Französische Renaissance-Architektur

Die französische Renaissance-Architektur ist eine historiographische Bezeichnung, die die architektonische Produktion der frühen Neuzeit im heutigen Frankreich bezeichnet, vor allem im Königreich Frankreich, aber auch Teile von Flandern, Lothringen, Elsass, Savoia, Cerdanya, Bretagne und Provence.

Es entspricht der französischen Architektur der Renaissance, die im 12. Jahrhundert die im Land geborene gotische Architektur ablöste – aus dem Import und der Adaption der Modelle der italienischen Renaissance. Es erschien zu Beginn des 16. Jahrhunderts, mehr als ein halbes Jahrhundert später als in Italien, in verschiedenen französischen Regionen, besonders im Loire-Tal und der Ile de France, und dauerte bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts, wenn es so sein wird gelangte durch barocke Architektur.

Periodisierung: die vier Phasen der französischen Renaissance
Die Renaissance in Frankreich wird allgemein in vier Teile unterteilt. Der erste Akt entspricht dem Stil Luis XII -1495-1530 ungefähr, der den Übergang zwischen dem Gotischen und der Renaissance bildet. Dieser erste Stil blüht ab 1515, besonders im Loire-Tal, wo die volle Akzeptanz der italienischen Renaissance schneller spürbar wurde. Wie später in Italien folgen drei Phasen später bis Anfang des 17. Jahrhunderts, eine erste und eine zweite Renaissance, die im Manierismus enden.

In jeder Phase ihrer Entwicklung blieb die Kunst der französischen Renaissance als eine originelle Kunst erhalten, die aus der Begegnung zwischen italienischen Vorbildern, Flamenco-Künstlern und französischen Eigenheiten entstand. Die Modelle änderten sich jedoch zwischen 1495 und 1610 stark, als die Franzosen später die letzte Kunst des Quattrocento, der Hochrenaissance und später des Manierismus bewunderten. Aus diesen aufeinander folgenden Begegnungen entstand eine reichhaltige, ungeordnete und manchmal schwer zu verstehende künstlerische Produktion. Wenn das Gleichgewicht hergestellt ist, tauchen zwei grundlegende Tatsachen auf: die moderne französische Kunst hat durch die großen Werke der Mitte des 16. Jahrhunderts Form angenommen, während in der Nähe des königlichen Palastes von Fontainebleau, „wahres neues Rom“, unter dem Willen des Königs Francesc I. geboren wurde war ein wichtiges künstlerisches Zentrum, das als einziges in Europa in der Lage war, mit den großen italienischen Zentren zu konkurrieren, und das die Fontainebleau-Schule heißen wird.

Die so geschaffene neue Situation beherrschte die Zukunft: die Bekräftigung eines nationalen Stils bereits in der Mitte des 17. Jahrhunderts und die zukünftige Rolle von Versailles.

Der Stil Ludwigs XII.: Übergang zwischen der Gotik und der ersten Renaissance (1495-1525 / 1530)
Der Stil Ludwigs XII. (1495-1525 / 1530) ist ein Übergangsstil, ein sehr kurzer Übergang zwischen zwei hellen Perioden, der Gotik und der Renaissance. Beschreibt einen Moment, in dem sich die dekorative Kunst vom Spitzbogen und gotischen Naturalismus zum mittleren Bogen hin bewegt und die weichen und runden Formen mit alten stilisierten Motiven der ersten Renaissance vermischt: Es gibt immer noch eine große Menge an Gotik in der Burg von Blois, und es gibt nichts in der Gruft von Saint Louis XII in Saint-Denis.

Ab 1495 wurde eine Kolonie italienischer Künstler in Amboise installiert und arbeitete mit französischen Meistern zusammen. Dieses Datum gilt allgemein als Ausgangspunkt dieser neuen künstlerischen Bewegung. In der Regel bleibt das Gebäude französisch und nur die Dekoration verändert sich und wird italienisch. Es wäre daher unzulänglich, diesen Stil mit dem einzigen Beitrag Italiens zu bestimmen: die Beziehungen, die zwischen der französischen architektonischen Produktion und der plateresken spanischen Architektur bestehen, und der Einfluß des Nordens, besonders Antwerpens, sind auch in den dekorativen Künsten bemerkbar sowie im Glas.

Die Grenzen des Stils Luis XII sind sehr variabel, vor allem wenn es um die Regionen außerhalb des Loire-Tals geht. Neben den siebzehn Jahren der Regierungszeit Ludwigs XII. (1498-1515) umfasst diese Zeit die Regierungszeit Karls VIII. Und die Anfänge von Francesc I., die 1495 die künstlerische Bewegung initiierten, um sie 1525/1530 zu vollenden: Im Jahre 1530 entspricht dies einem echten Stilwechsel, der nach der Gründung durch Francesc I. von der Schule von Fontainebleau allgemein als die volle Akzeptanz des Renaissancestils angesehen wird.

