Französische Skulptur im 19. Jahrhundert

Die französische Skulptur des 19. Jahrhunderts ist die statuarische und skulpturale Produktion in Frankreich zwischen 1801 und 1901. Sie zeichnet sich durch die Vielfalt der Strömungen und Stile aus, vom Neoklassizismus des frühen Jahrhunderts, im Jugendstil und der Moderne am Ende des Jahrhunderts.

Die französische Bildhauerei des 19. Jahrhunderts ist gekennzeichnet durch eine sehr wichtige Produktion, die durch offizielle Ordnungen im Zusammenhang mit städtischen Veränderungen und der Säkularisierung des öffentlichen Lebens ausgelöst wird: Städte und Regierungen, insbesondere mit Napoleon III und der Dritten Republik, konkurrieren in diesem Bereich. Feld. Der Aufstieg einer wohlhabenden Bourgeoisie nimmt auch an der Mode der Statuen mit privaten Grabmonumenten und dem Geschmack für kleine Bronzemünzen teil, die viele Tierbildhauer zu einer Spezialität machen.

Große Künstler prägen das Jahrhundert wie François Rude, David von Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Bartholdi, Jules Dalou, Auguste Rodin und Camille Claudel.

Mehrere Maler haben auch Bildhauerei ausgeübt, darunter Honoré Daumier, Gustave Dore, Jean-Leon Gerome, Edgar Degas und Paul Gauguin. Einige Skulpturen aus diesem Jahrhundert haben Skandale in ihren Ausstellungen gemacht, Satyr und Bacchante von Pradier im Jahre 1834, Killing of Préault im selben Jahr, Frau von einer Schlange von Auguste Clésinger im Jahre 1847 gebissen, Gorilla eine schwarze Frau von Emmanuel Frémiet im Jahre 1859, Carpeaux Tanz 1869, der 14-jährige Tänzer von Degas im Jahr 1881 und das Denkmal für Balzac de Rodin im Jahr 1897.

Das Phänomen der französischen Skulptur des 19. Jahrhunderts
Das Phänomen der französischen Skulptur des 19. Jahrhunderts. hat Zeitgenossen angezogen. Der Kampf mit veralteten Methoden und Bildern von Akademismus und Klassizismus in der Bildhauerei des Landes endete nie in einem Sieg der neuesten Stilströmungen, obwohl er seine Geschichte dramatisch machte. Der Akademismus wurde aktiv und materiell von Regierungen und der Pariser Akademie der Künste unterstützt, die seine Existenz für hundert Jahre förderten und in den eigenen Reihen eine Armee von Künstlern verschiedener Talente rekrutierten. Die staatliche Unterstützung für die Entwicklung der Skulptur hat günstige Bedingungen dafür geschaffen, die in keinem der damaligen Länder zu finden waren. Der Anstoß dafür war eine Kampagne für den Bau von triumphalen und sozial bedeutsamen Gebäuden, die rasche Entwicklung des kapitalistischen Handels trotz Krieg und Revolution, die Praxis der Weltausstellungen, von der Bourgeoisie beschlossen, ist von ihrer eigenen Macht überzeugt.

So schuf der Bildhauer Eugène Guillaume 1867 einen Orden für Napoleon Bonapartes siebenfachen Busen, der zu verschiedenen Zeiten seines Lebens von seiner Jugend bis zur Niederlage in seiner politischen Karriere präsentiert wurde. Es ist klar, dass eine solche Reihe von Skulpturen anachronistisch und nur für das reguläre monarchische Regime notwendig war. Skulptur von Frankreich 19. Jahrhundert. Es gab eine spürbare Zensur und politischen Druck.

Ein enzyklopädisches Lexikon von Broccuza und Efron gab sogar eine Liste der herausragendsten Skulpturen, die nach einem Jahrhundert entstanden. In der Liste fiel –

„Jeanne d’Arc spürt Gottes Stimme“ – Bronze, sc. Henry Chapa
„Psyche von Eroth aufgegeben“ – Marmor, Carre Bellaz Albert-Ernest
„Die Quelle der Poesie“ – Marmor, sc. Eugene Guillaume
„Mädchen am Brunnen“ – Marmor, sk. Shaneverk
„Traum“ – Marmor, sk. Mühlen Moro
«Gloria victis» – Bronze, UK. Antonin Mercier,
„Retary“ (Gladiator mit Gitter und Dreizack) Antony Noel

Die Allegorien des Glaubens, der Liebe, des Mutes der Soldaten und der bürgerlichen Tugend sind vier Bronzeskulpturen, die von Paul Dubois für den Grabstein des Generals LaMorisier in der Kathedrale von Nantes aufgeführt wurden.
Die Liste der herausragenden Skulpturen umfasste die „Marseilles“ von Ryuda (die besten in Bezug auf Skulpturen des Jahrhunderts), aber unter den alltäglichen Namen „Der Ruf zur Schlacht“ oder „Rede zur Freiwilligen Kampagne im Jahre 1792“, die ihre neutralisierte revolutionären Inhalt und übertrug es in einen Haushalt und politisch sicher.

