22. September 2012 werden die Künste des Islam im Louvre im Cour Visconti ausgestellt. Dieser Raum ermöglicht die Ausstellung von 3.000 Werken aus den Sammlungen des Louvre, aber auch aus dem Museum für dekorative Kunst. Der Cour Visconti ist mit einem Luftschleier bedeckt, der aus einer Verglasung von 1.600 Dreiecken besteht, die mit zwei Aluminiumschichten unterschiedlicher Dicke übereinandergelegt sind. Es ist die größte Sammlung islamischer Objekte der Welt mit der des Metropoliten von New York.

Im September 2019 wurde von Prinzessin Lamia bint Majed Al Saud eine neue und verbesserte Abteilung für islamische Kunst eröffnet. Die neue Abteilung zeigt 3.000 Exponate, die vom 7. bis zum 19. Jahrhundert von Spanien bis Indien über die arabische Halbinsel gesammelt wurden.

Kollektions-Highlights
Die Sammlung umfasst 16.500 Werke (darunter 3.500 vom Musée des Arts Décoratifs deponierte), was sie zusammen mit der des Metropolitan Museum in New York (12.000 oder 13.000 Werke) und der des British Museum zu einer der größten der Welt macht. das V&A Museum und das Islamische Museum Berlin.

Die Kunst des Islam ist seit Jahrhunderten in französischen Sammlungen präsent. 2002 fordert Präsident Jacques Chirac die Einrichtung einer unabhängigen Abteilung für Islamische Kunst im Louvre-Museum. Diese Abteilung wurde per Dekret vom 1. August 2003 geschaffen. 2003 wurde ein Wettbewerb für die Schaffung der erforderlichen Räume gestartet. Die Gewinner des Wettbewerbs wurden am 23. September 2005 bekannt gegeben: Mario Bellini und Rudy Ricciotti, verbunden mit Renaud Piérard . Die architektonische Hülle wurde 2011 fertiggestellt.

Die neuen Räume wurden am 18. September 2012 eröffnet. Insgesamt werden 3.000 Werke in 3 Räumen auf 3.000 m² Ausstellungsfläche (4.000 m² für das MET) ausgestellt. Aus den Fenstern bestimmter Räume des Palastes kann man im Herzen eines der Innenhöfe ein erstaunlich wellenförmiges Netz aus vergoldetem Metall sehen. Seit 2012 können Sie hier in einer Architektur aus Glas und Licht die Sammlung der islamischen Kunst des Louvre bewundern.

Diese Struktur aus Glas und Metall ist das Werk der Architekten Rudy Ricciotti und Mario Bellini sowie des Bühnenbildners Renaud Piérard. Es fügt sich in den Cour Visconti ein, der früher zum Himmel hin offen war. Doch das ist nur der sichtbare Teil: Die Sammlungen verteilen sich auf zwei Ebenen mit zwei unterschiedlichen Lichtstimmungen. Die obere Ebene öffnet sich wie ein Glaskasten, der unter einem erstaunlichen Wellblechdach in den Innenhof gestellt wird. Sanddüne oder Mashrabiya, jeder kann seiner Fantasie freien Lauf lassen. Hier sind die Werke in natürliches Licht getaucht, aber durch die Metallstruktur vor Sonnenstrahlen geschützt.

Auf der unteren Ebene herrscht hingegen die geheimnisvolle Entdeckung von Schätzen in einer gedämpften Atmosphäre, die der Höhle eines Ali Baba würdig ist. Die Werke schimmern mit ihren kostbaren Materialien und ihren tausend Farben. Sie transportieren uns auf mehreren Reisen in den Orient, zwischen Cordoba, Kairo, Damaskus, Bagdad, Aleppo, Mossul, Istanbul, Isfahan und Agra in Indien.

Entdecken Sie die Vielfalt und den Luxus dieser Objekte aus dem Besitz von Kalifen, Sultanen oder Prinzen. Entdecken Sie den Erfindungsreichtum und die Exzellenz der Künstler durch die glänzende Keramik, manchmal mit goldenen Reflexen oder in chinesischem Blau, die mit Gold und Silber besetzten Metallbecken und Vasen, das fein geschnitzte Elfenbein. Louvre Museum auch in die faszinierende Welt der Landschaften, Gärten, Szenen des Lebens in Palästen eintauchen, durch die Meisterwerke der Miniaturmalerei, Seide oder Teppiche. Die prächtigen Lampen aus emailliertem Glas führen uns zu den Moscheen von Kairo und die farbigen Fliesen aus Iznik-Keramik zu den Denkmälern von Istanbul oder Ispahan.

Abteilung für ägyptische Altertümer

Die Abteilung für ägyptische Altertümer des Louvre ist eine Abteilung des Louvre, die für Artefakte aus den Nilzivilisationen verantwortlich ist, die von 4.000 v. Chr. Bis zum 4. Jahrhundert datieren. Die Sammlung, die über 50.000 Stücke umfasst, gehört zu den größten der Welt und bietet einen Überblick über das ägyptische Leben, das das alte Ägypten, das Reich der Mitte, das Neue Reich, die koptische Kunst sowie die römische, ptolemäische und byzantinische Zeit umfasst. Die Abteilung für ägyptische Altertümer des Louvre-Museums unterhält eine der wichtigsten ägyptologischen Sammlungen der Welt außerhalb des ägyptischen Territoriums, zusammen mit dem Ägyptischen Museum von Turin und dem Britischen Museum und, in Ägypten, dem Ägyptischen Museum in Kairo.

Die Ursprünge der Abteilung liegen in der königlichen Sammlung, aber sie wurde durch Napoleons Expeditionsreise 1798 mit Dominique Vivant, dem zukünftigen Direktor des Louvre, erweitert. Nachdem Jean-François Champollion den Rosetta-Stein übersetzt hatte, verfügte Karl X. die Einrichtung einer Abteilung für ägyptische Altertümer. Champollion beriet beim Kauf von drei Sammlungen, die von Edmé-Antoine Durand, Henry Salt und Bernardino Drovet gegründet wurden; Diese Ergänzungen fügten 7.000 Werke hinzu. Das Wachstum setzte sich durch Akquisitionen von Auguste Mariette, der Gründerin des Ägyptischen Museums in Kairo, fort. Mariette schickte nach Ausgrabungen in Memphis Kisten mit archäologischen Funden zurück, darunter The Seated Scribe.

Bewacht von der Großen Sphinx (ca. 2000 v. Chr.) ist die Sammlung in rund 30 Räumen untergebracht. Zu den Beständen gehören Kunst, Papyrusrollen, Mumien, Werkzeuge, Kleidung, Schmuck, Spiele, Musikinstrumente und Waffen. Zu den Stücken aus der Antike gehören das Gebel el-Arak-Messer von 3400 v. Chr., Der sitzende Schreiber und der Kopf von König Djedefre. Die Kunst des Mittleren Königreichs, „bekannt für ihre Goldarbeiten und Statuen“, bewegte sich vom Realismus zur Idealisierung; Dies wird durch die Schieferstatue von Amenemhatankh und den hölzernen Opferträger veranschaulicht. Die Abschnitte des Neuen Königreichs und des koptisch-ägyptischen Raums sind tief, aber die Statue der Göttin Nephthys und die Kalksteindarstellung der Göttin Hathor demonstrieren die Gefühle und den Reichtum des Neuen Königreichs.

Die Sammlung umfasst alle Epochen der altägyptischen Zivilisation, von der Zeit der Nagada bis zum römischen und koptischen Ägypten. Derzeit sind die ägyptischen Antiquitäten auf drei Etagen des Sully-Flügels des Museums verteilt, insgesamt auf etwa dreißig Räume: Im Zwischengeschoss finden wir das römische Ägypten und das koptische Ägypten; im Erdgeschoss und im ersten Stock das pharaonische Ägypten.

Die ägyptischen Sammlungen erstrecken sich über 2 Etagen. Im ersten eine Darstellung des Alltagslebens der Ägypter durch thematische Räume, im zweiten eine chronologische Darstellung des alten Ägypten von der prädynastischen Zeit bis zur Ptolemäerzeit. Die Räume des Museums Karl X. beherbergen insbesondere das Ende der chronologischen Präsentation der ägyptischen Altertümer des Louvre: das Neue Reich, die dritte Zwischenzeit, die Spätzeit und die ptolemäische Zeit.

Kollektions-Highlights
Derzeit sind ägyptische Antiquitäten auf drei Etagen verteilt: im Zwischengeschoss das römische Ägypten und das koptische Ägypten; im Erdgeschoss und im ersten Stock das pharaonische Ägypten. Zu den berühmtesten Exponaten zählen das Gebel el-Arak-Messer und die Jagdpalette aus der Nagada-Zeit. Das Hauptstück, das die Kunst der Thinitenzeit illustriert, ist die Stele des Schlangenkönigs.

Die Kunst des Alten Reiches umfasst Meisterwerke wie die drei Statuen von Sepa und seiner Frau Nesa aus der dritten Dynastie, den berühmten hockenden Schreiber, der wahrscheinlich aus der vierten Dynastie stammt, sowie die bemalte Kalksteinstatuette, die Raherka und seine Frau Merseânkh darstellt . Die Kapelle der Mastaba von Akhethotep, die von ihrem ursprünglichen Standort in Sakkara abgebaut und in einem der Räume im Erdgeschoss wieder aufgebaut wurde, ist ein Beispiel für Grabarchitektur aus der fünften Dynastie.

Das Reich der Mitte erstreckt sich von etwa -2033 bis -1786, entsprechend der XI. Dynastie (-2106 bis -1963), die das Land um -2033 durch Montouhotep II wiedervereinigte, und bis zur XII. Dynastie (-1963 bis -1786) , goldenes Zeitalter des Reiches der Mitte. Diese Periode ist im Louvre hauptsächlich durch Werke aus der XII. Dynastie vertreten. Für das Reich der Mitte gibt es die große Holzstatue, die den Kanzler Nakhti darstellt, sowie seinen Sarkophag, einen sehr schönen Opferträger aus stuckiertem und bemaltem Holz, einen großen Türsturz aus Kalkstein, der in der Mulde reliefiert ist und vom Tempel kommt von Montou in Médamoud, die Sphinx von Amenemhat II (Werke stammen alle aus der XII. Dynastie).

Für das Neue Reich erwähnen wir die Büste von Echnaton aus der XVIII. Dynastie sowie die polychrome Statuette, die ihn mit seiner Frau Nofretete darstellt, Werke, die die Besonderheiten der Amarna-Kunst veranschaulichen; Es gibt auch mehrere Hauptwerke der 19. und 20. Dynastie (die die der Ramessiden sind), insbesondere das gemalte Relief, das Hathor darstellt, der Seti I begrüßt und aus dem Grab des Pharaos im Tal der Könige stammt, der Pferdering und das Becken des Sarkophags von Ramses III.

Aus der Spätzeit und der Ptolemäerzeit zeigt das Museum insbesondere den Anhänger mit dem Namen Osorkon II, ein Meisterwerk der antiken Goldschmiedekunst, die Statuette von Taharqa und dem Gott Hémen (Bronze, Grauwacke und Gold), die Bronzestatuette mit Intarsien die den göttlichen Anbeter von Amon Karomama, eine Bronzestatue von Horus, den berühmten Tierkreis von Dendera sowie mehrere Porträts des Fayoum aus dem Roman darstellen.

Krypta der Sphinx
Eine seltsame Kreatur, halb Mensch, halb Tier, scheint den Eingang zu den ägyptischen Sammlungen zu bewachen. Aus den Tiefen ihrer Krypta, dem Körper eines Löwen und dem Gesicht eines Königs, begrüßt die große Sphinx von Tanis den Besucher mit ihrer rätselhaften Gestalt. Es kündigt eine gewaltige Reise mit mehr als 6.000 Werken aus fast 5.000 Jahren ägyptischer Geschichte an.

