Gesamtkunstwerk
Die Synthese des Kunstwerks ist ein Kunstwerk, das sich aller oder vieler Kunstformen bedient oder anstrebt. Ein Gesamtkunstwerk ist eine Arbeit, die verschiedene Künste wie Musik, Poesie, Tanz / Pantomime, Architektur und Malerei vereint. Die Zusammenstellung ist nicht willkürlich und illustrativ: die Komponenten ergänzen sich notwendigerweise.
Gesamtkunstwerk, was auch „totales Kunstwerk“, „ideales Kunstwerk“, „universelles Kunstwerk“, „Synthese der Künste“, „umfassendes Kunstwerk“, „allumfassende Kunstform“ oder „Gesamtkunstwerk“ bedeutet zu einer Art von autonomem Kunstwerk, das gleichzeitig und in Bezug auf verschiedene Medien oder künstlerische Disziplinen integriert ist, hat das Gesamtkunstwerk eine „Tendenz, die Grenze zwischen ästhetischer Struktur und Realität zu beseitigen“ (Odo Marquard). Es ist kein Bezug auf die göttliche Schöpfung, wie es in der Kunst zwischen Gotik und Barock üblich war, aber sie beansprucht ihre eigene Gültigkeit.
Der Begriff wurde erstmals 1827 von dem deutschen Schriftsteller und Philosophen K. F. E. Trahndorff in einem Aufsatz verwendet. Die Synthese der Kunstfusion ist jedoch seit langem in der Geschichte erschienen. Der deutsche Opernkomponist Richard Wagner verwendete den Begriff in zwei Aufsätzen von 1849, und das Wort wurde besonders mit seinen ästhetischen Idealen verbunden.
Seit seiner Prägung wird der Begriff Gesamtkunstwer in der Dramaturgie, der bildenden Kunst und der szenischen Kunst weit verbreitet verwendet und beschreibt im allgemeinen verschiedene künstlerische Erscheinungsformen, in denen Elemente verschiedener Künste kombiniert sind. Filmkunst und andere audiovisuelle Künste wie Musikvideos oder Videospiele wurden wegen ihrer Kombination von Theater, Musik, Bild usw. auch als „Werke der Gesamtkunst“ beschrieben. In der Architektur wird dieser Begriff verwendet, um ein Gebäude zu beschreiben Teil ist so konzipiert, dass er andere innerhalb eines Ganzen ergänzt.
Im 20. Jahrhundert haben einige Autoren den Begriff auf einige Formen der Architektur angewandt, während andere ihn auf Film und Massenmedien angewandt haben.
Der Begriff wurde auch von Künstlern der Wiener Secession seit Beginn des 20. Jahrhunderts verwendet, um ihr ästhetisches Ziel zu beschreiben.
Geschichte:
Alte Synthese der Künste:
Die Traditionen des Synthesedenkens und der erkenntnistheoretischen Einstellungen reichen bis in die Antike zurück und manifestieren sich in verschiedenen symbolischen Sprachen (die Forscher verweisen auf z. B. ägyptische Hieroglyphen). Bereits zu dieser Zeit wurde die Verbindung zwischen Wort und Bild aufgedeckt – in Piktogrammen, die den Kern der modernen visuellen Literatur als eine integrale Kombination aus einer Vielzahl von materiellen und gemeinsamen Bedeutungen darstellten.
In der griechischen Kultur war es wichtig, Lyrik und Musik zu verbinden und den Text als melitisches Gedicht zu behandeln, das immer mit der Melodie verbunden und gesungen werden sollte. Zum Beispiel haben alle erhaltenen Gedichte von Sappho einen melischen Charakter (die griechischen Melos bedeuten soviel wie die Melodie).
In der römischen Kultur, der Dichter Horacia in seinem Brief an Pizzen (bekannt als poetische Kunst) enthalten die berühmte Phrase pictura poesis (lateinische Poesie wie Malerei), als Inspiration in der Renaissance Ästhetik, zB von Leonardo da Vinci als Autor des Vertrags von Gemälde.
Die Idee des Gesamtkunstwerks entsteht in der Romantik. Der Philosoph Friedrich Schelling zum Beispiel betonte das „notwendige Werden des Menschen“ (Bruno oder das göttliche und natürliche Prinzip der Dinge, 1802). Dieses gesteigerte Selbstvertrauen ermöglichte es, das Werk des Künstlers mit dem Werk der Natur gleichzusetzen. Der Begriff selbst wird erstmals von dem Schriftsteller und Philosophen Eusebius Trahndorff in seinem Werk Ästhetik oder Lehre von Weltanschauung und Kunst (1827) verwendet. 1849 taucht er wieder in Richard Wagners Buch Die Kunst und die Revolution auf. Ob Wagner Trahndorffs Arbeit kannte, ist eine offene Frage.
Mittelalter Synthese der Künste:
Abgesehen von der antiken Inspiration wurde die Sensibilität für die Kunstgemeinschaft im Mittelalter offenbart, insbesondere seine Ars Moriendi (lateinische Kunst des Sterbens) als ein Thema in der bildenden Kunst (in einer narrativen und „literarischen“ Weise erfasst).
Ein weiteres Gebiet gegenseitiger Durchdringung war im Mittelalter eine Handschrift. Blooming in der Epoche, zunächst in den Benediktinerklöstern, unabhängig von ihrem Thema und künstlerische Qualität, versprechen Ästhetik des Comic.
