Die gotische Kunst war ein Stil der mittelalterlichen Kunst, der sich im 12. Jahrhundert n. Chr. In Nordfrankreich aus der romanischen Kunst entwickelte und von der gleichzeitigen Entwicklung der gotischen Architektur geleitet wurde. Es breitete sich in ganz Westeuropa und in weiten Teilen Süd- und Mitteleuropas aus und ließ in Italien nie mehr klassische Stile verschwinden. Im späten 14. Jahrhundert entwickelte sich der raffinierte Hofstil der internationalen Gotik, der sich bis zum späten 15. Jahrhundert weiterentwickelte. In vielen Gebieten, insbesondere in Deutschland, setzte sich die spätgotische Kunst bis ins 16. Jahrhundert fort, bevor sie in die Kunst der Renaissance aufgenommen wurde. Zu den Hauptmedien der Gotik gehörten Skulpturen, Tafelbilder, Glasmalereien, Fresken und illuminierte Manuskripte. Die leicht erkennbaren Veränderungen in der Architektur von romanisch zu gotisch und von gotisch zu Renaissance-Stil,

Die früheste gotische Kunst war die monumentale Skulptur an den Wänden von Kathedralen und Abteien. Die christliche Kunst war oft typologischer Natur (siehe mittelalterliche Allegorie) und zeigte die Geschichten des Neuen Testaments und des Alten Testaments nebeneinander. Das Leben der Heiligen wurde oft dargestellt. Die Bilder der Jungfrau Maria wandelten sich von der byzantinischen Ikone zu einer menschlicheren und liebevolleren Mutter, kuschelten ihr Kind, schwankten von ihrer Hüfte und zeigten die raffinierten Manieren einer gut geborenen aristokratischen höfischen Dame.

Die weltliche Kunst kam in dieser Zeit mit dem Aufstieg der Städte, der Gründung von Universitäten, der Zunahme des Handels, dem Aufbau einer geldbasierten Wirtschaft und der Schaffung einer bürgerlichen Klasse zur Geltung, die es sich leisten konnte, die daraus resultierenden Kunst- und Auftragsarbeiten zu bevormunden eine Verbreitung von Gemälden und illuminierten Manuskripten. Zunehmende Alphabetisierung und eine wachsende Zahl weltlicher Volksliteratur förderten die Darstellung weltlicher Themen in der Kunst. Mit dem Wachstum der Städte bildeten sich Handelsgilden, und Künstler mussten häufig Mitglieder einer Malergilde sein. Aufgrund besserer Aufzeichnungen sind uns in dieser Zeit mehr Künstler namentlich bekannt als jemals zuvor. Einige Künstler waren sogar so mutig, ihre Namen zu unterschreiben.

Ursprünge
Die gotische Kunst entstand im frühen 12. Jahrhundert in der französischen Île-de-France in der von Abt Suger erbauten Abteikirche St. Denis. Der Stil breitete sich rasch über seine architektonischen Ursprünge hinaus auf monumentale und persönliche Skulpturen, Textilkunst und Malerei aus, die verschiedene Formen annahmen, darunter Fresken, Glasmalereien, das beleuchtete Manuskript und Tafelbilder. Mönchsorden, insbesondere die Zisterzienser und Kartäuser, waren wichtige Erbauer, die den Stil verbreiteten und unverwechselbare Varianten davon in ganz Europa entwickelten. Regionale Variationen der Architektur blieben wichtig, auch wenn sich im späten 14. Jahrhundert ein kohärenter universeller Stil entwickelt hatte, der als internationale Gotik bekannt war und bis zum späten 15. Jahrhundert und darüber hinaus in vielen Bereichen andauerte.

Obwohl es weitaus mehr weltliche gotische Kunst gab, als heute oft angenommen wird, da die Überlebensrate religiöser Kunst im Allgemeinen besser war als bei weltlichen Äquivalenten, war ein großer Teil der in dieser Zeit produzierten Kunst religiös, ob im Auftrag der Kirche oder von die Laien. Die gotische Kunst war oft typologischer Natur und spiegelte den Glauben wider, dass die Ereignisse des Alten Testaments die des Neuen vorwegnahmen und dass dies tatsächlich ihre Hauptbedeutung war.

In Werken wie dem Speculum Humanae Salvationis und der Dekoration von Kirchen wurden Szenen des Alten und Neuen Testaments nebeneinander gezeigt. Die Gotik fiel mit einem großen Wiederaufleben der Marienverehrung zusammen, bei der die bildende Kunst eine wichtige Rolle spielte. Bilder der Jungfrau Maria entwickelten sich von den byzantinischen hieratischen Typen über die Krönung der Jungfrau zu menschlicheren und intimeren Typen, und Zyklen des Lebens der Jungfrau waren sehr beliebt. Künstler wie Giotto, Fra Angelico und Pietro Lorenzetti in Italien sowie die frühniederländische Malerei brachten der Kunst Realismus und eine natürlichere Menschlichkeit. Westliche Künstler und ihre Förderer vertrauten viel mehr auf innovative Ikonographie, und es wird viel mehr Originalität gesehen, obwohl die meisten Künstler immer noch kopierte Formeln verwendeten.

