Die französische Romantik bezieht sich auf die Romantik in der französischen Literatur und Kunst von der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts bis zur ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Konzeptionelle Klassifizierung
„Französische Romantik“ bedeutet nicht nur die literarische Bewegung, sondern auch Weltanschauung, Epoche, Schule und Stil. Es umfasst alle Genres und Künste. Die zeitliche Einordnung ist ungefähr zwischen 1750 und 1850.
Die heutige Bedeutung des Wortes „romantisch“ unterscheidet sich erheblich von der früheren. Im Englischen bedeutete „romantisch“ so etwas wie „in römischer Manier“, was sich wiederum auf die „Romanze“ bezog, die sich auf eine literarische Gattung des Mittelalters bezog, die in romanischer Volkssprache und nicht lateinisch geschrieben war und Helden und Gefühle erzählte. Die deutsche Romantik verband „romantisch“ vor allem mit „mittelalterlich“ und „christlich“. In Frankreich hat sich die Bewegung der Romantik im Vergleich zu ihren Nachbarn verspätet (aus den unten erläuterten Gründen).
Romantik wird allgemein als eine Verschiebung in Richtung Sensibilität, Natur, Gefühl, Fantastik, Traum, Unbewusstes, Erhabenes, Vergangenes und Exotisches verstanden. Das breite Spektrum dieser Elemente illustriert die universal-poetische und liberale Ausrichtung der Romantik: Sie will alle Aspekte der menschlichen Natur einbeziehen und lehnt sowohl die Exklusion der Subjektivität durch die Aufklärung, die Regelmäßigkeit der Klassik als auch die Relativierung des Individuums durch die Moderne ab Revolution.
Allgemeines
Zu Beginn des 19. Jahrhunderts trat eine neue literarische Generation auf die Bühne und forderte eine Erneuerung der Literatur. Nach der Französischen Revolution hatte das Individuum seinen Platz in der Gesellschaft verloren, die vorherige politische und religiöse Ordnung war zerstört, und Revolution und Terreur hatten traumatische Spuren hinterlassen. Das Abwerfen der Fesseln des Ancien Régimesmeant für das Individuum sowohl Befreiung als auch Isolation und Verzweiflung. Da traditionell normative Institutionen wie die Kirche an Einfluss verloren hatten, sahen es die Schriftsteller zunehmend als ihre Aufgabe, eine Literatur zu schaffen, die den Bedingungen der postrevolutionären Gesellschaft gerecht wurde und mit den immer noch vorherrschenden Regeln der klassischen Musik brechen konnte. Schon in der Aufklärung war eine neue Sensibilität entstanden, die durch die veränderte Situation des Individuums in der Gesellschaft bedingt war. Insbesondere Jean-Jacques RousseauDie Einweihung in die Natur, seine Tendenz, Vernunft durch Gefühl zu ersetzen, und seine poetische Sprache gaben der postrevolutionären Ära wichtige Impulse. Aber die Möglichkeiten der künstlerischen Entwicklung unter dem napoleonischen Regime waren begrenzt. Napoleon war sich der didaktisch-moralisierenden Wirkung der Literatur durchaus bewußt und machte die Aufklärungsschriften für die Revolution und ihre Wirrungen verantwortlich. Er zog die Konsequenz, die künstlerische Arbeit des Reiches zu überwachen und oppositionelle Meinungen durch Zensur zu unterdrücken. Seine Kulturpolitik zielte auf eine Renaissance der Klassik ab: Sie förderte Literatur, die alte Themen und Formen fortführte und die Gegenwart verdrängte.
Ähnlich wie in Deutschland gab es einen Aufstand gegen die Nachahmung der Antike, besonders im späten 17. Jahrhundert. Die Diskussion begann sehr früh in Frankreich mit der Querelle des Anciens und des Modernen und wurde in andere Länder getragen. Der wirkliche Durchbruch kam mit den Dramen von Denis Diderot.
Frühromantik
Zwei Autoren, die zunächst die Herrschaft Napoleons begrüßten, später aber mit ihm in Konflikt gerieten, waren François-René de Chateaubriand, der eher konservativ-aristokratisch war, und Anne Louise Germaine de Staël, die Tochter des ehemaligen Finanzministers Necker und Liberale Meinung vertreten.