Ein vielseitiger Künstler trat im Mittelalter auf und vereinte und vereinte viele seiner Vorstellungskraft – eine Frau, Benediktinerin und Mystikerin Hildegard von Bingen: Dichterin, Malerin, Komponistin, auch Theologin (Frauentheologin) und Philosophin (und Phytotherapeutin in Naturheilkunde) und ein Koch, der schätzt, was das 20. Jahrhundert organische Nahrung nannte).
Die Renaissance Synthese der Künste:
Die Renaissance war an der Imagination interessiert, die er als Phantasieren, aber auch als Erkenntnis behandelte. Die theoretischen Grundlagen der Kunstsynthese (auf die sich die Romantik bezieht) wurden von der Philosophie und Ästhetik des Florentiner Neuplatonismus, insbesondere Marsilio Ficino, in ausführlichen Kommentaren zum Platonfest und in der Abhandlung Platonische Theologie gegeben. Das Symbol der Wiedergeburt war auch Gegenstand der Erweckung. Gian Francesco Pico della Mirandola hat in seinem Essay Über die Imagination symbolische Gemälde als schön und hilfreich für die Erziehung der Jugend herausgestellt. In diesem Sinne wurden zahlreiche Lexika von Symbolen veröffentlicht.
Dank der Erfindung des Buchdrucks wurden bereits Bücher gedruckt, und sie gewannen (wegen der mittelalterlichen Handschriftentradition) ein reiches typografisches Setting mit Graphiken (meist Holzschnitten), die die Wahrnehmung des Lesers im Geiste der Kunstsynthese erforderten. Ein solcher Charakter war beispielsweise der Nikolaus von Santa Claus mit Gravuren als eine Art symbolträchtiges Buch. Die Bände, in denen der Text als eigenes Bildmaterial behandelt wurde, wurden ebenfalls populär; Sie waren der Kern der visuellen Literatur.
Die Suche nach einer streng verstandenen künstlerischen Synthese wurde jedoch durch den Klassizismus der Renaissance gehemmt, der die Autonomie jeder einzelnen Kunst betonte.
Barocke Synthese der Künste:
Es entwickelte das Denken über die Gemeinschaft bis in die Barockzeit vollständig, suchte universelles Wissen und die geistige und formale Einheit aller Künste. Die barocken Symbolwörterbücher öffneten das Verständnis des Seins als die Einheit all seiner geistigen und materiellen Erscheinungen – die durch das Symbol „eingefangene“ Einheit. Von besonderer Bedeutung waren Cesare Ripa und seine Ikonologie – ein breites, mit Holzschnitten versehenes Wörterbuch von emblematisch bedeckten Begriffen: als symbolisches Bild und als diskursiver Kommentar. In der Barockzeit zeigte sich auch die Interdependenz zwischen Natur und Kultur. Dies wirkte sich auf die barocke Ästhetik aus.
Pole Sarbiewski in einem Essay über die Vor- und Nachteile der Elegie im Geiste der Anerkennung der Einheitlichkeit der Wahrnehmung, analysierte er die emotionale Dimension der Vokale, und in der umfangreichen Abhandlung gab Dii Gentium ein Wörterbuch der kulturellen Mythen, die alte und christliche Tradition zu kombinieren .
In der barocken Kunst ist die Erfüllung der Synthese der Künste zu einem Sinnbild als Gattung aus der Grenze von Literatur und bildender Kunst geworden. Es gab auch zahlreiche Werke und Bücher, die insgesamt experimentell behandelt wurden, mit einer phantasievollen Textkomposition, die von der typografischen Seite als „Malerei“ behandelt wurde. Der Text nahm die Form eines Zepters, eines Baumes, eines großen Glases usw. an. Insofern ist das Barock eine Blütezeit der visuellen Literatur. In Polen waren solche Formen in gelegentlicher Literatur häufig, und Beispiele sind kreuzförmige Texte, Zepter, Sterne, ein Obelisk oder ein Grabdenkmal.
Der Traum einer Kunstgemeinschaft wird jedoch vor allem durch die Oper, ein im Barock entstandenes Genre, verwirklicht, gerade auf der Suche nach Synthese, die Musik (Komposition, Klanggrundierung), Literatur (Libretto gesungen), Theater verbindet (Inszenierung) und Malerei (von der es das Bühnenbild zeichnet). Die Oper wurde im Florentiner Camerata-Kreis (der theoretische Hintergrund wurde dem neuen ästhetischen Denken der Renaissance Vincenzo Galilei in der bahnbrechenden Abhandlung Dialogo della musica antica e moderna gegeben), in Venedig entwickelt, und ihre ersten Meisterwerke wurde von Claudio Monteverdi gegeben (im Jahr 1607 wird sein Orpheus als der Anfang der Art uraufgeführt).
Der barocke Visionär, der verschiedene Materialien und Wahrnehmungsbereiche kombinierte, erfüllte praktisch das Konzept der Synthese von Kunst.
Die Aufklärung Synthese der Künste:
Die Ausnahme war die Oper, nicht das Ganze (oft beschränkt auf die Gesangsdarbietung), sondern das von Wolfgang Amadeus Mozart geschaffene. Zwei seiner vollständigsten Opernwerke – Don Giovanni und Die Zauberflöte – schaffen eine perfekt harmonische Kombination aus Musik, Text, Geschichte und dem Spiel der Fantasie.