Im Erdgeschoss des Sully-Flügels bilden 19 Zimmer den thematischen Rundgang. Im ersten Stock des Sully-Flügels bilden elf Räume den chronologischen Rundgang, mit einer Aufteilung zwischen dem Raum für die Präsentation wichtiger Werke und dichteren Studiengalerien.

Die ersten Räume erinnern an die wichtigsten Aspekte der ägyptischen Zivilisation, wie die Bedeutung des Nils und seine jährliche Flut, die die Landwirtschaft ermöglicht. Die Kapelle der Mastaba von Achethotep macht die Monumentalität der ägyptischen Architektur sichtbar. Ein Raum ist den Hieroglyphen gewidmet und dann entdecken wir das tägliche Leben der Ägypter, ihr Handwerk, ihre Möbel, ihren Schmuck und ihre Kleidung. Die Tempelhalle und dann die Sarkophagsammlung erinnern an den zentralen Ort der Religion und der Bestattungsriten in der ägyptischen Zivilisation.

Im ersten Stock wird eine historische und künstlerische Annäherung an diese Zivilisation angeboten. Diesmal geht es darum, die chronologische Entwicklung der ägyptischen Kunst über fast 5000 Jahre zu entdecken. Der Besucher kreuzt insbesondere den berühmten Blick des hockenden Schreibers oder kann die Statuen von Königen und Königinnen wie Sesostris III, Ahmes Nefertari, Hatschepsout, Amenophis III, Nofretete und Echnaton oder Ramses II bewundern.

Ägypten ist uns heute vor allem dank seiner Gräber, ihrer Dekoration und ihrer Einrichtung bekannt. Unter dem Alten Reich (2700-2200 v. Chr.) wurde das Gefolge des Königs ermächtigt, reiche Grabstätten namens Mastaba zu errichten. Zu diesen massiven Gebäuden gehört eine Grabkammer am Grund eines Brunnens, in der die Mumie des Verstorbenen in seinem Sarkophag aufbewahrt wird. Über diesem Brunnen befindet sich im Aufbau eine Kapelle, in der der Totenkult abgehalten wurde.

Die 1903 von der ägyptischen Regierung erworbene Mastaba-Kapelle eines gewissen Akhethetep wurde im Museum Stein für Stein wieder aufgebaut. Im Inneren entdecken wir die Basreliefs, die mit Hieroglypheninschriften bemalt und beschriftet sind. Eine wahre Fundgrube an Informationen über das tägliche Leben der alten Ägypter, das bäuerliche Leben im Niltal, Feldarbeit nach Jahreszeiten. Zu den berühmtesten Exponaten zählen das Gebel el-Arak-Messer und die Jagdpalette aus der Nagada-Zeit. Das wichtigste Stück, das die Kunst der Thinite-Ära illustriert, ist die Stele des Schlangenkönigs.

Abteilung für griechische, etruskische und römische Altertümer

Die Abteilung erstreckt sich über drei Stockwerke: im Zwischengeschoss vorklassisches Griechenland; im Erdgeschoss klassisches und hellenistisches Griechenland sowie römische Altertümer; im ersten Stock, der über die Daru-Treppe zugänglich ist, wo sich der geflügelte Sieg von Samothrake befindet, die etruskischen Sammlungen (Räume 660, 662, 663), die in der Campana-Galerie ausgestellten griechischen Keramiken, die Terrakottafiguren, die Bronzen und Kostbarkeiten .

Die Sammlung des antiken Griechenlands
Nach umfassenden Renovierungsarbeiten öffnet das Louvre-Museum der Öffentlichkeit neue Räume, die der klassischen und hellenistischen griechischen Kunst gewidmet sind (-450/-430). Als Ergebnis dieser Arbeit befindet sich die Venus von Milo, eines der bekanntesten Werke des Museums, im Erdgeschoss der südwestlichen Ecke des Cour Carrée (Sully-Flügel).

Zu den berühmtesten in der Abteilung ausgestellten Werken gehören für Griechenland die Dame d’Auxerre, der Reiter Rampin, die Dinos des Gorgon-Malers, die Metopen aus dem Tempel des Zeus in Olympia, die Venus von Milo, der Sieg von Samothrake , zahlreiche römische Kopien nach verschollenen griechischen Originalen, wie Praxiteles‘ sauroktonischer Apollo, die Venus von Arles, die Ares Borghese, die Jägerin Diana bekannt als Diana von Versailles oder der Gladiator Borghese. In der Keramik finden wir besonders wichtige Vasen, die von den Malern Exekias und Euphronios signiert wurden.

Für die etruskische Kunst sind die wichtigsten Stücke die goldene Fibel und die Baldachine von Chiusi, der Sarkophag der Ehegatten von Cerveteri und die bemalten Pinakes, die „Campana-Teller“ genannt werden. Für die römische Kunst finden wir die Basis der Statuengruppe von Domitius Ahenobarbus, den Apollo von Piombino, die Borghese-Vase, die Grabstatue von Marcellus in Hermes, das Porträt von Agrippa vom Typ Gabies, zahlreiche Porträts von Kaisern, insbesondere von Augustus, Trajan, Hadrian und Septimius Severus, der Sarkophag von Thessaloniki sowie der Schatz von Boscoreale.

Die griechische Kunstsammlung gehört zur Abteilung Griechische, etruskische und römische Altertümer, die sich über drei Stockwerke erstreckt: im Zwischengeschoss das vorklassische Griechenland; im Erdgeschoss klassisches und hellenistisches Griechenland sowie römische Altertümer; im ersten Stock, der über die Daru-Treppe zugänglich ist, wo sich der geflügelte Sieg von Samothrake befindet, die etruskischen Sammlungen (Räume 660, 662, 663), die in der Campana-Galerie ausgestellten griechischen Keramiken, die Terrakottafiguren, die Bronzen und Kostbarkeiten .

Die griechische, etruskische und römische Abteilung zeigt Stücke aus dem Mittelmeerbecken aus der Jungsteinzeit bis zum 6. Jahrhundert. Die Sammlung reicht von der Kykladenzeit bis zum Niedergang des Römischen Reiches. Diese Abteilung ist eine der ältesten des Museums; es begann mit angeeigneter königlicher Kunst, von der einige unter Franz I. erworben wurden. Zunächst konzentrierte sich die Sammlung auf Marmorskulpturen wie die Venus von Milo. Werke wie das Apollo Belvedere kamen während der Napoleonischen Kriege an, aber diese Stücke wurden nach dem Sturz Napoleons I. im Jahr 1815 zurückgegeben. Im 19. Jahrhundert erwarb der Louvre Werke, darunter Vasen aus der Durand-Sammlung, Bronzen wie die Borghese-Vase von der Bibliothèque nationale .

Das Archaische wird durch Schmuck und Stücke wie die Kalksteindame von Auxerre aus dem Jahr 640 v. Chr. Demonstriert; und die zylindrische Hera von Samos, c. 570–560 v. Nach dem 4. Jahrhundert v. Chr. Verstärkte sich der Fokus auf die menschliche Form, beispielhaft dargestellt durch den Borghese-Gladiator. Der Louvre beherbergt Meisterwerke aus der hellenistischen Ära, darunter The Winged Victory of Samothrace (190 v. Chr.) und die Venus von Milo, ein Symbol der klassischen Kunst. Die lange Galerie Campana zeigt eine herausragende Sammlung von mehr als tausend griechischen Töpferwaren. In den Galerien parallel zur Seine ist ein Großteil der römischen Skulpturen des Museums ausgestellt. Die römische Porträtmalerei ist repräsentativ für dieses Genre; Beispiele sind die Porträts von Agrippa und Annius Verus; unter den Bronzen ist der griechische Apollo von Piombino.

Die griechische Antikensammlung
Die Anfänge der Kunst des vorklassischen Griechenlands werden in der Abteilung im Wesentlichen durch in Thessalien hergestellte Terrakottafiguren aus der Jungsteinzeit (6500-3200 v. Chr.) repräsentiert. Der Archipel der Kykladen, insbesondere in Kéros, Naxos (Sorte bekannt als „von Spedos“), ist durch Marmorstatuetten und Vasen aus der frühen Bronzezeit (3200-2000 v. Chr.) Repräsentiert.

Einige Stücke zeugen von der minoischen Zivilisation ((2000 – 1400 v. Chr.), darunter ein Freskenfragment (Frauenkopf im Profil, Phaïstos), das an die palastartigen Dekorationen der Zeit in Knossos erinnert. Die mykenische Zivilisation (2000 – 1050 v. Chr.) Ist im Wesentlichen vertreten hier durch Grabbeigaben, darunter ein Terrakotta-Streitwagen (bige), der den Einsatz von Kampfwagen durch mykenische Krieger bezeugt.

Die geometrische Periode Griechenlands, die von etwa 900 bis 700 v. Chr. reicht, wird hier durch Keramiken mit geometrischen Mustern repräsentiert, die menschliche Figuren oder stilisierte Tierdarstellungen enthalten können. Dann kommen die orientalisierenden und archaischen Zeiten.

Sammlung Klassisches und Hellenistisches Griechenland
Diese Sektion sammelt die Venus von Milo, den geflügelten Sieg von Samothrake und zahlreiche römische Kopien nach verlorenen griechischen Originalen, wie den sauroktonischen Apollo von Praxiteles, die Venus von Arles, die Ares Borghese, die Jägerin Diana, bekannt als Diana von Versailles oder die Borghese Gladiator.

Die französische Regierung organisierte 1828 die Morea-Expedition. Inspiriert von der wissenschaftlichen Expedition des Ägyptenfeldzugs von 1798 wurde beschlossen, der Entsendung der Truppen eine Gruppe von Gelehrten hinzuzufügen. Der griechische Senat, der 1829 in Argos zusammentrat, schenkte Frankreich Elemente von sechs Metopen aus dem Tempel des Zeus in Olympia.

Sammlung griechischer Keramik
Mit mehr als 13.000 Werken ist sie die reichste Sammlung der Welt. In der Keramik, insbesondere bedeutende Vasen, die von den Malern Exekias und Euphronios signiert wurden.

Die Antiquitätengalerie
Anstelle der ehemaligen königlichen Gemächer empfängt die Galerie des Antiques des Louvre Besucher auf der Suche nach Meisterwerken der griechischen Skulptur, von denen das vielleicht berühmteste die Venus von Milo ist. Zusammen mit der Mona Lisa und dem Sieg von Samothrake ist sie eine der drei großen Damen des Louvre-Museums. Sein Name stammt von der griechischen Insel Milo, wo es 1820 entdeckt wurde. Es wurde fast sofort vom Marquis de Rivière, dem damaligen französischen Botschafter in Griechenland, erworben und dann König Ludwig XVIII. angeboten. Der Souverän bot es seinerseits im März 1821 dem Louvre an.

Wie bei einigen antiken Statuen besteht die Venus von Milo aus mehreren Marmorblöcken aus Paros. Ihr Körper wurde zweiteilig modelliert: Die Verbindung zwischen Brust und Beinen ist an den Hüften kaum sichtbar, weil sie im Vorhang verborgen ist. Die Arme wurden ebenfalls modelliert und dann mit der Büste verbunden, wie das Befestigungsloch auf Höhe der linken Schulter zeigt. Andere Skulpturen im Raum zeigen das Verbindungssystem der Blöcke, die separat geschnitzt und dann zusammengesetzt wurden.