In der Architektur tendiert die Verwendung von „Ziegel und Stein“, die noch in den Gebäuden des vierzehnten Jahrhunderts vorhanden ist, dazu, verallgemeinert zu werden. Hohe französische Decken mit Ecktürmen und Fassaden mit Wendeltreppen machen die Tradition weiter, aber die systematische Überlagerung von Hohlräumen, der Bruch von Dachböden und das Auftreten von Logen, die von der Poggioreale-Villa und dem Castell Nou de Naples beeinflusst sind, ist das Manifest eines neuen Dekors Kunst, wo das Gebäude tief gotisch bleibt. Die Verbreitung des ornamentalen Vokabulars, das aus Pavia und Mailand stammte, spielte eine wichtige Rolle bei der Wahrnehmung einer bestimmten Moderne.

In dieser Kunst in voller Mutation wurden die Gärten so wichtig wie die gleiche Architektur. Die Ankunft in Amboise von italienischen Künstlern, wie Pacello da Mercogliano, war ursprünglich unter Charles VIII für die Schaffung der größten Gärten der französischen Renaissance dank der neuen Landschaftsschöpfungen, in der Installation einer Ménagerie (Sammlung von wilden Tieren) und die agronomische Akklimatisierungsarbeit, die seit 1496 in den „Jardins du Roy“ durchgeführt wurde, die sich damals im königlichen Gebiet von Château-Gaillard befanden. Im Jahr 1499 beauftragte Ludwig XII. Die Realisierung der Schlossgärten von Blois mit demselben Team, das später von Georges d’Amboise für Parterres auf verschiedenen Ebenen in seinem Schloss Gaillon engagiert wurde.

Zusammenfassend zeigt der Stil Ludwigs XII, dass er sowohl Französisch als auch Italienisch überraschen wollte: Es war von der Phantasie, mit der italienische Neuheiten in Gebäude integriert wurden, die noch alle französischen mittelalterlichen waren, wie es um 1515/1520 der Erste geboren wird Renaissance oder Frührenaissance.

Erste Renaissance (1515 bis 1530/1540)
Wie in der vorhergehenden Periode ist die offensichtlichste Manifestation der Ersten Renaissance in Frankreich der Bau von Wohnburgen, nicht nur im Loiretal und der Ile de France, sondern in einigen Provinzen, sondern im Süden, wie Berry, der Carcí und das Périgord – Castell d’Assier und Montal – die, nachdem sie sich von den Folgen des einhundertjährigen Krieges erholt hatten, sahen, wie ihre großen Familien über mehrere Generationen hinweg die bestehenden mittelalterlichen Gebäude modernisierten.

Wenn seit dem Ende des fünfzehnten Jahrhunderts der vorübergehende Prozess des Stils Ludwigs XII. Allmählich die Formen der Ersten Renaissance aus den Jahren 1515/1520 auf die Ankunft einer neuen Welle „italienischer Künstler“ brachte, die zahlreicher waren als zuvor , wird einen großen Einfluss auf die französische Kunst haben und einen wahren Bruch verursachen: die gotischen Formen, schließlich, verdünnte allmählich italienische Würde. Diese Entwicklung ist besonders empfindlich im Portal der Kirche von Saint-Maurille de Vouziers, wo eine klassische Ornamentik maskierte noch gotisches Gebäude.

Anders als in der vorhergehenden Periode, war der Hauptprotagonist nicht mehr in der Nähe, aber der König selbst König Franz I., der sich als Monarch-Humanist benimmt, wird einer der Hauptakteure dieser stilistischen Entwicklung, die in seinen Künsten als Schirmherren und Wegweiser gilt Menschen und des Christentums, ohne seine militärische Rolle aufzugeben. Deshalb hat es italienische Künstler angezogen, ihre Schlösser zu bauen. Diese gelehrten Handwerker werden dann eine große Aura über die Meister der französischen Werke haben: der mutmaßliche Architekt von Chambord, Domenico Bernabei Cortona (c. 1465/1470 – 1549) wäre auf Italienisch mit dem Namen „Boccador“ gesagt worden, in dem ich hörte dass er mit „goldenen Worten“ sprach.

Während der Ersten Französischen Renaissance wird die Anlage der Gebäude jedoch weiterhin traditionell sein und die architektonischen Elemente werden frei von der neuen Kunst aus der Lombardei inspiriert sein. Niemals wird die französische Architektur vielleicht mehr Eleganz, Leichtigkeit und Fantasie zeigen als während dieser künstlerischen Periode. Es gibt einen besonderen Geschmack in den Gebäuden des Loire – Tals, wo traditionelle französische Meister, voll von Beredsamkeit, nicht mehr als die neue Architektur akzeptieren, indem sie immer der Konstruktion mit der passenden Form die kühnen und malerischen Silhouetten des Mittelalters mit der Renaissance italienischen Dekor. Aus diesem Grund werden in der Tradition des Stils Luis XII die nationalen Traditionen während der ganzen Zeit bewahrt, wie die hohen Decken – nur die Burg von Saint-Germain-in-Fangui war mit Terrassen bedeckt. Obwohl der Fortschritt der Artillerie jede nutzlose Verteidigungsvorrichtung zurückgegeben hatte – seien es Türme, Ritzen oder Vorhänge von Schlössern -, waren sie immer noch traditionell erhalten, aber leer von Inhalten, um in viele andere dekorative Elemente umgewandelt zu werden. wie die Schlösser von Chenonceau, La Rochefoucauld, Villandry oder, wie es in Azay-le-Rideau im 19. Jahrhundert der Fall war, war die Beständigkeit des Donjonit mehr gerechtfertigt als durch das stattliche Symbol, das er vertrat; Seine militärische Funktion wurde dann durch Prestige und Apparat ersetzt.