Die Ikonographie wurde durch Veränderungen in der Theologie beeinflusst, wobei Darstellungen der Himmelfahrt Marias durch den älteren Tod der Jungfrau an Boden gewannen, und durch Andachtspraktiken wie die Devotio Moderna, die neue Behandlungen Christi in Themen wie dem Mann der Leiden hervorbrachten. Nachdenklicher Christus und Pietà, die sein menschliches Leiden und seine Verletzlichkeit betonten, in einer parallelen Bewegung zu der in Darstellungen der Jungfrau. Sogar in den letzten Urteilen wurde Christus jetzt normalerweise gezeigt, wie er seine Brust freilegt, um die Wunden seiner Passion zu zeigen. Heilige wurden häufiger gezeigt, und Altarbilder zeigten Heilige, die für die jeweilige Kirche oder den Spender relevant waren, die an einer Kreuzigung oder einer thronenden Jungfrau und einem Kind teilnahmen oder den zentralen Raum selbst besetzten (dies normalerweise für Arbeiten, die für Seitenkapellen bestimmt waren).

Charakterisierung
Vor den romanischen Kirchen und Klöstern erhebt sich die Gotik, da dies im Allgemeinen gesagt wurde, als emblematisches architektonisches Werk zu erstaunlichen Kathedralen voller Licht und mit großer Höhe. Dies sind ihre wichtigsten technischen Beiträge, die in der EU gerechtfertigt sind Schriften von Pseudo Dionisio Aeropagita, obwohl auch eine wichtige zivile Architektur entwickelt wurde. Ein weiteres Merkmal ist, dass andere bildende Künste wie Malerei und Skulptur von ihrer Unterordnung unter die architektonische Unterstützung unabhängig wurden.

Es gibt jedoch auch viele Elemente der Kontinuität: Dies ist immer noch eine überwiegend religiöse Kunst; Das Kloster als Institution unterscheidet sich kaum, außer in formalen Details und der Anpassung an neue Anforderungen, aber seine Anordnung enthielt keine Variationen, und der Plan der Kirchen, hauptsächlich Kathedralen, blieb überwiegend von einem lateinischen Kreuz mit einem nach Osten gerichteten Apsiskopf war kompliziert oder variierend (Basilikumpflanzen, Platzierung des Querschiffs in der Mitte, Komplikation von Schiffen, Kapellen und Krankenwagen). Ohne Zweifel ist das Hauptelement der Kontinuität die zeitlose Konzeption der Arbeit: In den meisten Konstruktionen folgen die Stile einander und verschmelzen im Rhythmus der Jahrhunderte. Zeitgenossen wissen, dass sie ein Werk tun, das sie weder fertig noch vielleicht sehen würden Kinder oder Enkelkinder, aber dass der Bau dieser Gebäude impliziert, dass ich mehrere Generationen arbeite. In vielen von ihnen wird sogar die Kühnheit geschätzt, eine technische oder wirtschaftliche Herausforderung in Angriff zu nehmen, manchmal aufgrund politischer Rivalität, die zu Beginn des Projekts nicht vollständig geplant wurde, so dass nicht bekannt ist, wie es abgeschlossen werden soll die Kathedralen von Siena und Florenz.

Das Licht
Die neuen religiösen Gebäude zeichnen sich durch die Definition eines Raumes aus, der den Gläubigen auf erfahrungsmäßige und fast greifbare Weise die religiösen und symbolischen Werte der Zeit vermitteln will. Der Humanismus befreite den Menschen von der dunklen Dunkelheit und lud ihn ins Licht ein. Diese Tatsache hängt mit der Verbreitung neoplatonischer philosophischer Strömungen zusammen, die eine Verbindung zwischen dem Gottesbegriff und dem Lichtfeld herstellen. Da die neuen Bautechniken die Wände für die Öffnungen praktisch unnötig machten, wurde das Innere der Kirchen mit Licht gefüllt, und das Licht wird den neuen gotischen Raum formen. Es wird ein physisches Licht sein, das nicht in Gemälden und Mosaiken enthalten ist. allgemeines und diffuses Licht, nicht punktuell konzentriert und gerichtet, als wäre es ein Fokus; Gleichzeitig ist es ein Licht, das durch das Spiel von Buntglas- und Rosettenfenstern verwandelt und gefärbt wird und den Raum in einen unwirklichen und symbolischen verwandelt. Farbe wird entscheidend wichtig.

Licht wird als Sublimation der Göttlichkeit verstanden. Die Symbologie dominiert die Künstler der Zeit, die Chartres-Schule betrachtet Licht als das edelste Element natürlicher Phänomene, das am wenigsten materielle Element, die der reinen Form am nächsten kommt.