Romantik Synthese der Künste:
Die Zeit der Erneuerung der alten Träume und eine neue Faszination für die Synthese der Künste wurde zu einer Erneuerung des alten Denkens und erreichte auch die Barockmeister (wie Shakespeare), die Romantik. Er inspirierte auch die Vorlesungen über die Ästhetik Hegels, die die Kunst als eine Manifestation des Absoluten in einer sinnlichen Form behandelten, ausgedehnte Reflexionen, die symbolischen Formen in der Kunst, der „romantischen Form der Kunst“ und bestimmten Arten von Kunst gewidmet waren.
Das philosophische und ästhetische Denken der Romantik hat sich oft auf die spirituelle Einheit von Mensch und Natur, einschließlich Kultur und Natur, und die Nähe der menschlichen Person und Gottes konzentriert und ein Kunstprojekt gezeichnet, das diese Affinitäten symbolisch beeinflusst: Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher schrieb darüber, Maler Otto Runge (Freund des malerisch die Landschaft symbolisierenden Malers), auch Denker Karl Trahndorff (1782-1863), der das Konzept des Gesamtkunstwerks (also Werke der universellen Kunst bzw. „total“) als zusammenhängend verstand Kombination verschiedener Künste: Poesie, Musik, Malerei, Tanz). Überall hier ist Kunst als eine homogene Sprache konzipiert, trotz der Vielfalt des Materials, die ein Wesen enthüllt – ein Gesamtkunstwerk.
Die Synthese der Stücke erfüllte Autoren aus der Grenzregion von Aufklärung und Romantik: Johann Wolfgang Goethe (in der Tragödie des Faust) und vor allem vielseitiger William Blake (Mystiker, Dichter, Maler und Grafiker, harmonisch)
In der reifen Romantik wurde das Konzept der Gemeinschaft der Imagination und des Materials proklamiert und erfüllt, was ihre Arbeit der Inspiration anderer Künste öffnete: dem Maler Eugène Delacroix und dem polnischen Komponisten Fryderyk Chopin. Auch andere polnische Romantiker prägen die Synthese der Stücke: Juliusz Słowacki (vor allem in Spätwerken, der visionäre Einheit von Poesie und malerischen und musikalischen Effekten verleiht) und Cyprian Norwid (als vielseitiger Künstler: Dichter, Maler und Zeichner – „der Magier“, wie er sich selbst genannt).
Das Genre, das in dieser Zeit in den großen Visionen im Geiste der Synthese von Stücken reich war, war das Drama, genauer gesagt das Genre für die Epoche idiomatisch – ein romantisches Drama. Die romantische Rezeption des Barock (noch nicht als eine Ära bezeichnet), einschließlich Calderon, und vor allem Shakespeare, gelesen als Visionär, der künstlerische Freiheit lehrt, verbindet verschiedene Stile und Materialien der Kunst, hatte eine große Rolle in seiner Form. Die theoretische Grundlage des romantischen Dramas wurde von Victor Hugo formuliert. Ein goetheanischer Faust, voller musikalischer Effekte und vor allem im zweiten Teil gab fast „Film“ die synkretistische Vision und Erfüllung der Synthese der Künste. Immer noch in der Romantik haben diese Merkmale die Opernanpassungen hervorgehoben, die Charles Gounod (Faust) und Hector Berlioz (Fausts Verdammnis) gaben. Im polnischen romantischen Drama geben Adam Mickiewicz in Dziady (besonders in Teil II) und Juliusz Słowacki in Dramen (am vollständigsten in der letzten – Samuel Zborowski) synkretistische Visionen.
Die romantische Oper erneuerte das originale, barocke Genre als synkretistische Form (Gaetano Donizetti und Łucja aus Lammermoor, Modest Mussorgski und Borys Godunov, erwähnt Gounod und Berlioz) und vor allem Giuseppe Verdi und Opern, die auf Shakespeares Tragödien basierten Macbeth und Otello). In Frankreich wurde eine Variation des Genres, unwissentlich (ohne ein solches ästhetisches Bewusstsein), das sich auf das Barock bezieht, zu einer großen Opéra, deren Vertreter Giacomo Meyerbeer war. Oft jedoch war die romantische Oper zu sehr auf die spektakulären Gesangsparts fokussiert und verlor damit die Essenz des Genres.
Von besonderer Bedeutung war der spätromantische Komponist Richard Wagner, der in den Theorien des Begriffs Musiktheater (von der Oper unterschieden) formulierte. Seine aus diesen Annahmen entstandenen Werke (wie Tristan und Isolde, die Tetralogie des Nibelungenringes) waren eine neue Erfüllung der barock-romantischen Konzeption des Zusammenhalts des Materials verschiedener Künste innerhalb einer kreativen visuellen Arbeit. Wagner setzte das von früheren Theoretikern postulierte „Gesamtwerk“ – Gesamtkunstwerk – um. Er selbst schrieb ein poetisches Libretto für seine Werke.