Als es in den Louvre gebracht wurde, war geplant, die fehlenden Arme restaurieren zu lassen. Aber die Idee wird schließlich aufgegeben, um die Arbeit nicht zu verfälschen. Dieses Fehlen von Waffen macht es schwierig, die Statue zu identifizieren: Die griechischen Götter sind oft an natürlichen Objekten oder Elementen, sogenannten Attributen, erkennbar, die sie in ihren Händen halten. Zögern Sie daher zum Zeitpunkt ihrer Entdeckung nicht auf die Identität der Göttin.

Es wird angenommen, dass die Venus von Milo Aphrodite, die griechische Göttin der Liebe, darstellt, deren römisches Gegenstück die Venus war. Die Skulptur wird manchmal als Aphrodite de Milos bezeichnet, da die griechische Skulptur nicht genau nach einer römischen Gottheit (Venus) benannt wurde. Einige Gelehrte vermuten, dass die Statue tatsächlich die Meeresgöttin Amphitrite darstellt, die auf der Insel verehrt wurde, auf der die Statue gefunden wurde.

Als die Venus von Milo 1821 in den Louvre einzog, war dies der Beginn einer Reihe zahlreicher Umzüge. Ganz logischerweise wurde es zuerst in der Antikengalerie aufgestellt, in dem Raum, den es heute einnimmt. Man kann die Venus von Milo in einem großen Raum bewundern, wo sie fast allein am Ende einer langen Reihe steht. Das reiche Dekor aus rotem Marmor stammt aus der Zeit Napoleons I. ganz am Anfang des 19. Jahrhunderts.

Treppe Daru
Oben auf der Daru-Treppe erhebt sich der Sieg von Samothrake, eine der berühmtesten Statuen des Louvre-Museums. Diese spektakuläre Kulisse wurde sorgfältig durchdacht, um dieses Meisterwerk der hellenistischen griechischen Kunst hervorzuheben. Antike Skulpturen und moderne Architektur machen diese Treppe zu einem der emblematischen Orte des Museums.

Sie scheint in der Luft zu schweben! Der Sieg von Samothrake ist eine der seltenen griechischen Statuen, deren ursprünglicher Standort genau bekannt ist. Es wurde den Göttern für das Heiligtum auf der griechischen Insel Samothraki geopfert. In der Höhe platziert, sollte man ihn schon von Weitem sehen können. Daran möchte diese Inszenierung am oberen Ende der Daru-Treppe erinnern. Nike, die geflügelte Göttin des Sieges, ist in dem Moment gefangen, als sie auf dem Schiff landet.

Der geflügelte Sieg von Samothrake oder die Nike von Samothrake ist ein Votivdenkmal, das ursprünglich auf der Insel Samothrake nördlich der Ägäis gefunden wurde. Es ist ein Meisterwerk der griechischen Skulptur aus der hellenistischen Ära und stammt aus dem frühen 2. Jahrhundert v. Es besteht aus einer Statue, die die Göttin Niké (Sieg) darstellt, deren Kopf und Arme fehlen, und ihrem Sockel in Form eines Schiffsbugs.

Die Gesamthöhe des Denkmals beträgt 5,57 Meter einschließlich des Sockels; allein die Statue misst 2,75 Meter. Die Skulptur ist eine von wenigen bedeutenden hellenistischen Statuen, die im Original und nicht in römischen Kopien erhalten sind. Der geflügelte Sieg wird seit 1884 im Louvre-Museum in Paris am oberen Ende der Haupttreppe ausgestellt. Die Statue aus weißem Pariser Marmor zeigt eine geflügelte Frau, die Siegesgöttin (Nikè), die auf dem Bug eines a Kriegsschiff.

Die Nike trägt eine lange Tunika (Chitôn) aus einem sehr feinen Stoff mit gefalteter Klappe und Gürtel unter der Brust. Es wurde mit zwei dünnen Riemen an den Schultern befestigt (die Restaurierung ist nicht genau). Der Unterkörper ist teilweise von einem dicken Mantel bedeckt, der in der Taille aufgerollt wird. fliegt frei nach hinten. Der Mantel fällt, und nur die Kraft des Windes hält ihn auf ihrem rechten Bein. Der Bildhauer hat die Wirkung von Vorhängen vervielfacht, zwischen den Stellen, an denen der Stoff an den Körper gelegt wird, indem er seine Formen offenbart, insbesondere am Bauch, und an den Stellen, an denen er sich in tief ausgehöhlten Falten ansammelt und einen starken Schatten wirft, wie zwischen den Beinen.

Die Göttin rückt vor und stützt sich auf ihr rechtes Bein. Die Göttin geht nicht, sie beendete ihren Flug, ihre großen Flügel immer noch nach hinten ausgebreitet. Die Arme sind verschwunden, aber die erhobene rechte Schulter weist darauf hin, dass der rechte Arm zur Seite erhoben wurde. Mit gebeugtem Ellbogen machte die Göttin ihre Hand zu einer siegreichen Geste der Erlösung. Der ganze Körper ist in ein rechteckiges Dreieck eingeschrieben, eine einfache, aber sehr solide geometrische Figur: Es war notwendig, sowohl die vollendeten Formen der Göttin, die Anhäufung von Vorhängen als auch die Energie der Bewegung zu unterstützen.

Die römische Antikensammlung
Die römischen Altertümer im ersten Stock, die über die Daru-Treppe zugänglich sind, wo der geflügelte Sieg von Samothrake steht, die etruskischen Sammlungen (Räume 660, 662, 663), die in der Campana-Galerie ausgestellten griechischen Keramiken, die Terrakottafiguren, die Bronzen und Kostbarkeiten. Die lange Galerie Campana zeigt eine herausragende Sammlung von mehr als tausend griechischen Töpferwaren. In den Galerien parallel zur Seine ist ein Großteil der römischen Skulpturen des Museums ausgestellt. Die römische Porträtmalerei ist repräsentativ für dieses Genre; Beispiele sind die Porträts von Agrippa und Annius Verus; unter den Bronzen ist der griechische Apollo von Piombino.

Die römischen Altertümer gehören zur Abteilung für griechische, etruskische und römische Altertümer des Louvre und sind eine von acht Abteilungen des Louvre-Museums. Es beherbergt eine der größten und berühmtesten Sammlungen antiker Kunst der Welt. Die griechische, etruskische und römische Abteilung zeigt Stücke aus dem Mittelmeerbecken aus der Jungsteinzeit bis zum 6. Jahrhundert. Die Sammlung reicht von der Kykladenzeit bis zum Niedergang des Römischen Reiches.

Diese Abteilung ist eine der ältesten des Museums; es begann mit angeeigneter königlicher Kunst, die teilweise unter Franz I. erworben wurde. Zunächst konzentrierte sich die Sammlung auf Marmorskulpturen wie die Venus von Milo. Werke wie das Apollo Belvedere kamen während der Napoleonischen Kriege an, aber diese Stücke wurden nach dem Sturz Napoleons I. im Jahr 1815 zurückgegeben. Im 19. Jahrhundert erwarb der Louvre Werke, darunter Vasen aus der Durand-Sammlung, Bronzen wie die Borghese-Vase von der Bibliothèque nationale .

Die Abteilung beherbergt mehr als 80.000 Werke der etruskischen, griechischen und römischen Antike und ist damit eine der reichsten Sammlungen der Welt. Insbesondere gibt es mehr als 5.000 antike Skulpturen und mehr als 13.000 griechische Keramiken. Insgesamt werden 6.000 Werke in 50 Räumen und 9.400 m2 präsentiert.

Im Louvre wurden nach und nach die Sammlungen griechischer und römischer Altertümer eingerichtet. Ludwig XIV. platzierte 1692 erstmals einen Teil seiner Sammlung im Salle des Cariatides. 1798 trafen nach den italienischen Feldzügen neue Antiquitäten ein. In den ehemaligen Wohnungen von Anna von Österreich entstand dann die Galerie des Antiques. Später, im Jahr 1807, erwarb Napoleon I. die Sammlung seines Schwagers Prinz Camille Borghese. Der Kaiser ließ dann die Antikengalerie erweitern, indem er die angrenzenden Räume nutzte, die heute unter anderem die Venus von Milo beherbergen.

Als das Erste Kaiserreich 1815 unterging, wurden viele Statuen in ihr Herkunftsland zurückgebracht. Aber auch antike Meisterwerke werden in diesen Prunkräumen ausgestellt, die heute römischen Sammlungen gewidmet sind: zuerst Statuen und Reliefs aus Marmor oder Bronze, dann Wandmalereien aus Pompeji. Hier können Sie Werke vom Ende der Römischen Republik, mit dem sogenannten Relief von Domitius Ahenobarbus, bis zu den Philosophenkaisern des 2. Jahrhunderts, Hadrian und Marcus Aurelius, bewundern.

Die Wohnungen von Anna von Österreich
Die römischen Antikensammlungen befinden sich in den ersten Sommerwohnungen von Anna von Österreich, der Mutter Ludwigs XIV. dann Galerie der Antiquitäten nach dem Willen von Napoleon Bonaparte im Jahr 1800, diese Räume haben ihre ursprünglichen Decken bewahrt. Königin Anne von Österreich, Mutter Ludwigs XIV., übernahm nach dem Tod ihres Mannes Ludwig XIII. im Jahr 1643 zeitweise die Regentschaft. Sie wird dann in der Wohnung untergebracht, die seit Katharina von Medici im 16. Jahrhundert die Wohnung der Königinnen war.

Die Arbeiten des Prachtstücks wurden dem Architekten Louis Le Vau anvertraut. Er widmete sich dem Schloss von Versailles. Das Dekor ist das Werk des Malers Giovanni Francesco Romanelli und des Bildhauers Michel Anguier. Die beiden Künstler lassen sich von italienischen Palästen wie dem Farnese-Palast in Rom oder dem Pitti-Palast in Florenz inspirieren. Alte Götter und Göttinnen vermischen sich mit Allegorien der Jahreszeiten, Elemente, Sterne und Tugenden und biblischen Figuren, um die Königinmutter zu feiern.

Nach der Französischen Revolution von 1789 wurden die ehemaligen königlichen Gemächer nach und nach in ein Museum umgewandelt. Diese Wohnung ist ideal für die Unterbringung aller Sammlungen antiker Skulpturen, die aus Italien mitgebracht wurden. Der Architekt Jean-Arnaud Raymond leitete die Arbeit der neuen „Galerie des Antiques“ von 1798 bis 1800. Er schlug Wände und Türen ein, um die Räume zueinander zu öffnen, und schuf Säulengänge und große Arkaden, um dem Gebäude noch mehr Majestät zu verleihen lange Reihe.

Abteilung für Skulpturen

Die Skulpturenabteilung ist eine der acht Abteilungen des Louvre-Museums. Es beherbergt eine der bedeutendsten Skulpturensammlungen der Welt und die reichste Sammlung französischer Werke. Die Skulpturenabteilung beherbergt mehr als 6.000 Werke, darunter die weltweit größte Sammlung französischer Skulpturen. Insgesamt werden mehr als 2.000 Werke in 67 Räumen präsentiert, die sich um zwei Innenhöfe verteilen (insgesamt 8.500 m2).

Der Louvre ist seit seiner Zeit als Palast ein Aufbewahrungsort für bildhauerisches Material; Bis 1824 wurde jedoch nur antike Architektur ausgestellt. Die Skulpturenabteilung besteht aus Werken, die vor 1850 geschaffen wurden und nicht zur etruskischen, griechischen und römischen Abteilung gehören. In seinen frühen Tagen stellte das Museum nur antike Skulpturen aus, die einzige Ausnahme waren Michelangelos zwei Sklavenstatuen. Die Angoulême-Galerie wurde 1824 eröffnet, mit fünf Räumen, die Werken gewidmet sind, die von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert reichen. Ab 1850 kam die mittelalterliche Skulptur hinzu, aber erst 1893 wurde die Abteilung für Skulpturen autonom und nicht mehr mit der Abteilung für Altertümer verbunden.