Der gotische Architekt organisiert eine Struktur, die es ihm ermöglicht, mithilfe von Technik leichtes, verklärtes Licht zu verwenden, das die Elemente des Gebäudes entmaterialisiert und klare Gefühle von Erhebung und Schwerelosigkeit erzielt.

Die Architektur
Die originellste Neuheit der gotischen Architektur ist das Verschwinden der für die romanische Architektur typischen dicken Mauern. Das Gewicht der Struktur wird nicht mehr von den Wänden aufgenommen, sondern auf Säulen und eine Reihe von Sekundärstrukturen verteilt, die außerhalb der Gebäude angeordnet sind. So wurden die Wände des Lichts geboren, die von prächtigen Fenstern bedeckt waren, denen außen ein komplexes Netzwerk von Elementen zur Freisetzung der Kräfte entsprach. Die fliegenden Strebepfeiler, die Zinnen, die Entladebögen sind allesamt strukturelle Elemente, die die seitlichen Stöße des Daches auf den Boden enthalten und lenken, während die Füllwände an Bedeutung verlieren und durch die Fenster ersetzt werden. Die außergewöhnliche Fähigkeit gotischer Architekten endet nicht in der neuen statischen Struktur: Die Gebäude, die von der Grenze der Mauerwerkswände befreit sind, wurden mit vertikalen Impulsen entwickelt.

In England wurde das Kreuzgewölbe mit dem Sechs-Segment-Gewölbe und dann mit dem Radial- oder Lüftergewölbe weiterentwickelt: Lösungen, die eine noch bessere Gewichtsverteilung ermöglichten. Die gotische Kathedrale wurde als Metapher für den Himmel konzipiert, daher wurde das Jüngste Gericht oft am Eingang geschnitzt.

Spätgotische Architektur
Im vierzehnten und fünfzehnten Jahrhundert entwickelte sich die Gotik in Bezug auf die Formen der letzten zwei Jahrhunderte in neue Richtungen.

Das Gebäude des XIV. Und XV. Jahrhunderts war durch ein Mittelschiff von beträchtlicher Höhe und durch die beiden viel tieferen Seitenschiffe gekennzeichnet. Dies bedeutete, dass das Licht vor allem auf der Ebene des Klerus konzentriert war.

In der Spätgotik hingegen folgt die gebräuchlichste Innenanordnung dem Modell der Hallenkirche, dh die Seitengänge sind im Vergleich zur Mittelkirche gleich hoch. Dies bedeutete, dass das Licht nicht mehr von oben, sondern von den Seitenwänden kam und die gesamte Umgebung homogen beleuchtete. Die traditionelle Direktionalität wurde ebenfalls modifiziert und verlor ihre starke Konnotation für frühere Achsen zugunsten einer polyzentrischen Räumlichkeit. Diese neue Vision des Weltraums wurde auch mit der irdischeren und weltlicheren Religiosität des fünfzehnten Jahrhunderts in Verbindung gebracht.

Die Geographie dieser neuen Sensibilität zeigt eine andere Karte als die klassische Gotik: Die innovativsten Regionen waren Deutschland, Böhmen, Polen, England und der Alpenraum.

Auf der iberischen Halbinsel wurden vom 15. bis zum 16. Jahrhundert einige große Kathedralen errichtet, die von den französischen und deutschen Vorbildern der vergangenen Jahrhunderte inspiriert waren. In Portugal führte ein autonomer Trend zur sogenannten manuelinischen Kunst.

Gemälde
Malerei in einem Stil, der als gotisch bezeichnet werden kann, erschien erst um 1200, fast 50 Jahre nach den Ursprüngen der gotischen Architektur und Skulptur. Der Übergang von der Romanik zur Gotik ist sehr ungenau und überhaupt kein klarer Bruch, und gotische Zierdetails werden oft eingeführt, bevor sich der Stil der Figuren oder Kompositionen selbst stark ändert. Dann werden die Figuren in Pose und Gesichtsausdruck lebhafter, sind im Verhältnis zum Hintergrund der Szenen tendenziell kleiner und im Bildraum, in dem Platz ist, freier angeordnet. Dieser Übergang erfolgt zuerst in England und Frankreich um 1200, in Deutschland um 1220 und in Italien um 1300. Die Malerei während der Gotik wurde in vier Hauptmedien praktiziert: Fresken, Tafelbilder, Manuskriptbeleuchtung und Glasmalerei.

Die Malerei in der Gotik erfuhr im Vergleich zu anderen Künsten einen beträchtlichen Zeitunterschied und wurde dank der italienischen Schule (insbesondere der toskanischen und vielleicht der römischen) mit einer Verzögerung von drei bis vier Jahrzehnten erneuert. Erst in der zweiten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts, als die Bühnen schnell verbrannt wurden, erneuerte sich das Gemälde dank Giottos Werk vollständig.