Anne Louise Germaine de Staël
Madame de Staël veröffentlichte 1800 die Schrift De la littérature, in der sie die Idee entwickelte, dass die Geschichte einer Literatur nur im Kontext ihres sozialen und moralischen Zustands verstanden werden kann. Nach Madame de Staël bestimmen politische Institutionen, Prozesse, Werte zu bestimmten Zeiten, Gesetze, Religionen, aber auch die geographische Lage und das Klima die Literatur eines Volkes. Zu dieser Zeit war das französische literarische Publikum sehr frankozentrisch; Die französische Literatur galt als die vollkommenste. Madame de Staël behauptete nun, die französische Literatur sei nur eine von vielen, und die Literaturen des Nordens (besonders der Engländer und Deutschen) seien vorrangig, weil sie melancholisch und verträumt, philosophisch und liberal seien. Sie forderte die Franzosen auf, nicht dem Beispiel der heidnischen, mediterranen Ausrichtung auf die antike und christlich-germanische Kultur des Mittelalters zu folgen. Dies wurde als monströse Provokation angesehen. Madame de Staël erhielt sehr unfreundliche Kritiken. Im Jahr 1803 wurde sie wegen des konspirativen Widerstandes gegen Napoleon verbannt. Sie nutzte diese Zeit für einen längeren Aufenthalt in Deutschland, wo sie und andere. ein. August Wilhelm Schlegel, den sie als Hauslehrer anstellte und zu ihrem Schloss in Coppet (Schweiz) brachte. Coppet wurde zum Zentrum eines lebhaften intellektuellen Austauschs, bei dem sich viele Leiter trafen und neue Impulse sammelten.
1805 reiste Madame de Staël mit Schlegel nach Italien, wo sie Inspiration für ihren Roman Corinne (1807) fand. 1810 ihr bekanntestes Werk Über Deutschland (De l’Allemagne), das sofort verboten wurde; Madame de Staël musste wieder ins Exil gehen. In diesem Buch beschrieb sie ihre Eindrücke von Deutschland und war begeistert von romantischer deutscher Literatur, vor allem von ihrer Begeisterung und Ernsthaftigkeit. Sie fasste zusammen, dass trotz politischer Ohnmacht und überholter sozialer Verhältnisse in Deutschland eine moderne Literatur geschaffen wurde, während Frankreich in seiner Nachahmung der klassischen Periode erstarrte. Das Buch erschien ein paar Jahre später in Frankreich und inspirierte viele junge Menschen durch das märchenhafte Deutschlandbild. Romantik erhielt eine neue Bedeutung und Faszination: Sie war nicht mehr nur ein Synonym für „christlich“ und „mittelalterlich“, sondern auch für „germanisch“, „volkstümlich“ und „modern“. De l’Allemagne Das deutsche Bild von Frankreich sollte sie jahrzehntelang so lange prägen und verschleiern, dass ihr Nachbarland kurz davor stand, eine gefährliche Militärmacht zu werden.
François-René de Chateaubriand
Chateaubriands Bedeutung liegt vor allem in der Entwicklung poetologischer Ideen und der Bereicherung der französischen Sprache durch bisher unbekannte Naturbeschreibungen. Er erkannte die Bedeutung der Revolution, sah darin aber eine Zerstörung der christlichen Tradition. Er selbst fühlte sich sein ganzes Leben entwurzelt und war von einer unerklärlichen Melancholie gezeichnet. 1798/99 erneuerte er seinen christlichen Glauben nach schweren Schlägen und entschloss sich, eine Entschuldigung des Christentums zu schreiben (was sicherlich Karriere-Gründe hatte, da er eine Karriere im öffentlichen Dienst geplant hatte und es bekannt war, dass Napoleon die reine Institutionalisierung der Kirche anstrebte) . Im Jahr 1802 erschien Le génie du christianisme, in dem er versuchte, die Ursache der Wirkungen zu erfassen: aus der Schönheit der Naturphänomene schloss er die Existenz Gottes ab. Darüber hinaus leitete er die herausragende Position des Christentums nicht von seinem göttlichen Ursprung ab, sondern von der Attraktivität der Lehre. Nur die Religion kann das innere Gleichgewicht des Menschen bewahren und Ordnung schaffen. Die christliche Religion inspiriert die Künste durch die Bilder und die Schönheit ihrer Lehre. Die Novellen René und Atala sollten ursprünglich im Kontext dieser Arbeit erscheinen und die Thesen der Génie illustrieren, wurden dann aber entfernt und einzeln veröffentlicht. Diese Arbeiten waren äußerst erfolgreich und trugen wesentlich zur Rechristianisierung bei.
Durchbruch der Romantik
Nach Napoleons Abdankung, während der zeitweiligen Meinungsfreiheit, setzte die öffentliche literarische Debatte und damit die Konfrontation der ideologischen Fronten („les deux Frances“) wieder ein: Auf der einen Seite standen die Ultras (Royalisten oder Legitimisten, die eine Rückkehr wünschten des Ancien Régime), die junge aufstrebende Dichter wie Victor Hugo, Alphonse de Lamartine und Alfred de Vigny enthalten. Ihre Gegner waren die Liberalen wie Stendhal und Prosper Mérimée, die eine konstitutionelle Monarchie bevorzugten. Ironischerweise befürworteten die konservativen Royalisten zunächst eine Abkehr vom Klassiker, während die Klassiker in der Regel zu den Liberalen gehörten. Erst nach dem Machtantritt änderte Karl X. (1824) dies und die Romantiker schlossen sich nach und nach in sogenannten „cénacles“ mit liberaler Haltung zusammen.