Einmal in der Mitte des aristokratischen Bezirks von Paris, „Marseille“ Francois Rhuda stand die Prüfung und im Zentrum der französischen Hauptstadt, und die Prüfung ist zeitweise. Das Relief wurde zum zentralen Werk des Bildhauers und zu einem bedeutenden monumentalen Werk französischer Plastiken des gesamten 19. Jahrhunderts. All dies – im Gegensatz zu den meisten skulpturalen Produkten.

Allerdings haben hohe Schätzungen dieser Skulpturenliste durch die Zensur des Wörterbuchs und die geringe künstlerische Qualität der Werke längst an Relevanz verloren. Wörterbuch pathetisch notiert –

… das allgemeine Niveau der französischen Bildhauerkunst in den Jahren des zweiten Kaiserreiches war groß und bleibt bis heute (zu Beginn des 20. Jahrhunderts) erhalten. Aufgrund der Tatsache, dass die Regierung fast die einzige ist, aber ein aktiver Förderer dieses Kunstzweiges, sowie die Existenz der Französisch Akademie in Rom, Frankreich hat noch eine Schule von Bildhauern, mit denen keine der Schulen von andere Länder können in Bezug auf die Solidität des Wissens, Kontinuität in der Zusammensetzung und Leistung, Vielfalt und Talentstärke konkurrieren.
Eine solche Bewertung war jedoch nur eine Darstellung des gewünschten. Die Bewertung wird im 20. Jahrhundert abgelehnt und radikal revidiert.

Perioden und Stile

Neoklassizismus
Jean-Antoine Houdon letzter großer Vertreter der Bildhauerkunst des 18. Jahrhunderts, der die Verbindung zwischen Klassizismus und Neoklassizismus herstellt, setzt seine Tätigkeit bis 1814 fort und widmet sich hauptsächlich den Porträtbüsten, einschließlich jener von Kaiser Napoleon I. zum Museum der Schönen Künste von Dijon. Zu Beginn des Jahrhunderts festigte die napoleonische Ära den vom Italiener Antonio Canova beeinflussten Neoklassizismus. Zu dieser Zeit sind Antoine-Denis Chaudet, Pierre Cartellier, Francois Joseph Bosio und Joseph Chinard die Hauptvertreter. Diese Strömung äußert sich hauptsächlich in den offiziellen Ordnungen des napoleonischen Regimes, in Basreliefs, Büsten, nationalen Säulen und Triumphbögen. Es geht nach dem Ersten Kaiserreich mit dem unter der Julimonarchie höchst modischen Bildhauer James Pradier weiter, der durch seinen Stil voller Sinnlichkeit und orientalischer Inspirationen eine Synthese zwischen Klassizismus und Romantik versucht 1. Mit dem späten Neoklassizismus reicht diese Strömung bis in die Moderne zweites Imperium, mit Eugène Guillaume, Pierre-Jules Cavelier und Gabriel-Jules Thomas.

Joseph Chinard, Die Kaiserin Josephine (1808), London, Victoria und Albert Museum.
Antoine-Denis Chaudet, Büste von Napoleon 1. (1811), Paris, Louvre-Museum.
François Joseph Bosio, Herkules (1824), Paris, Louvre-Museum.
James Pradier, Die drei Grazien (1831), Paris, Louvre Museum.
Eugène Guillaume, Instrumentalmusik (1874), Paris, Oper Garnier.

Die romantische Skulptur
David d’Angers und François Rude sind die Hauptvertreter der Romantik in der Skulptur. Dieser Stil zeichnet sich durch seinen Bewegungsdrang und seine Ungeduld aus, illustriert durch das berühmte Hochrelief des Arc de Triomphe Die Abfahrt der Freiwilligen von 1792 (auch Marseillaise genannt), die von Rude von 1833 bis 1836 ausgearbeitet wurde. David d’Angers wird Besonders hervorzuheben sind seine plastischen Porträts, 500 Medaillons im Basrelief und mehrere Büsten, von denen die monumentale von Goethe repräsentativ ist. Antoine-Louis Barye in seinen Tierskulpturen wie Der Löwe, der eine Schlange zerquetscht, ist vergleichbar mit Delacroix mit seinen Jagdszenen 3. Die romantische Skulptur taucht wahrlich im Salon von 1831 auf, der besonders dem Orlando Furioso von Jehan Duseigneur ausgesetzt ist, der sich mit Das romantische Thema par excellence der Liebe führt zu Wahnsinn mit einer starken Forschungs-Ausdruckskraft. Auf dem Salon von 1834 provoziert Auguste Préault mit seinem Basrelief Tuerie einen künstlerischen Skandal. Henry de Triqueti und Félicie de Fauveau beleben die italienische Renaissance für die erste und die Gotik für die zweite. In dieser Leidenschaft für die antike Geschichte wurden klassische Anklänge an die Antike enthüllt, die ein weiteres Merkmal der Romantik sind.

