Die Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom ist die größte Sammlung zeitgenössischer italienischer Kunst. In Rom befinden sich mehr als 4 400 Gemälde und Skulpturen sowie etwa 13 000 Zeichnungen und Drucke von vorwiegend italienischen Künstlern des 19. und 20. Jahrhunderts. In seinen 55 Zimmern können Sie die Meisterwerke der Sammlung sehen, etwa 1 100 Werke. Es ist das einzige nationale Museum, das ausschließlich der modernen Kunst gewidmet ist. Tatsächlich gibt es in vielen regionalen Hauptstädten moderne Kunstgalerien, aber sie sind kommunaler Natur.

Geschichte der Galerie
Die Galerie wurde 1883 gegründet, wenige Jahre nach der Gründung des jungen italienischen Einheitsstaates (1871 wurde Rom zur Hauptstadt Italiens), da es ein Museum brauchte, das zeitgenössischen Künstlern gewidmet war, die in letzter Zeit lebten oder fehlten. Der erste Sitz der Galerie war der Palazzo delle Esposizioni in der Via Nazionale, dessen Einrichtung auf die Arbeit des Ministers Guido Baccelli zurückzuführen ist.

Bald jedoch erwies sich der Palazzo delle Esposizioni als unzureichend, um im Laufe der Zeit gewachsene Gemälde und Skulpturen unterzubringen. Dann gab es einen weiteren Nachteil: Jedes Mal, wenn eine temporäre Ausstellung stattfand, mussten die ausgestellten Werke entfernt werden.

Anlässlich der Internationalen Ausstellung von Rom 1911 (50. Jahrestag der Vereinigung Italiens) wurde das heutige Gebäude in Valle Giulia als permanenter Standort der Galerie errichtet. Der Palast der schönen Künste wurde vom römischen Architekten und Ingenieur Cesare Bazzani entworfen (derselbe Autor des Erziehungsministeriums in der Viale Trastevere in Rom und des Krankenhauses Fatebenefratelli auf der Tiberinsel).

Im Jahr 1933 wurde dieses Gebäude auch nicht mehr für alle Arbeiten geeignet, die für den Kauf oder die Schenkung auf die Galerie kamen. Auch von Cesare Bazzani wurde in diesem Jahr ein Erweiterungsbau geplant und eingeweiht, der die Ausstellungsfläche verdoppelte (entspricht den Räumen des 20. Jahrhunderts).

Diese neuen Räume kamen nicht in den Besitz der Galerie, weil sie von einer „Ausstellung der faschistischen Revolution“ besetzt waren, die mit Tabellen, Grafiken, Fotos und künstlerischen Arbeiten die wichtigsten Errungenschaften des Regimes „verherrlichen“ wollte.

1941 (damals mitten im Zweiten Weltkrieg) wurde er Superintendent der noch nicht dreißig Jahre alten Galleria Palma Buscarelli, blieb bis 1975 in diesem Amt für über 30 Jahre. Sie verdankt ein wichtiges Werk der Verjüngung der italienischen Kultur und Offenheit gegenüber modernere internationale Experimente. Er bemühte sich, die Galerie mit all jenen Strukturen auszustatten, die heute für ein modernes Museum unentbehrlich sind: Lehrbetrieb, Bibliothek, Cafeteria, Buchhandlung, Buchpräsentation, Künstlertreffen. Es gab keinen Mangel an weltlichen Treffen wie Modeschauen. In dieser Arbeit verwendete er erstklassige Mitarbeiter wie Nello Ponente, Giovanni Carandente, Corrado Maltese, Maurizio Calvesi, Giorgio de Marchis.

Aber bevor das alles getan wurde, musste man die Kunstwerke vor den Gefahren des Krieges retten, er nahm sie heimlich in den Farnese-Palast von Caprarola (in der Provinz Viterbo, am See von Vico), dann in Castel Sant’Angelo.