Lamartine veröffentlichte 1820 mit überwältigendem Erfolg seine romantische Gedichtbandsammlung Méditations, deren Romanpoesie die Jugend inspirierte und deren Erfolg mit Hugo Odes (1822) fortsetzte. Die Académie française hingegen griff die Romantiker scharf an und nannte sie „Barbaren“ und „Sekten“. Es folgte ein literarischer Austausch, der als Bataille Romantique in die Geschichte einging und hauptsächlich im Theater aufgeführt wurde. 1823 und 1825 schrieb Stendhal den Aufsatz Racine et Shakespearein, in dem er die Unechtheit, Steifheit und Unnatürlichkeit des klassischen Theaters angriff, die er besonders langweilig fand. Er verlangte ein romantisches Drama in Prosa (anstelle des erfundenen alexandrinischen Verses), das mit den klassischen Regeln der drei Einheiten brechen und so zeitgenössische Konflikte und Epochen darstellen könnte. Er setzte Romantik mit Moderne gleich und erklärte, dass alle großen Dichter zu ihrer Zeit Romantiker waren.
Im Jahr 1827 schrieb Hugo das Stück Cromwell, dessen Vorwort zu einem Manifest der Romantik wurde, da es ihre Thesen hervorragend illustriert. Er forderte dabei auch ein modernes Drama, indem er die Drei-Perioden-Theorie aufstellte, nach der die Texte der Vergangenheit, das Epos der Antike und das Drama der Neuzeit gehören. Vor allem propagierte er eine „Mélange des Genres“, die Epik, Drama und Poesie verbindet – alle Aspekte der menschlichen Natur sollten integriert werden, das Schöne und das Hässliche ebenso wie das Erhabene und Groteske, Er lobte das Christentum, weil es die Dualität verstand des Menschen, ein aus zwei Elementen zusammengesetztes Wesen (das Schöne und das Hässliche). Hugo beanspruchte sich völlige poetische Freiheit. Der Höhepunkt der Auseinandersetzung zwischen Klassikern und Romantikern bildete die „Bataille d’Hernani“ bei der Aufführung des Stückes Hernani von Hugo, in der sich Anhänger seiner romantischen Cenacles dem Streit mit den Gegnern lautstark im Publikum ausgekämpft und schließlich ein überwältigender Sieg.
Die zweite Generation der Romantik
Im Jahr 1830 fanden weitere politische und soziale Umwälzungen durch die Julirevolution statt; Die Romantiker der ersten Generation waren inzwischen etabliert. Während sich die Frühromantik auf die Stellung des Individuums in der Gesellschaft und die Darstellung seiner leidenschaftlichen Geisteszustände konzentrierte, führten die wachsenden sozialen Konflikte der Industrialisierung dazu, dass einige der Romantiker, wie Victor Hugo und Alphonse de Lamartine, sich sozialen Problemen zuwenden. Die jüngeren Dichter („zweite Generation“) wie Théophile Gautier, Paul de Musset und Charles Nodier waren jedoch nach der Machtübernahme der von ihnen verhassten Bourgeoisie zutiefst enttäuscht. Sie trugen ihre Verachtung demonstrativ durch provozierendes Verhalten, Kleidung usw. nach außen. Die zunehmende Kommerzialisierung der Kunst zwang sie oft zu journalistischen Aktivitäten, um Geld zu verdienen – ein Umstand, der ihnen widerstrebte. Im Gegensatz zum Konzept von l’art social entwickelten sie eine Richtung der elitären Kunst für Kunst, Kunst um der Kunst willen (und nicht aus Rücksicht auf die Gesellschaft). Letztendlich scheiterte das Liebesdrama, das nach dem Scheitern von Hugos Les Burgraves (1843) unverkennbar war. Auf der einen Seite konnte es sich nicht in der Öffentlichkeit etablieren, weil es nur bürgerlich war und mehr zur klassischen Musik neigte; Auf der anderen Seite erlaubte die Zensur keine vollständige Umsetzung des zeitgenössischen romantischen Dramas (Hugos Marion Delorme und Le Roi s’amuse wurden verboten).
Romantik in der französischen Kunst
Der Streit der Klassiker und Romantiker war nicht nur literarisch; es kam auch in der Kunst vor, und der Parallelismus ist bemerkenswert zwischen den beiden Bereichen, künstlerisch und literarisch.
Das Reich Kunst
Die literarische Romantik wurde zu Beginn des Jahrhunderts vom Genie du Christianisme (1802) verkündet. Fast zur gleichen Zeit (1804) hatte die Jaffa de Gruppos de Gros künstlerische Romantik verkündet. Aber auf beiden Seiten war es nur ein Signalhorn ohne sofortiges Echo gewesen; die wirkliche Bewegung sollte erst fünfzehn Jahre später bei einem zweiten Anruf stattfinden. In der Zwischenzeit war das „Kunst-Imperium“ von Pierre Guerin und Gerard das, was in der Literatur die Poesie von Delille, Fontanes und Nepomucene Lemercier war. Davids Ästhetik, errichtet als eine enge und eigentümliche Pädagogik, konsularisierte einen offiziellen Stempel, und Kunst, wie die Literatur, entsprach mehr und mehr dem persönlichen Geschmack Napoleons.