David d’Angers, Das große Condé (1817), Angers, Galerie David d’Angers.
François Rude, Die Abreise der Freiwilligen von 1792 (1836), Paris, Triumphbogen des Sterns.
Auguste Préault, Tuerie (1834), Museum der Schönen Künste, Chartres.
Antoine-Louis Barye, Theseus und der Minotaurus, Los Angeles County Museum of Art.

Eklektizismus
Der Eklektizismus ist der Modetrend unter dem Zweiten Kaiserreich und der Dritten Republik. Wie in der Architektur ist es durch die Anleihe von verschiedenen Stilen der Vergangenheit, Mittelalter, Renaissance, Neo-Klassizismus, Neo-Barock geprägt. Sein berühmtester Vertreter ist Jean-Baptiste Carpeaux, der den Geist der Renaissance und den neobarocken Geist synthetisiert, dessen erstes Zeugnis sein Fischer mit der Muschel ist. Seine Gruppe tanzte für die Fassade der Opera Garnier, durch ihren Naturalismus-Skandal und wurde als unanständig betrachtet. 6. Charles Cordier mit seinen Büsten Orientalisten will eine „Rassenkunde“ durch Bevölkerungsporträts des Sudan oder des Darfur einführen.

Charles Cordier, Neger des Sudan (1857), Paris, Musée d’Orsay.
Alexandre Falguière, Tarsisius, christlicher Märtyrer, (1868), Paris, Musée d’Orsay.
Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Schlafende Hebe (1869), Paris, Musée d’Orsay.
Jean-Baptiste Carpeaux, Der Tanz (1874), Paris, Oper Garnier.
Louis-Ernest Barrias, Enthüllung der Natur bei Science (1899), Paris, Musée d’Orsay.

Akademismus
Die für die monumentale Bildhauerei und Architekturdekoration geeignete Bildhauerschule zeichnet sich durch die Wahl von allegorischen und patriotischen Motiven aus, deren Stil sich dem späten Neoklassizismus nähert. Henri Chapu, Schüler von Pradier, ist Vertreter des allegorischen Akademismus. Ein weiterer Vertreter dieser Strömung, Georges Récipon, dessen Streitwagen triumphierende Harmonie der Zwietracht des Grand Palais ist auch charakteristisch für die neobarocke Bewegung.

Die sogenannte Neo-Florentine Strömung, die in den 1860er Jahren erschien und eine anmutige, raffinierte und elegante kanonische Skulptur schuf, wurde von Paul Dubois und Toulousans Alexandre Falguière, Antonin Mercié und Laurent Marqueste verkörpert.

Frédéric-Auguste Bartholdi wurde in Colmar geboren und vom französisch-preußischen Krieg gezeichnet. Er schuf eine den patriotischen Motiven gewidmete Statue, den Löwen von Belfort und Vercingetorix von Clermont-Ferrand. Er wird allgemein berühmt mit der Freiheitsstatue. Andere Bildhauer patriotischer Monumente, Georges Diebolt, Schöpfer der Zouave und des Grenadiers der Pont de l’Alma und Emmanuel Frémiet, Bildhauer der Jeanne d’Arc der Pyramiden, der Reiterstatue von Napoleon in Laffrey und der Reiter Statue von Duguesclin bei Dinan.

Jean-Léon Gérôme war einer der akademischen Maler (mit Ernest Meissonier), der sich ebenfalls der Skulptur genähert hatte. Ihre Arbeiten mit antiken oder orientalischen Inspirationen verwenden für einige von ihnen Polychromie (The Bowler, Büste von Sarah Bernhardt).

Henri Chapu, Jeanne d’Arc (1872), Paris, Musée d’Orsay.
Emmanuel Frémiet, Denkmal der Jeanne d’Arc (1874), Paris, Place des Pyramides.
Auguste Bartholdi, Freiheitsstatue (1886), New York.
Georges Récipon, Harmonie triumphiert über Zwietracht (1900), Paris, Grand Palais.
Jean-Léon Gérôme, der Ballspieler (1902), Vesoul, Georges-Garret Museum.

