Game Changers: Die Silhouette des 20. Jahrhunderts neu erfinden, Modemuseum Antwerpen

Die Ausstellung „Game Changers: Die Silhouette des 20. Jahrhunderts neu erfinden“ befasst sich mit dem bahnbrechenden Werk des Modedesigners Cristóbal Balenciaga, dessen Innovationen Mitte des 20. Jahrhunderts eine radikal neue Silhouette hervorbrachten, die dem Körper Bewegungsfreiheit verleiht und architektonische Volumen entstehen lässt Raum um ihn herum.

Zusammen mit den Pioonen der Haute-Couture in den 1920er und 1930er Jahren und später den Designern der 1980er und 1990er Jahre erwies sich Balenciaga als Alternative zur vorherrschenden konstruktiven Sanduhr-Silhouette. Diese „Game Changers“ betrachteten die Mode des 20. Jahrhunderts aus einer neuen Perspektive.

Einflussreiche Kleidungsstücke aus Japan wie der Kimono befreiten Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts von ihren engen Korsetts. Modedesigner wie Madeleine Vionnet, Paul Poiret und Coco Chanel prägten diese Freiheit in den 1920er bis 1930er Jahren mit technischen Innovationen und modernen Vorstellungen von Weiblichkeit. Ende des 20. Jahrhunderts erforschen japanische und belgische Designer wie Issey Miyake, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Ann Demeulemeester und Martin Margiela die Grenzen der weiblichen Silhouette. Sie ebneten den Weg für neue Körperformen und abstrakte Silhouetten und interpretierten neu, was man als Mode bezeichnen könnte.

Die zentrale Figur der Ausstellung ist der baskische Modedesigner Cristóbal Balenciaga (1895-1972), der als zentrale Figur zwischen den beiden Epochen als Architekt der Innovation gilt. Seine Muster und Arbeiten bilden die zentrale Achse der Ausstellung. Jeder der Designer arbeitete auf seine Weise an ähnlich innovativen Ideen und verschob die Grenzen der klassischen weiblichen Silhouette.

Auf diese Weise wird Mode mehr als eine Abfolge von Trends; mode ist ein weg, körper, raum und bewegung zu formen. Ray Kawakubos SS 1997-Kollektion „Body Meets Dress, Dress Meets Body“ zeigt, wie diese neuen Formen zu einem Teil des Modevokabulars geworden sind.

Die Ausstellung vereint 100 einzigartige Couture- und Konfektions-Silhouetten von Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel, aber auch Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons und Maison Martin Margiela. Mit Leihgaben aus renommierten Sammlungen des Museum of Fashion Technology Institute in New York, des V & A, des MUDE Lisbon und des Musée Galliera.

Entdecken Sie die bahnbrechenden Designer, die die Silhouette des 20. Jahrhunderts radikal innoviert haben.

Die Game Changers-Ausstellung fand von März 2016 bis August 2016 im MoMu statt. Die Show bestand aus über 130 Silhouetten bahnbrechender Designer mit Cristóbal Balenciaga als Protagonist.

Die Ausstellung kombinierte MoMu-Archivstücke mit Leihgaben des Palais Galliera, des V & A, des FIT, des Balenciaga-Archivs in Paris, des SAIC Chicago, des Gemeentemuseums Den Haag, des Groninger Museums, des MKG Hamburg, des Kunstgewerbemuseums Berlin und des Modemuseums Hasselt.

Die Show wurde von Miren Arzalluz und Karen Van Godtsenhoven kuratiert.

Tigersprung
Rückblick in die Zukunft

Das einleitende Thema der Ausstellung heißt „Tigersprung“ und besteht aus zwei bahnbrechenden Silhouetten, eine von Cristóbal Balenciaga und eine von Rei Kawakubo.

Der Begriff „Tigersprung“ leitet sich aus dem deutschen Konzept „Tigersprung“ des Philosophen Walter Benjamin ab, der Mode als etwas bezeichnet, das sich an der Zukunft orientiert, aber gleichzeitig auf die Vergangenheit zurückblickt, um Inspiration zu finden: Innovation durch einen erneuten Besuch des vergangenheit ist ein leitmotiv der ausstellung.