Anfangs umfasste die Sammlung nur 100 Stücke, der Rest der königlichen Skulpturensammlung befand sich in Versailles. Es blieb bis 1847 klein, als Léon Laborde die Leitung des Departements übertragen wurde. Laborde entwickelte die mittelalterliche Abteilung und erwarb die ersten derartigen Statuen und Skulpturen in der Sammlung, King Childebert bzw. Stanga Door. Die Sammlung war Teil der Abteilung für Altertümer, erhielt jedoch 1871 unter Louis Courajod, einem Direktor, der eine breitere Vertretung französischer Werke organisierte, Autonomie. 

1986 wurden alle Werke nach 1850 in das neue Musée d’Orsay verlegt. Das Grand Louvre-Projekt trennte die Abteilung in zwei Ausstellungsräume; die französische Sammlung wird im Richelieu-Flügel und ausländische Werke im Denon-Flügel ausgestellt. Zu den jüngsten Änderungen gehört die Zusammenfassung aller Statuen, die für den Park des Schlosses von Marly geschaffen wurden, insbesondere die großen Reiterstatuen von Antoine Coysevox und Guillaume Coustou. Im Richelieu-Flügel befinden sich französische Skulpturen, verteilt auf zahlreiche Räume um zwei überdachte Innenhöfe, während italienische und spanische Skulpturen sowie die der nördlichen Schulen im Denon-Flügel im Erdgeschoss ausgestellt sind.

Kollektions-Highlights
Die Sammlungsübersicht der französischen Skulptur enthält romanische Werke wie den Daniel in der Löwengrube aus dem 11. Jahrhundert und die Jungfrau von Auvergne aus dem 12. Jahrhundert. Im 16. Jahrhundert führte der Einfluss der Renaissance dazu, dass die französische Bildhauerei zurückhaltender wurde, wie in Jean Goujons Flachreliefs und Germain Pilons Kreuzabnahme und Auferstehung Christi zu sehen ist. Das 17. und 18. Jahrhundert wird durch Gian Lorenzo Berninis Büste von Kardinal Richelieu von 1640, Étienne Maurice Falconets Woman Bathing and Amour menaçant und die Obelisken von François Anguier repräsentiert. Zu den neoklassischen Werken gehört Antonio Canovas Psyche Revived by Cupid’s Kiss (1787). Das 18. und 19. Jahrhundert sind durch französische Bildhauer wie Alfred Barye und Émile Guillemin vertreten.

Unter den ausgestellten Künstlern sind neben den vielen anonymen (insbesondere für das Mittelalter) für die französische Skulptur bedeutende Werke von Jean Goujon, Germain Pilon, Pierre Bontemps, Pierre Puget, Antoine Coysevox, François Girardon und den Brüdern zu nennen Coustou, Jean-Baptiste Pigalle, Edmé Bouchardon, Etienne-Maurice Falconet, Augustin Pajou, Jean-Antoine Houdon, François Rude, David d’Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, für italienische Skulptur, ebenfalls gut vertreten, stellen wir fest, dass Werke von Donatello, Desiderio da Settignano, Francesco Laurana, Andrea della Robbia, Michelangelo, Benvenuto Cellini, Giambologna, Le Bernin und Antonio Canova sowie François Duquesnoy für Flandern.

Der Hof von Marly
Unter den Glasdächern von Cours Marly und Puget befinden sich die Meisterwerke der französischen Bildhauerei. Die im Louvre versammelten Statuen wurden oft für den Außenbereich entworfen, insbesondere für die Gärten der Schlösser von Versailles oder der Tuilerien. Das Schloss Marly war die Lustresidenz von König Ludwig XIV. Das Schloss von Marly und sein Park sind heute verschwunden, einige seiner Skulpturen sind erhalten geblieben. Nach einem Aufenthalt in verschiedenen öffentlichen Räumen in Paris sind sie nun gut behütet, unter dem Glasdach des Cour Marly.

Der Richelieu-Flügel (Nordflügel, der an die Rue de Rivoli grenzt) ist der jüngste in der langen Baugeschichte des Louvre. Es wurde unter Napoleon III erbaut und beherbergte für mehr als ein Jahrhundert, von 1871 bis 1989, das Finanzministerium. Nachdem das Ministerium nach Bercy östlich von Paris aufgebrochen war, wurden die Räume dem Museum zugewiesen und 1993 eingeweiht.

Als die Architekten Ieoh Ming Pei und Michel Macary mit der Modernisierung des Louvre-Museums begannen, waren die beiden Innenhöfe noch zum Himmel hin offen. Die Architekten sahen darin den idealen Ort, um die Skulpturen unterzubringen, die Gärten oder öffentliche Plätze schmückten. Ein Terrassensystem hebt die Werke auf verschiedenen Ebenen hervor und sorgt für abwechslungsreiche Perspektiven, während die Oberlichter für eine optimale Belichtung sorgen. Ein ausgeklügeltes System aus Aluminium Brise-Soleil wirkt als Licht-, Akustik- und Wärmeregler.

An der Spitze des Hofes schweben die emblematischsten Werke, die Pferde von Marly. Antoine Coysevox, einer der Lieblingsbildhauer Ludwigs XIV., schuf diese beiden monumentalen Gruppen zu Ehren des Sonnenkönigs. Pegasus, das geflügelte Pferd der griechisch-römischen Mythologie, wird von der Allegorie des Ruhms geritten, die die militärischen Siege des Königs verkündet, und von Merkur, dem römischen Gott des Handels, der den Wohlstand verkörpert. Zwanzig Jahre später ließ sich Ludwig XV. seinerseits in Marly nieder und gab bei Guillaume Coustou neue Werke in Auftrag, um die entfernten zu ersetzen. Der Bildhauer macht seinem Vorgänger Konkurrenz, um diesen temperamentvollen Pferden noch mehr Dynamik zu verleihen.

Der Puget-Hof
Der Cour Puget ist nach Pierre Puget benannt, einem der großen Bildhauer der Regierungszeit Ludwigs XIV., und beherbergt seine Meisterwerke Perseus und Andromeda und Milo von Crotone, die für die Gärten von Versailles geschaffen wurden. Die Ausdruckskraft, Dynamik und dramatische Kraft dieser Skulpturen sind charakteristisch für die Kunst des Barock. Der Cour Puget ermöglicht es Ihnen, durch die Jahrhunderte zu reisen und die Entwicklung der Bildhauerei vom 17. bis zum 19. Jahrhundert zu verfolgen.

Die Skulpturen aus dem 17. Jahrhundert stammen aus weitgehend zerstörten Königsdenkmälern. Sie schmückten die großen königlichen Plätze wie den Place Vendôme oder den Place des Victoires in Paris und verkündeten den Ruhm des Souveräns. Die Werke aus dem 18. Jahrhundert stammen aus Gärten. Damals liebten wir leichte Motive, die in einem zarten und eleganten Stil behandelt wurden, wie die Marquise de Pompadour, Liebling Ludwigs XV., dargestellt als Allegorie der Freundschaft. Schließlich präsentiert der Cour Puget ein Panorama der Außenskulptur aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, von neoklassizistischen Werken, die unter Napoleon I. geschaffen wurden, bis hin zu romantischen Statuen wie dem wütenden Roland von Duseigneur, in einem lyrischen und feurigen Stil.

Galerie Michel-Ange
Unter den weiten Gewölben der Galerie sind Meisterwerke der italienischen Bildhauerei erhalten, darunter die berühmten Sklaven von Michelangelo. Seit fast drei Jahrhunderten wetteifern Bildhauer um ihre Genialität, um die Gefühle der menschlichen Seele ans Licht zu bringen. Diese zwischen 1854 und 1857 erbaute Galerie hat vor allem eine praktische Funktion: Sie ist der offizielle Zugang zum Salle des Etats, wo die großen Legislaturperioden des Zweiten Kaiserreichs stattfanden. Es ist auch der Ausstellungsort der Skulpturen des Salons, dieses großen künstlerischen Ereignisses der damaligen Zeit, das die Werke lebender Künstler präsentierte.

Hector Lefuel lässt sich von der Arbeit seines Vorgängers, des Architekten Pierre Fontaine, inspirieren. Letzterer arbeitete in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts im Louvre über die verschiedenen politischen Regime hinweg. Seine Grundrisse im Salle des Cariatides und in der Galerie d’Angoulême inspirierten Lefuel mit den weiten Gewölben der Michelangelo- und Daru-Galerien sowie dem Marmorpflaster des Bodens in verschiedenen Farben. Hier ist das Licht natürlich. Es kommt aus den weit geöffneten Buchten auf beiden Seiten der Galerie. Diese Beleuchtung, die für Gemälde nicht geeignet wäre, hebt die weißen Marmorskulpturen, aber auch solche in Bronze oder Terrakotta besonders hervor.

Die Galerie Michelangelo präsentiert heute ein Panorama der italienischen Skulptur vom 16. bis zum 19. Jahrhundert. Seinen Namen verdankt es dem Florentiner Künstler Michelangelo. Aus der Ferne, noch bevor man die Galerie betritt, sieht man den als sterbender Sklave bekannten Mann, vergrößert durch das Spiel der Perspektive. Hinter ihm steht ein monumentales Portal, das mit den Figuren von Herkules und Perseus geschmückt ist und aus dem Palast Stanga di Castelnuovo in Cremona stammt. Seine Form erinnert an das antike Modell des Arc de Triomphe.

Dann kommt Flying Mercury von Jean Bologna, bekannt als Giambologna, einem in Flandern geborenen Bildhauer, der in Florenz erfolgreich war. Wir können auch sehen, wie Merkur Psyche von seinem Schüler Adriaen de Vries entführt. Bevor die Besucher die Galerie verlassen, können die Besucher Psyche bewundern, die durch Amors Kuss von Canova wiederbelebt wurde. Diese Arbeit ist ein besonders virtuoses Beispiel für Marmorarbeiten. Der Künstler stellt die Weichheit des Fleisches und den Schwung perfekt wieder her.

Die Halle der Karyatiden
Der Karyatidensaal ist wohl eines der schönsten architektonischen Zeugnisse des Renaissance-Louvre. 1528. König Franz I. beschließt, den Louvre zu seiner Hauptresidenz in Paris zu machen. Sondern um dieser alten Wehrburg den Glanz und Luxus zu verleihen, den sie in italienischen Palästen zu bewundern vermochte. Er berief 1546 den Architekten Pierre Lescot an die Spitze dieser kolossalen Stätte. Der Ballsaal der Könige von Frankreich markiert den Beginn dieses neuen künstlerischen Stils in Paris. Und seit dem 17. Jahrhundert beherbergt es unter seinen weitläufigen Gewölben eine prestigeträchtige Sammlung antiker Skulpturen.

Die vier Karyatiden, die die Musikerempore stützen, gaben ihr ihren Namen. Diese Säulen in Form von Frauenfiguren sind das Werk des Bildhauers Jean Goujon aus dem Jahr 1550. Dieses Werk steht ganz im Einklang mit den Anliegen der Renaissance, die von der Antike inspiriert ist. Hier interpretiert der Künstler ein Denkmal aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. neu: das Forum des Kaisers Augustus in Rom. Der Karyatidenraum hatte mehrere Funktionen, insbesondere die eines Ballsaals. Es war auch Schauplatz bedeutender historischer Ereignisse, wie der Trauerfeier nach der Ermordung Heinrichs IV. im Jahr 1610. Hier trat Molière zum ersten Mal auf, bevor Ludwig XIV. Le Dépit amour, dann L’Etourdi und Les Précieuses gab Lächerlich.