Realismus
Der Karikaturist und Maler Honoré Daumier mit den Prominenten der Juste Milieu Serie von Rohtonbüsten von politischen Figuren der Julimonarchie und Ratapoils anti-bonapartistischer Statuette von 1851 deutet den Realismus in der Skulptur an.

1847 sorgte Auguste Clésinger für Schlagzeilen, indem er im Salon seine von einer Schlange gestochene Frau ausstellte. Die Kunst dieses Bildhauers stand im Einklang mit der Spätromantik, aber die kompromisslose, realistische Behandlung des Körpers, die in allen Einzelheiten bis zur Reproduktion der Cellulite an den Oberschenkeln stattfand, war durch direktes Formen entstanden. der Körper des Modells Apollonie Sabatier, halb-socialite in Sicht in der Gesellschaft der Zeit. Der Realismus der Skulptur, die verwendete Technik und die Identität des Modells haben zum Skandal der Arbeit beigetragen.

Der Hauptvertreter der realistischen Skulptur ist Jules Dalou mit monumentalen Werken über die Arbeitswelt, in denen er seine republikanischen Verpflichtungen und Communards demonstriert. Er hat viele Studien für ein Unvollendetes Arbeitermonument Projekt (Musée du Petit Palais und Musée d’Orsay) verlassen, die der Arbeitswelt und der Bauernschaft huldigen. Ein anderer Bildhauervertreter dieser Strömung, der Belgier Constantin Meunier, dessen Hauptteil seiner Karriere in Belgien stattfindet, machte sich in Paris bekannt, indem er im Salon von 1886 seinen Hammer ausstellte. Sein Basrelief La Glèbezwischen den Sammlungen des Musée du Luxembourg im Jahr 1892 und lässt ihn posthum als Monument to Work bestehen.

Auguste Clésinger, Frau von einer Schlange gestochen (1847), Paris, Musée d’Orsay.
Honoré Daumier, Ratapoil (1850-1851), Baltimore, Walters Kunstmuseum.
Constantin Meunier, Der Puddler (1886), Leuven, M Museum.
Jules Dalou, Monument zu Boussingault (1895), La Plaine Saint-Denis, nationales Konservatorium der Künste und der Fertigkeiten.

Geschichte
Um die Wende des 18. und 19. Jahrhunderts
Die Situation in der skulpturalen Industrie Frankreichs am Ende des 18. Jahrhunderts. wurde durch die tragischen Ereignisse der Französischen Revolution von 1789 – 1793 kompliziert. Monumentale Skulptur bezieht sich auf kapitalintensive Formen der Kunst und fällt in Zeiten von Unruhen oder Revolutionen in der Regel aus der Übung. Die königliche Familie Frankreichs während der Revolution wurde vom politischen und künstlerischen Leben isoliert, ebenso wie die reiche Aristokratie, die aus dem Land emigrierte und ihr eigenes Leben rettete. Sie waren die wichtigsten Kunden und Konsumenten von Skulptur in Frankreich.

Das Land hat eine Reihe von Bildhauern, die weiterhin arbeiten, aber langsam in den Bereichen der nicht-monumentalen. Dies ist Simon Louis Bouazzo (1743-1809), ehemaliger Leiter der Bildhauermanufaktur Sèvres, Claudion (1738-1814), Autor von Allegorien, Phanus, Nischen und Bacchanas im Stil des Rokoko und Bildhauer Jean-Antoine Goodon (1741-1828) ). Sie alle sahen mit eigenen Augen den Verlauf der tragischen Ereignisse der Revolution, des Terrors, der Verhaftungen der Diktatoren der Revolution, der Direktion, der Machtergreifung des ehrgeizigen Generals Napoleon Bonaparte.

Ein besonderer Ort war der Bildhauer Jean-Antoine Gudon (1741-18228). Während seines Lebens arbeitete er (als Porträtist) auch auf Befehl der Aristokraten (Tochter von Ludwig XVI., Prinzessin von Adelaide, 1777, Louvre, Graffiti de Sabran, Thüringer Museum) und nach dem Befehl von einige Figuren der Revolution (Büste von Dumurie, 1792, Angers, Büste von Mirabeau), und auf Befehl der neuen Militäraristokratie von Napoleon I Bonaparte (Büste von Napoleon, Museum, Dijon). Goodon löste in seiner Arbeit stark die Verbindung mit dem spielerischen Rokoko der französischen Aristokratie und rückte mit seinem Streben nach Aufklärung, öffentlichem Dienst und Heldentum in die Position von Realismus und mutiger Zurückhaltung des Klassizismus. Leider bleibt die schöpferische Arbeit des Bildhauers unsystematisiert und verstreut über verschiedene Kontinente [2]. Nur die Kreativität von Goodon wird eine Brücke sein, die die besten Errungenschaften der französischen Skulptur des vorigen Jahrhunderts mit der Skulptur des frühen 19. Jahrhunderts verbindet.