Nach der Befreiung Roms (4. Juni 1944) konnte die Galerie unter vielen Schwierigkeiten wiedereröffnet werden. Es folgten Jahre großer Ausstellungen, die es den Italienern ermöglichten, Künstler zu kennen, die das Regime nicht bekannt zu machen versuchte. 1953 wurde eine große Ausstellung über Picasso, 1956 über Mondrian, 1958 über Pollock, 1959 um die Ausstellung des großen Sacks von Burri, der einen Skandal hervorrief, im Jahre 1971 mit der Ausstellung von Piero Manzoni der Superintendent Palma Buscarelli riskiert Sein Platz. Bei dieser Arbeit der kulturellen Innovation standen ihm die Kritiker und Kunsthistoriker Giulio Carlo Argan (Turin 1909 – Rom 1992) und Cesare Brandi (Siena 1906 – Vignano SI 1988) zur Seite.

Nach einem Projekt von Luigi Cosenza wurde 1973 eine staatliche Finanzierung für eine weitere Erweiterung der Galerie gewährt. Die Einweihung fand 1988 statt.

Im Jahr 1975 erwarb die Galerie mit der Einrichtung des Ministeriums für Kulturerbe den Titel der Sonderinspektion. Im selben Jahr markiert der Rücktritt von Superintendent Palma Buscarelli eine neue Phase, in der das von ihr konzipierte und entwickelte „Avantgarde-Museum“ die Offenheit gegenüber zeitgenössischer Kunst nicht auf dem gleichen Niveau hält. Unter der Leitung von Italo Faldi, von 1975 bis 1978, verstärkt die Galerie die Aufgaben der Konservierung und Aufwertung durch ein strukturiertes Programm von Ausstellungen zur italienischen Kunst im 19. und 20. Jahrhundert und zur europäischen und amerikanischen Kunst im Rahmen internationaler Zusammenarbeit. Zwischen 1978 und 1982 führt der neue Superintendent Giorgio de March die wesentlichen Linien der Bucarelli-Adressen auf und beruhigt sie in der neuen sozialen und kulturellen Situation der späten siebziger Jahre. Die Galerie ist in ihrer Konzeption ein dynamisches Museum im Takt der Zeit, es ist ein Zentrum der Studien, ein Produzent der Kultur und des öffentlichen Dienstes. Als Forschungszentrum fördert das Museum neben der Kenntnis der Sammlungen und Ausstellungsaktivitäten auch die Nutzung von Lehr-, Informations- und Dokumentationseinrichtungen (Bibliothek, Archiv, Projektionsraum, Konferenzen). Als Museum für moderne Kunst ist es notwendigerweise ein Ort des „Übertretens“, der kulturelle Aktivitäten verschiedener Disziplinen aus Theater, Musik, Kino und Tanz willkommen heißt und fördert. Das Programm der organisierten Ausstellungen entspricht präzisen Studien der italienischen und ausländischen Kunst des neunzehnten und zwanzigsten Jahrhunderts, im Einklang mit den Sammlungen und der Geschichte des Museums. Wenn sich das Phänomen des Massenausstellungskonsums zu manifestieren beginnt, legt de Marchis den Schwerpunkt darauf, museale Aktivitäten als kulturelle Produktion auszustellen. Die zahlreichen Ausstellungen, die in dieser Zeit organisiert werden, betreffen Beiträge, die oft noch von beträchtlicher Vitalität sind, über die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts (De Chirico, Abstrakte Kunst, Leoncillo), über die Geschichte des Museums und der Sammlungen, untersucht in der breiten Perspektive der Geschichte von der Kultur (Rom 1911), von der zeitgenössischen Situation (Kunst und Kritik, 1980 und 1981), auch in Bezug auf die jüngste Minimal Art durch die Skulpturen der Panza-Sammlung von Biumo (1980).

Seit den siebziger Jahren wurden einige wichtige Spenden gegeben, die aufgrund ihrer Weite in Gebäuden untergebracht waren, die von der Galerie getrennt waren, um eine Reihe von Satellitenmuseen zu bilden. 1979 wurde die Spende von Manzù di Ardea eröffnet und 1981 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. 1986 wurde die Galerie Mario Praz gespendet (eröffnet 1995 im Palazzo Primoli in Via Zanardelli). 1995 eröffnete er das Boncompagni Ludovisi Museum für dekorative Kunst, Mode und Kostüme in der Via Boncompagni (die Schenkung von 1972 wurde von seinen Erben behindert).