Ab 1692 wurden dort Skulpturen aus der Sammlung Ludwigs XIV. ausgestellt. Es wird dann das Zimmer der Antiquitäten genannt. 1806 ließ es Napoleon I. an die Galerie des Antiques anschließen, die er in den Nebenräumen der Architekten Charles Percier und Pierre Fontaine eingerichtet hatte (siehe Salle de la Vénus de Milo und Appartements d’Anne d’Ecosse). Letztere leiten die Fertigstellung des Dekors des Karyatidensaals: Die Bögen des Gewölbes werden gemeißelt und der Kamin um die beiden allegorischen Figuren von Jean Goujon herum rekonstruiert.

Heute beherbergt der Karyatidensaal Meisterwerke der griechischen Skulpturensammlungen, insbesondere Darstellungen von Göttern, Göttinnen und Helden der Mythologie. Einige der hier gezeigten Werke sind tatsächlich römische Marmorkopien eines griechischen Originals aus Bronze. Dies gilt insbesondere für die anmutige Artemis mit einem Reh in der Mitte des Raumes. Dieser Marmor stammt aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. und verwendet ein Modell, das um 330 v. Chr. erstellt wurde. Sie wird auch Diana von Versailles genannt, weil sie lange Zeit den Spiegelsaal im Schloss Versailles schmückte.

Im Louvre wurden nach und nach die Sammlungen griechischer und römischer Altertümer eingerichtet. 1692 ließ Ludwig XIV. erstmals einen Teil seiner Sammlung in der Salle des Cariatides aufstellen. Ab 1798 trafen im Zuge der italienischen Feldzüge neue Antiquitäten ein. In den ehemaligen Wohnungen von Anna von Österreich entstand dann die Galerie des Antiques. Später, im Jahr 1807, erwarb Napoleon I. die Sammlung seines Schwagers Prinz Camille Borghese. Der Kaiser ließ dann die Antikengalerie erweitern, indem er die angrenzenden Räume nutzte, die heute unter anderem die Venus von Milo beherbergen.

Abteilung für dekorative Kunst

Die Abteilung für Kunstgegenstände des Louvre ist eine der reichsten Abteilungen des Museums, die ständig durch Schenkungen und Ankäufe erweitert wird. Es gibt Juwelen, Statuetten und Nippes, aber auch Möbel und Wandteppiche. Die Objekte umfassen einen Zeitraum vom Hochmittelalter bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Sammlung, eine der schönsten der Welt, umfasst insgesamt mehr als 24.163 Werke, von denen 8.500 in 96 Räumen ausgestellt sind, von denen einige Meisterwerke für sich sind (Galerie d’Apollon, Appartements Napoléon III).

Diese Abteilung wurde 1893 geschaffen, als sie von der für Skulpturen getrennt wurde. Die Sammlung Objets d’art umfasst die Zeit vom Mittelalter bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Abteilung begann als Teilbereich der Bildhauerabteilung, basierend auf königlichem Eigentum und der Übertragung von Arbeiten aus der Basilique Saint-Denis, der Begräbnisstätte französischer Monarchen, die das Krönungsschwert der Könige von Frankreich hielt. Diese Gegenstände und Möbel von außergewöhnlichem Wert stammen aus den königlichen Sammlungen, den alten Schätzen von Saint-Denis und dem Orden des Heiligen Geistes sowie aus der Übertragung des ehemaligen Musée du Mobilier National in den Louvre im Jahr 1901.

Dazu kamen seit Beginn zahlreiche Spenden und Käufe. Zu den wertvollsten Werken der aufkeimenden Sammlung gehörten Pietre-Dure-Vasen und -Bronzen. Der Erwerb der Durand-Sammlung von 1825 fügte „Keramik, Emaille und Glasmalerei“ hinzu, und 800 Stücke wurden von Pierre Révoil gegeben. Der Beginn der Romantik entfachte erneut das Interesse an Kunstwerken der Renaissance und des Mittelalters, und die Schenkung von Sauvageot erweiterte die Abteilung um 1.500 mittelalterliche und Fayence-Werke. 1862 wurde die Campana-Sammlung um Goldschmuck und Majoliken, hauptsächlich aus dem 15. und 16. Jahrhundert, erweitert.

Die Sammlungen der Kunstsammlung befinden sich im 1. Obergeschoss des Museums, im Richelieu-Flügel, im Nord- und Nordwestflügel der Cour Carrée sowie im 1. Obergeschoss des Denon-Flügels (Galerie des Apollo) . Der Richelieu-Flügel beherbergte zuvor das nach Bercy umgezogene Finanzministerium, wurde zu Ausstellungsräumen umgebaut und am 18. November 1993 eingeweiht. Die Apollo-Galerie im ersten Stock des Richelieu-Flügels, benannt nach dem Maler Charles Le Brun, der in Auftrag gegeben wurde von Louis XIV (der Sonnenkönig), um den Raum in einem Sonnenthema zu dekorieren.

Die mittelalterliche Sammlung enthält die Krönungskrone Ludwigs XIV., das Zepter Karls V. und die Porphyrvase aus dem 12. Jahrhundert. Zu den Kunstbeständen der Renaissance gehören Giambolognas bronzene Nessus und Deianira und der Wandteppich Maximilians Jagd. Zu den Höhepunkten aus späteren Epochen zählen die Vasensammlung von Madame de Pompadour aus Sèvres und die Gemächer von Napoleon III.

Im Januar 2000 öffnen in den ehemaligen Büros des Finanzministeriums von Napoleon III. neue Räume für Kunstwerke des 19. Jahrhunderts, wodurch sich die Zahl der in der Abteilung inventarisierten Objekte auf 20.000 erhöht. Im September 2000 weihte das Louvre-Museum die Galerie Gilbert Chagoury und Rose-Marie Chagoury ein, um von den Chagourys gespendete Wandteppiche auszustellen, darunter eine sechsteilige Wandteppich-Suite aus dem 16 Paris für Colbert de Seignelay, Staatssekretär für die Marine.

Im Jahr 2005 wurde die Abteilung der Kunstobjekte des Louvre, die der Regierungszeit Ludwigs XIV. und dem 18. Jahrhundert gewidmet war, wegen Renovierungsarbeiten geschlossen, ursprünglich wegen der Aufrüstung der elektrischen Anlage, die zwei Jahre dauern sollte. Am 6. Juni 2014 wurden nach 9 Jahren und einem Budget von 26 Millionen Euro 33 neue Räume mit mehr als 2000 Objekten wiedereröffnet, von denen ein großer Teil als Epochenräume gestaltet wurden und französische Möbel von der Regierungszeit Ludwigs XIV. Bis dahin präsentieren von Ludwig XVI.

Die Kunstsammlung wurde dank Beiträgen des Tuilerienpalastes und des Schlosses Saint-Cloud in Form von Möbeln und anderen Dekorationsgegenständen wieder aufgebaut, gefolgt von der Mobilier national mit Meisterwerken der Kunsttischlerei und den Wandteppichen königlichen Ursprungs.

Kollektions-Highlights
In der Abteilung gibt es 4 Sammlungsgruppen: die Sammlungen aus dem Mittelalter, die Sammlungen aus der Renaissance und der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts, die Sammlungen aus der zweiten Hälfte des 17. und 18. Jahrhunderts und die Sammlungen aus dem 19. Jahrhundert . Jahrhundert (einschließlich der Appartements von Napoleon III.).

Die Präsentation der Sammlungen aus der zweiten Hälfte des 17. und 18. Jahrhunderts in den Räumen ist in drei zeitliche und stilistische Hauptreihen gegliedert: 1660-1725: die persönliche Regierungszeit Ludwigs XIV. und die Regentschaft (Räume 601 bis 606); 1725-1755: Blütezeit des Rokoko (Räume 605, 607 bis 615); 1755-1790: Rückkehr zum Klassizismus und Herrschaft Ludwigs XVI. (Räume 616 bis 632).

Diese neue Präsentation der Sammlungen ermöglicht es, die Holzarbeiten mehrerer Salons privater Herrenhäuser zu zeigen, die Kuppel der Petits-Appartements des Hôtel du Prince de Condé von 1774 wieder zusammenzusetzen und Möbel von André zu präsentieren – Charles Boulle, Martin Carlin, Mathieu Criaerd, Alexandre-Jean Oppenord.

Die Decke in der Halle des Beauvais-Pavillons (Raum 605) wurde von Carolus Duran bemalt. Während der Renovierung 2006-2014 wurde eine von Giovanni Scajario gemalte Decke installiert, die Toilette de Vénus-Kuppel von Antoine-François Callet wurde aus dem Palais-Bourbon wieder zusammengesetzt und Wandteppiche von Noël Coypel wurden angebracht. Die Zimmer sind mit Boulle-Möbeln ausgestattet, die einer intensiven Pflege und Renovierung bedürfen.

In der Zeit von König Ludwig XIV, dann Ludwig XV und Ludwig XVI entwickelte sich die französische Lebensweise. Die königlichen Residenzen sahen ihr Layout geändert. Seit 1682 ist der Hof offiziell in Versailles installiert. Aber der Sonnenkönig bewegt sich weiterhin zwischen Fontainebleau, Compiègne oder Marly. Und in jeder Residenz müssen das Dekor und die Einrichtung den Standards ihrer angesehenen Bewohner entsprechen.

In dieser Zeit boomten die großen Manufakturen: Les Gobelins und Beauvais für Wandteppiche, Sèvres für Porzellan, La Savonnerie für Teppiche, aber auch die vielen Werkstätten in Lyon, die sich auf Seidenarbeiten spezialisierten … Schreiner wie Cressent, Carlin, Oeben wurden berühmt oder Riesener. Um der starken Nachfrage gerecht zu werden, schufen Manufakturen und Werkstätten für den Hof kostbare Möbel, große Prunkservices, raffinierte wissenschaftliche Instrumente und sogar kleine Alltagsgegenstände.

Eingebettet in die einzigartige Atmosphäre, die in den großen Residenzen des 18. Jahrhunderts herrschte, Pariser oder provinzieller, königlicher oder privater. Die meisten Zimmer basieren auf der Kombination von Dekorationen, Möbeln und Gegenständen aus verschiedenen Schlössern oder Herrenhäusern. Die Besucher können mehrere Elemente derselben Ausstattung zusammenstellen, wie dies im Fall des großen Salons des Château d’Abondant, des Hotels des Finanziers Marquet de Peyre in Paris oder des Kabinetttürken des Comte d‘ der Fall ist Artois, Bruder von Louis XVI, im Schloss von Versailles.

Apollo-Galerie
In der Galerie d’Apollon verband Ludwig XIV. zum ersten Mal seine königliche Macht mit der Göttlichkeit der Sonne. Um dieses Meisterwerk der architektonischen Dekoration zu erreichen, das Malerei, Skulptur und Vergoldung vereint, umgab er sich mit den größten Künstlern, die einige Jahre später im Schloss von Versailles im Spiegelsaal arbeiteten. Heute beherbergt die Apollo-Galerie die königliche Edelsteinsammlung und die Krondiamanten.

Am 6. Februar 1661 verwüsteten die Flammen die prächtige Petite Galerie, die aus der Regierungszeit Heinrichs IV. stammte. Sein Enkel Ludwig XIV. machte sich sofort daran, eine noch schönere Galerie wieder aufzubauen, und vertraute die Arbeiten dem Architekten Louis Le Vau an. Der 23-jährige König hat gerade die Sonne zu seinem Emblem gewählt. Unter diesem Motto steht daher die neue Galerie, die den Namen des griechischen Licht- und Kunstgottes Apollo trägt. Apollo Gallery ist das erste Beispiel einer königlichen Galerie, die Galerie d’Apollon wurde zum Ort ästhetischer und architektonischer Experimente. Zwanzig Jahre später dient er als Vorbild für eines der Wahrzeichen des französischen Klassizismus: den Spiegelsaal des Schlosses von Versailles.