Wagner und das Gesamtkunstwerk:
Einige Elemente der Opernreform, die nach einer „klassischen“ Formel suchten, hatten am Ende des 18. Jahrhunderts begonnen. Nach der langen Beherrschung der Opera seria und der Da-Capo-Arie begann eine Bewegung, die den Librettisten und den Komponisten gegenüber den Sängern voranzubringen und das Drama zu einem intensiveren und weniger moralisierenden Fokus zu führen. Diese Bewegung, „Reformoper“, ist in erster Linie mit Christoph Willibald Gluck und Ranieri de ‚Calzabigi verbunden. Die Themen in den von Glucks Kollaborationen mit Calzabigi produzierten Opern setzen sich in den Opern Carl Maria von Webers fort, bis Wagner sowohl die italienische Belcanto-Tradition als auch die französische „Spektakeloper“ ablehnte, seine Vereinigung von Musik, Drama, theatralischen Effekten, und gelegentlich tanzen.
Diese Tendenzen entwickelten sich jedoch eher zufällig als als Reaktion auf eine spezifische Kunstphilosophie; Wagner, der die Reformen von Gluck erkannte und die Werke Webers bewunderte, wollte seine Auffassung ursprünglich als Teil seiner radikalen sozialen und politischen Ansichten der späten 1840er Jahre festigen. Vor Wagner hatten sich andere, die unter den Titeln von Trahndorffs Aufsatz, in dem das Wort zuerst auftauchte, „Ästhetik oder Theorie der Kunstphilosophie“ geäußert hatten, Gedanken über die Union der Künste gemacht, die bei den deutschen Romantikern ein bekanntes Thema war. . Andere, die über Kunstsynthesen schrieben, waren Gottfried Lessing, Ludwig Tieck und Novalis. Carl Maria von Webers enthusiastische Rezension von E.T.A. Hoffmanns Oper Undine (1816) bewunderte sie als »ein in sich geschlossenes Kunstwerk, in dem Teilbeiträge der verwandten und kollaborierenden Künste verschmelzen, verschwinden und im Verschwinden irgendwie eine neue Welt bilden«.
Wagner verwendete den exakten Begriff „Gesamtkunstwerk“ nur zweimal, in seinen Aufsätzen „Kunst und Revolution“ von 1849 und „Die Kunstwerke der Zukunft“, wo er von seinem Ideal spricht, alle Werke des Künstlers zu vereinen Kunst über das Theater. Er verwendete auch in diesen Aufsätzen viele ähnliche Ausdrücke wie „das vollendete Kunstwerk der Zukunft“ und „das integrierte Drama“, und häufig bezeichnet als „Gesamtkunst“. Solch ein Kunstwerk sollte der klarste und tiefgründigste Ausdruck der Volkssage sein, obwohl es von seinen nationalistischen Einzelheiten zu einer universellen humanistischen Fabel abstrahiert wurde.
Wagner nannte die attische Tragödie das „große Gesamtkunstwerk“. In seinem kurz darauf entstandenen Werk Die Kunst der Zukunft erweiterte Wagner die Bedeutung des Begriffs. In seiner Konzeption eines ganzheitlichen, vielseitigen Kunstwerks, das er ausführlich in seinem umfassenden Buch Oper und Drama beschrieb und später von anderen als musikalisches Drama behandelt wurde, unterwarf Wagner die einzelnen „Schwesterkünste“ einem gemeinsamen Zweck, dem Drama. Aus seiner Sicht sollte die zunehmende Arbeitsteilung (zB bei der Trennung von Theaterabteilungen) und die egoistische Isolation in der Gesellschaft abgeschafft werden. Zur gleichen Zeit, als ein Vorbild und Feind, sah er die französische große Oper, in der alle Bühnenkünste waren bereits vereint auf ihrem neuesten technischen Stand. Wagner ging von der Überzeugung aus, dass die Oper auf dem Holzweg lag, wenn sie Musik absolut setzte und alle anderen Elemente, vor allem das Drama selbst, unterordnete.
Wagners Geschwister waren gleichzeitig Schauspieler, Sänger und Tänzer gewesen, was aufgrund der Spezialisierung der Theaterberufe nach 1850 nicht mehr möglich war. Auf andere Weise sollte diese Universalität wiederhergestellt werden: durch gleiche Arbeit der Performer in der Arbeit von Kunst im Dienste des Autors. Wagner sprach von einer „Genossenschaft aller Künstler“. Er ging von den ästhetischen Ideen der deutschen Romantik ebenso aus wie von den politischen und ästhetischen Diskursen, die um 1840 im Zuge der verschiedenen Revolutionen in Paris virulent waren und eine soziale Utopie mittels Ästhetik zu verwirklichen hofften:
„Das große Kunstwerk, das alle Gattungen der Kunst umfassen muss, um sozusagen jede dieser Arten als Mittel zur Erreichung des kollektiven Zwecks aller, nämlich der unbedingten, unmittelbaren Exposition, zu konsumieren von der vollkommenen menschlichen Natur, – dieses große Kunstwerk erkennt er nicht als den willkürlich möglichen Akt des Individuums, sondern als das notwendigerweise vorstellbare gemeinsame Werk der Menschen der Zukunft.