Rei Kawakubos ikonische, gepolsterte Silhouette „Body Meets Dress, Dress Meets Body“ aus dem Frühjahr / Sommer 1997 zeigt, wie die westliche Sanduhrsilhouette von Designern des 20. Jahrhunderts herausgefordert wird und den Weg für neue Formen, Kurven und Konstellationen im 21. Jahrhundert ebnet.

MoMu erwarb dieses Kleid bei der Didier Ludot Couture-Auktion im Juli 2015. MoMu sammelt belgische Designs und internationale Avantgarde-Designer wie Comme des Garçons von Rei Kawakubo.

Wie Sie in diesem asymmetrischen Taftkleid aus Balenciagas Herbst / Winter 1953-Kollektion sehen können, ist seine Arbeit durch die Verwendung sowohl historistischer Formen als auch innovativer Elemente ein Beispiel für das Tiger-Sprung-Prinzip.

Balenciagas Ikonen
Die kultigsten Silhouetten von Cristóbal Balenciaga

Balenciagas ikonischste Silhouetten lösten sich vom vorherrschenden Sanduhrideal des 20. Jahrhunderts ab: die Barrel-Linie, der Semi-Fit-Look (1951), die Tunika (1955), das Sackkleid (1957), das Viereckkleid (1968) und die trapezförmige Babypuppe von 1958, die den Beginn seiner abstraktesten Phase markierte, in der fortschreitend konzeptuelle Kleidungsstücke von architektonischer Qualität einen uneingeschränkten, freieren Körper bekleideten.

Während der restriktiven Zeit der nationalsozialistischen Besetzung von Paris begann Balenciaga 1942 einen Prozess des Experimentierens mit der Form mit beispiellosen Ergebnissen.

Im selben Jahr (1947) eroberte Christian Dior die Welt mit dem „New Look“. Balenciaga präsentierte eine neuartige Silhouette aus fließenden, geschwungenen Linien, die eher hüllten
als den Körper eingeengt.

Dieses viereckige Kleid aus Seidengazar von 1967 war am Ende seiner Karriere eine der abstraktesten skulpturalen Kreationen von Balenciaga und bleibt eines seiner kultigsten Kleidungsstücke.

Das Sackkleid löste sich von den strukturierten, körperbewussten Silhouetten der Couture der 1950er Jahre und befreite den Körper auf elegante und bequeme Weise.

Das lose Kleidungsstück war eine schockierende Entwicklung, die die einfache und minimale Silhouette der 1960er Jahre ankündigte.

Kimono
„Ich habe vom traditionellen Kimono aus dem Raum zwischen Körper und Stoff gelernt … nicht vom Stil, sondern vom Raum.“ – Issey Miyake

Diese Gruppe befasst sich mit der Einführung von Kimono-Prinzipien in der westlichen Mode.

Ein wichtiges Element der Veränderung und Innovation in der westlichen Mode des 20. Jahrhunderts sind die Kleidungsvorstellungen des Ostens und insbesondere die der Japaner. Japan öffnete seine Türen zum Westen erst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts: Es folgte eine weit verbreitete Manie für japanische dekorative Künste, der Japonismus. Im Gegensatz zu europäischen Moden, die kompliziert sind und eng am Körper anliegen und die Kurven einer Frau formen, konzentrieren sich die östlichen Kleidungsbegriffe auf rechteckige Stoffstücke, die um den Körper gewickelt sind und ein „sanfteres Outfit“ schaffen.

Die französische Couturière Madeleine Vionnet wurde eine begeisterte Sammlerin von Kimonos und Ukiyo-e-Prints, die ihre Arbeit maßgeblich beeinflussen sollten.

Sie sagte: „Das Kleid darf nicht am Körper hängen, sondern muss seinen Linien folgen. Es muss seinen Träger begleiten, und wenn eine Frau lächelt, muss das Kleid mit ihr lächeln. “

Vionnets Kimono-inspirierte technische Innovation und ästhetische Assimilation sollten einen grundlegenden Einfluss auf die Arbeit von Cristóbal Balenciaga haben, der im Mittelpunkt seiner alternativen Vision der Silhouette in den 1950er und 60er Jahren stand.

Japanische Designer des ausgehenden 20. Jahrhunderts wie Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto und Issey Miyake kreieren internationale Mode, die in Paris präsentiert wird.