Anfang des 19. Jahrhunderts
Der Anfang des 19. Jahrhunderts. war geprägt von einem verstärkten offiziellen Druck auf Bildhauer durch Napoleon und seine neue Militäraristokratie. Empire wurde in die Kunstpraxis der Gewalt eingeführt. Das napoleonische Imperium ist ein rigider, pathetischer und cooler Stil, offiziell, mehr symbolisch im Frontporträt und in der Skulptur. Es unterschied sich deutlich von dem Klassizismus des späten 18. Jahrhunderts, der in der Mitte des Jahrhunderts von französischen Künstlern frei gewählt und wiederbelebt wurde. Napoleon, als der Usurpator der Macht, suchte aktiv die Größe und den Heiligenschein der Macht der alten römischen Kaiser. Deshalb wurde den Künstlern Frankreichs befohlen, die Kunstmodelle nicht als republikanisches Rom zu übernehmen, sondern in Rom die Ära der Kaiser – offiziell, gemäßigt und kalt – majestätisch. Es gab kein Reich und einen höheren Grad der Entwicklung des Klassizismus, da das Kaiserreich Napoleon vom Kaiserreich auferlegt wurde, der Klassizismus im Land wiederhergestellt wurde und wenig später im Akademismus des 19. Jahrhunderts wiedergeboren wurde.

Offiziell arbeiten Antoine-Denis Schode (1763-1810), Pierre Cartelle (1757-1831), Joseph Schinard (1756-1813) und andere. Dieser offizielle Stil wurde von dem Bildhauer Francois Joseph Boziio (1768-1745) voll unterstützt, der in Italien etwa siebzehn Jahre alt war und den Rat des Bildhauers Antonio Canova genoss. Bogio kam erst 1807 in Paris an.

Bildhauer erhalten Aufträge für die Schaffung von Triumphbögen, Büsten der Militäraristokratie und zahlreiche offizielle Porträts des Diktators Napoleon. Die Skulptur kam mit einem Klischee, die Figur wurde mit Zeichen der Großartigkeit vollgefüttert und in der Weise der alten römischen Zeiten eingewickelt. Sie könnte ebenso die Halle des Palastes oder Grabsteins schmücken, dh ihr lokales Ziel verloren haben (Napoleon-Gesetzgeber, Graf François Joseph Boseau, Grab von Casimir Pierre). Die Größe von Napoleon (klein und zu überflüssigem Gewicht geneigt) in der Skulptur verlor völlig die Zeichen der Realität und erhielt die Merkmale eines unrealistischen Symbols, für die Schaffung dieser Skulpturen der Kaiser nicht (Antonio Canova, „Frieden Napoleon „, Akademie von Brera, Mailand – groß, dünn, völlig nackt und mit einem Speer in der Hand in der Art der alten Tyrannen.

Die Lüge und der verallgemeinerte dekorative Charakter gehen auch in das Empirelief über (vgl. Antoine-Denis Schode, „Homer“)

Diese Linie der offiziellen Bildhauerei wird auch durch den Sturz des Napoleonischen Reiches von 1814 (das sogenannte Erste Kaiserreich) und die Restauration der Monarchie nicht unterbrochen. In dieser Zeit arbeitete Jean-Jacques Pradieux (1790-1852) als Franzose schweizerischer Herkunft. Die Themen seiner Werke – die Themen der Antike, Porträts, legendäre Figuren des Mittelalters.

Ein anderer lebender Francois Joseph Bozo wird mit dem gleichen Eifer den auf dem Königsthron Karls X. 1825 restaurierten Busen und die „Apotheose der Revolution Ludwigs XVI.“ 1826, die die Rückkehr ins Mittelalter symbolisieren sollte, ignorieren Bedeutende Veränderungen in den Köpfen der Franzosen und Änderungen in den Gesetzen Frankreichs, eingeführt durch die Revolution und die Ära der militärischen Abenteuer von Napoleon Bonaparte.