Wagner empfand die griechischen Tragödien von Aischylos als die besten (wenn auch immer noch mangelhaften) Beispiele der totalen künstlerischen Synthese, aber diese Synthese sei nachträglich von Euripides verdorben worden. Wagner hatte das Gefühl, dass sich die Künste während des Rests der Menschheitsgeschichte bis zum heutigen Tag (d. H. 1850) immer weiter voneinander entfernt hatten, was zu solchen „Monstrositäten“ wie der Grand Opera führte. Wagner fühlte, dass solche Werke Bravourgesang, sensationelle Bühneneffekte und bedeutungslose Plots feierten. In „Kunst und Revolution“ wendet Wagner den Begriff „Gesamtkunstwerk“ im Kontext der griechischen Tragödie an. In „Das Kunstwerk der Zukunft“ benutzt er es für sein eigenes, noch nicht realisiertes Ideal.
In seinem umfangreichen Buch Oper und Drama (1851 vollendet) nimmt er diese Ideen weiter und schildert ausführlich seine Idee der Vereinigung von Oper und Drama (später trotz Wagners Missbilligung des Begriffs Musikdrama genannt), in der die einzelnen Künste untergeordnet sind zu einem gemeinsamen Zweck.
Wagners eigener Opernzyklus Der Ring des Nibelungen, und speziell dessen Bestandteile Das Rheingold und Die Walküre, stellen vielleicht den nächsten dar, den er oder irgendjemand sonst am nächsten kam, um diese Ideale zu verwirklichen; er war selbst nach dieser Phase, um seine eigenen Beschränkungen zu lockern und mehr „operativ“ zu schreiben.
Wagner legte großen Wert auf Umweltelemente wie Beleuchtung, Soundeffekte oder die Anordnung der Sitze, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Bühne zu lenken und so sein volles Eintauchen in das Drama zu erreichen. Diese Ideen waren zu der Zeit revolutionär, aber bald wurden sie von der modernen Oper übernommen.
Gesamtkunstwerk Musik:
Der Begriff Gesamtkunstwerk weist auf das Theaterideal hin, in dem Musik, Drama, Choreografie, Poesie und bildende Kunst zusammenlaufen, um eine perfekte Synthese der verschiedenen Künste zu erreichen. Darüber hinaus wird dieses Gesamtwerk einerseits den tiefsten Ausdruck der Seele eines Volkes darstellen, andererseits wird es in ein Feld der Universalität projiziert werden. Das höchste Beispiel dieser Konzeption war für den Bayreuther Komponisten die attische und vor allem die eskyleanische Tragödie, während später, vom Euripides bis zur Operntradition, besonders in Italien, das Ideal des Gesamtkunstwerks sich fortschreitend verschlechterte; Wagners Absicht war es, das Gesamtkunstwerk wieder herzustellen und als eine perfekte und endgültige künstlerische Form aufzuprägen. Kurz nach Wagner konzipierte Aleksandr Skrjabin seinen Prometheus oder sein Gedicht des Feuers, eine grandiose künstlerische Synästhesie, für die er sogar ein Instrument entwarf, das mit jeder Note einen farbigen Lichtstrahl verband, der die Halle überfluten sollte. Ein Projekt, das so seiner Zeit voraus war, dass es nicht möglich war, es zu realisieren.
Das Ideal des Gesamtkunstwerks wird von den figurativen Künstlern der Wiener Secession, darunter Gustav Klimt, die im Hinblick auf eine idealisierte Verschmelzung der verschiedenen Künste entwerfen, formen, malen und dekorieren, besonders hervorgehoben.
Gesamtkunstwerk Architektur:
Einige Architekturschriftsteller haben den Begriff Gesamtkunstwerk verwendet, um Umstände zu bezeichnen, bei denen ein Architekt für die Gestaltung und / oder Überwachung der Gesamtheit des Gebäudes verantwortlich ist: Rohbau, Accessoires, Einrichtungsgegenstände und Landschaft. Es ist schwer zu behaupten, wann der Begriff des Gesamtkunstwerks erstmals aus der Sicht eines Gebäudes und seiner Inhalte verwendet wurde (obwohl der Begriff selbst in diesem Zusammenhang erst im späten 20. Jahrhundert verwendet wurde); Bereits in der Renaissance sahen Künstler wie Michelangelo keine strikte Trennung in ihren Aufgaben zwischen Architektur, Innenarchitektur, Bildhauerei, Malerei und sogar Technik. Der Historiker Robert L. Delevoy hat argumentiert, dass Art Nouveau eine im Wesentlichen dekorative Tendenz darstelle, die sich somit für die Idee des architektonischen Gesamtkunstwerks eignete. Aber es ist ebenso möglich, dass es aus sozialen Theorien entstand, die aus der Angst vor dem Aufstieg des Industrialismus entstanden sind.
Seit den 1890er Jahren kann man jedoch Zeugnisse eines kompletten Interieurs sehen, das das Konzept des Gesamtkunstwerks kennzeichnet. Unter den Architekten im 18. und 19. Jahrhundert gab es eine zunehmende Tendenz, jede Facette eines Architektenauftrags zu kontrollieren. Neben ihrer Verantwortung für die Struktur versuchten sie, ihre Rolle auch auf die Gestaltung (oder zumindest Überprüfung) aller Aspekte der Inneneinrichtung auszudehnen. Dies beinhaltete nicht nur die Innenarchitektur, sondern wurde auch auf das Design von Möbeln, Teppichen, Tapeten, Stoffen, Leuchten und Türgriffen ausgedehnt. Robert Adam und Augustus Welby Pugin sind Beispiele für diesen Trend, einen harmonisierenden Gesamteffekt zu erzielen, der sich in einigen Fällen sogar auf die Wahl oder Gestaltung von Tafelsilber, Porzellan und Glas erstreckt.