Der erste Maler des Königs, Charles Le Brun, war für die Gestaltung des Dekors verantwortlich und umgab sich mit den besten Künstlern, um es zu schaffen. Im Louvre schmückt Charles Le Brun das Gewölbe der Galerie mit Gemälden, die das Rennen von Apollo in seinem Streitwagen über den Himmel darstellen. Die Reise des Sonnengottes markiert somit die verschiedenen Tageszeiten, von der Morgendämmerung bis zur Nacht. Um diese zentrale Achse herum sind die Darstellungen und Symbole all dessen, was durch die Variationen des Lichts und die wohltuende Wärme des Sonnensterns beeinflusst wird (die Stunden, die Tage, die Monate, die Jahreszeiten, aber auch die Tierkreiszeichen bzw Kontinente) bilden ein kosmisches Ganzes. Diese Umgebung voller Gemälde und Skulpturen verkörpert die Kraft der Sonne, die das ganze Universum regiert. Durch Apollo erhebt die Galerie den Ruhm des Sonnenkönigs.

Die Galerie ist unvollendet, bis zwei Jahrhunderte später, im Jahr 1850, das Dekor unter der Leitung von Félix Duban fertiggestellt wurde. Eugène Delacroix wurde beauftragt, ein 12 Meter breites Werk zu schaffen, das die Mitte der Decke schmücken sollte, Apollo erobert die Schlange Python, ein wahres bildhaftes Manifest der Romantik. Das Dekor wird auch an den Wänden vervollständigt, wo Wandteppiche die Porträts von 28 Herrschern und Künstlern zeigen, die im Laufe der Jahrhunderte den Palast gebaut und verschönert haben.

Im Louvre, der später ein Museum wurde, präsentiert die Apollo-Galerie die prächtige Sammlung von Edelsteinen, die von den Königen Frankreichs zusammengetragen wurden. Diese in kostbare Mineralien (Achat, Amethyst, Lapislazuli, Jade, Sardonie oder Bergkristall) gemeißelten und durch meist spektakuläre Fassungen verschönerten Werke sind seit der Antike geschätzte Objekte von großem Luxus. Ludwig XIV. hatte eine echte Leidenschaft für Edelsteine: Seine Sammlung umfasste rund 800 Stücke.

Der Schatz der Könige von Frankreich besteht auch aus den berühmten Diamanten der Krone. Der älteste Stein ist der sogenannte Côte-de-Bretagne-Spinell, der dank Königin Anne der Bretagne in die Schatzkammer gelangte. Drei historische Diamanten, der Regent, der Sancy und der Hortensia, haben die Kleider oder Kronen der Herrscher geschmückt. Ebenfalls erhalten sind spektakuläre Ornamente aus dem 19. Jahrhundert, wie die Smaragde und Diamanten der Kaiserin Marie-Louise.

Apartments von Napoleon III
Während des Zweiten Kaiserreichs war der Louvre ein Palast, die Atmosphäre ändert sich komplett. Vergoldungen, Samt, Gemälde und Stuck schmücken die Lounges und Speisesäle und bieten einen prächtigen Rahmen für alle Arten von Empfängen. Gesellige Abendessen oder Maskenbälle, Partys gehörten zum Lebensstil der High Society des Second Empire. Und beim Staatsminister sieht man das Kaiserpaar nicht selten unter den Gästen.

Kaiser Napoleon III reservierte einen Teil des brandneuen Richelieu-Flügels für seinen Minister: den ersten Stock, Seite Cour Napoléon. Der Minister hat kleine Wohnungen, in denen er mit seiner Familie residiert: Zimmer von bescheidener Größe, die an das Interieur eines wohlhabenden Bürgers erinnern. An diesen schmucklosen privaten Teil schließen sich große Prunkräume an.

Der Grand Salon ist bei weitem der spektakulärste Raum in den Apartments. Theaterraum heißt er, und das aus gutem Grund: Er lässt sich in eine Theaterbühne verwandeln. Der Große Salon wurde dann neu organisiert, um bis zu 250 Gäste aufzunehmen. Und wenn die Show Musiker braucht, wird über der Bühne eigens eine kleine Tribüne aufgebaut, um sie unterzubringen.

Nach dem Staatsminister im Zweiten Kaiserreich (1852-1870) wurden diese Wohnungen dem Finanzministerium zugeteilt. Dies wird bis 1989 so bleiben. An diesem Datum wird der Louvre-Palast vollständig zu einem Museum. Seit 1993 sind diese Räume öffentlich zugänglich. Bewundern Sie diese Dekorationen, die fast 150 Jahre lang fast intakt geblieben sind.

Abteilung für Malerei

Die Gemäldesammlung verfügt derzeit über rund 7.500 Gemälde (davon 3.400 ausgestellt) vom Mittelalter bis 1848 (Datum des Beginns der Zweiten Republik). Einschließlich der Depots ist die Sammlung mit 12.660 Werken die größte Sammlung alter Gemälde der Welt. Mit seltenen Ausnahmen wurden Werke nach 1848 in das Musée d’Orsay übertragen, als es 1986 gegründet wurde.

Französische Malschule
Ein großer Teil der im Museum aufbewahrten Gemälde sind Werke französischer Maler, was den Louvre bis ins 19. Jahrhundert zu einer Art Tempel der französischen Malerei macht: Jedes Jahrhundert ist mit bedeutenden und oft einzigartigen Werken vertreten. Die französische Gemäldesammlung gehört zur Gemäldeabteilung, die eine der acht Abteilungen des Louvre-Museums ist. Ein großer Teil der Gemälde wird im Museum aufbewahrt und ist eine der größten und berühmtesten Sammlungen der Welt.

Beispiele für die französische Schule sind die frühe Avignon Pietà von Enguerrand Quarton; das anonyme Gemälde von König Jean le Bon (um 1360), möglicherweise das älteste unabhängige Porträt in der westlichen Malerei, das aus der postklassischen Ära überlebt hat; Hyacinthe Rigauds Ludwig XIV.; Jacques-Louis Davids Die Krönung Napoleons; Théodore Géricaults Das Floß der Medusa; und Eugène Delacroix ‚Die Freiheit führt das Volk. Nicolas Poussin, die Brüder Le Nain, Philippe de Champaigne, Le Brun, La Tour, Watteau, Fragonard, Ingres, Corot und Delacroix sind gut vertreten.

Die Sammlungen stammen aus der von François I. in Fontainebleau gegründeten Sammlung der Könige von Frankreich. Sie wurden während des Ancien Régime ständig durch Ankäufe und Schenkungen bereichert und blieben dies auch während der Revolution und des Empire (revolutionäre Eroberungen, Napoleons Eroberungen). , während das Louvre-Museum 1793 gegründet wurde. So wurden französische Gemälde aus der Königlichen Akademie für Malerei und Bildhauerei, hauptsächlich die Rezeptionsstücke der Künstler, bereits während der Revolution beschlagnahmt, bevor sie einige Jahre später in den Louvre zurückkehrten.

Zunächst in der Grande Galerie und im Salon Carré ausgestellt, wurden die Gemälde dann im Cour Carrée, in unmittelbarer Nähe der Künstlerwohnungen, breiter ausgestellt. Im 19. Jahrhundert kamen Zuwächse aus Ankäufen aus Privatsammlungen (Sammlung des Marquis de Campana) und Schenkungen (Sammlung des Doctor La Caze, 1869). Als 1986 das Musée d’Orsay eröffnet wurde, verließen die Sammlungen nach 1848 das Departement. Die Französische Gemäldesammlung befindet sich heute hauptsächlich im Denon-Flügel, die Gemälde werden in chronologischer Reihenfolge präsentiert.

Der Louvre ist ein Tempel der französischen Malerei, die Erhaltung einer großen Anzahl bekannter Gemälde umfasst verschiedene Epochen und Genres bis ins 19. Jahrhundert. Jedes Jahrhundert ist mit großen und oft kunstgeschichtlich bedeutsamen Werken vertreten. So auch das Bildnis Johanns II. des Guten aus der Mitte des 14. Jahrhunderts, das älteste eigenständig erhaltene Bildnis seit der Antike. Aus dem 15. Jahrhundert bewahrt das Museum insbesondere die Pietà de Villeneuve-lès-Avignon von Enguerrand Quarton und das Porträt Karls VII. von Jean Fouquet, das erste Porträt, bei dem das Motiv von vorne und nicht mehr im Profil gemalt ist. Für das 16. Jahrhundert ist die Schule von Fontainebleau, die damals die künstlerische Landschaft dominierte, in den Sammlungen sehr präsent,

Das 17. Jahrhundert oder Grand Siècle, eine Zeit des Wachstums und der Emanzipation der französischen Malerei, präsentiert eine immense Sammlung, die von mehreren Meisterwerken wie L’Enlèvement des Sabines und Et in Arcadia Ego von Poussin unterbrochen wird, einem Maler, von dem vierzig Werke präsentiert werden, The Schummeln Sie mit dem Karo-Ass von Georges de La Tour oder dem Porträt von Louis XIV von Hyacinthe Rigaud. Neben diesen Malern sind auch Valentin de Boulogne, Simon Vouet, die Gebrüder Le Nain, Philippe de Champaigne, Claude Lorrain, Eustache Le Sueur, Laurent de La Hyre, Sébastien Bourdon und Charles Le Brun besonders stark vertreten.

Für das 18. Jahrhundert besitzt das Museum nicht weniger als dreizehn Werke von Antoine Watteau, darunter Pierrot und Le Pèlerinage à l’île de Cythère, fünfundzwanzig Gemälde von Fragonard (einschließlich Le Verrou), dreißig von Chardin (einschließlich La Raie), zweiundzwanzig von François Boucher oder sogar sechsundzwanzig Gemälde von Hubert Robert. Aus dieser Zeit stammen auch viele Werke von Nicolas de Largillierre, Nicolas Lancret, Jean-Baptiste Oudry, Jean-Marc Nattier, Claude Joseph Vernet, Jean-Baptiste Greuze, Élisabeth Vigée Le Brun und Pierre-Henri de Valenciennes.

Schließlich stellen die napoleonische Zeit und die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts das ultimative Juwel der Sammlung dar: Wir finden für diese Perioden Meisterwerke wie Le Sacre de Napoléon von David, Le Radeau de la Méduse von Géricault, La Liberty Leading the People by Delacroix oder La Grande Odalisque von Ingres. Das Museum zeigt auch eine Vielzahl von Hauptwerken dieser Maler.

Das Museum bewahrt auch Werke von Pierre-Paul Prud’hon, Girodet-Trioson, François Gérard, Antoine-Jean Gros, Louis-Léopold Boilly, Alexandre-Gabriel Decamps, Eugène Isabey, Théodore Chassériau, Hippolyte Flandrin, Théodore Rousseau, Jean-Francois Millet und die weltweit größte Sammlung von Gemälden von Camille Corot mit etwa 81 Gemälden.

Das Mollien-Zimmer
Die Farbe der Wände gab diesen riesigen Räumen ihren Namen, die die größten Gemälde des Louvre beherbergen: Sie können einige der Meisterwerke der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts bewundern, von David bis Delacroix. Jacques-Louis David, Théodore Géricault, Eugène Delacroix… An diesen Wänden reihen sich die größten Namen der französischen Malerei aneinander.