Zwischen 1995 und 1999 wurde das gesamte Gebäude umfassend restauriert und die Sammlungen neu organisiert. In diesen Werken wurden die Mittel für das Jubiläum 2000 unter der Leitung von Superintendent Sandra Pinto verwendet.

1997 erhielt die Galerie die Stiftung Schwarz für surrealistische Kunst und Dada und füllte damit eine wichtige Lücke.

Im Januar 2000 wurde mit dem Bau des MAXXI – Nationales Museum der Künste des XXI Jahrhunderts an der Stelle der Kaserne in der Via Guido Reni (Distrikt Flaminio) auf dem Projekt der anglo-irakischen Architektin Zaha Hadid begonnen. Dies ist die natürliche Fortsetzung der Modern Art Gallery.

Ab 1. Juli 2004 ist Maria Vittoria Marini Clarelli der Superintendent der Galerie. Im Jahr 2011 wurden die Arbeiten der Galerie umgestaltet und umgestaltet, wodurch sie dank des ursprünglichen Projekts des Architekten einen starken visuellen und ästhetischen Eindruck erhielt. Federico Lardera.

Im Oktober 2016 wurde die neue Galerie auf der Grundlage eines originellen Projekts eröffnet, das durch die Reduzierung der ausgestellten Werke den nicht-chronologischen Leseschlüssel zur Basis der Hauptausstellung „Time is out of joint“ einführt. “ Neben der neuen Einrichtung der Räume wird der Zugangsbereich für Dienstleistungen neu definiert, der „Willkommensbereich“, der Buchladen und die Sala delle Colonne. Unter Beibehaltung des institutionellen Namens der Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst erhält die Galerie in ihrer Mitteilung einen neuen Namen: „La Galleria Nazionale“.

Verkauf 19. Jahrhundert
Die folgende Beschreibung bezieht sich auf die Vorbereitung der Räume vor der Reorganisation 2012. Im Jahr 2016 wurden die Räume ebenfalls neu gepolstert.

Salone dell’Ercole (1)
Die Ausstellung ist der Zeit des Übergangs zwischen Neoklassizismus und Romantik zwischen Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts gewidmet.

Ein wichtiges Beispiel neoklassischer Skulptur ist:

Antonio Canova: Hercules und Lica 1815. Marmor 350x152x212. Die Skulptur wird von den Statuen der zwölf Götter des Olymp begleitet, die ihn, wie ursprünglich, im zerstörten Palazzo Torlonia auf der Piazza Venezia zum Flügel machten. Canova wurde heute von der Ercole Farnese im Nationalen Archäologischen Museum von Neapel inspiriert. Die geschnitzte Episode gehört zu den schrecklichsten in der griechischen Mythologie: Herkules, vom Schmerz über den Tod des Zentauren Nessus wahnsinnig gemacht, tötet den Boten dieser Nachrichten. Lica wird geworfen und vergeblich auf die Mähne und den Altar zurückgeworfen. Beachten Sie die Zirkularität der gegnerischen Anstrengung. Die Statue muss von hinten gesehen werden, um Licas verzweifelten Widerstand zu verstehen. Bis vor einigen Jahren wurde die Statue zu festen Zeiten bewegt. Im Raum befinden sich Werke von Francesco Podesti, dem Maler, der die Halle des Palazzo Torlonia mit Fresken bemalte, aus der die Hercules und Lica stammen.
An den Wänden das große historische und mythologische Gemälde. Romantische Künstler stellen Episoden der italienischen Geschichte dar, um Menschen zum Aufbegehren gegen den österreichischen Unterdrücker zu verleiten. In den Jahren nach dem Kongress in Wien war Italien in viele Staaten geteilt, alle Formen der Freiheit fehlten und Österreich dominierte direkt die Lombardei, während es andere Staaten beeinflusste. Unter den verschiedenen Gemälden im Raum betrachten wir:

Francesco Hayez: Sizilianische Vesper 1846. Das Werk erinnert an eine Episode, die 1282 während der Herrschaft der Anjou auf Sizilien geschah. Die Tat, die ein französischer Soldat einer Frau angedeihen ließ, löste die Rebellion und die Vertreibung der Franzosen aus. Die Frau wird sofort von Empörung getragen und wird von ihrer Familie unterstützt, während der Bräutigam mit seinen geballten Fäusten über Rache nachdenkt. Die Figur, die hinter dem Soldaten in einer Gebetshaltung gemalt ist, ist ein außergewöhnliches Porträt, ein Genre, in dem Hayez besonders geschätzt wurde. Hinter der Gruppe der Hauptfiguren beginnt der Aufstand, der Bauer sammelt den Stein, der andere den Dolch, der Gott anruft. Berg Pellegrino im Hintergrund.

Andere Arbeiten im Raum sind:

Federico Faruffini, Die Jungfrau am Nil, 1865;
Ruhiger Cremona, Marco Polo, 1863.
Es gibt auch Gemälde von Vincenzo Camuccini, Bernardo Celentano und Skulpturen von Pelagio Palagi.

Psyche Zimmer (2)
Der Raum präsentiert das zusammengesetzte und internationale Panorama Roms im frühen neunzehnten Jahrhundert („Römischer Internationalismus“). Es ist so benannt nach der Anwesenheit, in der Mitte, der Statue von:

Pietro Tenerani, Psiche fiel in Ohnmacht, 1822, Marmor. Die Statue repräsentiert den puristischen Stil, eine italienische Künstlerbewegung, die um 1833 im Gefolge der Nazarener entstand. In Bezug auf eine ethische Auffassung von Kunst erkannte der Purismus die Primitiven von Cimabue bis zum ersten Raphael als Vorbilder. Wichtige Vertreter des Purismus waren neben Tenerani der Maler und Schriftsteller Antonio Bianchini (der 1849 das Manifest des Purismus schrieb), Friedrich Overbeck, Tommaso Minardi, Augusto Mussini und andere.
Die Statue erinnert an eine der berühmtesten Mythen der griechischen und römischen Antike, die der Psyche und der Liebe, daher der Begriff Psychologie. Diese Statue wird von Argan in seiner Kunstgeschichte erwähnt. Im selben Raum, wieder von Pietro Tenerani: Porträt von Prinzessin Zenaide Wolkonsky, 1850 und Pellegrino Rossi.

Tommaso Minardi, Die Madonna des Rosenkranzes, 1840.
Tommaso Minardi, blinder Homer im Haus von Pastor Glauco, 1810.
Andrea Appiani, Porträt von Vincenzo Monti, 1809.
Marianna Candidi Dionigi, Landschaft (L’Aniene bei Tivoli), 1798.

Sala della Saffo (3)
TOSKANISCHE SCHULEN. Der Raum ist der toskanischen Malerei des ersten Teils des 19. Jahrhunderts gewidmet, die von der Macchiaiolo-Bewegung geprägt ist, die vielleicht die wichtigste und originellste italienische Kunstbewegung dieses Jahrhunderts ist. Die Bewegung basierte auf dem Prinzip, dass die Vision der Wirklichkeit nichts anderes ist als ein Satz von farbigen Flecken, mehr oder weniger stark durch die Wirkung von Licht, und dass die Aufgabe des Malers nicht darin bestand, Dinge so darzustellen, wie wir es für obligatorisch halten Machen Sie den optischen Eindruck auf die direkteste Weise. Das Michelangelo Cafe (in der Via Larga, heute Cavour, eine Gedenktafel) in Florenz war der Treffpunkt der Macchiaioli, während Pergentinien (etwas außerhalb von Florenz, entlang des Baches Affrico) und Castiglioncello (an der Küste, nicht weit von Livorno) waren die Lieblingsorte für das Malen. Der wichtigste und zu Recht berühmte Maler war Giovanni Fattori (Livorno 1825 – Florenz 1908), Telemaco Signorini war das Gehirn der Bewegung, Adriano Cecioni und Nino Costa waren die Theoretiker. Sie waren auf der Nationalausstellung 1861 in Florenz bekannt. Ihre beste Zeit war von 1855 bis 1865.