Die Gründe für diese Verzögerung waren wahrscheinlich auf die verschiedenen Modelle der Malerei und Skulptur zurückzuführen: In der Romanik war die Skulptur bereits erneuert worden, wobei in einigen Fällen die noch vorhandenen Werke des Klassizismus wiederentdeckt wurden, während das Hauptreferenzmodell für die Malerei jedoch das byzantinische war Schule. Mit der Eroberung Konstantinopels während des vierten Kreuzzugs (1204) und der Bildung der lateinischen Königreiche des Ostens hatte sich der Fluss byzantinischer Gemälde und Mosaikarbeiten sogar verstärkt.

In der zweiten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts, zur Zeit von Nicola Pisano, erreichte die Trennung zwischen narrativer Lebendigkeit, naturalistischer Wiedergabe und Ausdruckskraft zwischen Skulptur und Malerei ihren Höhepunkt, und die Maler wurden vor den außergewöhnlichen Innovationen der Bildhauer entwaffnet. Innerhalb von zwei Generationen gelang es den Malern jedoch, die Bühnen zu verbrennen, Modelle und Sprache zu erneuern und sogar die bildenden Künste zu erreichen, um Räumlichkeit, erzählerische Lebendigkeit, glaubwürdige Figuren und plausible architektonische oder landschaftliche Rahmenbedingungen wiederherzustellen. Die Malerei profitierte bei der Erneuerung auch von einem breiteren Kundenkreis aufgrund der deutlich günstigeren Kosten.

Von der romanischen Malerei, insbesondere in Mittelitalien, hatte die Verbreitung von bemalten Platten geerbt, unterstützt durch die Bettelorden für ihre praktische Tragbarkeit. Die Hauptfächer waren nicht viele:

Geformte Kruzifixe, die am Ende der Schiffe der Kirchen hängen, um die Aufregung der Gläubigen zu wecken;
Madonnen mit dem Kind, Symbole der Ecclesia und Symbol einer Mutter-Kind-Beziehung, die die Religion humanisiert;
Darstellungen von Heiligen, unter denen die neuen Ikonographien zur Figur des heiligen Franziskus von Assisi hervorstechen.
Zu den Meistern des italienischen 13. Jahrhunderts gehörten Berlinghiero Berlinghieri und Margaritone d’Arezzo, beide noch vollständig byzantinisch, die jedoch einige typisch westliche Charaktere aufweisen. Später stieß Giunta Pisano an die Grenzen der Möglichkeiten der byzantinischen Kunst und berührte die Schaffung eines typisch „italienischen“ Stils. Diese Grenze wurde von Cimabue überwunden, dem ersten, so auch Giorgio Vasari, der vom „dummen und nicht sehr agilen und gewöhnlichen griechischen Weg“ abwich. Schließlich entstand auf der Baustelle der oberen Basilika von Assisi ein neuer moderner westlicher Stil, dessen berühmte Fresken Giotto zugeschrieben wurden. Neuere Studien haben jedoch den Innovationsspielraum der italienischen Schule teilweise eingeschränkt.

Neben der Giotto-Schule (Taddeo Gaddi, Giottino, Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco usw.) war auch die sienesische Schule mit Meistern wie Duccio di Buoninsegna, Pietro und Ambrogio Lorenzetti und Simone Martini von großer Bedeutung. Die Bedeutung der römischen Schule mit Pietro Cavallini, Jacopo Torriti und anderen ist ebenfalls relativ neu. Unabhängigere Persönlichkeiten waren Buonamico Buffalmacco oder Vitale aus Bologna.

Fresken
Als Fortsetzung der frühchristlichen und romanischen Traditionen wurden Fresken weiterhin als Hauptbild für Erzählkunst an Kirchenwänden in Südeuropa verwendet. Ein Überlebensunfall hat Dänemark und Schweden die größte Gruppe überlebender Kirchenwandgemälde im Biblia pauperum-Stil beschert, die sich normalerweise bis zu kürzlich errichteten Kreuzgewölben erstrecken. Sowohl in Dänemark als auch in Schweden waren sie nach der Reformation, die sie bewahrt hat, fast alle mit Kalk bedeckt, aber einige sind seit ihrer Gründung auch unberührt geblieben. Zu den besten Beispielen aus Dänemark zählen die des Elmelunde-Meisters von der dänischen Insel Møn, der die Kirchen Fanefjord, Keldby und Elmelunde schmückte. Albertus Pictor ist wohl der bekannteste Freskenkünstler aus der Zeit der Arbeit in Schweden.