In dieser Bewegung verwandeln sich die Wachtürme der mittelalterlichen Burgen in Azay-le-Rideau in anmutige Ecktürmchen, während die Zinnen der Rundwege zu kleinen Fenstern werden, die diesen Raum in eine angenehme Galerie der Zirkulation verwandeln Der Stil von Louis XII, die Fenster der Fassaden haben ihre „chambranle“, die den Boden mit dem Boden verbinden, bilden eine Art von im Oberlicht fertig bearbeitete Strecke. Dieses Gitter, das sich in der Burg von Blois oder der Burg von Chambord befindet, erzeugt ein Gefühl von Regelmäßigkeit, oft „fiktiv“, horizontal und vertikal unterstreichend, während die Verbreitung von Kaminen und Zinnen eine Krone im Gebäude zu bilden scheint , eine letzte Reflexion der mittelalterlichen Magie.

Diese Interpretation der Errungenschaften von Bramante, auch wenn sie die alten Ordnungen in keiner Weise respektiert, findet sich in der Überlagerung von Bögen, die von Pilastern eingerahmt sind, die die Innenhöfe der Burg von La Rochefoucauld und dann die von Chambord zieren. Erste Aufführung Ex nihilo, das Schloss von Chambord ist ein Treffpunkt für Jagden und Feiern des Hofes, konzipiert als unbewohntes Theater. Die Anwesenheit von Leonardo da Vinci und Domenico da Cortona (Boccador), stellen Fragen über das Schloss auf Französisch in Kontakt mit der italienischen Renaissance. Während die Türme des Mittelalters nicht mehr als die Fenster der Bogenschützen hatten, kommt hier eine Überlagerung von Pilasterfenstern, um das Gebäude ausgiebig zu beleuchten, während die bröckelnde Krone zum ersten Mal verschwindet.

Die üppige Dekoration wird dann vor allem mit den Dächern von Kaminen, Oberlichtern und Türmchen in Verbindung gebracht, die alle mit Platten oder Schieferplatten, Tabernakeln und Pinguinen nach Norditalien dekoriert sind und immer an den schwarzen Marmor der Kartause von Pavia erinnern, wo Francesc Ich war ein Gefangener gewesen. Wenn die Entwicklung von symmetrischen Wohnungen mit Wohnbestimmung ein Novum war, war die Organisation der Anlage noch traditionell und erinnerte an das Schloss von Vincennes, mit einem von einer Mauer umgebenen Donjonzentrum, wo der Patio und die gemeinsamen Abhängigkeiten liegen.3 Das ursprüngliche Projekt von 1519 wurde jedoch seit 1526 geändert, um die Wohnung des Königs in einen Seitenflügel zu übertragen: der zentrierte Dock ist mit dem neuen Ritual des Gerichtes unvereinbar, das eine königliche Wohnung in einer Reihe verlangte. Wie in der Villa Mèdici, hat jede Ebene ihre Wohnungen nun um eine zentrale Achse der Doppeltreppe erweitert, die in Zusammenarbeit mit Leonardo da Vinci entworfen wurde. Die Arbeit wurde jedoch verlangsamt: nach der Niederlage von Pavia, Francesc musste ich nach Paris zurückkehren.

Nach seiner Rückkehr aus der Gefangenschaft im Jahre 1527, obwohl die Schirmherrschaft der königlichen Umwelt weiterhin wichtig war, war der König nicht weniger der Protagonist der stilistischen Entwicklungen in seinem Land, aufgrund der Änderungen, die er an einer ganzen Reihe von Schlössern in der Nähe der Hauptstadt nach Villers-cotterêt und La Muette. Während auf der Insel Frankreich neue Innovationen aufkamen, wurde das Tal der Loire zum Konservatorium der Ersten Renaissance.

Die heute zerstörte Burg von Madrid spiegelt diese Entwicklung wider: Der Palacio de las Vargas de la Casa de Campo, die Residenz eines großen spanischen Finanziers vor dem Gefängnis von Francesc I in Madrid, inspirierte die Verwirklichung Palast ohne Grube die gesammelte Pflanze, die gegen die französische Tradition ist. Als neue Ferienresidenz konzipiert, sind die symmetrischen Wohnungen in der Nähe einer zentralen Tanzhalle organisiert, während zwei Stockwerke von Lodges den Turm des Gebäudes bilden, präsentiert eine unveröffentlichte Dekoration von emaillierten Töpferwaren von Della Robbia. Die Höhe des Schlosses wurde von den fortgeschrittenen Pavillons markiert und ersetzte hier die mittelalterlichen Türme von Chambord, deren neuer Rhythmus durch die Trennung des Dachbodens erhalten wurde. Die Verwendung einer geometrischen Pflanze und die Anwesenheit von Logen, die den Farnese-Palast ankündigen, sind eine entfernte Reflexion von Poggio Reale in Neapel und der Medical Villa.