In der Mitte des Raumes die Skulptur von:

Giovanni Duprè, Saffo, 1857, der der Halle ihren Namen gibt.
Silvestro Lega, Der Besuch, 1868.
Giovanni Fattori, Porträt der ersten Frau, 1865.
Nino Costa, Frauen beim Holzeinschlag im Hafen von Anzio, 1852.
Adriano Cecioni, Interieur mit Figur, 1867.
Vincenzo Cabianca, Frauenstudie in Montemurlo, 1862. Dieses Gemälde kann als Beispiel für den Macchiaioli-Stil gelten.
Giovanni Fattori, Die Schlacht von Magenta. Es ist die Skizze für ein größeres Bild, um zu bemerken, wie anti-rhetorisch es ist.
Raffaello Sernesi, Cupolino bei Cascine. Beachten Sie die Wirkung von Sonnenflecken in grün
Odoardo Borrani, Mugnone.
Vincenzo Cabianca, Castiglioncello.
Vincenzo Cabianca, Häuser in Lerici.

Halle des Jenners (4)
PIEDMONTESE UND LOMBARDO NORDSCHULEN – VENETA. Die Malerei Norditaliens dieser Jahre ist durch die Anwesenheit der Scapigliati gekennzeichnet, die vor allem in Giovanni Carnovali, dem Piccio, zu sehen ist. Piccio ist der Autor eines Gemäldes, das auf Transparenten und Schleiern gespielt wird. Die Scapigliati zeichnen sich durch die Auflösung der Form in der Farbe aus, die die Unschärfe der Konturen und die Verwendung von diskontinuierlichen und leuchtenden Pinselstrichen erzwingt, wobei Tranquillo Cremona eine pathetische und sinnliche Charakterisierung gibt.
Scapigliatura war eine literarische und künstlerische Bewegung, die sich zwischen 1860 und 1900 in der Lombardei entwickelte. Führende Vertreter waren Emilio Praga und Arrigo Boito. Von: Universal Garzanti.

Giulio Monteverde, Edoardo Jenner, 1873, Bronze. Die Skulptur gibt der Halle den Namen. „Die Arbeit porträtiert den englischen Arzt, Entdecker des Pockenimpfstoffes (1796), der das Experiment an dem Sohn ausführt …“ Skulptur zu seiner Zeit berühmt, sogar für das Thema, hat aber sicherlich alle Grenzen der historischen Skulptur – anekdotisch “
Domenico Induno, Bollettino di Villafranca, 1861. Während des Zweiten Unabhängigkeitskriegs die piemontesischen und französischen Armeen siegreich über die sich zurückziehenden Österreicher vorrücken, scheint auch die Befreiung Venedigs nahe zu liegen, als Napoleon III. Die Nachricht vom Frieden zwischen Österreich und Frankreich unterschrieb Italiener wissen. Auf dem Gesicht der Patrioten lesen wir die Enttäuschung über die Ankunft des Bulletins mit den Nachrichten. Beachten Sie bestimmte Details, die einen veristischen Ton wie die italienische Flagge mit den Farben in einer falschen Reihenfolge geben. „Induno gibt dem historischen Rahmen einen Akzent der Aktualität, er übersetzt es in Szenen eines anekdotischen Verismo“. Aus: Bucarelli, Die Nationalgalerie für Moderne Kunst, 1973, Istituto Poligrafico dello Stato.
Quiet Cremona, die beiden Cousins.
Antonio Fontanesi, Ein Oktobermorgen.
Antonio Fontanesi, An der Quelle, 1865.
Antonio Fontanesi, Am Brunnen, 1869.
Giovanni Carnovali (genannt PICCIO), Porträt eines Mannes im Akt des Schreibens, 1869.
Giovanni Carnovali, Porträt des Vaters des Basses Marini, 1843.
Vittorio Avondo, La Valle del Pussino, 1874.
Ippolito Caffi, Rom vom Monte Mario aus gesehen. Ein berühmter Landschaftsmaler, er starb in der Schlacht von Lissa während des dritten Unabhängigkeitskrieges.