Der Einfluss der japanischen Ästhetik wie Wabi-Sabi und das Prinzip des Kimonos, die Idee, Stoff um den Körper zu wickeln, sind in ihren Arbeiten vorhanden und wurden von vielen Zeitgenossen aufgegriffen.

Der Fotograf Peter Lindbergh hat in dieser Serie von 1983 einige der berühmtesten Kleidungsstücke von Rei Kawakubo festgehalten (siehe auch nächstes Bild).

Übergroße Volumes
Maison Martin Margielas vergrößerte Versionen von archetypischen Kleidungsstücken in italienischer Größe 78 dekonstruieren die Begriffe Haute Couture (nach Maß) und Prêt-à-Porter (fertig zum Tragen): Sie passen nicht zum Körper des Trägers und nicht in vordefinierten handelsüblichen Größen erhältlich.

Margielas übergroße Kleidungsstücke dekonstruieren das Modesystem, in dem vorgefertigte, industrielle Kleidungsstücke für eine Vielzahl verschiedener Körpertypen in Standardgrößen hergestellt werden: Diese Kleidungsstücke beseitigen die Idee eines Standardkörpertyps mit der Prämisse einer (Über-) Passform alles‘.

Die gerade Linie
Diese Gruppe zeigt, wie zu verschiedenen Zeiten im 20. Jahrhundert, in den 1920er und 1960er Jahren, die geschwungene S-förmige Silhouette einer geradlinigeren, moderneren Linie Platz machte.

Die modische geschwungene Silhouette des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, auf ihrem Höhepunkt im Jugendstil und gekennzeichnet durch eine extrem kleine Taille und einen großen Busen, machte zu Beginn des 20. Jahrhunderts allmählich den geraden Linien der Reformkleider Platz.

Die Garçonne trug kurze Haare, glatte Chemise-Kleider und eine knabenhafte Figur.

Chanel hat nicht nur die Neue Frau „befreit“, sondern auch ein neues schlankes Schönheitsideal auferlegt, von dem die Echos noch heute zu spüren sind.

Sportswear beeinflusste die Haute Couture und Designer wie Chanel, Jean Patou und Madeleine Vionnet sorgten für die befreite New Woman, die sportlich und schick war.

Balenciaga interpretierte die gerade Linie in seiner berühmten „Tunika“ -Silhouette von 1955 neu, einem einfachen knielangen Kleidungsstück, das über einem geraden, längeren Rock getragen wurde. Das Outfit weist auf den Umriss der Silhouette hin, während der Raum zwischen dem Körper des Trägers und dem Kleidungsstück freie Bewegung bietet. Seine elegante Einfachheit sorgte für sofortigen Erfolg und Wirkung.

Balenciagas Neuinterpretation der Tunika wurde bald zu einem neuen Klassiker in seinem Schaffen und tauchte von Februar 1955 bis zum letzten Mal im Februar 1968 in jeder Balenciaga-Sammlung wieder auf.

Der revolutionäre Geist der 1920er Jahre spiegelt sich in den 1960er Jahren mit ähnlich geraden Silhouetten, Symbolen der Freiheit und der Moderne für die Generation des Weltraumzeitalters wider. Die „Youthquake“ – und futuristischen Designer der 1960er-Jahre haben die Taille der 1950er-Jahre beseitigt und stattdessen erneut eine Gamin-Silhouette präsentiert. André Courrèges und Paco Rabanne waren in der Lehre tätig oder arbeiteten für das Label von Balenciaga und übernahmen seine rein geometrischen Formen.

Der französische Fotograf Peter Knapp war ein enger Mitarbeiter von André Courrèges und schuf einige der bemerkenswertesten Bilder des Weltraumzeitalters in den 1960er Jahren.

Den Körper neu denken
Kleid trifft Körper, Körper trifft Kleid und wird eins, Rei Kawakubo S / S 1997

Der Körper, der einmal aus dem Korsett befreit war, war bereit, gegen Ende des 20. Jahrhunderts eine neue Rolle in Bezug auf das Kleidungsstück zu übernehmen.

Im Frühjahr / Sommer 1997 ging Rei Kawakubo auf die Idee, „den Körper neu zu überdenken“ und brachte ihre berühmte Kollektion „Lumps ’n Bumps“ heraus, die „Dress Meets Body“, „Body Meets Dress“ und „Become One“ heißt integrierte organisch gepolsterte formen, die den menschlichen körper de- oder reformieren.