Zuerst dominierte der Geschmack der römischen Kunst, und eine ganze Generation machte sich daran, im Stil des Triumphbogens des Septimius Severus und der Basreliefs der Trajansäule zu bauen, zu schnitzen und zu malen.
Später, als der Meister den römischen Adler über alle Nationen Europas errichtete, verengt sich das Feld dieser Kunst, schon so begrenzt, wieder, und die offizielle Kunst entlehnte alle ihre Themen vom imperialen Zyklus. Daher diese Allegorien, noch kälter als die des alten Regimes, diese Verschwendung kriegerischer Eigenschaften, jenen Geschmack des Trockenen, des Steifen und des Tempus, der von den Proklamationen des Kaisers alle dekorativen Motive durchzog. Alles ist jetzt mit Trophäen, Helmen und Schwertern, und selbst auf den geometrischen Linien der Mahagonimöbellinie glänzt das vergoldete kupferne Metall alles Militär, in Sphinx, Obelisken und Pyramidions.
Warnzeichen einer bevorstehenden Transformation
Dennoch konnte sich die Kunst, wie die Literatur, dem Einfluss neuer Atemzüge nicht entziehen. Unter Davids eigenen Studenten versuchte mehr als einer eine Verbindung zwischen der alten Form und dem modernen Gefühl, zwischen dem Klassischen und dem Romantischen;
wie Girodet in seinem Begräbnis von Atala (1808), besonders Prud’hon in seiner dramatischen Leinwand der Gerechtigkeit und der Göttlichen Vergeltung, die Verbrechen (1808) verfolgt. Dunkle Energie der Komposition, Gesten der Charaktere, die nichts von Einvernehmen oder Erwartung haben, Unterordnung des Handlungsdramas zum Drama des Lichts, all die Romantik war in diesem Gemälde, bald gefolgt von einem Christus im Kreuz des ergreifendsten Ausdrucks .
Die romantische Revolution
Die Ausstellung des Floßes der Méduse de Géricault im Salon von 1819 ist das Signal des romantischen Angriffs gegen die kalten und formalen Werke der „heroischen Kunst“. Dieses Gemälde eines jungen Künstlers, das am Vortag unbekannt war, wirft Schrecken in das klassische Lager. Die Akademiker sind in Schach. Hinter Géricault schimpfen sie eine Jugendstreitmacht, eine unruhige Herrschaft.
Im Jahr 1822 enthüllt Delacroix Dante und Virgil der Hölle, ein Werk voller Leidenschaft und einer prestigeträchtigen Farbe, die der Wut der Klassiker ein Ende setzt und den Erfolg des neuen Gemäldes bestätigt. Umsonst wird Géricault im Jahr 1824 auf dreiunddreißig fallen; Delacroix gelingt ihm als Fahnenträger der neuen Schule, von der La Bataille de Nancy ein hervorragendes Beispiel ist.
Zwei Daten markieren die letzten und triumphalen Etappen, 1824 und 1827:
Im Salon von 1824, neben dem Massaker von Scio de Delacroix; eine zerschlagene Leinwand, von einem wütenden Erzfeind gepeitscht, glänzte die Phalanx innovativer Künstler: Ary Scheffer mit einem nationalen Thema, Der Tod von Gaston de Foix; Eugene Devéria mit einer romantischen Madonna; Champmartin mit seinem Massacre des Innocents bunt; Léopold Robert mit diesem neapolitanischen Improvisator, der von Corinne de Germaine de Staël inspiriert scheint.
1827 beendeten die Sieger die Zerschlagung von „Davids Schwanz“. Delacroix stellt seinen schillernden Sardanapale aus, Louis Boulanger seine Mazeppa, Ary Scheffer seine schmerzhaften Souliot-Frauen, während Decamps in seinen ersten exotischen Gemälden das Vorspiel zur Eroberung des Ostens ist. Demgegenüber ist die Apotheose Homers von Ingres im selben Zimmer enthalten; aber Apotheose enthüllte einen unerwarteten Ingres, der vom Jugendstil berührt wurde. Wie bei den Gemälden der letzten Klassiker, dem Wachtelet und dem Turpin de Crisse, wandte sich der Vergleich ihrer Verwirrung zu.
So triumphierte die romantische Malerei auf der ganzen Linie. In drei Schritten war sie am Ziel. Sie distanzierte die Literatur, die immer noch auf ihr Manifest wartete; aber sie half, dieses Manifest auszubrüten, sie bereitete dafür den öffentlichen Geist vor.
Bericht über romantische Kunst und Literatur
Die romantische Kunst, wie die Literatur, nahm in erster Linie das Gegenteil der klassischen Kunst an. Es war eine Reaktion gegen die Formel des Standes der Technik, und diese Reaktion war die logische Folge dieses Individualismus, der, die engen Formen der alten Lehren durchbrechend, modernes Denken geschaffen hatte. In der Kunst wie in der Literatur war es notwendig zu erkennen, dass die alten Regeln nicht auf einer soliden Grundlage beruhten und dass der einzige lebenswichtige Agent die Freiheit war. Und die künstlerische Romantik, wie die literarische Romantik, verkündete, dass „alles, was das Leben hat, Recht hat“.