Mit der 1919 von Walter Gropius in Weimar gegründeten Bauhausschule entstand ein ausgesprochen moderner Ansatz für das Konzept des architektonischen Gesamtkunstwerks. Die Schule spezialisierte sich auf Design, Kunst und Handwerk (die Architektur wurde erst 1927 nach der Übersiedlung nach Dessau als eigenständiger Kurs eingeführt). Gropius behauptete, dass Künstler und Architekten auch Handwerker sein sollten, dass sie Erfahrung mit verschiedenen Materialien und künstlerischen Medien haben sollten, einschließlich Industriedesign, Kleidungsdesign und Theater und Musik. Gropius sah jedoch ein Gebäude und jeden Aspekt seines Entwurfs nicht notwendigerweise als Arbeit einer einzelnen Hand.
Die kanadische Entwicklungsgesellschaft Westbank, gegründet von Ian Gillespie, nutzt Gesamtkunstwerk als Grundgedanke der Vision und Philosophie des Unternehmens für Stadtentwicklung.
Symbolismus und Moderne Synthese:
Beeindruckt von der Vision des „totalen“ Werkes von Richard Wagners Kunst, betrachtete Charles Baudelaire Musik als ein Modell für Poesie, die die persönlichsten und schwer fassbaren Erfahrungen und Eindrücke ausdrückt. Diese symbolische Bedeutung wurde den Musikern gegeben, weil sie es war – effektiver als das Wort und sogar das (damals noch realistische) Bild, das Gefühle stimulierte und Intuition auslöste. Das berühmte Sonett Baudelaire Correspondances (in polnischen Übersetzungen wurde es Äquivalenten oder Echos gegeben, obwohl der Titel einfach Korrespondenz im Sinne von „gegenseitiger Interaktion“ bedeutet) aus dem Band Flowers of Evil, 1857) wurde bald ein Teil der Rückkehr von corespondances des arts als ein Begriff auf dem Gebiet der Ästhetik. Baudelaire schildert in diesem Sonett die geistige Verwandtschaft von Mensch und Natur, genannt der „Wald der Symbole“. Aus dieser romantischen Sicht der Natur zeichnete der Dichter ein neues Konzept des Symbols, das weniger ein Teilchen eines erkennbaren Lexikons von Bedeutungen ist, sondern eine zutiefst persönliche und unverständliche Vision. Baudelaire inspirierte Symbolik als Ästhetik und künstlerische Richtung, die sich den Affinitäten der Künste öffnete und auf eine große synkretistische Vision zusteuerte. So schrieb Arthur Rimbaud, der sich in seiner Poesie und poetischen Prosa ausdrückt, und programmatisch das Sonoflu-Sonett (das die Affinität zwischen Ton und Bild offenbart).
Aus der Inspiration der neuen Symbolik griff die Moderne als Epoche in Literatur und Kunst häufig zur Synthese von Kunst auf. Sie entwickelten kreativ die Komponisten Gustav Mahler (in seinen philosophischen Reichen Symphonien) und Aleksandr Scriabin (Klang und Farbe in der Performance zu verbinden – das berühmte Konzept des „leichten Klaviers“). Stanisław Wyspiański, ein Dichter, Maler und Zeichner, verwirklicht unter den Künstlern des Jungen Polen die vielseitigste Kunstgemeinschaft – besonders in den Dramen von Noc listopadowa, Wesele und dem visionären Akropolis. Die Synthese der Stücke wird auch von Tadeusz Miciński in – mit der malerischen und fast „Film“ Elan – die Tragödie von Basilis Teofanu ‚durchgeführt
Die Definitionen der Synthese der Künste und der Übereinstimmung der Künste werden oft synonym verwendet, während sie sich in den Zwecken und Bereichen der Kunst unterscheiden, in denen sie hauptsächlich manifestiert wurden.
Nach dem Ersten Weltkrieg behandelte der Dichter Guillaume Apollinaire in der Sammlung Caligrams (1918) den Text mutig als freie grafische Komposition, die den ganzen Charakter der visuellen Poesie (zB im Werk Mandoline, Gewürznelke und Bambus) prägte. Der Futurismus experimentierte oft auch mit dem Versuch, Kunst zu synthetisieren.
Ein neues Lob der Einbildungskraft wurde vom Surrealismus gegeben, der für das freie Feld der Assoziationen und die Kombination des Materials verschiedener Künste etwas programmatisch offen war. Der Theoretiker André Breton gab dem Manifest des Surrealismus (1924) ein Programm der befreiten und phantasmagorischen Kunst. Die künstlerischen Realisationen dieser Annahmen waren bescheidener. Die Ausnahme war der Stummfilm von Luis Buñuel, ein andalusischer Hund von 1928 – eine halluzinatorische Kombination von drastischen Bildern (die berühmte Szene des Schneidens des Auges mit einem Rasiermesser) mit einer vagen symbolischen Bedeutung, besonders erotisch; aber das war in erster Linie eine Studie des Unterbewusstseins. Die Bedeutung der Idee des Surrealismus als Inspiration für die spätere Kunst ist jedoch groß – dies ist die Zustimmung (aus dem Geist des Barock und der Romantik) zur kreativen Freiheit des Künstlers.