Ursprünglich wurden die Roten Säle während der großen Erweiterungsarbeiten des Louvre errichtet, die von Napoleon III durchgeführt wurden. Die rot-goldene Dekoration, charakteristisch für den Glanz, den der Kaiser dem Museum verleihen wollte, wurde 1863 von dem Maler Alexandre Dominique Denuelle geschaffen. Die Farbe Rot hebt die Gemälde hervor, in denen Brauntöne oft dominieren. Zunächst werden dort die Werke französischer Meister des 17. und 18. Jahrhunderts aufgehängt. Die Großformate des 19. werden dort erst später Einzug halten.

Neben berühmten Porträts wie Madame Récamier von David oder Mademoiselle Rivière von Ingres sind die Gemälde vor allem Historienbilder. Seit dem 17. Jahrhundert gilt diese Bildgattung als die wichtigste und angesehenste in Frankreich. Die Werke dienen der Geschichte, ob modern (Les Batailles de Napoléon, von Gros), antik, mythologisch (Aurore et Céphale, von Guérin) oder biblisch (Le Déluge, von Girodet). Einige Künstler wählen Themen, die als exotisch gelten, The Death of Sardanapalus, von Delacroix, oder sogar, seltener, aktuelle Ereignisse, deren Umfang nur scheinbar anekdotisch ist, wie The Floß of the Medusa von Géricault.

Jacques-Louis David malte am 2. Dezember 1804 die Krönung von Kaiser Napoleon I. und die Krönung von Kaiserin Josephine in der Kathedrale Notre-Dame de Paris. Mit einer Höhe von 6 Metern ist die Leinwand fast 10 Meter lang, der Zuschauer wird beeindruckt sein und die Illusion von persönlich an der Feier teilnehmen. Das ist die Wirkung großer Formate, dieser gigantischen Historienbilder. Sogar Napoleon I. rief vor dem von David gemalten Gemälde der Krönung „Wir gehen in diesem Gemälde“.

Liberty Leading the People ist das berühmteste Werk von Delacroix. Sein Thema: „Les Trois Glorieuses“, diese drei revolutionären Tage im Juli 1830, an denen sich das Pariser Volk gegen König Karl X. erhob. Dieses Gemälde, das Allegorie und historisches Ereignis verbindet, ist bekannt, es ist heute ein Modell der Freiheit und der Kämpfe für Freiheit. Delacroix stellt die Menschen in Paris dar, die eine Barrikade überqueren. An der Spitze seiner Komposition lagert eine Frau, halb antike Göttin, halb Frau des Volkes, die die Menge anführt und die dreifarbige Flagge schwingt. Es ist Freiheit. Die Kombination aus blauen, weißen und roten Farben wird in der Tabelle mehrmals wiederholt.

Die Medici-Galerie
In der Galerie Médicis ist eine der größten gemalten Dekorationen eines Pariser Palastes ausgestellt. Dieser riesige Raum wurde speziell für die riesigen Gemälde von Rubens entworfen, die den Zyklus von Marie de Médicis bilden. Es stellt die Pracht der Prunkgalerie wieder her, die die Königin nach ihrer Rückkehr aus dem Exil in ihrem Luxemburger Palast inszenieren ließ.

Die Gemäldeserie von Marie de Medici hing in einer viel schmaleren Galerie als diese. Der Stil ist barock, mit abwechslungsreichen und reichhaltigen Kompositionen. Von den Vorhängen bis zu den Wolken ist alles Leidenschaft und Bewegung. Die Körper der Charaktere, rund und voll, mit perlendem Teint scheinen in einem Tumult von Farben zu wirbeln. Und trotz dieser Fülle und Vielfalt bleiben alle Gemälde harmonisch.

Von einem barocken Hauch durchzogen, vermischt sich der Zyklus in großer Freiheit mit historischen Szenen und allegorischen Figuren, dem Realismus von Porträts und dem Einfallsreichtum mythologischer Gestalten. Es beschwört griechisch-römische Gottheiten und christliche Referenzen herauf, um die Königin zu verherrlichen. In L’Instruction de la Reine beispielsweise nehmen Minerva, die Göttin der Künste und Wissenschaften, und Merkur, der Götterbote, an ihrer Ausbildung zur künftigen Souveränin teil.

Italienische Malschule
Bemerkenswert ist die italienische Gemäldesammlung, insbesondere die Renaissance-Sammlung. Die italienische Gemäldesammlung gehört zur Gemäldeabteilung, die eine der acht Abteilungen des Louvre-Museums ist. Es ist eine der größten und berühmtesten Sammlungen der Welt. Die Sammlungen der Gemäldeabteilung sind spezialisiert auf europäische Kunst vom 13. bis zum Ende des 19. Jahrhunderts.

Die italienischen Gemälde stellen die meisten Überreste der Sammlungen von Franz I. und Ludwig XIV. dar, andere sind nicht zurückgegebene Kunstwerke aus der Napoleon-Ära, und einige wurden gekauft. Die italienische Gemäldesammlung begann mit Francis, der Werke von italienischen Meistern wie Raffael und Michelangelo erwarb und Leonardo da Vinci an seinen Hof brachte. Zu den Werken gehören die Golgathas von Andrea Mantegna und Giovanni Bellini, die Realismus und Details widerspiegeln, „um die bedeutenden Ereignisse einer größeren spirituellen Welt darzustellen“.

Die italienische Malerei ist mit rund 1.100 Werken, von denen 600 permanent ausgestellt sind, reichlich vertreten. Darunter befinden sich viele Meisterwerke der größten Maler, darunter das wohl berühmteste Gemälde der Welt, Die Mona Lisa von Leonardo da Vinci. Der Louvre bewahrt auch vier weitere Werke von der Hand des großen Meisters der Renaissance auf, insbesondere sein Johannes der Täufer und die Jungfrau, das Jesuskind und die heilige Anna.

Die Hochrenaissance-Sammlung umfasst Leonardo da Vincis Mona Lisa, Jungfrau und Kind mit St. Anne, St. John the Baptist und Madonna of the Rocks. Die Barocksammlung umfasst Giambattista Pittonis The Continence of Scipio, Susanna and the Elders, Bacchus and Ariadne, Mars and Venus und andere Caravaggio wird von The Fortune Teller und Death of the Virgin vertreten. Der Louvre aus dem Venedig des 16. Jahrhunderts zeigt Tizians Le Concert Champetre, Die Grablegung und Die Dornenkrönung.

Die Sammlung italienischer Renaissancemalerei umfasst Werke von Cimabue (Maestà), Lorenzo Monaco (Le Christ au jardin des Oliviers), Giotto di Bondone, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Pisanello, Filippo Lippi, Sandro Botticelli (insbesondere die Fresken der Villa Lemmi), Luca Signorelli, Antonello da Messina (insbesondere Le Condottiere), Vittore Carpaccio, Giovanni Bellini, Domenico Ghirlandaio, Andrea Mantegna, sieben Gemälde von Pérugin…

Zehn von Raphael, darunter das Porträt von Baldassare Castiglione, vierzehn von Tizian, darunter Das Landkonzert, etwa fünfzehn Gemälde von Veronese, darunter die Hochzeit von Kana, andere von Tintoret (einschließlich seines Selbstporträts), von Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Lorenzo Lotto, The Corrège, Pontormo, Agnolo Bronzino, Parmigianino, Arcimboldo oder Federico Barocci.

Für das 17. Jahrhundert gibt es Werke aller großen Maler, beginnend mit Caravaggio, von denen drei Gemälde im Museum aufbewahrt werden (Die Wahrsagerin, Der Tod der Jungfrau und das Porträt von Alof de Wignacourt), mehrere Annibale Carracci, sowie Guido Reni, Guercino, Dominiquin, Pierre de Cortona, Salvator Rosa und Luca Giordano.

Auch das italienische 18. Jahrhundert ist in seiner Vielfalt gut vertreten, wobei die venezianische und die römische Schule einen wichtigen Platz einnehmen. Die Sektion umfasst Werke von Malern wie Giambattista Pittoni (Bacchus und Ariadne, Die Enthaltsamkeit von Scipio, Christus gibt dem heiligen Petrus die Schlüssel des Paradieses, Mars und Venus, Polyxena vor dem Grab des Achilles, Susanna und die Ältesten, Allegorisches Grab des Erzbischofs John Tillotson), Vedute von Canaletto und Francesco Guardi, Gemälde von Giambattista Tiepolo et de son fils Giandomenico, Sebastiano Ricci, Francesco Solimena, Giovanni Paolo Pannini.

Salle des Etats
Der Salle des Etats wurde zwischen 1855 und 1857 von dem Architekten Hector Lefuel erbaut und beherbergte während des Zweiten Kaiserreichs die wichtigsten Sitzungen der Legislative. Hierher kommt sein Name. Das von Napoleon III. gewünschte Dekor ist imposant und prächtig, mit seinen bemalten Gewölben, die den Ruhm des Imperiums verkünden. Nach dem Sturz des Kaisers wurde der Raum in das Louvre-Museum verlegt, um die französische Malerei des 19. Jahrhunderts zu beherbergen. Zu Beginn der Dritten Republik veränderte der Architekt Edmond Guillaume den Raum, um ihn dieser neuen Funktion anzupassen: Die Fenster wurden geschlossen, um mehr Platz für die Gemälde zu schaffen, und ein Glasdach wurde in die Decke gebohrt, um eine Deckenbeleuchtung zu ermöglichen begrenzte die Reflexionen. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden die Gemälde französischer Maler an den Wänden durch venezianische Gemälde ersetzt.

Tizian, Tintoretto, Veronese … Die größten venezianischen Maler wetteifern mit ihren schillernden Werken miteinander. Veroneses monumentale Hochzeit zu Kana nimmt die gesamte Wand gegenüber der Mona Lisa ein. Andere berühmte Gemälde umgeben es: Das Landkonzert von Tizian und sein Mann mit dem Handschuh, die feurige Skizze von Tintoretto für die Krönung der Jungfrau, auch Paradies genannt, ein Projekt für ein riesiges Dekor im Großen Ratssaal des Dogenpalastes, erhabene Porträts wie Une patricienne de Venise, bekannt als La Belle Nani von Veronese … und so viele andere. Farben und Lichter zeugen von der Virtuosität venezianischer Künstler der Renaissance.

Im Salle des Etats ist das berühmteste Gemälde der Welt ausgestellt: Die Mona Lisa. Dieser riesige Raum, der größte im Museum, bietet Platz für viele Besucher. Seit 2005 sitzt die Mona Lisa allein in der Mitte des Raumes, hinter einem Fenster, das sie schützt. Diese außergewöhnliche Präsentation erfüllt Sicherheitsanforderungen, aber auch konservatorische Anforderungen. Das berühmte rätselhafte Lächeln der Monna Lisa hat seit Jahrhunderten nicht aufgehört zu verführen. Einer seiner ersten Bewunderer war König Franz I. Letzterer, der Leonardo da Vinci nach Frankreich einlud, kaufte ihm das Gemälde 1518 ab. So gelangte das Werk in die königlichen Sammlungen, die seit der Revolution im Louvre ausgestellt sind.

Es ist das berühmteste Porträt der Welt, das von Monna Lisa, der Frau des Florentiner Stoffhändlers Francesco del Giocondo, der den Spitznamen „Gioconda“ aus Frankreich trägt. Vor einer fernen Landschaft gemalt, blickt uns die Mona Lisa an, ihr legendäres Lächeln auf den Lippen. Aber neben seinem Ausdruck ist es die Sfumato-Technik, die ihm diese besondere Präsenz verleiht: Leonardo da Vinci legte dünne Farbschichten übereinander, um Formen zu erzeugen und gleichzeitig Konturen und Kontraste abzuschwächen. Der Künstler fängt den Moment ein, in dem sich Monna Lisa dem Betrachter zuwendet. Es ist diese so natürliche Bewegung, die dem Gemälde einen lebendigen Eindruck verleiht.