Zum ersten Mal war das natürliche Leben eine ergrauende und geschwächte Kunst; Zum ersten Mal verließ Kunst das Gewächshaus des Studios, um die gemeinsame Atmosphäre zu leben und die Luft der Zeit zu atmen. Auf der Suche nach Verjüngung wandte er sich an alles, was ihm einen neuen Saft einflößen konnte: in die Geschichte, frisch exhumiert; zu der neuen Literatur, geschmückt mit ihrer seltsamen Brillanz; zu fabelhaften Welten, real oder imaginär; zu den Träumen des Ostens, zu germanischen Fiktionen.
Die harmonische Prosa von Chateaubriand, seine exotischen Visionen, sein Amerika, seine Germania, seine keltischen Barden, seine Kathedralen, sein „Christentum der Glocken“, erwecken bei den Künstlern eine Seele, die sie nicht kannten und die sie für die Übersetzung anwenden. Atala, Rene, das Genie des Christentums, die Märtyrer, sind für Girodet und seine Nacheiferer eine unerschöpfliche Mine künstlerischer Themen.
M Me de Stael entdeckte seinerseits Enthusiasmus, der als König auf dem Gebiet des Geistes installiert wurde, und macht die Aufregung gleichbedeutend mit Inspiration. Auf der anderen Seite, indem sie die Idee des „Genie du Christianisme“ vorantreibt, lädt sie unsere Künstler ein, sich von der Antike abzuwenden, um nach Themen zu suchen, die zu unserer eigenen Geschichte oder unserer eigenen Religion gehören. sie wirft sie ins Leben, treibt sie nach Deutschland und Italien.
Literatur und Kunst sind in dieser Zeit eins, so groß ist der Zusammenhalt zwischen den verschiedenen Formen des Denkens, der hier seit dem Mittelalter nicht mehr gesehen wurde.
Victor Hugo, der später kam und sein Manifest vorlegte, als Géricault und Delacroix bereits die entscheidende Schlacht gewonnen hatten, sichert die Positionen der romantischen Kunst, indem er durch eine doktrinäre Autorität die Wirkungen verstärkt, die die Maler instinktiv gefunden haben, und die endgültige Übereinstimmung der Literatur besiegelt und Kunst auf dem wesentlichen Prinzip, dass alles, was in der Natur ist, in der Kunst ist.
Zu diesen französischen Einflüssen kommen fremde Einflüsse hinzu. Faust, kaum von Albert Stapfer übersetzt, findet in Delacroix einen meisterhaften Illustrator. Derselbe Delacroix zieht mit beiden Händen Shakespeare, Chasseriau und viele andere. Was Hoffmann betrifft, dessen Fantastische Geschichten eine ganze Generation halluzinierten, geht sein Humor in die wimmelnden Frontispizes von Nanteuil und die Kompositionen von Gigoux und Johannot.
Der Streit der Zeichnung und die Farbe: Ingres und Delacroix
Das Unglück der romantischen Kunst war, dass sie schnell von der Inspiration zur Routine fiel. Bereits 1827 spricht Jal in seinem Bericht über den Salon den Alarmruf aus; mehr Studien, das Gemälde ist fallen gelassen, die Komposition weich, die Wissenschaft null; „Farbe ist nicht mehr, in der Mehrheit der Innovatoren, ein intimes Gefühl, als die Zeichnung in den Schülern der Schule des Stils war.“
Künstler haben nur Konventionen geändert; Sie nahmen nur die einfachsten an. An diesem Punkt erweckt die Lockerung der Studien den nützlichen Gegner zur Romantik, der die Notwendigkeit einer soliden Lehre zeigt. Ingres (1781-1867) bezeichnete sich für diese Rolle mit der Apotheose von Homer. „Diese Arbeit stellte 1827 offen alles wieder her, was die neue Schule verachtete. Es war nicht mehr wahr, Davids Gemälde im Flachreliefstil, das falsche Griechisch, der akademische Schwerpunkt; es war die wiedereingesetzte römische Schule ein Beispiel, das Raphael als den Meister zu befolgen, die Gesetze der Komposition, die Zeichnung als Seele der Malerei, die Farbe als ein Accessoire, die Erhebung von Stil und Denken als das oberste Ziel der Kunst als “ (Rocheblave).