Bildhauer der Romantik
Die beständigsten Positionen der Romantik wurden von den Künstlern Frankreichs gemacht. Es war dort, dass die akut schmerzhafte Kluft zwischen dem humanistischen Ideal und der grausamen Realität des Landes, das die endlosen Kriege führte, unter der Nivellierung der Persönlichkeit und der praktischen Zerstörung der jüngeren Generation in Napoleons militärischen Abenteuern litt, Enttäuschung über häufige Änderungen im politischen Macht und die fehlenden Aussichten auf Stabilität. Romantik Frankreichs (im Gegensatz zu anderen nationalen Schulen) hatte auch eine patriotische, soziale Komponente, die von Theodore Gericco in dem Film „Das Kaninchen der Medusa“ und Eugène Delacroix in den Gemälden „Die Freiheit des Führers“ und “ Ausrottung der Griechen durch Türken in Chios „(“ Hacken auf Chios „). Das einzigartige Phänomen der französischen und europäischen Romantik war das Basrelief „Marseille“ auf dem Triumphbogen in Paris (Bildhauer – Francois Ruid).

Erst mit der Zeit wurde die patriotische Komponente der französischen Romantik zunichte gemacht, und die Künstler traten in die Position des individuellen Widerstandes gegen die brutale bürgerliche Realität (Eugène Delacroix, Alfred Musset, George Sand, Stendhal, Victor Hugo, in Großbritannien – George Gordon Byron) , etc.).

Eine Zwischenstellung zwischen Romantik und Spätklassizismus nahm der Bildhauer David d’Ange (1788-1856) ein. Republikanische politische Präferenzen zwangen ihn, einen Teil seines Lebens in der Emigration in Großbritannien zu verbringen. Der Bildhauer wurde auch in Paris nach seiner Rückkehr anerkannt. Versuche, den Künstler zu zähmen und machte die monarchische Regierung Frankreichs. David d’Ange erhielt eine Anfrage für ein Denkmal für Prinz Conde, Kommandant für den Hof in Versailles. Er arbeitete hart als Meister der Erinnerungskunststoffe und schuf eine Reihe von Kunstgrabsteinen. Sein Ruf als talentierter Bildhauer stärkte auch den Orden der Ehrenlegion, den er 1825 der Macht übertrug. 1826 Im Jahr wurde er Mitglied des Instituts von Frankreich.

Unter den berühmten Werken in Paris ist eine Skulpturengruppe für den Pantheon-Giebel, die die Empire-Kirche von St. Genevieve verwandelte. Kalte, empirische Stilistik der Pantheonarchitektur zwang den Künstler zu einem allegorischen Bild. Er schuf die inspirierenden Allegorien der Geschichte zwischen Frankreich und der Freiheit. In dem üppigen aber formalistischen Stil des französischen Akademismus waren die realistischen Figuren der Helden der Vergangenheit kompromittiert und nicht zu rechtfertigen, was ein weiterer Hinweis auf die tiefe Krise des französischen Akademismus in der Mitte des 19. Jahrhunderts war.

Die Romantik brachte der Skulptur ein Interesse am Nordosten des Individuums, seinen Wünschen und Emotionen. In allen europäischen Hauptstädten gibt es zahlreiche Denkmäler für große Landsleute, sowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart. Auf dem Gebiet der monumentalen Skulptur gibt es jedoch eine Armee begabter Künstler, die üppige, aber banale Lösungen und Kompositionen anbieten können. Der künstlerische Wert zahlreicher Denkmäler ist gering, und Ausnahmen sind wenige. Die monumentale Skulptur ist zu einer langen Zeit des Verfalls der künstlerischen Qualität und des Niedergangs geworden. Im Allgemeinen hinkte die westeuropäische Skulptur, die fast ausschließlich vom offiziellen Geschmack und öffentlichen Mitteln abhängig war, in der Entwicklung und künstlerischen Bedeutung der zeitgenössischen Malerei erheblich zurück.

Juli-Monarchie und Skulptur
Die Julimonarchie (1830-1848) ist eine Regierung, die nach der Julirevolution 1830 die Macht in Frankreich übernahm. Vlad wurde treffend als „Königreich der Bankiers“ bezeichnet, da nur die Bourgeoisie Teil der Regierung war. Der Staatshaushalt wurde nur für Bankiers, die durch ihn riesige Kredite und Subventionen erhielten, zu einer Einnahmequelle. Banker, die enge Beziehungen zur neuen Regierung hatten, spielten zusammen mit dem König erfolgreich den Aktienmarkt und spekulierten auf Staatsanleihen und Aktien von Privatunternehmen. Sie versuchten in jeder Hinsicht, die französischen Verfechter der Monarchie der Bourbonen-Dynastie zu stören, denn sie forderten eindringlich die Rückkehr von Macht und Reichtum.