Unmittelbar danach fand im Schloss von Fontainebleau, das zwischen 1530 und 1540 in den Hauptwohnsitz des Herrschers umgewandelt wurde, ein Ereignis von großer Bedeutung statt. Obwohl zwischen der durchschnittlichen Qualität der Architektur und der Pracht der Innenausstattung ein großer Kontrast besteht, markieren die von Gilles le Breton ausgeführten Errungenschaften einen tiefgreifenden Wandel, der das Ende der Periode unterstreicht. Obwohl der Donjon aus dem 12. Jahrhundert erhalten geblieben ist, wurde der ovale Patio, der der alten mittelalterlichen Festung entspricht, von Rosso und Serlio mit einer Vorhalle geschmückt, die sich auf einer doppelten Treppe öffnet. Der „goldene Türpavillon“, der für diesen Anlass gebaut wurde, nimmt die seit 1509 im Schloss von Gaillon beobachteten Bestimmungen wieder auf. Im Gegensatz zu dem, was im Loire-Tal beobachtet wird, wird in Zukunft eine strenge Architektur auf der Basis von Mauerwerkstein und beschichteten Steinen gewählt. Wenn überlappende Pilaster der Fassaden, aber nichts Respekt in alten überlappenden Loggien, die Scansion Ebenen durch Giebel dreieckigen und rechteckigen Fahnen auf den Dächern einen Eindruck klassischer Umwandlung dieser Architektur, in einem triumphalen Eingang, wie im Castel Nuovo in Neapel. Aber bevor die Gebäude des neuen Schlosses fertiggestellt waren, brachte Francesc I. eine große Gruppe italienischer Künstler mit, um den Palast zu verschönern. Erstellen Sie nach seinen Wünschen eine Art „neues Rom“, die Schule von Fontainebleau genannt wird, mit einem einflussreichen intellektuellen und künstlerischen Kreis. Bis zu seinem Tod im Jahr 1540 spielt Rosso die Hauptrolle in dem, was Francesco Primaticcio tut: Die Dekoration der Francesc I Gallery, ein großer Komplex, der der Erhöhung der französischen Monarchie gewidmet ist, ist der schönste Ausdruck. In den folgenden Jahren konnte der Erwerb der nächsten Abtei der Trinitaristen, die das mittelalterliche Herz des Schlosses verlassen und ein modernes Ex Nihilo schaffen, um einen imposanten Ehrenhof entstehen. Inspiriert von der Medical Villa, wurde die Verbindung mit der alten Burg durch einen neuen, mit Säulen versehenen Flügel hergestellt, der die Fertigstellung der Francesc I Gallery ermöglichte, die in luxuriösen Apartments mit Bad untergebracht war. In Bezug auf den zentralen Körper mit quadratischen Pavillons des neuen Flügels des Palastes, wurde es durch die Burg von Bury inspiriert, durch seine geradlinige Pflanze und seine Oberlichter mit gereinigten dreieckigen Giebeln, die klassizistische Evolution, die die Zweite Renaissance kennzeichnete

Hochrenaissance
Die Kunst der Zeit zwischen Franz I. und Heinrich IV. War stark beeinflusst vom italienischen Cinquecento, der bereits in seiner manieristischen Phase mit Malern wie Michelangelo oder Parmigianino verbunden war. Der Manierismus zeigt eine visuelle Rhetorik, die sich durch länglich und elegant auszeichnet, wobei das Historienbild als das wichtigste Genre in der Hierarchie der Genres gilt. Die Maler Jean Clouet und ihr Sohn François Clouet und die Italiener Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio und Niccolò dell’Abbate – die sogenannte Fontainebleau-Schule von 1531 – heben sich ab. Leonardo da Vinci Er lebte in Frankreich in seinen letzten Jahren (1516-1519) unter der Schirmherrschaft von Francesc I, aber außer den Arbeiten, die er führte, führte er keinen Auftrag für den Monarchen aus. In der Architektur, betont die Anwesenheit (zwischen 1496-1508) von Giovanni Giocondo, der, von Carlos VIII gefordert, verschiedene Konstruktionen konditioniert und rehabilitiert (Pont Nôtre-Dame); sowie die von Sebastiano Serlio, sowohl für seine Konstruktionen als auch seine Abhandlung, Die Sieben Bücher der Architektur (1537-1551), die die wichtigsten französischen Architekten, wie Philibert de l’Orme und Pierre Lescot konditionieren werden.

In der Skulptur wird Benvenuto Cellini (Saler de Francesc I. von Frankreich, 1539-1543) einen bis ins 17. Jahrhundert zurückreichenden klassizistischen Einfluss hinterlassen. Unter den lokalen Bildhauern traten Jean Goujon und Germain Pilon hervor.