Kawakubo nannte es einfach „den Körper überdenken“, während die Presse die Sammlung Quasimodo oder schlimmer noch „die hässlichste Sammlung des Jahres“ nannte.

„Nicht das, was zuvor gesehen wurde, nicht das, was wiederholt wurde, sondern neue Entdeckungen, die in die Zukunft blicken, die befreit und lebendig sind.“
– Pressemitteilung Comme des Garçons 1997

Der Choreograf Merce Cunningham, der in seiner Produktion von Scenario mit der Kollektion zusammengearbeitet hat, sagt einfach: „Die Klumpen sind vertraute Formen, die wir jeden Tag sehen können, ein Fahrradkurier mit einer Tasche über der Schulter, ein Tourist mit Gürteltasche, ein Baby bei einer Mutter Arm.“

Ebenso entgeht die Arbeit von Georgina Godley, einer britischen Künstlerin und Modedesignerin, der Darstellung des weiblichen Körpers als sexy / geschlechtslos: Sie entschied sich stattdessen für den „dritten Weg“ und verehrte den weiblichen Körper, inspiriert von Afrika
Fruchtbarkeitsgöttinnen sowie die Frauen von Vermeer.

Martin Margiela dekonstruiert spielerisch die westliche Idee der Frau als „lebende Puppe“ oder der Puppe als perfektere Version der Frau: seine Kollektionen mit Schneiderpuppen als Westen (Frühling / Sommer 1997, Herbst? Winter 1997–98), und eine anpassungsfähige Metalldraht-Attrappe aus den 1950er Jahren (Herbst-Winter 1989–90).
Indem er den tatsächlichen, lebenden Körper in einen Dummy kleidet, der als fetischisierte Version des weiblichen Körpers fungiert, zeigt er, wie fremd der standardisierte Dummy für den realen lebenden Körper ist.

„Puppen … das ist es, was viele Männer wollen, dass Frauen … nur Puppen sind.“
– Yohji Yamamoto

Um den Körper in den Mittelpunkt der Ausstellung zu rücken, erstellte MoMu ein holographisches Video unter der Regie des Fotografen Daniel Sannwald (Absolvent der Royal Antwerp Academy of Fine Arts). In einer Choreografie von Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman) mit einer Auswahl von Balenciaga-Archivstücken, ausgewählt von Demna Gvasalia, der gegenwärtigen künstlerischen Leiterin des Hauses Balenciaga – und Absolventin der Modeabteilung der Royal Academy of Fine Arts.

Diese Archivstücke werden von bahnbrechenden Entwürfen von Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Maison Martin Margiela, Comme des Garçons und Gvasalias eigenem Label Vêtements begleitet.

In einer Erinnerung an die vorsprachliche Phase des menschlichen Lebens (13 Monate), in der es kein Ich und keine Unterscheidung zwischen dem eigenen Körper des Kindes, dem Körper der Mutter und der Außenwelt gibt, verschmelzen die abstrakten Kleidungsstücke und lebenden Körper miteinander neue Konstellationen.

Von hinten gesehen
„Ich kann eine Frau nur als jemanden sehen, der vorbeigeht, der verschwindet. Ich denke, Kleidung sollte von hinten und nicht von vorne gemacht werden.“ – Yohji Yamamoto

Die Rückseite der weiblichen Silhouette wurde zum Schwerpunkt der Arbeit von Cristóbal Balenciaga. Der Halsausschnitt, der am Nacken oder am unteren Teil des Rückens elegant abfiel, bildete einen charakteristisch fließenden Vorhang.

Balenciaga ließ sich von dem traditionellen Kimono-Ausschnitt inspirieren, der vom Nacken abgeschnittene Kragen enthüllte, die den Nacken in seinen maßgeschneiderten Anzügen und Tages-Ensembles sanft freilegen.

In Japan gilt der Nacken als eines der schönsten Merkmale des weiblichen Körpers.

Daher wird die Rückseite des Kimono-Kragens eingetaucht, um den Nacken freizulegen und ihn länger erscheinen zu lassen.