In der Zwischenkriegszeit nahm der futuristische Dichter und Maler Tytus Czyżewski seine Werke auf eine Weise, die der visuellen Poesie nahekommt – das sind die Gedichte Posen und Dom, das Gedicht Elektrische Visionen. Tom Czyżewski Pastorałki erreicht den Effekt der Synthese der Künste, indem er den poetischen und stilisierten Text durch Illustrationen von Tadeusz Makowski mit den alten Grafiken verbindet. Der Kunstsynthese am nächsten sind die beiden vielseitigen Künstler Witkacy und Bruno Schulz, sowohl in Bezug auf das Ausmaß kreativer Aktivitäten als auch auf die Gestaltung des Materials der Werke. Witkacys Theorie der reinen Formen war auch ein Projekt einer synkretistischen Kunst, die (wie er schrieb) „metaphysische Gefühle“ ausdrückt, die ästhetische und existenzielle Dimension verbindet und eine reinigende Katharsis darstellt. Witkiewicz gab seinen Ölgemälden aus der Zeit des Formismus eine literarisch-visionäre Dimension (Verführerischer Heiliger Antoni), während er in seinen Dramen Spannungen voller Spannung, raffinierte Komposition, in Malerei und Film (Kurka Wodna, Matka, Sonate Beelzebub) prägte. Schulz schuf einen Rahmen, der auf der erotischen Handlung der Graphik (Xięga idwochwalcza) basierte, und Prosa wurde als expressionistisch aufgebaute reich verputzte Bilder ausgedrückt.
Postmoderne Synthese der Künste:
Neuere Literatur bezieht sich auf die Idee der Synthese von Kunst, oft anlässlich des Experiments. Jan Lechoń, ein für Malerei und Musik immer empfänglicher Dichter, Sarabandas Gedicht für Wanda Landowska (aus seinem letzten Band, Marble and Rose, 1954), bezeichnete er als fast musikalisch, laut dem Titel Sarabande, dessen Rhythmus einer Cembalo-Miniatur ähnelt. Jarosław Iwaszkiewicz baute in der Zwischenkriegszeit in Witkacys gewidmetem Stück An Evening to Abdon (1922) eine launische Geschichte wie eine Traumvision, einen unverwechselbaren musikalischen Rhythmus und eine lebendige Klarheit von Bildschichten. Jahre später, wie die Synthese von psychologischen Erzählungen, gemalten Bildern und Leitmotiven der Musik (mit Wagners Kompositionen), baute er die Traumgeschichte aus dem Band der Träume. Gardens. Sérénité (1974). Im späten Band der Poesie und Prosa veröffentlichte das Tatra-Album (1975) ein Gedicht mit dem Titel Niebo, das in rhythmischer Prosa verfasst wurde und äußerte zunächst, dass es „ein Versuch sei, die Sonatenform so eng wie möglich in das Wort zu stellen“ – das Werk ist daher eine literarische Umsetzung der musikalischen Form Sonate.
In der zeitgenössischen Kultur wurde die programmatische Synthese von Kunst durch den Komponisten Olivier Messiaen (mit synkretistischer Imagination, „farbenreiches Hören“, assoziieren Farben und Töne), vor allem in der Oper Saint Francis von Assisi und elektronische Musik mit Martenot Wellen geprägt. Auch in Opernwerken von Krzysztof Penderecki verbinden sich verschiedene Materialien, am vollkommensten in der sacra rappresentazione (einer Gattung der Oper), die das Paradies verloren hat und die sich direkt in die barock-romantische Stiltradition einfügt.
Die besondere Individualität war der vielseitige Roland Topor, aus der Barocktradition und insbesondere dem Surrealismus (er kannte Breton persönlich), ein Grafiker, Dramatiker und Geschichtenautor, der sein Werk ableitete, auch mit Film kooperierend (magische Laterne für Casanova Fellini).
Der Film, der in der Neuzeit als eine Technik der Aufzeichnung und Visualisierung von Bewegung und mit Zeit und Kunst geschaffen wurde, konnte eine synkretistische Vision bilden, sobald die technische Reife der Botschaft in der Präzision von Klang und Farbe erreicht wurde. Es ist in den Jahren 50-60 passiert. Das zwanzigste Jahrhundert. Er schuf die größten Visionen des Films, Federico Fellini – der Regisseur der Phantasie des Malers (und künstlerisches Talent), und auch musikalisch sensibel. Er schuf eine Synthese von Stücken, die in ausgewählten Sequenzen kulminierten – in Giuliettas Filmen von Gespenstern (sinnliche und orgiastische Episoden im Haus von Suzy, dem Nachbarn der Protagonistin), Satyricon (Spaziergang durch homosexuelle Liebende durch das Wirtshaus), Rom (Kirchenmodenschau), Casanova (Zauberer von Topors Projekt, klingender Chor von Wagners Musikepisode German), Stadt der Frauen (Frau des Helden, singt im Haus Snaporaza Arie von Verdiowska La Traviata), und das Schiff segelt (Musik von Verdi im Zerstreuen der Asche des Sängers auf See und Untergang).