Während der Arbeit in den Schlössern der Loire wurde in Paris die alte Festung des Louvre unter der Leitung von Pierre Lescot zu einem städtischen Palast umgebaut. Im Westen des Louvre, Caterina de Mèdici wurde der Palast der Tulleries mit weitläufigen Gärten und einer Grotte gebaut.

Die Religionskriege stellten die künstlerische Produktion in den Schatten, aber sie schürten die intellektuelle Reflexion und die religiöse und politische Propaganda.

Unter Renaissance
Die Thronbesteigung Heinrichs IV. Führte in Paris zu einer Zeit intensiver Stadtentwicklung, die den Bau des Pont Neuf, des Place Dauphine 19, des Palais des Vosges, des Palais Royal und Teile des Louvre-Palastes einschloß. Derselbe König brachte die Künstler der sogenannten Zweiten Schule von Fontainebleau zusammen: Toussaint Dubreuil, Martin Fréminet und Ambroise Dubois. Maria de Medici, seine zweite Frau und Regent von Frankreich bei seinem Tod, nannte Rubens, der große Arbeiten für den Luxemburg-Palast malte. Ein anderer Flamenco-Maler, der für seinen Hof arbeitete, war Frans Pourbus el Vell.

Im Hof ​​der Herzöge von Lothringen – damals außerhalb des Königreichs Frankreich – entwickelte sich ein sehr differenzierter späte Manierismus: Künstler wie Jacques Bellange, Claude Deruet und Jacques Callot, ausgezeichnete Graveure, mit einem leichten Kontakt zu den französischen Künstlern die Zeit, gekennzeichnet durch einen intensiven und extremen Stil, oft erotisch, einschließlich nächtlicher Szenen und Bilder von Albträumen.

Die Zweite Renaissance: Klassizismus (1540 bis 1559/1564)
Die zweite Renaissance markiert ab 1540 die Reifung des Stils zu Beginn des Jahrhunderts sowie seine Einbürgerung, während das Loire-Tal als Konservatorium der Formen der Ersten Renaissance verworfen wird. Diese neue Periode wurde später, hauptsächlich während der Regierungszeit von Enric II., Francesc II. Und Carlos IX, entwickelt und sollte erst um 1559-1564 fertiggestellt werden, in dem Moment der Religionskriege in Frankreich, die durch das Massaker von Bartholomäus-Tag und die katholische Gegenreform.

Obwohl die Erste Renaissance nach und nach in den Provinzen akzeptiert wurde, gibt es in Ille-de-France eine ganze Reihe von Neuerungen. Ab 1540 schreitet der Klassizismus fort, nach der Ankunft von Serlio (1475-1555) in Frankreich: Obwohl sein architektonisches Werk begrenzt war, war sein Einfluss für die Veröffentlichung von Sette libri dell’architettatura (1537-1551) beträchtlich. Dank seiner aufgenommenen Werke war er einer der ersten, der andere Künstler in der Schönheit alter Denkmäler gründete und dazu beitrug, dass sich Pflanzen und Dekorationen zu mehr Nüchternheit und Regelmäßigkeit entwickelten.

Die Architekten, die zur Zeit des Stils von Ludwig XII. Und der Ersten Renaissance traditionelle und eloquente Meister der Meister waren, wurden zu Gelehrten und Gelehrten, die einige von ihnen in Italien studierten. Die französische Architektur bewahrt jedoch weiterhin ihre eigenen Eigenschaften, die den gleichen Serlio verführen: Es gibt große Ornamente für Gedenkgedenkgebäude [sind große Ornamente für Gebäude wie eine Krone] und die großen Dachböden sind mit blauem Schiefer von choses très plaisantes et nobles [ sehr schöne und edle Sachen].

Diese neue Künstlergeneration, die einen echten Stilwechsel darstellt, betreibt eine originelle Synthese zwischen den Lehren der Antike, der italienischen Renaissance und den nationalen Traditionen. Zu den bekanntesten gehört Philibert Delorme, der Autor des Hôtel Bullooud in Lyon, die Schlösser von Saint-Maur-des-Fossés und Anet sowie die Kapelle von Villers-Cotterêts; Pierre Lescot baute den Renaissanceflügel des Louvre und das Hôtel de Jacques de Ligneris (Carnavalet-Museum); Jean Bullant erbaute die Schlösser von Ecouen und Fère-en-Tardenois sowie die kleine Burg von Chantilly.

Diese Architekten arbeiteten eng mit den Bildhauern zusammen und definierten eine Architektur und Dekoration, wobei sie die Schönheit der Linien dem Reichtum des Ornaments vorzogen: Cellini, die für das Goldene Tor geschaffen wurde, das Bronzerelief der Nymphe von Fontainebleau; Seine Arbeit „Manierist“ hat in Frankreich einen großen Eindruck hinterlassen und wahrscheinlich Jean Goujon, den Autor der Quelle der Unschuldigen und die Dekoration der Fassade des Louvre beeinflusst. Der manieristische Einfluss durchdringt auch die Arbeit von Pierre Bontemps, der für das Grab von Franz I. in Saint-Denis verantwortlich ist, und das Denkmal für das Herz von Franz I.