Hier werden auch andere bekannte Werke der venezianischen Schule präsentiert, wie etwa Die Hochzeit zu Kana von Veronese. Dieses Werk wurde von Veronese für das Refektorium des Klosters San Giorgio Maggiore in Venedig hergestellt, von wo es 1798 von den Truppen des Generals Napoleon Bonaparte mitgenommen wurde. Als das Kaiserreich 1815 fiel, kehrten die meisten der beschlagnahmten Gemälde nach Italien zurück, aber es wurde befürchtet, dass die Rückreise es beschädigen würde: Es wurde daher gegen ein Gemälde von Le Brun, Die Magdalena und der Pharisäer, ausgetauscht. Trotz allem hören die Abenteuer der Hochzeit zu Kana hier nicht auf, da die Leinwand zweimal evakuiert wird, um sie vor den Kriegen zu schützen, die Paris betreffen, 1870 und dann 1939.

La Grande Galerie
La Grande Galerie ist seit der Umwandlung des Palastes in ein Museum einer der emblematischsten Orte des Louvre. Besucher können jetzt die sehr reiche Sammlung italienischer Gemälde des Museums entdecken, eine der bedeutendsten der Welt. Dutzende von Gemälden, die einander folgen, so weit das Auge reicht, entlang einer Galerie mit majestätischer Architektur… Heute hängen an den Wänden der Grande Galerie Meisterwerke der größten Meister der italienischen Malerei: Mantegna, Raphael, Leonardo da Vinci, Arcimboldo, Caravaggio… und viele andere.

Um optimale Bedingungen für die Bewunderung dieser außergewöhnlichen Sammlung zu schaffen, entschied man sich für eine zenitale Beleuchtung, dh Oberlichter an der Decke, die das natürliche Licht streuen. Der Architekt von Napoleon III, Hector Lefuel, durchbohrt das Gewölbe, um Fenster zu schaffen. Das Licht, gleichmäßig und natürlich, vermeidet so Reflexionen auf den Gemälden.

Nordschulen (Flandern, Niederlande, Deutschland)
Das Louvre-Museum besitzt mit 1130 Gemälden (Flandern, Niederlande und Deutschland) auch eine der größten Gemäldesammlungen Nordeuropas. Die flämischen und niederländischen Schulen sind am stärksten vertreten. Für die flämischen Primitiven erwähnen wir Vordergrundwerke wie Die Jungfrau des Kanzlers Rolin von Jan van Eyck, das Triptychon der Familie Braque von Rogier van der Weyden, das Nave of Fools von Jérôme Bosch, The Wedding at Cana von Gérard David und The Geldverleiher und seine Frau von Quentin Metsys. Ebenfalls erhalten sind Werke von Dirk Bouts, mehreren Hans Memling, Joos van Cleve, Joachim Patinier, Bernard van Orley, Jan Gossaert dit Mabuse, Lucas de Leyde und Pieter Brueghel the Elder.

Das niederländische und flämische goldene Zeitalter (17. Jahrhundert) wird mit fünfzehn Gemälden von Rembrandt illustriert, darunter Bathseba in der Badewanne mit dem Brief von David und Die Pilger in Emmaus, mehrere Frans Hals, neunzehn von Van Dyck, einundfünfzig von Rubens, darunter die einundzwanzig Gemälde aus dem Zyklus von Marie de Medici sowie zwei Gemälde von Vermeer, The Lacemaker und The Astronomer. Landschaften voller Figuren von Jan Brueghel dem Älteren, intime Innenszenen von Pieter de Hooch und Gerard ter Borch, Gemälde von Kircheninterieurs von Pieter Saenredam, Genreszenen von Jan Steen und David Teniers le Jeune sowie die Landschaften von Jacob van Ruisdael sind zu sehen auch abgebildet.

Für die deutsche Malerei finden wir Werke aus dem 15. Jahrhundert wie die Pietà von Saint-Germain-des-Prés, Gemälde von Albrecht Dürer, von Lucas Cranach d. Ä. oder auch mehrere Porträts von Hans Holbein d 19. Jahrhundert, Gemälde des Romantikers Caspar David Friedrich. Ein Raum schließlich zeigt österreichische Barockmalerei aus dem 18. Jahrhundert. Jahrhundert, während ein anderes skandinavische Gemälde aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zeigt, insbesondere Landschaften im romantischen Stil.

Andere Schulen
Die spanische Sammlung (etwa einhundertdreißig Gemälde, darunter etwa sechzig ausgestellte), ist zwar kleiner als die vorherigen, präsentiert jedoch eine interessante Auswahl an Werken mit einigen seltenen Namen. Aber vor allem gibt es all die großen Künstler des Goldenen Zeitalters wie El Greco, Velasquez, Murillo, Ribera und Zurbarán. Auch der Louvre hat mehrere Gemälde von Goya.

Die British and American Paintings Collection (etwa einhundertzwanzig Gemälde) besteht aus bedeutenden Werken von Meistern des 18. und 19. Jahrhunderts wie William Hogarth, Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, John Constable, Richard Parkes Bonington und JMW Turner und Gilbert Stuart.

Gemälde der skandinavischen (ca. 50 Werke), russischen (ca. 35 Werke), österreichischen, belgischen, schweizerischen, griechischen, polnischen und portugiesischen Schule sind trotz einer reduzierten Sammlung vorhanden.

Abteilung für Graphische Künste

Mittlerweile zählt das Departement Grafische Künste mehr als 225.000 Werke. Es bewahrt Zeichnungen, Pastelle, Miniaturen, Drucke, Bücher, Manuskripte, Autographen sowie Holzschnitte, Kupferstiche und Lithografiesteine ​​auf. Es vereint drei verschiedene Fonds:

das Kabinett der Zeichnungen, das ursprünglich aus der ehemaligen Sammlung der Könige von Frankreich bestand und danach dank Beschlagnahmen und Schenkungen ständig erweitert wurde; die Sammlung Edmond de Rothschild, 1936 dem Louvre geschenkt, mit rund 40.000 Drucken, 3.000 Zeichnungen und 500 illustrierten Büchern; die Chalkographie, die etwa 14.000 gravierte Kupferstiche bewahrt, insbesondere die Kupferstiche aus dem Kupferstichkabinett des Königs. Mit dem Originalkupfer erhaltene Papierabzüge können für fast 600 Platten bestellt werden.

Angesichts der Anzahl der Teile und der Zerbrechlichkeit des Papiers gegenüber Licht ist es unmöglich, alle Dokumente dauerhaft freizulegen. Diese sind entweder in Wechselausstellungen (die nie länger als drei Monate dauern, um die Werke nicht zu schwächen) oder im Sprechzimmer der Abteilung zu sehen. Nichtsdestotrotz wird eine Auswahl von Pastellen und Gobelin-Karikaturen, die weniger zerbrechlich sind, auf dem Weg der Malereiabteilung ausgestellt. In den letzten Jahren wurden große Anstrengungen zur Digitalisierung unternommen, und die Datenbank der Abteilung enthält derzeit mehr als 140.000 Werkdateien und 4.500 Künstlerdateien.

Tuileriengarten

Der Jardin des Tuileries ist ein öffentlicher Garten zwischen dem Louvre und dem Place de la Concorde im 1. Arrondissement von Paris. Es ist der wichtigste und älteste Garten im französischen Stil in der Hauptstadt, der einst der Tuilerienpalast war, eine ehemalige königliche und kaiserliche Residenz, die heute verschwunden ist. Der Jardin des Tuileries ist seit 1914 als historisches Denkmal klassifiziert, innerhalb einer Stätte, die in den UNESCO-Welterbeschutz der Ufer der Seine eingetragen und eingeschlossen ist. Der Garten ist heute Teil der nationalen Domäne des Louvre und der Tuilerien.

1564 von Catherine de‘ Medici als Garten des Tuilerienpalastes angelegt, wurde er schließlich 1667 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht und nach der Französischen Revolution zu einem öffentlichen Park. Die Fläche des Gartens beträgt 25,5 Hektar, sehr vergleichbar mit der des Jardin du Luxembourg. Es wird im Südosten vom Louvre-Palast, im Nordosten von der Rue de Rivoli, im Nordwesten von der Place de la Concorde und im Südwesten von der Seine begrenzt. Im 19., 20. und 21. Jahrhundert war es ein Ort, an dem die Pariser feierten, sich trafen, flanierten und entspannten. Es beherbergt mehrere Veranstaltungen wie das Rendez-vous aux jardins und die Internationale Messe für zeitgenössische Kunst.

Im Zentrum von Paris atmet dieser Garten seit fast fünf Jahrhunderten im Herzen der Hauptstadt. 1564 ließ Königin Katharina von Medici, Witwe von König Heinrich II., nostalgisch für die florentinischen Paläste ihrer Kindheit, einen Landsitz mit Garten bauen. Das ausgewählte Land liegt außerhalb der Mauern von Paris, wo seit dem Mittelalter Fliesenhersteller ansässig sind. Daher der Name „Tuilerien“.

Ab 1664 wurde der Garten von André Le Nôtre, Gärtner von König Ludwig XIV., komplett neu gestaltet. Der Garten ist dann für ein ausgewähltes Publikum geöffnet. Mehrmals verändert und teilweise privatisiert, insbesondere von Napoleon I. und dann von seinem Neffen Napoleon III., ist er seit 1871 vollständig für alle Besucher geöffnet. Der Garten war der Spielplatz von Königen und Fürsten. Der junge König Ludwig XIII. jagte dort Wachteln und Krähen. L’Aiglon, der Sohn von Napoleon I, spielte in seinen Gassen…

1871, während der Pariser Kommune, wurde der Tuilerienpalast, Symbol der königlichen und kaiserlichen Macht, von Randalierern in Brand gesteckt, nur der Garten blieb erhalten. 1990 wurde ein Wettbewerb für seine Renovierung ausgeschrieben. Die Landschaftsgestalter Pascal Cribier und Louis Benech werden ausgewählt und bringen ihm zeitgemäße Innovationen.

Seit 2005 ist das Louvre-Museum für die Verwaltung und Verbesserung des Jardin des Tuileries verantwortlich. Jedes Jahr erfinden die Gärtner neue Blumen, im Frühling und dann im Sommer, je nach Kulturprogramm des Museums. So sind die Parterres immer in den Farben der aktuellen Ausstellungen oder Großveranstaltungen gehalten. Die Tuilerien sind mit den Farben des Louvre geschmückt. Jedes Jahr messen sich die Kunstgärtner der Domaine national du Louvre und der Tuilerien in einem kreativen Wettbewerb, indem sie sich von den Höhepunkten des Museumslebens inspirieren lassen.

Seit 2014 hat der Louvre eine eigene Unterdirektion für Gärten. Es führt Forschungsprojekte zur Geschichte der Gärten der Domaine national du Louvre und der Tuilerien, ihres Kunsthandwerks und ihrer Sammlung von Skulpturen im Freien durch. Forschung und Arbeit festigen die Gartengeschichte als eine Disziplin, die nun voll in die Ausrichtung der Einrichtung eingebunden ist.

Die Gärten der Domaine national du Louvre und die Tuilerien sind ein wahres Skulpturenmuseum unter freiem Himmel. Die ersten Statuen, die noch vorhanden sind, kamen während der Regentschaft ab 1716 aus Versailles und Marly und einige stammen aus dem Ende des 17. Jahrhunderts. Seitdem hat die Skulptur in aufeinanderfolgenden Wellen weiterhin die Tuilerien und das Karussell sowie die im Osten gelegenen Gärten (Oratorium, Raffet und Infante) investiert. Abgesehen von den Vasen im Garten haben die restlichen Möbel, Sitze, Laternenpfähle, Tafeln usw. eindeutig denkmalgeschützten Charakter.