Ein ähnlicher Stil wurde von Luchino Visconti (wer die Oper und Regie Opernaufführungen geschätzt) in den Filmen von Leopard und der Götterdämmerung, aber vor allem in der gesättigten Musik von Wagner Ludwig (dessen Held war der wahnsinnige Förderer des Komponisten) enthüllt König Ludwigs Bayrisch). Die Synthese der Stücke spielt Ken Russell, die Sättigung seiner Filme mit der Musik porträtierter Komponisten, die auch in streng visionären Szenen (Musikliebhaber – über Tschaikowsky, Mahler) und in Teufeln eine brutale und theatralische Vision des Barocks verwendet werden Epoche. Russell drehte 1975 den Tommy-Film, eine barocke, lebendige Adaption des Musicals – die Synthese der Künste ist in den Kreis der Massenkultur eingetreten. In den Filmen Andrej Tarkowskis (Andrei Rublew, Zwierciadło, Sacrifice) wiederum wird die Synthese der Künste durch direkte Zitate aus den Werken der Malerei geschaffen, die mit der Musik der großen Meister verbunden sind. Eine ähnliche Synthese erhielt Werner Herzog, indem er die „bildhafte“ verfilmte Landschaft und den Klang (Glass Heart – mit psychedelischer Rockmusik, Fitzcarraldo – mit Opernmusik) assoziierte.
In der Ausstellung „Der Hang zum Gesamtkunstwerk“ von Harald Szeemann, die 1983 im Kunsthaus Zürich, im Museum des 20. Jahrhunderts in Wien und Anfang 1984 auch in Berlin Charlottenburg gezeigt wurde, wurden verschiedene Werke der Kunst präsentiert Öffentlichkeit: unter anderem der Merzbau von Kurt Schwitters, das Goetheanum in Dornach, die Kathedralen (wie Sagrada Família) von Antonio Gaudi, der Monte Verità bei Ascona, das Vittoriale degli Italiani am Gardasee. Die Ausstellung vereint seit 1800 europäische Utopien, die sich nicht auf eine rein ästhetische Bedeutung beschränken wollen, sondern eine Transformation der sozialen Realität in eine erneuerte Gesellschaft im Auge haben.
In jüngerer Zeit überschneidet sich der Begriff Gesamtkunstwerk mit dem der (synthetischen) Intermedialität. Ob Kunstwerke, die gleichzeitig unterschiedliche Sinne ansprechen, freie Kompositionen im Sinne von Multimedia oder Mixed Media sind, oder ob sie die Voraussetzung der Vereinheitlichung zu einem Gesamtkunstwerk erfüllen, ist eine Frage der Interpretation. Happening, Fluxus, Performance, Experimental Theater und andere Phänomene werden auch als Variationen der Idee des Gesamtkunstwerks interpretiert.
Eine eigene Oper wird von einer Oper besetzt, die eine Adaption der Oper ist, aber nur, wenn der Regisseur nicht auf Realismus abzielt, sondern die künstlerischen Konsequenzen zieht, viele Stücke innerhalb eines Werkes zu treffen. Das taten Ingmar Bergman (Mozarts Zauberflöte) und Andrzej Żuławski (Borys Godunov nach Mussorgsky). Es ist nah am europäischen Musikfilm, der von der Tradition eines realistisch gestalteten Musical abweicht – es sind Jacques Demy und Parasolki von Cherbourg mit Catherine Deneuve in der Hauptrolle und Legrands Musik, der Film wird komplett, aber auch geschmackvoll gesungen farbige Rahmen.
Im Rahmen von Malerei und Skulptur nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Synthese der Künste enthüllt, und zwar oft durch den Synkretismus der Form, und schließlich die Abkehr vom fertigen, vom Künstler fertiggestellten Werk, um den kreativen Prozess unter Verwendung des Material verschiedener Künste. Die konzeptuelle Kunst, die damit verbunden ist, improvisieren, Kunst als Prozess zeigen – sie benutzen eine Vielzahl von Materialien: Malerei, Literatur, aber vor allem Multimediatechnik (insbesondere Video). Ja, mit der Verwendung von elektronischen Geräten und digitaler Technologie nimmt die alte, jahrhundertealte Idee der Synthese von Kunst Gestalt an.
Innerhalb der Massenkultur ist das Phänomen, das aus der einfachsten Synthese des Materials innerhalb der Wahrnehmung entsteht, ein Comic. Die interessantere, oft raffinierte und künstlerisch herausragende, praktische Manifestation der Kunstsynthese ist ein Videoclip – ein Phänomen, das in der populären Musikkultur üblich ist und auf der Verbindung von Bild und Ton basiert. Ein Lied oder ein Musikvideo zu interpretieren oder besser zu visualisieren, hängt an den Umrissen der Handlung, gibt dem Darsteller die Rolle des Schauspielens, gibt der Szenerie Bedeutung, Kostüme oder sogar Makeup-Charaktere. Die Versammlung (normalerweise sein schneller Rhythmus) ist von besonderer Wichtigkeit, sowie spezielle visuelle Effekte, die vom Computer erhalten werden. Das daraus resultierende Ganze ist eine Synthese von Kunst. Pionierleistungen in dieser Hinsicht hatte die Band Queen (im Video zum Song „Save Me“ Animation wurde zum ersten Mal verwendet). Die ursprünglichen Musikvideos wurden von Madonna aufgenommen („Music“, auch „Hung Up“ und „Sorry“ – aus dem Album Confessions on a Dance Floor). Der Meister dieser Form war Michael Jackson, dessen Musikvideo zum Titelsong des Albums Thriller als Meisterwerk gilt.