Glasmalerei
In Nordeuropa war Glasmalerei eine wichtige und angesehene Form der Malerei, bis es im 15. Jahrhundert durch Tafelmalerei ersetzt wurde. Die gotische Architektur erhöhte die Glasmenge in großen Gebäuden erheblich, teilweise um große Glasflächen wie in Rosettenfenstern zu ermöglichen. Zu Beginn der Periode wurde hauptsächlich schwarze Farbe und klares oder hell gefärbtes Glas verwendet, aber im frühen 14. Jahrhundert erlaubte die Verwendung von Silberverbindungen, die auf Glas gemalt wurden, das dann gebrannt wurde, eine Reihe von Farbvariationen, die sich auf das Glas konzentrierten Gelb, mit klarem Glas in einem Stück zu verwenden. Am Ende der Periode verwendeten die Entwürfe zunehmend große Glasstücke, die bemalt wurden, wobei Gelb die dominierenden Farben waren, und relativ wenige kleinere Glasstücke in anderen Farben.

Die Entwicklung der Malerei zwischen dem 12. und 14. Jahrhundert war durch das rasche Aufkommen gotischer Gebäudesysteme bedingt. In den meisten neuen Kathedralen überwiegen heute die Glasoberflächen im Vergleich zu denen im Mauerwerk, und die Notwendigkeit, die Wände zu dekorieren, wird daher immer geringer. Aus diesem Grund stehen die alten und konsolidierten Techniken von Mosaik und Fresko vor einem unvermeidlichen Niedergang. Diesem Rückgang steht die zeitgemäße Verfeinerung der Glas- und Tafelmalerei gegenüber, die sich bereits in der Römerzeit mit einigem Erfolg entwickelt hatte. Seine Verwirklichung ist keiner architektonischen Anforderung untergeordnet, und dies ermöglicht es den Künstlern, sich in absoluter Freiheit auszudrücken. Glasmalerei besteht in der Realisierung von farbigen Fenstern, die auf die Fenster und Rosetten der Kathedralen aufgebracht werden.

Da im Mittelalter keine großen Platten erhalten werden konnten, musste jedes Fenster aus mehreren zusammengesetzten Teilen bestehen. Aus diesem Grund wurde beschlossen, farbige Gläser zu verwenden, die mittels Rahmen aus „H“ -förmigen Bleistreifen miteinander verbunden sind. Zuerst wurden die Gläser mit glühenden Metallspitzen gemäß den zuvor gemachten Zeichnungen geschnitten, dann passten die verschiedenen Teile zwischen die beiden Flügel des Bleistreifens. Jeder Streifen wurde mit dem benachbarten geschweißt, um das vom Karton bereitgestellte Design wieder zusammenzusetzen. Das Ganze wurde schließlich in einen Eisenrahmen eingesetzt und ummauert. Diese Technik ermöglichte es, Figuren mit großer Wirkung zu erhalten.

Um die Figuren zu malen, war es notwendig, Farben zu haben, die direkt auf das Glas greifen konnten. In Frankreich wurde Grisaille (in italienischer Grisaglia) experimentiert, eine Substanz, die aus einer Mischung von Glaspulvern und Eisenoxiden erhalten wurde, die gemahlen und mit Wasser und tierischen Klebstoffen gemischt wurden. Die Verwendung der Grisaille war sehr einfach: Sie wurde auf die verschiedenen zu dekorierenden Glasstücke verteilt und hatte nach dem Trocknen die Besonderheit, sie undurchsichtig zu machen. Dann wurde die Grisaille mit einem Holzstift zerkratzt, um die Transparenz des Glases darunter ans Licht zu bringen. Um das Gemälde zu fixieren, mussten die einzelnen Gläser erneut gekocht werden, damit die Grisaille das Schmelzen und Mischen in der Glaspaste selbst beendet. Dabei wurden die nachgezeichneten Umrisse undurchsichtig,

Der Umgang mit den Themen der Malerei wird von der veränderten historischen, sozialen und wirtschaftlichen Situation beeinflusst. Die Stadtbourgeoisie wird jetzt von einem Geist immer größerer Konkretheit belebt, und auch ihre Vision von der Welt und vom Leben ändert sich radikal.

Es gibt eine fortschreitende Aktualisierung der heiligen Erzählungen, in der die Charaktere der heiligen Schriften in der Kleidung der Zeit erscheinen und die Orte den vorhandenen Orten entsprechen.

In Italien war das Fresko und teilweise auch das Mosaik im Gegensatz zu Frankreich, England, Deutschland und den Niederlanden weiterhin sehr weit verbreitet. In religiösen Symbolen ermöglicht das Fenster den Durchgang von übernatürlichem, metaphysischem Licht. Die Buntglasfenster erinnern nach christlicher Eschatologie an die Pracht des himmlischen Jerusalem der Apokalypse. Licht ist der Geist Gottes und das Fenster ist ein Symbol für Maria, die mit göttlichem Licht leuchtet. Oft hat die Anzahl der Buntglasfenster einen symbolisch-religiösen Wert: Sie sind in Dreiergruppen (Dreifaltigkeit), Vierergruppen (Evangelisten), in Siebensegmenten (Sieben Sakramente, Sieben Gaben des Heiligen Geistes) sieben Tage der Schöpfung nach Genesis).