Für diese Zeit entstand die skulpturale Serie „Königin von Frankreich und verherrlichte Frauen“. Sie bedeuteten nur die Königin und die glorreichen Frauen Frankreichs. Die Serie hatte zwanzig Marmorskulpturen voller Höhe. Louis-Philippe I, der letzte Monarch mit dem Titel König auf dem französischen Thron, traf eine Wahl, die einer Reihe von Personen würdig war. Überraschenderweise kam Zhanna d’Arc, ein Bauer, auf die Liste der Königinnen und Heiligen.

Regeln unter dem Titel des Franzosen von 1830 bis 1848. Er war ein Vertreter der Orleans-Dynastie, nach der Juli-Revolution, die ihn an die Macht brachte, nannte sich ein „König-Bürger“, um sich an der Macht zu halten. Er stellte die Finanzierung für den Spaziergang zur Verfügung. Eine Reihe von mittelalterlichen Menschen kam zu der Liste der geschaffenen Skulpturen, von denen realistische Porträts nicht existierten und im Mittelalter nicht geschaffen werden konnten. Französische Bildhauer haben nach eigenem Ermessen Fantasiefiguren geschaffen. Monotone und dekorative, Skulpturen der Königinnen von Frankreich und berühmte Frauen schmückten das Parterre und den gemalten Teich vor der Fassade des Luxemburg-Palastes, der dann für die Arbeit des Senats verwendete. Die meisten pseudohistorischen Figuren wurden um 1843 geschaffen, die jeweils 12 000 Staatsschätze kosteten. Der Aufstand und die Revolution von 1848 zwangen den „Königsbürger“ zum Verzicht auf den Thron. Der Rest des Lebens lebte Louis-Philippe I im Exil in Großbritannien.

Niedergang in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts
Der Rückgang der Ideen in der Skulptur war besonders in der Mitte des Jahrhunderts bemerkbar. Signifikante Geldbeträge, die von Regierungen für skulpturale Orden ausgegeben wurden, trugen zu den Bedingungen bei, als eine Menge begabter, geldgieriger Künstler und äußere Zeichen bürgerlichen Erfolgs zu Skulpturen eilten. Unterschiedliche Stilsysteme könnten in der skulpturalen Arbeit verwendet werden: Spätklassizismus, Akademismus, Merkmale des Realismus, die aus sorgfältiger Beobachtung der Realität entstehen. Aufgewickelter stilistischer Mix, bekannt als Eklektizismus.

Unter den Auftraggebern und Auftraggebern des Bildhauers ist Antoine Bari Prinz Ferdinand Philip von Orleans. Die Nähe zu den antiken monarchischen Familien Frankreichs führte zum Erhalt des Ordens von Napoleon Bonaparte (ein im Museum d’Orsa erhaltenes Modell), der Pferdeskulptur von Napoleon III. Für das Tor des Louvre, durch den Bildhauer Orden vier allegorische Skulpturen („Frieden“, „Krieg“, „Kraft“, „Orden“) für die Dekoration des neuen Louvre-Palastes. Seine künstlerische Manier hat sich über die Beobachtung der Wirklichkeit gebildet, hatte eine rein realistische Richtung, die seine Verbindung mit dem damals dominierenden Akademismus brach.

Der Rückgang der Skulptur zieht die Aufmerksamkeit von Kunstschaffenden auf sich, die auf anderen Gebieten berühmt geworden sind. Unter ihnen ist der Künstler und Grafiker Gustav Dore (1832-1883).

Gustave Dora wurde das perfekte Beispiel für skulpturale Meisterschaft der Kabinettskulptur „Der Park und die Liebe von Eroth“ oder „Liebe in den Händen des Schicksals“. Als virtuoser Zeichner mit ausgeprägter künstlerischer Vorstellungskraft ertrug er alle Fähigkeiten, um die allegorischen Figuren von Parks und Eroth nachzubilden. In der Skulptur feilte Dore nur den letzten Park an, der bedrohlich die Scherenwarnung hält. Zusammen mit Eroth schauen sie in eine Richtung, als ob sie das nächste Opfer beobachten würden. Erotas Hand könnte mit einem Bogen bewaffnet gewesen sein, weil ein Köcher mit Pfeilen zu Füßen einer Göttin lag. Der Künstler hat das Gesicht des alten Mannes sorgfältig nachgebildet. Parks mit abgefallenen Wangen und faltigem Nacken, die im Gegensatz zur Jugend eines geflügelten Teenagers stehen. Inspirierte Bilder und sorgfältig reproduzierte allegorische Figuren und Details der skulpturalen Gruppe (schwerer Regenmantel Parks, der an den Todesumhang erinnert, Pfeilköcher, Sanduhrattribut destruktiven Gott Chronos) brachten akademisch stilistisch skulpturale Gruppe auf das Niveau wahrer Meisterwerke, die selten waren.