In Burgund war das Schloss von Ancy-le-Franc (1538-1546) eines der ersten Projekte, die auf dieses neue Ideal reagierten. Dieses von dem Architekten Serlio entworfene Schloss, das von 1538 bis 1546 von Antoine III de Clermont erbaut wurde, markiert eine Entwicklung zum Klassizismus in Frankreich. Mit diesem Gebäude wurde die modulare Architektur auf dem französischen Boden benannt. Nur hier sind die Lichtfronten der Fenster im ersten Stock, sie erinnern sich an die Erste Renaissance. Draußen lenkt nichts die einheitliche Anordnung von Arkaden- oder Fensterlücken ab, die durch einen Zwillingspilastersaum voneinander getrennt sind, der eine Nische schließt und auf einem hohen Stil steht. Dieser Wechsel von einer Hauptleere und einer sekundären Leere – hier simuliert durch eine Nische -, die von Pilastern umrahmt wird, ist eines der ersten Beispiele des rhythmischen Strangs, der mit Offenheit und Strenge behandelt wird.

Der Flügel von Lescot du Louvre, eine Gesellschaft, die 1546 begann, war das Meisterwerk der zweiten Renaissance. Diese Arbeit von Pierre Lescot, einem antiquarischen Architekten, wurde von Jean Goujon dekoriert. Der ursprünglich im Zentrum des Logis-Korps geplante Maßstab wurde auf Wunsch von Enric II. Verlegt, um einen großen Raum zu schaffen, in dem auf Wunsch von Jean Goujon die griechischen Karyatiden der Erechthe auf der Akropolis von Athen frei wurden. In der Art eines von Lescot gepredigten französischen Manifestes zeigt die Fassade eine Überlagerung von neuen klassischen Ordnungen, ohne italienische Regelmäßigkeit zu erreichen: Mit zunehmendem Wachstum werden die Proportionen immer feiner und die Idee der Krönung der beiden Ordnungen mit einem breiten Band überlagert , gewidmet dem Akklimatisieren in Frankreich, dem Dachboden, der in Italien so geschätzt wird und zum ersten Mal Split-Dachböden in Frankreich verwendet, um die Illusion eines Dachbodens direkt zu vermitteln. Die Avantgarden, die letzte Erinnerung an die mittelalterlichen Türme, reichen trotz ihres kleinen Ausflugs aus, um die Fassade zu „ermutigen“. Die bewundernswerten Skulpturen von Goujon tragen dazu bei, dass dieses Gebäude ein einzigartiges Werk ist. Im Erdgeschoss sorgen die von Pilastern gestalteten Mittelbögen für die Betonung der Vertikalen und Horizontalen, während das Spiel der Doppelstützen, das eine mit einer Medaille geschmückte Nische umrahmt, eine für die französische Architektur typische Stimmung darstellt.

Eine weitere wichtige Errungenschaft dieser Zeit, die Burg von Anet, wurde von Philibert Delorme auf Kosten des Königs für Diana de Poitiers, die Liebhaberin von Enric II gerichtet. Zerstört während der Französischen Revolution, heute ist es nicht ohne Veränderungen mehr als die Kapelle und die drei überlagerten Orden in der École des Beaux-Arts von Paris konserviert erhalten. Umgewandelt in die Zweite Renaissance, hat die viereckige Pflanze eine Logis vor dem Eingang. Befestigte Stellplätze, wie Écouen, haben Waffen für den Apparat und die Parteien. Der Eingang einer Pyramidenform ist eine italienische Reminiszenz, die einen von Delorme interpretierten Triumphbogen darstellt. Vier ionische Säulen tragen einen Bogen, der auf einen Architrav fällt, während die Säulen der Seitengänge von Antonio Fornese Palast des Sangallo el Jove inspiriert sind. Unter den Beschlägen der Balustraden, ein Spiel der Polychromie von Materialien, umrahmt die Nymphe von Fontainebleau von Cellini durch die goldene Tür von Fontainebleau. An der Spitze markierte eine Gruppe von Robotern die Stunden. Philibert Delorme drückt seinen Geschmack für die seltsamen Erfindungen aus, die von Michelangelos Launen überall inspiriert sind: Die Kapelle des Schlosses von Anet ist der innovativste Erfolg. Dies war das erste Mal, dass das Zentralwerk in Frankreich eingesetzt wurde. Wenn der von Pilastern umgebene Nischenschnitt von den zeitgenössischen Errungenschaften von Bramante und Miquel Àngel beeinflusst wird, ist der Fries, dass die Krone von Sangallo inspiriert wurde. Die Skulpturen sind vielleicht von Jean Goujon. Das Gebäude dient als Juwel des Emails von Francesc I und den Aposteln von Scibec de Carpi. Das Gewölbe der KuppelEs entwickelt eine Dekoration, die ein Bündel Kreise umfasst, die achteckig auf dem Boden des Bodens reflektiert werden. Dieses Motiv, inspiriert von Elementen, die häufig in römischen Mosaiken zu finden sind, zeigt den Wunsch, das italienische Modell zu überwinden, wenn man sich direkt auf die antiken Errungenschaften bezieht, um eine originelle Architektur im Französischen zu schaffen.