Manuskripte und Druckgrafik
Beleuchtete Manuskripte stellen die vollständigste Aufzeichnung der gotischen Malerei dar und bieten eine Aufzeichnung von Stilen an Orten, an denen sonst keine monumentalen Werke erhalten geblieben sind. Die frühesten vollständigen Manuskripte mit französisch-gotischen Illustrationen stammen aus der Mitte des 13. Jahrhunderts. Viele solcher illuminierten Manuskripte waren königliche Bibeln, obwohl Psalter auch Illustrationen enthielten; Der Pariser Psalter von Saint Louis aus den Jahren 1253 bis 1270 zeigt 78 ganzseitige Illuminationen in Temperafarbe und Blattgold.

Während des späten 13. Jahrhunderts begannen Schriftgelehrte, Gebetbücher für Laien zu erstellen, die aufgrund ihrer Verwendung zu vorgeschriebenen Tageszeiten oft als Stundenbücher bezeichnet werden. Das früheste bekannte Beispiel scheint für eine unbekannte Laie geschrieben worden zu sein, die um 1240 in einem kleinen Dorf in der Nähe von Oxford lebte. Der Adel kaufte häufig solche Texte und zahlte gut für dekorative Illustrationen; Zu den bekanntesten Schöpfern gehört Jean Pucelle, dessen Stunden von Jeanne d’Evreux von König Karl IV. als Geschenk für seine Königin Jeanne d’Évreux in Auftrag gegeben wurden. Zu den Elementen der französischen Gotik, die in solchen Werken vorhanden sind, gehört die Verwendung eines dekorativen Seitenrahmens, der mit langgestreckten und detaillierten Figuren an die Architektur der Zeit erinnert.

Ab der Mitte des 14. Jahrhunderts scheinen Blockbücher mit Text und Bildern, die als Holzschnitt geschnitten wurden, für Pfarrer in den Niederlanden, wo sie am beliebtesten waren, erschwinglich gewesen zu sein. Bis zum Ende des Jahrhunderts wurden gedruckte Bücher mit Illustrationen, die sich immer noch hauptsächlich mit religiösen Themen befassten, für die wohlhabende Mittelschicht schnell zugänglich, ebenso wie Gravuren von ziemlich hoher Qualität von Druckern wie Israhel van Meckenem und Master ES. Im 15. Jahrhundert ermöglichte die Einführung billiger Drucke, meist im Holzschnitt, sogar Bauern, Andachtsbilder zu Hause zu haben. Diese Bilder, die am unteren Rand des Marktes winzig sind und oft grob gefärbt sind, wurden zu Tausenden verkauft, sind aber heute äußerst selten, da die meisten an Wände geklebt wurden.

Altarbild und Tafelmalerei
Das Malen mit Öl auf Leinwand wurde erst im 15. und 16. Jahrhundert populär und war ein Markenzeichen der Kunst der Renaissance. In Nordeuropa ist die wichtige und innovative Schule der frühniederländischen Malerei im Wesentlichen gotisch, kann aber auch als Teil der nördlichen Renaissance angesehen werden, da es eine lange Verzögerung gab, bis die italienische Wiederbelebung des Interesses am Klassizismus einen großen Einfluss hatte der Norden. Maler wie Robert Campin und Jan van Eyck verwendeten die Technik der Ölmalerei, um detailgetreue, detailgetreue Werke zu schaffen, bei denen scheinbarer Realismus mit einer äußerst komplexen Symbolik kombiniert wurde, die sich genau aus dem realistischen Detail ergab, das sie jetzt auch in kleinen Mengen aufnehmen konnten funktioniert.

In der frühniederländischen Malerei aus den reichsten Städten Nordeuropas wurde ein neuer Realismus in der Ölmalerei mit subtilen und komplexen theologischen Anspielungen kombiniert, die genau durch die sehr detaillierten Einstellungen religiöser Szenen ausgedrückt wurden. Das Mérode-Altarbild (1420er Jahre) von Robert Campin und die Verkündigung von Washington Van Eyck oder die Madonna von Kanzler Rolin (beide 1430er Jahre, von Jan van Eyck) sind Beispiele. Für die wohlhabenden kleinen Tafelbilder wurden sogar Polyptychen in der Ölmalerei immer beliebter und zeigten oft Spenderporträts neben der abgebildeten Jungfrau oder den Heiligen, obwohl sie oft viel kleiner waren als diese. Diese wurden normalerweise zu Hause ausgestellt.

Skulptur
Die gotische Skulptur löste sich von der Rolle, die sie in der Romanik gespielt hatte, nämlich der Dekoration der Architektur und der Erziehung der Gläubigen durch die Schaffung der sogenannten Steinbibeln.

Allmählich wurde die Anordnung der Skulpturen im architektonischen Bau komplexer und szenografischer. Die wichtigsten Episoden der Skulptur waren wie in der Romanik die Portale der Kathedralen, in denen gewöhnlich die Figuren des Alten Testaments und des Neuen Testaments vertreten sind.