Impressionismus Skulptur
Der Impressionismus, der im wesentlichen bildhaft läuft, findet Äquivalenzen in der Skulptur, durch die Technik der Modellierung und die spontane Oberflächenbehandlung. Zwei Künstler aus dem Gemälde repräsentieren diesen Trend in der Skulptur, Edgar Degas und Auguste Renoir. Degas verursachte Kontroversen mit ihrem vierzehnjährigen Little Dancer, dessen Realismus Zeitgenossen schockierte. Nur Skulpturen zu belichten, erlässt nach seinem Tod eine Reihe von Wachs modellierten Vertretern Bewegungsstudien, die in Bronze gegossen wurden. Ein weiterer Vertreter dieses Trends, der französische naturalisierte Italiener Medardo Rosso, dessen Skulpturen für den Titel „Impression der Frau unter einem Regenschirm“ oder „Impression im Omnibus“ stehen. Seine Arbeit könnte Rodin beeinflusst haben, als er an seinem Balzac arbeitete

Edgar Degas, Großes Arabesque, Los Angeles County Kunstmuseum.
Edgar Degas, Vierzehnjähriger Kleiner Tänzer, Kopenhagen, Ny Carlsberg Glyptotek.
Medardo Rosso, Kinderkopf (1892-1893), Buenos Aires, Nationalmuseum der Schönen Künste von Argentinien.
Auguste Renoir, Büste von Coco (1908), Frankfurt am Main, Städel Museum.

Symbolismus
Künstlerischer Ursprung literarischer Herkunft, Symbolismus findet sich auch in der Bildhauerei als Ausdrucksweise. Stil, der von Freiheit durchdrungen ist, drückt sich hauptsächlich mit den Hoch- und Tief-Reliefs aus. Es findet sich insbesondere in den Grabmonumenten. Albert Bartholome hinterlässt viele repräsentative Werke, darunter den Kriegerdenkmal Pere Lachaise und Bronzemasken, die von der japanischen Kunst inspiriert sind. Auch Jean Carriès, der durch seine Keramikmasken von der japanischen Kunst beeinflusst wurde, kennzeichnete den 1881 mit seinem enthaupteten Kopf von Karl I. in Paris Bronze. Mit der Porte de l’enfer Auguste Rodin für ihn, realisiert das Denkmal der Symbolik in der Skulptur. Andere Vertreter, Pierre Roche machte den Übergang von der Symbolik seiner Themen und Jugendstil im Stil.

Albert Bartholomäus, Kriegsdenkmal (1899), Paris, Père-Lachaise-Friedhof.
Jean Carriès, Maske des Schreckens, Paris, Petit Palais.
Auguste Rodin, Das Höllentor, Paris, Musée Rodin.
Pierre Roche, der Aufwand (um 1900), Paris, Luxemburg Garten.

Jugendstil
Das extreme Ende des Jahrhunderts fällt mit dem Auftreten des Art Nouveau zusammen, dessen wichtigste Ausdrucksformen in der französischen Bildhauerei vor allem dekorative Werke sind, darunter Künstler wie Raoul Larche, Agathon Leonard oder François-Rupert Carabin.

Raoul Larche, Loie Fuller (ca. 1896), Dayton Art Institute.
Pierre Roche, Loie Fuller (um 1901), Kunstgewerbemuseum in Paris.
Leonard Agathon, Schal-Tänzer (um 1900), Rijksmuseum Amsterdam.
François-Rupert Carabin, Klavier (1900), Kunstgewerbemuseum von Paris.

Moderne Skulptur
Auguste Rodin, ein Bildhauer, der sich mit Neobarock, Symbolismus und Realismus auseinandergesetzt hat, gilt als Erfinder der modernen Bildhauerei. Mit seinem Monument in Balzac stellte er sein Manifest der Moderne in der Skulptur aus und sorgte während seiner öffentlichen Präsentation für einen Skandal. Seine Schüler Camille Claudel und Antoine Bourdelle, insbesondere Hercules der Bogenschütze (1910), sorgen für den Übergang zum 20. Jahrhundert

Auguste Rodin, Der Bourgeois von Calais (1889), Paris, Musée Rodin.
Auguste Rodin, Denkmal für Balzac (1898), Paris, Musée Rodin.
Antoine Bourdelle Großartiger Krieger von Montauban (1898-1900), Museum-Garten-Abteilung Bourdelle d’Egreville.
Camille Claudel, Die Wandzeit (1899), Paris, Musée Rodin.