Im Gegensatz zu den fließenden Linien des Kragens ist der Kimono eng um die Brust gelegt und auf der Rückseite mit anderen auffälligen Accessoires wie dem sperrigen Obi-Knoten und der mit Kämmen verzierten Frisur mit hohem Chignon verziert.

Balenciaga würde auch seine persönliche Interpretation dieser Elemente in seine berühmtesten Entwürfe der 1960er Jahre einbeziehen, wie das rosa Abendkleid aus seiner Herbst / Winter 1965-Kollektion, das ebenfalls in dieser Ausstellung zu sehen ist.

Das Babydoll
Der Weg zur Abstraktion

Das Hemdchen oder die Babypuppe, die ihren Namen vom locker sitzenden Negligée der 1950er Jahre hat, wurde erstmals von Balenciaga in seiner Winterkollektion 1957 vorgestellt.

Es war ein trapezförmiges Cocktail-Design aus Spitze, das über einem eng anliegenden Kleid getragen wurde und die wahre Körperform des Trägers darstellte. Dies führte zu einem Kompromiss zwischen dem Ausdruck der Taille und seiner Ablehnung.

In der folgenden Sommerkollektion von 1958 ging Cristóbal Balenciaga noch einen Schritt weiter und übertrieb das Volumen in vollen Kleidern, in denen jegliche Bezugnahme auf den Körper radikal beseitigt wurde.

Taille, Hüften und Brüste blieben unbemerkt in dem neuen, leeren Raum zwischen Körper und Kleidung.

Die Babypuppe ist das letzte Wahrzeichen in Balenciagas Experimentieren mit der Form in den 1950er Jahren.

Die Trapezform des Babydolls ist ein dankbarer Ausgangspunkt für zeitgenössische Designer.

Ultimative Abstraktion
Die letzte Etappe

Im Jahr 1968 schloss Cristóbal Balenciaga sein Haus, nachdem er der Welt in den 1960er Jahren seine kreativsten und reinsten Entwürfe gegeben hatte, die zu einer maximalen Körperabstraktion führten, wie man an seinem Le Chou Noir oder seinem ikonischen Kleid mit vier Ecken sehen kann Teil seiner Winter 1967 Kollektion.

Balenciagas spätes Couture-Werk soll mit dem Prêt-à-Porter-Boom der 1960er-Jahre nicht in Berührung gekommen sein, doch seine progressive Körperabstraktion und seine klaren Linien finden sich in den Kreationen der nachfolgenden Generationen wieder Pierre Cardin (manchmal vorgeworfen für seine Pilzformen und Abstraktion), Issey Miyake und spätere Generationen internationaler Designer, darunter Sybilla (Spanien), Hussein Chalayan (Zypern), Junya Watanabe (Japan) und die 3D-gedruckten Kleider von Iris van Herpen (Niederlande) ).

Sie treiben die Mode in der Tradition der Innovation wie ihre Vorgänger weiter voran. Auf diese Weise kollidieren die Ideen der Vergangenheit mit den Formen der Zukunft in einem ewigen Tigersprung.

Die abschließende Silhouette stammt von „Horn of Plenty“ von Alexander McQueen. Diese Kollektion ist die letzte, die McQueen „vor seiner Fertigstellung“ kreierte, um sich „mit der Modegeschichte auseinanderzusetzen und als reifer Designer beginnen zu können“.

Er zaubert emblematische Designer des 20. Jahrhunderts wie Chanel, Dior und Balenciaga und prägt sie selbst ein. Die typischen Hahnentrittmotive von Chanel und Dior verwandeln sich in einen Vogeldruck, Signatur von McQueen.

Das raupenartige Kleid von Balenciaga wächst zu einem dramatischen aufgeblasenen Volumen heran.

Modemuseum Antwerpen, Belgien

MoMu (Mode Museum) ist das Modemuseum der belgischen Provinz Antwerpen. Das am 21. September 2002 gegründete Museum sammelt, konserviert, studiert und zeigt belgische Mode. Das Museum konzentriert sich speziell auf belgische zeitgenössische Modedesigner, die in den achtziger und neunziger Jahren aus einer Gruppe von in Antwerpen ausgebildeten Modedesignern hervorgegangen sind (Martin Margiela, Dr. Van Noten, Dr. usw.). Die erste Direktorin des Museums war Linda Loppa, die auch Gründerin und Direktorin der Modeschule der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Antwerpen) war. Der aktuelle Regisseur ist Kaat Debo.