Dann bricht der berühmte Streit um Zeichnung und Farbe aus. Ist Kunst in der Zeichnung? Ist es in Farbe? Ist die Linie ausdrucksstärker als der Effekt? Ist es genauer? Es ist die ewige Meinungsverschiedenheit des Zeichners und des Malers, des kalten Beobachters und des leidenschaftlichen Koloristen. Ohne zu versuchen, es hier zu regeln, können wir sagen, dass das Missverständnis, das Ingres und Delacroix trennte, weniger von der Wahrheit oder dem Irrtum der Theorien, die sie unterstützen, als von der Opposition ihrer Temperamente stammt. Der eine ist kalt, der andere leidenschaftlich. der eine methodisch und nachdenklich, der andere enthusiastisch und von erster Bewegung; man sucht reine Schönheit, aber in der Lage, es zu reinigen, es friert es ein; der andere sucht nicht so weit, und wenn er die majestätische und heitere Schönheit nicht erreicht,
Und seit dreißig Jahren besteht zwischen diesen beiden Männern ein auffallender Gegensatz, seit die Apotheose von Homer der Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer entgegengesetzt war, bis zur Apotheose Napoleons und dem Triumph des Friedens, der gleichzeitig 1854 enthüllt wurde! Jeder von ihnen reflektiert eines der großen Gesichter der Kunst. Betrachtet man jedoch die Werke mehr als die Ideen, die Macht mehr als die Doktrin, zweifellos: der Ödipus-Zeichner rätselt das Rätsel der Sphinx und der QuelleMit all seiner Wissenschaft und Präzision ist es den unvergleichlichen Schöpfer Delacroix nicht wert. „Ein tiefer Denker, eine gepeinigte Seele, Delacroix ist allein die Romantik, die Kunst gemacht hat. Mit der Spitze seines Pinsels versetzt er die Menschheit ans Herz. Er, wirklich zu seiner Zeit, ist das Geschenk der Magie, der Anspielung auf Shakespeare diese Formen sind schmerzhaft, schrecklich, wie seine Medea, die Victor Hugo diesen Schrei schnappte: „Sei stolz, du bist unwiderstehlich hässlich! „oder dass er die Legende von Jahrhunderten auf seine eigene Weise in solche Seiten schreibt wie die Schlacht von Taillebourg“ (Rocheblave).
Die romantische Skulptur
Während in der Malerei der Streit zwischen Zeichnung und Farbe aufkam, stellte sich in der Bildhauerei die Frage zwischen Antike und Moderne. Unsere Bildhauer wollten auch eine Verjüngung.
Aber die Romantik in der Bildhauerei erschien erst gegen Ende des Jahres 1830 und dauerte wenig. Bis dahin versuchten die Künstler, nicht mit dem traditionellen Kanon zu brechen, nur die Bewegung der Linien zu akzentuieren oder ihnen mehr Flexibilität zu geben: die Quadriga des Karussells von Bossio, der Spartacus von Foyatier, der Läufer des Marathons von Cortot zeigt immer noch nur einen schüchternen Weg in die Freiheit.
Die wahrhaft romantischen Bildhauer verraten sich ihren Untertanen: Die moderne Literatur, das Mittelalter und die Bibel bieten ihnen fast alles. Jehan Du Seigneur enthüllt 1831 einen wütenden Roland, nackt und epileptisch, und 1833 einen Quasimodo und Esmeralda; Etex gibt 1833 einen zottigen Kain und eine Francoise von Rimini; Preah, der Typus des romantischen Bildhauers mit seinem widerspenstigen Meißel, hat Grabfunde, wie seine berühmte Maske der Stille, oder Shakespeare-Effekte wie die ertrunkenen Ophelia des Marseiller Museums; Drouet [Welcher?] Sculpts 1836 ein Chacta neugierig durch die Suche nach den ethnischen Besonderheiten; im selben Jahr explodierte Rude auf dem Arc de Triomphe seine Marseillaise schrie die Hymne der Freiheit, zitternde Skulptur des Lebens, eine der größten skulpturalen Seiten des Jahrhunderts; Zur gleichen Zeit schafft Barye eine Tierskulptur, die keine Nation besitzt.
Aber der romantische Bildhauer ist David d’Angers (1788-1856), der von Hugo gepriesene, von Vigny erhabene und dem Cenaculum so eng verbundene Künstler, dass er das Bildnis aller seiner Mitglieder in Marmor hinterließ. Romantisch, er war von Herz und Verstand, er, der Delacroix aus dem Wohnzimmer von 1824 den romantischen Kampf mit seinem Tod von Bonchamp lieferte, immer noch klassisch nackt, aber romantisch durch den Akzent und die Geste; der in Marmor oder Bronze gegossene Victor Hugo, Balzac, Goethe, Gericault, Lamartine und Gautier.
Die romantische Architektur
Die Architektur konnte den Einflüssen, die Malerei und Skulptur verändert hatten, nicht ganz entkommen. In diesem Bereich, der rigider und den unmittelbaren Veränderungen weniger zugänglich ist, hat die Romantik die Trockenheit und Sterilität der akademischen Architektur aufgezeigt und die Auferstehung der französischen Architektur im Mittelalter bewirkt. Kunst genannt „Gothic“, das ist die logischste und homogenste Kunst, die die Welt seit der Zeit des Perikles bekannt ist. Was in Notre-Dame de Paris nur ein poetischer Instinkt und romantische Bewunderung war, verwandelte sich in eine Wissenschaft, eine fruchtbare Lehre. Notre-Dame zu einer Baustelle gemacht, wo er Stück für Stück alle Arbeiten der Kathedrale aufnahm, zeigte Viollet-le-Duc, dass die Arbeit der Architektur eine vollständige Organisation ist, die sich an die Zeiten, Orte, Bräuche, Bedürfnisse anpassen muss Methoden unserer alten Erbauer, die die Logik und die Vollkommenheit waren und diese umfangreiche Wiederherstellungsbewegung einweihten, die unseren großen Kathedralen und alten Schlössern erlaubte, ihre ganze imponierende Schönheit zurückzugewinnen.