Zusammen mit diesen bedeutenden königlichen Projekten tragen die großen Residenzen der Stadt zur Einbürgerung dieses neuen Stils bei: unter dem Einfluss der zweiten Renaissance, die üppige Dekoration von Laub und exquisiten Medaillons, die die Galerie des „Hotel de Chabouillé“ zierten de Moret-sur-Loing, verschwinden vor dem System der „modularen Proportionen“, streng auf die Eröffnung des Hauses von Jean d’Alibert in Orleans angewendet, wo die geschwungenen Klammern, inspiriert von der Schule von Fontainebleau die Fenster übertreffen.

Manierismus (1559/1564 – frühes 17. Jahrhundert)
Diese letzte Phase, die ein letztes Echo der Renaissance und des Humanismus in Frankreich bildet, weicht von den Jahren 1559/1564 des atmosphärischen Klassizismus durch seine schöpferische Phantasie ab, die für diesen Stil den Namen manierista rechtfertigen kann. Gerade als die Religionskriege begannen, markiert durch das Massaker von St. Bartholomäus, fielen Pessimismus und Skepsis in Männer und Künstler rein humanistischer Formation ein. Die alten Referenzdenker werden die Stoiker sein, vorzugsweise Plato. Wenn der Humanismus überlebt, entwickelt sich seine tiefe Philosophie, die von der katholischen Gegenreform wieder aufgenommen und überdacht wird.

Von der Klarheit der Formen und dem Klassizismus der Zweiten Renaissance gibt es eine manieristische Architektur. Mit neuer Kraft wieder auftauchend, vermischt sich das bereits barocke Spiel von Bänden und Suchen nach Licht und Schatten mit fragmentierten Giebeln, Pilastern, Grotesken, Schriftrollen oder anderen Masken, Ausgängen aus der Renaissance-Kultur. Fenster und Dachböden dringen oft in das Gebälk ein: das nennt man Gehwege. So wurde im Hôtel d’Angoulême Lamoignon in Paris – um 1584 – ein kolossaler Orden so groß wie im Palacio Valmarana von Andrea Palladio markiert, das Gebälk wird mit Dachböden gebrochen, die zum Architrav hinabsteigen. Die Architekten haben eine Vorliebe, die durch die Rücken-an-Rücken-Säulen gekennzeichnet ist, die gestreift und verziert sind und die spektakulärsten französischen Säulen gekrümmter Stämme sind, die von Philibert Delorme erfunden wurden und in der vorhergehenden Periode erschienen. Diese Erfindung ist Teil eines allgemeinen Geschmacks für Schmuck, der sich auch in Kleidung, Schmuck und Stickereien zeigt. Es ist daher Ausdruck der neuen Reife in der französischen Architektur. Delorme rechtfertigt es: „Wenn es den antiken Architekten in mehreren Ländern und Nationen erlaubt wurde, neue Säulen zu erfinden (…), werden sie neue Franzosen, Erfindungen, Quelques-vereint und appelions françaises einbringen.“

Trotz eines erheblichen Rückgangs der königlichen Schirmherrschaft, verbunden mit der politischen Situation, haben Caterina de Mèdici und die sozialen Eliten weiterhin Werke an Künstler vergeben: Philibert Delorme wurde 1564 beauftragt, das Schloss von Saint-Maur zu vollenden und den Palast von die Tulleries, Konstruktionen, die später von Jean Bullant, einem Architekten, der die Chenonceau-Brücke mit einer Galerie (1576-1577) krönt, weitergeführt werden. Um den neuen Palast der Tulleries mit dem alten Louvre zu verbinden, beginnt Jacques II. Androuet du Cerceau um 1594 mit dem Bau der wasserseitigen Galerie, die später von Louis Métezeau parallel zu Diana de France, dem Hôtel Lamoignon, fertiggestellt wurde .

Der große Bau dieser Zeit, der von Delorme initiierte Palast der Tulleries, musste sich um drei Innenhöfe mit von Kuppeln gekrönten Pavillons und mit der Schaffung von Gärten artikulieren. In dem Teil, der den Park überblickt, hat der zentrale Pavillon, der von zwei gleichförmigen Längsflügeln flankiert wird, nur die Höhe eines Erdgeschosses, das von einer Pflanze mit Dachböden auf dem Dach beendet wird. Der Zentralpavillon bietet einen Rhythmus, der von gut dekorierten Säulen gebildet wird, die eine spiralförmige Treppe in der Nähe einer großen, mit Säulen gefüllten Leere beherbergen, die nur unter Heinrich IV. Vollendet ist. Es ist das manieristischste Werk von Delorme im Zusammenhang mit den neuesten Produktionen von Florentines und Miquel Àngel. Aber Delorme starb 1570. Bullant, sein Nachfolger, schaffte es nicht, mehr als ein Teil zu beenden. Diese Arbeit zeugt von „französischer“ Architektur.