Sammlung
MoMu hat eine Sammlung von mehr als 33.000 Artikeln: Kleidung, Schuhe, Textilien, Accessoires, Spitzen, … Kleidung und Accessoires bilden den Kern der Sammlung, die durch Einkäufe, aber auch durch Spenden von Privatpersonen, Designern und Mode entstanden ist Häuser und durch eine Reihe von langfristigen Darlehen. Zum Beispiel haben die frühen Geschenke von Linda Loppa und Christine Matthijs die Designerkollektion von MoMu ins Leben gerufen. Diese Untersammlung wurde mit großzügigen Spenden unter anderem von Dries Van Noten und Bernhard Willhelm bereichert. Aber auch mit langfristigen Darlehen, darunter 100 Silhouetten von Walter Van Beirendonckin 2012, ein paar Dutzend Designerschuhe und mehr als 100 Hüte des britischen Designers Stephen Jones von Sammlern und Gründern des Antwerpener Coccodrillo-Schuhgeschäfts Geert Bruloot und Eddy Michiels. Die Museumssammlung wurde 2012 durch die Spende und den teilweisen Kauf der Sammlung historischer Mode der niederländischen Sammlerin Jacoba de Jonge um einige hundert Stücke erweitert. Zusammen mit den ehemaligen Sammlungen des ehemaligen Textil- und Trachtenmuseums Vrieselhof verwaltet das MoMu heute eine Sammlung von rund 33.000 Objekten, die größtenteils im Haushalt aufbewahrt werden.

Die Kollektion besteht aus Kleidung, Accessoires und Textilien sowie unerwarteten Gegenständen wie Werkzeugen, Maschinen für die Textilproduktion, Mustern und Modenschaueinladungen.

Die Kollektionspolitik von MoMu konzentriert sich auf die Arbeit belgischer Designer und Absolventen der Modeabteilung der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen. Prominente Namen aus der zeitgenössischen internationalen Modewelt sind ebenfalls in der Kollektion vertreten.

Die Sammlung wächst jedes Jahr durch Akquisitionen, Leihgaben und zahlreiche Spenden und umfasst mittlerweile über 33.000 Objekte. Dies macht die MoMu-Kollektion zur größten und wichtigsten Sammlung zeitgenössischer belgischer Mode in der Welt. Das Museum erhält laufend internationale Leihanträge für Stücke aus seiner Designersammlung.

MoMus historische Sammlung westeuropäischer Trachten und Textilien ist eine Fortsetzung der Sammlung des ehemaligen Trachten- und Textilmuseums Vrieselhof.

Im Jahr 2011 wurde die historische Sammlung um eine wichtige Akquisition erweitert. Über 2.000 Objekte aus dem 18., 19. und der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden aus der Privatsammlung von Frau Jacoba de Jonge erworben und ergänzen die bestehende MoMu-Sammlung.

Neben der Mode- und Kostümsammlung beherbergt das Museum auch eine umfangreiche Bibliothekssammlung. Die MoMu-Bibliothek ist eine wissenschaftliche Bibliothek für historische und zeitgenössische Mode, Textilien und ethnische Kostüme. Mit mehr als 15.000 Büchern, einem Archiv voller wertvoller Nachschlagewerke, Hunderten zeitgenössischer und historischer Zeitschriften sowie einer schnell wachsenden digitalen Bilddatenbank gehört die MoMu-Bibliothek zu den führenden ihrer Art weltweit.

2017 wurde die Studiensammlung in die Sammlung des Museums aufgenommen. Die Studiensammlung ist eine separate Sammlung, die den Besuchern das Thema Mode näher bringen soll, indem sie Objekte aus der Nähe betrachten kann. Die Studiensammlung kann für die akademische Forschung, als Lehrmaterial oder als Inspiration verwendet werden. Sie kann ab Herbst 2018 konsultiert werden.

Die Studiensammlung umfasst historische, zeitgenössische und ethnische Kleidung, Fragmente und Muster. Diese zugänglichere Sammlung besteht aus einer Spende von Frau Jacoba de Jonge, einer langfristigen Leihgabe der Abteilung für Konservierung und Restaurierung der Universität Antwerpen und Stücken von MoMu.