Romantische Musik
Zeitgleich mit unseren Malern und Bildhauern eröffneten Shakespeare, Goethe, Schiller, Byron, Chateaubriand und Victor Hugo unseren Musikern neue Horizonte.
Italienische Musik war durch Virtuosität überschwemmt worden. Mehul und Cherubini hatten aufgehört zu gefallen. Der Streit zwischen Gluckists und Piccinnistes hatte sich zugunsten der Deutschen und ihrer reichen harmonischen und instrumentalen Verbindungen gewandelt: Beethoven zu Beginn des XIX. Jahrhunderts und Weber und Schubert erweiterten die Macht der Musik auf unbestimmte Zeit.
In Frankreich wurde diese neue Musik von Berlioz (1803-1869) eingeweiht, dessen Fantastische Symphonie und die Verdammnis des Faust mit ihren reichen Klängen, brillanter Instrumentierung, manchmal weichen und poetischen Rhythmen, manchmal ungestüm und gequält, die französische symphonische Schule hervorbrachten.
Im Ausland fiel die Romantik mit der Entstehung nationaler Musik zusammen, die von der populären Folklore genährt wurde: ebenso wie Chopin und Liszt, später Grieg und Rachmaninow.
Das romantische Ballett
Die Romantik ist geprägt von vielen Neuerungen in der Welt des Balletts:
Der Tänzer ist jetzt an Punkten montiert, die die Linien verlängern und den Gang verändern. Sie trägt ein weißes Tutu, ein schmales Mieder und trägt einen Kranz aus weißen Rosen in ihrem Haar. Die Ballerina ist leicht, luftig, übernatürlich und hat eine immaterielle Anmut. Das weiße Ballett wurde geboren und so berühmte Tänzer wie Carlotta Grisi, Marie Taglioni und Fanny Elssler fesseln die Zuschauer in unsterblichen Werken wie La Sylphide (1832) und Giselle (1841). Das romantische Ballett wird einen Theoretiker in der Person von Carlo Blasis finden, der 1830 sein vollständiges Handbuch des Tanzes schreiben wird.
Der Erfolg des weißen Balletts wird relativ kurz sein und dennoch, wie die literarische Bewegung, die es hervorbrachte, rennt er schnell in die Mitte des XIX. Jahrhunderts.
Die Transformation der romantischen Kunst
Das Jahr 1836 markiert einen Zwischenstopp für das Glück der romantischen Kunst: Eine Szene von Hamlet von Delacroix wird im Salon abgelehnt. Mit Unterstützung der Akademie der Schönen Künste hat Ingrese die Jury in die Hände genommen. Außerdem zerfällt die künstlerische Romantik, die früher begann als die literarische Romantik. Weil, wie er, die künstlerische Romantik aus verschiedenen Elementen besteht, die sich von der Feindseligkeit unterscheiden und die durch die Begegnung miteinander agglutiniert, aber nicht miteinander verschmolzen sind, muß jeder gewinnen, um sich zu isolieren, sich von der Masse zu lösen. Sinn der Vergangenheit, Sinn für Gegenwart, Wissenschaft, Farbe, Suche nach dem Charakteristikum, Entdeckung der „natürlichen“ Natur, Liebe zur „lokalen Farbe“, all diese Entdeckungen der Romantik in Auflösung, werden in der Kunst neue Kombinationen schaffen : Kunst «Herznote» von Paul Delaroche, Orientalismus von Delacroix, der außerschulisch seine Besteigung des jüdischen Noce, Fanatiker Tanger fortsetzt) Sandy Theodore Rousseau von Millet und Corot, die zum Realismus Courbets und zum Impressionismus von Manet.
Funktioniert
Die romantischen Werke selbst sind sehr unterschiedlich; aber sie teilen eine erhöhte Empfindlichkeit, eine Begeisterung für die Natur, einen Subjektivismus, der das „Ego“ in den Mittelpunkt der Aufmerksamkeit stellt, Melancholie und eine Rückkehr zur Vergangenheit.
In der Frühromantik ist noch eine starke Unsicherheit in Genrefragen zu beobachten: Chateaubriands René und Atala sind schwer zu klassifizieren zwischen Roman und Roman und der 1804 veröffentlichte Brietroman Oberman von Étienne Pivert de Senancour leugnet im Vorwort sogar, ein Roman zu sein. Die Handlung in René und Atala ist nicht sehr komplex, sondern spiegelt vielmehr den emotional bewegten Zustand der Helden wider. In Oberman ist es unmöglich, überhaupt von einer Aktion zu sprechen: Der Protagonist schreibt an einen (möglicherweise imaginären) Empfänger, der so dunkel bleibt wie andere Charaktere. Während Oberman in die Schweiz reist, gibt er sich philosophische Reflexionen, die er in seinen Briefen fortsetzt.