Eine grundlegende Passage ist die Tatsache, dass in der Gotik die Skulpturen nicht mehr vollständig in den architektonischen Raum integriert wurden (der Pfosten eines Portals oder einer Hauptstadt …), sondern sie begannen sich zu befreien, indem sie sich einfach an die lehnten verschiedene tragende Elemente. So erschienen die ersten Allround-Statuen, obwohl eine eigenständige und isolierte Verwendung derselben noch nicht denkbar war. Es mag sein, dass das Erbe des Kampfes gegen das Heidentum, das Statuen in der Runde als Göttlichkeit verehrte, noch latent war. Bis zur italienischen Renaissance wurden die Statuen jedoch immer an Wänden, in Nischen, unter Architraven oder als Karyatiden und Telamonen aufgestellt .

Aus stilistischer Sicht sind die innovativen Merkmale der gotischen Skulptur weniger offensichtlich als die in der Architektur eingeführten, aber nicht weniger reich an Konsequenzen für spätere Entwicklungen in der Kunstgeschichte. Wenn sich die Figur einerseits erheblich ausdehnt und das Modell von völlig neuen Spielen wie dem virtuosen und manchmal unwahrscheinlichen Gewand lebt, kehrte er andererseits zu plausiblen Darstellungen von Körperbewegungen, Gesichtsausdrücken, individuellen Physiognomien mit einem Die Aufmerksamkeit des Künstlers für den Naturalismus, die in früheren Epochen nie bekannt war, als in den besten Beispielen (wie im Portal der Kathedrale von Reims um 1250 oder in den Werken von Nicola Pisano) wird mit der römischen Porträtmalerei verglichen. Dies ist umso wichtiger, als es einige Jahrzehnte vor den gleichen Errungenschaften im Bildbereich liegt.

Im Vergleich zum Klassizismus sollte jedoch eine andere expressive Unruhe festgestellt werden, eine gewisse Winkligkeit der Formen und Vorhänge, eine unruhige Verwendung der Hell-Dunkel-Effekte.

Monumentale Skulptur
Die Gotik ist im Wesentlichen von der gotischen Architektur geprägt und passt weder zu Beginn noch zu Ende vollständig zur Entwicklung des Stils in der Skulptur. Die Fassaden großer Kirchen, insbesondere um Türen herum, hatten weiterhin große Tympanons, aber auch Reihen von Skulpturen, die sich um sie herum ausbreiteten.

Die Statuen auf dem westlichen (königlichen) Portal in der Kathedrale von Chartres (um 1145) zeigen eine elegante, aber übertriebene Säulenverlängerung, während die Statuen auf dem südlichen Querschiff von 1215 bis 2020 einen naturalistischeren Stil und eine zunehmende Ablösung von der dahinter liegenden Wand aufweisen und ein gewisses Bewusstsein für die klassische Tradition. Diese Tendenzen wurden einige Jahre später im Westportal der Kathedrale von Reims fortgesetzt, wo sich die Figuren fast in der Runde befinden, wie es mit der Verbreitung der Gotik in ganz Europa üblich wurde. Der Bamberger Dom hat vielleicht die größte Sammlung von Skulpturen aus dem 13. Jahrhundert, die 1240 mit dem Bamberger Reiter gipfelte, der ersten lebensgroßen Reiterstatue der westlichen Kunst seit dem 6. Jahrhundert.

In Italien entwickelten Nicola Pisano (1258–78) und sein Sohn Giovanni einen Stil, der oft als Proto-Renaissance bezeichnet wird, mit unverkennbarem Einfluss römischer Sarkophage und raffinierter und überfüllter Kompositionen, einschließlich eines sympathischen Umgangs mit Nacktheit, in Reliefplatten auf ihrer Kanzel Kathedrale von Siena (1265–68), die Fontana Maggiore in Perugia und Giovannis Kanzel in Pistoia von 1301.

Eine weitere Wiederbelebung des klassischen Stils ist in der internationalen Gotik von Claus Sluter und seinen Anhängern in Burgund und Flandern um 1400 zu sehen. Die spätgotische Skulptur wurde im Norden fortgesetzt, mit einer Mode für sehr große Altarbilder aus Holz mit zunehmend virtuoser Schnitzerei und großer Aufregung ausdrucksstarke Figuren; Die meisten erhaltenen Beispiele befinden sich in Deutschland, nach vielem Bildersturm anderswo. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss und andere setzten den Stil bis weit ins 16. Jahrhundert fort und nahmen allmählich die Einflüsse der italienischen Renaissance auf.