Sala Morelli (5)
Der Raum ist vollständig Domenico Morelli gewidmet. In den siebziger und achtziger Jahren des neunzehnten Jahrhunderts sind Domenico Morelli und Filippo Palizzi die zentralen Figuren des neapolitanischen und südlichen künstlerischen Panoramas. Morelli (Neapel 1826 – 1901) entwickelte einen veristischen Stil, der auf der Vorrangstellung der Farbe in Bezug auf das akademische Design beruhte. Er versuchte, seine Malerei an noch romantische, literarische, religiöse, historische und symbolistische Inhalte anzupassen. Im Jahr 1905 kaufte die Galerie alles, was im Atelier nach dem Tod des Autors übrig war, Gemälde, Skizzen, Aquarelle und eine große Anzahl von Zeichnungen. In den Jahren, als Palma Bucarelli Superintendent war, wurden dem Maler zwei Räume gewidmet. Aus: Enzyklopädie der Kunst, 2002 Garzanti.

Domenico Morelli, Tasso liest die Gerusalemme Liberata in Eleonora d’Este, 1865. „Eines der berühmtesten Gemälde der italienischen Malerei des 19. Jahrhunderts ist die Szene eines Melodrams, eine Ähnlichkeit mit Verdis Musik“ … intime und still ist das Bild von Toma, so viel ist auffällig, großmütig und manchmal rhetorisch das von Domenico Morelli „Aus: Palma Bucarelli, Die Nationalgalerie für Moderne Kunst, 1973 Institut des Staates Poligrafico.
Es ist das Hauptgemälde des Saals, das aus dem Herkules-Saal zu sehen ist und sich mit den großen Werken der historischen Romantik, die diesen Salon charakterisieren, in Verbindung setzt. Von: Colombo – Lafranconi, Führer der National Gallery of Modern Art, 2004 Electa. Es wird erzählt, dass Tasso heimlich in Eleonora d’Este und seine zwei Damen in der Gesellschaft verliebt war, die auch Eleonora genannt wurden. Von Audioguide erhältlich in Galleria im Jahr 2008.

Domenico Morelli, Die Versuchungen des heiligen Antonius, 1878.
Domenico Morelli, Porträt von Bernardo Celentano, 1859.
Mario Rutelli, Porträt von Domenico Morelli, um 1884. Rutelli (Palermo 1859 – 1941) ist der akademische Geschmack Bildhauer, der den Najadi-Brunnen auf der Piazza della Repubblica in Rom schuf, sein wichtigstes Werk. Dies ist der Urgroßvater von Francesco Rutelli, ehemaliger Bürgermeister von Rom.

Kleopatra-Halle (6)
SÜDSCHULEN

Dieser Raum ist Künstlern gewidmet, die in Neapel oder in Süditalien geboren, ausgebildet und betrieben wurden. Es hat seinen Namen von dem Marmor von:

Alfonso Balzico, Kleopatra. Ein Thema, das oft in der Kunstgeschichte für den Charme dargestellt wird, der die ägyptische Königin immer inspiriert hat. Wir sind in den Jahren, in denen der Isthmus von Suez (1869) durchschnitten wurde, dann gab es eine Wiederbelebung von Interesse und Studien über das alte Ägypten. Beachten Sie die Feinheit des Armbands auf dem Arm und der Schlange, die aus dem Obstkorb kommt und die junge Königin bald töten wird.
Gioacchino Toma, Luisa Sanfelice im Gefängnis, 1875. „Dies ist sein Meisterwerk, es handelt sich nicht um eine dramatische Handlung, sondern um eine menschliche Verfassung“. Eines der berühmtesten Gemälde des 19. Jahrhunderts, eines der wichtigsten Exponate in dieser Galerie. Luisa Sanfelice, Patriot der neapolitanischen Republik, sitzt im Gefängnis und wartet auf das Todesurteil, das die Bourbonen trotz ihrer Schwangerschaft erwarten. Wir sehen sie ein Kleid für ihren Sohn vorbereiten, der nicht geboren wird. „Das Gemälde von Morelli ist so aufgeregt und theatralisch wie das von Toma“, auch von Bucarelli, cit.
Gioacchino Toma, Die Wache am Steuer des Findlings, 1887.
Gioacchino Toma, Das Viatikum der Waise, 1877.
Gioacchino Toma, Roman im Kloster, 1877.
Michele Cammarano, Atrium von Santa Maria Maggiore, 1868.
Michele Cammarano, Chiacchiere auf dem Platz in Piscinula, 1865.
Michele Cammarano, Caffè auf der Piazza San Marco.
Vincenzo Gemito, Brutus, 1871.
Antonio Mancini, Carmiella, 1870.
Antonio Mancini, Verkäufer von Cerini, 1878.
Antonio Mancini, Porträt des Barons Carlo Chiarandà, 1883.
Antonio Mancini, Studio Nello, 1875.
Antonio Mancini, Il Malatino, 1878.

Sala Palizzi (7)
LANDSCHAFTEN UND MALEREI IN NEAPEL.

Auch dieser Raum ist wie die beiden vorherigen der Malerei in Neapel und in Süditalien gewidmet. Man muss bedenken, dass Neapel Ende des 18. Jahrhunderts eine der größten europäischen Städte war. Die Halle zeugt auch von der Anwesenheit fremder Maler in Neapel und von der Möglichkeit der internationalen Offenheit der Maler, die in dieser Stadt arbeiteten.

Die vier Palizzi-Brüder kamen von den Abruzzen nach Neapel, um an der Akademie zu studieren, wo sie die Kurse von Smargiassi, einem der Maler der Schule von Posillipo, besuchten. Mit ihnen verbindet sich die italienische Malerei mit den Franzosen und genau mit der Schule Fontainebleau oder Barbizon, von dem Ort aus, an dem sie sich versammelten, um außerhalb der Akademien zu malen. Das Verdienst des ältesten Joseph, der 1844 nach Paris ging, blieb dort sein ganzes Leben. Filippo, zu dem fast alle Gemälde im Raum gehören, ist bei Weitem der bekannteste und wichtigste, sowohl für die Qualität der Arbeit als auch für den Einfluss, den er hatte, um die realistische Strömung zu bestätigen. Die Arbeit von Palizzi entwickelt sich in der neapolitanischen Umgebung im Gegensatz zu der von Morelli, Autor eines Gemäldes der Geschichte und Anhänger eines über die Realität hinausgehenden Ideals. Im Jahr 1892 erhielt die Galerie die Spende von 300 Gemälden und Studien von Filippo Palizzi. Es ist die erste wichtige Spende in seiner Geschichte.

Giuseppe Palizzi, La Foresta di Fontenbleau, 1874. Das berühmteste der Gemälde von Giuseppe, ein von Argan in seinem Handbuch zitiertes Werk, wurde mehrfach erwähnt.
Anton Sminck Pitloo, Castel dell’Ovo in Neapel, 1820. Beispiel für internationale künstlerische Präsenz in Neapel. Um ihn herum, niederländisch, wurde die Schule von Posillipo gegründet. Von: Colombo – Lafranconi, Führer der National Gallery of Modern Art, 2004 Electa.
Eduardo Dalbono, La terrazza, 1867. In welcher die perspektivische Komposition mit Lichtebenen typisch Macchiaiola ist.
Filippo Palizzi, Landschaft nach dem Regen, 1860. Zitiert von Argan in seinem Handbuch.
Filippo Palizzi, Viottolo mit Priester oder Viottolo zwischen zwei Wänden, Figur des Priesters auf der Rückseite (Cava).
Filippo Palizzi, Studien von Garibaldi und Soldaten, 1860.
Giacinto Gigante, Marina di Sorrento, 1840. Beeinflusst von Turner.
Giacinto Gigante, Markt am Hafen von Castellammare, 1859.
Giacinto Gigante, Marina di Posillipo, 1828-30.