Dennoch, oder gerade deshalb, sind die Helden der jeweiligen Werke exemplarisch für den typisch romantischen Helden: Sowohl Oberman als auch René sind von einer „Tristesse d’une vage profonde“, einer unerklärlichen Melancholie, die sie von einem Ort zum anderen treibt, beeindruckt. sie verzweifeln lassen und zur Untätigkeit verdammen. Die Ursache dieses Geisteszustandes ist die „Zeit du siècle“, die Jahrhundertkrankheit, ausgelöst durch das revolutionäre Trauma, die ungelösten Konflikte der Gesellschaft.
Chateaubriand wollte mit René und Atala die Thesen von Génie du christianisme illustrieren: Sie illustrieren den Gegensatz zwischen der modernen menschlichen Verfassung und der Harmonie, die nur der christliche Glaube vermitteln kann. Nur die Unterwerfung unter christliche Normen kann dem Individuum einen nützlichen Platz in der Gesellschaft geben. Es gibt auch einige Widersprüche: Die Verurteilung von Renés „times du siècle“ durch den Père Souel findet zu beiläufig statt, um essentiell zu erscheinen und das Christentum verursacht eine Tragödie in Atala, auch wenn dies als Fanatismus beschuldigt wird. Typisch romantisch in René, Atala und Oberman sind die rauschhaften Beschreibungen der Natur, die Anspielung auf bestimmte Stimmungen, die den emotionalen Zustand der Charaktere unterstreichen (zum Beispiel wird der Gottesdienst vom Sonnenaufgang, der Agonie von Atalas mit einem schrecklichen Gewitter, etc. begleitet). ).
Ein anderes Thema, das Madame de Staël in Corinne verfolgt. Sie beschreibt die Anpassungsprobleme einer hochbegabten jungen Frau, die in jeder Hinsicht ihrer Umwelt überlegen ist und unter dem Druck der Gesellschaft keine Chance hat, ihren Anspruch auf künstlerische Tätigkeit mit einem erfüllten Liebesleben zu verbinden. Die Hauptfiguren dienen jeweils als Vertreter eines spezifischen politisch-kulturellen Modells: Corinne steht für Katholizismus, Italien und Freiheit, während Lord Oswald das zugegebenermaßen politisch liberale, aber geistig repressive England verkörpert. Der Roman erzählt nicht nur die tragische Liebesgeschichte der beiden jungen Menschen, sondern auch die Kultur, Religion und Moral Italiens, die dann durch philosophische Überlegungen mit der Kultur Englands und Frankreichs verglichen werden. Diese Konzeption erfordert folglich eine Abkehr vom „römischen Personal“ und wird in der dritten Person erzählt.
Victor Hugos Notre Dame de Paris (1831) ist das bekannteste und vielleicht am meisten missverstandene Werk der französischen Romantik, aufgrund des später in anderen Ländern veränderten Hunchbacks von Notre-Dame, der zu einer Konzentration der Aufmerksamkeit auf die Figur führte Quasimodo. Im Gegensatz zum romantischen Theater, wo Hugo seine Ambitionen nicht ausreichend verwirklichen konnte, spiegelt Notre Dame genau die Ideen des „Préface de Cromwell“ wider. Die Ablehnung des Klassikers ist im ersten Teil evident, da das Publikum die Narrenparade bevorzugt, wie Gringoires langweiliges klassisches Stück verfolgt. Die Vermischung des Erhabenen und Grotesken, Schönen und Hässlichen wird zum Beispiel durch die Gegenüberstellung des deformierten Glöckners und der anmutigen Esmeralda personifiziert. Aber die Kathedrale ist der eigentliche Protagonist des Romans: Er vereint alle Charaktere und bildet die Schwelle zwischen dem Ende des Mittelalters und dem Beginn der Neuzeit. Es ist der erste Roman, der die Massen der Menschen in den Mittelpunkt des Geschehens stellt; Der unmenschliche Klerus (Claude Frollo) wird symbolisch mit dem Sturz in den Tod bestraft. Vor allem ist der Roman ein Plädoyer für die gotische Architektur, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts vom Vandalismus bedroht wurde. Aufgrund des großen Erfolgs von Notre Dame de Paris wuchs das öffentliche Interesse an der Kathedrale und es konnte vor dem Verfall gerettet werden.
Romantik und Realismus
Unter dem Einfluss des Positivismus und des Fortschritts der Wissenschaften entwickelte sich parallel zur Romantik ab 1830 eine realistische Strömung in der Literatur, die metaphysische Spekulationen und damit auch die unwirkliche Gefühlswelt der Romantiker und deren Subjektivismus ablehnte. Nichtsdestoweniger hat die Romantik den Vorzug, aktiv auf die Bedürfnisse ihrer Zeit einzugehen und die Loslösung von traditionellen Traditionen zu fördern. Die Romanze war somit ein wichtiger Schritt auf dem Weg zur modernen Literatur.