Lebensgroße Grabbilder aus Stein oder Alabaster wurden bei den Reichen beliebt, und es entstanden große mehrstöckige Gräber, wobei die Skaligergräber von Verona so groß waren, dass sie außerhalb der Kirche bewegt werden mussten. Im 15. Jahrhundert gab es eine Industrie, die Nottingham-Alabaster-Altarreliefs in Gruppen von Tafeln über weite Teile Europas für wirtschaftliche Gemeinden exportierte, die sich keine Steinretabeln leisten konnten.

Tragbare Skulptur
Kleine Schnitzereien für einen hauptsächlich Laien- und oft Frauenmarkt wurden in Paris und einigen anderen Zentren zu einem bedeutenden Wirtschaftszweig. Zu den Elfenbeintypen gehörten kleine Andachtspolyptychen, einzelne Figuren, insbesondere der Jungfrau, Spiegelkoffer, Kämme und kunstvolle Schatullen mit Szenen aus Romanzen, die als Verlobungsgeschenke verwendet wurden. Die sehr Reichen sammelten extravagant kunstvolle Juwelen und emaillierte Metallarbeiten, sowohl weltliche als auch religiöse, wie das Holy Thorn Reliquary des Herzogs von Berry, bis ihnen das Geld ausging, als sie erneut für Bargeld eingeschmolzen wurden.

Von architektonischen Ornamenten unabhängige gotische Skulpturen wurden in erster Linie als Andachtsgegenstände für zu Hause oder als Spenden für lokale Kirchen geschaffen, obwohl kleine Reliefs aus Elfenbein, Knochen und Holz sowohl religiöse als auch weltliche Motive bedecken und für den kirchlichen und häuslichen Gebrauch bestimmt waren. Solche Skulpturen waren das Werk städtischer Handwerker, und das typischste Thema für dreidimensionale kleine Statuen ist die Jungfrau Maria allein oder mit Kind. Paris war das Hauptzentrum der Elfenbeinwerkstätten und wurde in den größten Teil Nordeuropas exportiert, obwohl Italien auch eine beträchtliche Produktion hatte.

Ein Beispiel für diese unabhängigen Skulpturen befindet sich in den Sammlungen der Abteikirche St. Denis; Die silbervergoldete Jungfrau und das Kind stammen aus dem Jahr 1339 und zeigen Maria in einem fließenden Umhang mit einer kindlichen Christusfigur. Sowohl die Einfachheit des Umhangs als auch die Jugend des Kindes lassen auf andere in Nordeuropa gefundene Skulpturen aus dem 14. und frühen 15. Jahrhundert schließen. Diese Skulptur zeigt eine Entwicklung von einem früheren steifen und langgestreckten Stil, der teilweise noch romanisch ist, zu einem räumlichen und naturalistischen Gefühl im späten 12. und frühen 13. Jahrhundert. Weitere skulpturale Themen der französischen Gotik waren Figuren und Szenen aus der damaligen Populärliteratur. Bilder aus der Poesie der Troubadoure waren besonders beliebt bei Handwerkern von Spiegelkoffern und kleinen Kisten, vermutlich für Frauen.

Beliebt und billig waren auch Andenken an Pilgerfahrten zu Schreinen wie Ton- oder Bleiabzeichen, Medaillen und mit Bildern gestempelte Ampullen. Ihr säkulares Äquivalent, das Abzeichen, war ein Zeichen feudaler und politischer Loyalität oder eines Bündnisses, das in England unter dem Bastardfeudalismus als soziale Bedrohung angesehen wurde. Die billigeren Formen wurden manchmal kostenlos verschenkt, wie bei den 13.000 Abzeichen, die 1483 von König Richard III. Von England in fustianischer Kleidung mit dem Emblem eines weißen Ebers für die Investitur seines Sohnes Edward als Prinz von Wales bestellt wurden Bevölkerung zu der Zeit. Das Dunstable Swan Jewel, vollständig in der Runde in emailliertem Gold modelliert, ist eine weitaus exklusivere Version, die jemandem gegeben worden wäre, der dem Spender sehr nahe oder wichtig ist.

Die soziale Betrachtung von Kunst und Künstler
Das Aufblühen des Woll- und Stoffgeschäfts, verbunden mit den Messen und Handelsrouten, die Europa von Nord nach Süd durchqueren (von Florenz, Genua und Venedig nach Champagne und Flandern, ohne Medina del Campo zu vergessen), bringt die Geburtsstunde einer einzigartigen Kunst hervor: der Wandteppichstoff, der ein sehr wichtiges soziales Prestige hatte. Nicht für ihre Autoren, die nie über die Betrachtung bloßer Handwerker hinausgingen, sondern für ihre Besitzer. Ohne eine klare Trennung zwischen den industriellen Künsten und denen, die wir heute als bildende Künste betrachten, könnte man das gleiche von Baumeistern, Malern und Bildhauern sagen, dass wir, obwohl wir den Namen vieler von ihnen behalten, nicht versäumt haben, auch einen auszuüben des abscheulichen und mechanischen Handwerks, nicht einmal vergleichbar mit den liberalen Berufen.