Der Flügel der „Bella Chimenea“ des Schlosses von Fontainebleau ist repräsentativ für das Ergebnis der französischen Renaissance, obwohl sie von italienischem Manierismus befleckt ist. Von Francesco Primaticcio um 1565-1570 in grandioser Weise entworfen, hat es die Besonderheit, zwei Stufen in verschiedenen Rampen zu haben, die den Eingang zu den Wohnungen von Carlos IX vergrößern. Primaticcio könnte die Idee der zwei Stufen auf der rechten Rampe in den großen Errungenschaften von Bramante im Vatikan oder Michelangelo im Kapitol gefunden haben, die den Sinn der Rampen invertieren. Die Fassade ist mit großen Bronzen mythologischer Themen geschmückt, die zwischen 1541 und 1543 von Primaticcio angefertigt und auf Wunsch von Francesc I nach Rom geschickt wurden, um Gipsabdrücke von den dort erhaltenen Marmorskulpturen herzustellen. In der Burg von Fontainebleau, im Hof ​​des Weißen Pferdes, konnte eine Gießereiwerkstatt installiert werden, die die Schmelzarbeiten unter der Leitung des italienischen Architekten Jacopo Vignola ausführte.

Im Hinblick auf einen „erzwungenen Austausch“ mit Diana de Poitiers baute Caterina de Mèdici, neue Besitzerin des Schlosses von Chenonceau, auf der „Brücke der Diana“ zwei übereinander liegende Galerien, die ein einzigartiges Empfangsgebiet in der Welt bilden Der Bau begann 1576 und wurde 1581 fertiggestellt. Die Galerie ist wahrscheinlich Bullants Werk, das Delorme in königlichem Gefallen ersetzte. Diese neue Konstruktion bildet zwei übereinander liegende Räume von 60 m Länge und 5,85 m Breite, die von 18 Fenstern beleuchtet werden.Das Erdgeschoß ist aus einer Reihe von Türchen in der Mitte des Mondes, inspiriert von den Exdralen der Antike, die die Spitze der Plattform-Schnitzereien komprimieren. These Türmchen ende in the balcony on the edward stuff, the erste, with the rainstorms im Erdgeschoss. Typisch für diese manieristische Architektur, die Fassaden haben sehr große Fenster, die durch horizontale Unterteilungen mit geformten Rahmen verbunden sind. Caterina de Mèdici wollte mit diesem Schloss, das für seinen Geschmack noch zu einem Krieg, einen klassischen Abschluss machen. Mit diesem Ergebnis wurde der zentrale Abschnitt am Anfang des Schlosses mit zwei Büsten, und in den letzten Abschnitten durch die neuen Fenster durchbrochen; um die vier Karyatiden zu beherbergen,Die von Giulio Romano wurde inspiriert, das ist jetzt im Garten konserviert.

Pierre Lescot entwickelte eine letzte künstliche Entwicklung dieser Spätrenaissance und entwickelte die Burg von Vallery (1562), in der französischen Landhausstil kann kann. Er wurde ab 1548 für den Marschall Jacques d’Albon de Saint-André gebaut System von Ziegelwänden und gezahnten Steinkisten, die die Winkel der Baukörper markieren und die Fensterrahmen umformen, die von einem oder zwei Steinbändern geschnitten sind.Der zweite Preis für die „Drei-förmigen“ Architektur der Stadt Enric III und der Beginn der Geschichte von Ludwig XIII. Stil: Burg von Wideville ( 1580-1584) in den Yvelines, der Abteipalast von Saint-Germain-des-Prés oder der Burg von Rosny-sur-Seine (1595-1606).

Religiöse Architektur
In the religious Dominanz in France sind die in der Renaissance gebauten Kirchen weniger zahlreich als zivile Gebäude, aber ein guter Name ist noch zu erhalten. Selbst die gotische Architektur wurde in den ersten Jahren des Jahrhunderts im Kloster Brou weit verbreitet. The Saint-Eustache in Paris, Saint-Étienne-du-Mont, Paris, in der Kirche Sant Aeul d’Ecouen In der Kirche Sant Miquel de Dijon, in der Abtei von Fontevraud – im Kreuzgang und im Kapitelsaal -, in der Kathedrale von Sant Lluís de Blois und in der Kathedrale von Le Havre. Endlich, Es gibt eine besondere Eigenheit Vieler Kirchen, die im 16.Jahrhundert Westlich der Bretagne ist gebaut und die von der so genannenten Pfarranlage umgebildet, die im Allgemeinen der Kirche eine Triumphwall, ein Busch, eine Tortur und eine in einer Renaissance Renaissance gebaute aber sehr reiche.

Französische Renaissance Revival Stile
Châteauesque
Napoleon III Stil
Zweite Kaiserzeit (Architektur)

Andere Französisch Revival Stile
Empire-Stil (neoklassisch)