Florentiner Malerei

Die Florentiner Malerei oder die Florentiner Schule bezieht sich auf Künstler in, aus oder beeinflusst von dem naturalistischen Stil, der im 14. Jahrhundert in Florenz entwickelt wurde, hauptsächlich durch die Bemühungen von Giotto di Bondone und im 15. Jahrhundert die führende Schule der westlichen Malerei. Einige der bekanntesten Maler der früheren Florentiner Schule sind Fra Angelico, Botticelli, Filippo Lippi, die Familie Ghirlandaio, Masolino und Masaccio.

Florenz war der Geburtsort der Hochrenaissance, aber im frühen 16. Jahrhundert wurden die wichtigsten Künstler, darunter Michelangelo und Raphael, nach Rom gezogen, wo sich damals die größten Aufträge befanden. Zum Teil folgte dies den Medici, von denen einige Kardinäle und sogar der Papst wurden. Ein ähnlicher Prozess betraf spätere florentinische Künstler. In der Barockzeit waren die vielen in Florenz tätigen Maler selten bedeutende Persönlichkeiten.

Vor 1400
Die früheste unverwechselbare toskanische Kunst, die im 13. Jahrhundert in Pisa und Lucca hergestellt wurde, bildete die Grundlage für die spätere Entwicklung. Nicola Pisano zeigte seine Wertschätzung für klassische Formen ebenso wie sein Sohn Giovanni Pisano, der die neuen Ideen der gotischen Skulptur in die toskanische Umgangssprache übertrug und Figuren eines beispiellosen Naturalismus bildete. Dies spiegelte sich in den Werken der pisanischen Maler im 12. und 13. Jahrhundert wider, insbesondere in denen von Giunta Pisano, die wiederum Größen wie Cimabue beeinflusste, und durch ihn Giotto und die florentinischen Künstler des frühen 14. Jahrhunderts.

Das älteste erhaltene großformatige florentinische Bildprojekt ist die Mosaikdekoration des Inneren der Kuppel des Baptisteriums von St. John, die um 1225 begann. Obwohl venezianische Künstler an dem Projekt beteiligt waren, schufen die toskanischen Künstler ausdrucksstarke, lebendige Szenen, die emotional waren Inhalt im Gegensatz zu der vorherrschenden byzantinischen Tradition. Coppo di Marcovaldo soll für die zentrale Figur Christi verantwortlich gewesen sein und ist der früheste Florentiner Künstler, der an dem Projekt beteiligt war. Wie die Tafeln der Jungfrau und des Kindes, die für die Servitenkirchen in Siena und Orvieto gemalt wurden und manchmal Coppo zugeschrieben werden, hat die Christusfigur ein Gefühl von Volumen.

Ähnliche Arbeiten wurden im späten 13. und frühen 14. Jahrhundert für die Florentiner Kirchen Santa Maria Novella, Santa Trinita und Ognissanti in Auftrag gegeben. Duccios Tafel von um 1285, Madonna mit thronendem Kind und sechs Engeln oder Madonna von Rucellai für die Santa Maria Novella, die sich jetzt in der Galerie der Ufizien befindet, zeigt eine Entwicklung des naturalistischen Raums und der naturalistischen Form und war möglicherweise ursprünglich nicht als Altarbild gedacht. Tafeln der Jungfrau wurden oben auf Kreuzgittern verwendet, wie in der Basilika San Francesco d’Assisi, in der die Tafel im Fresko der Überprüfung der Stigmata im Leben des Heiligen Franziskus abgebildet ist. Cimabues Madonna von Santa Trinita und Duccios Rucellai Madonna behalten jedoch den früheren Stil bei, Vorhänge als ein Netzwerk von Linien zu beleuchten.

Giottos Sinn für Licht wäre von den Fresken beeinflusst worden, die er während seiner Arbeit in Rom gesehen hatte, und in seinen narrativen Wandgemälden, insbesondere den von der Familie Bardi in Auftrag gegebenen, sind seine Figuren in einen naturalistischen Raum gestellt und besitzen Dimension und dramatischen Ausdruck. Eine ähnliche Herangehensweise an das Licht wurde von seinen Zeitgenossen wie Bernardo Daddi verwendet. Ihre Aufmerksamkeit für den Naturalismus wurde durch die Themen gefördert, die für franziskanische und dominikanische Kirchen des 14. Jahrhunderts in Auftrag gegeben wurden, und sollte in den folgenden Jahrhunderten die florentinischen Maler beeinflussen. Während einige traditionelle Kompositionen waren, wie jene, die sich mit dem Gründer des Ordens und frühen Heiligen befassten, hatten andere, wie Szenen von jüngsten Ereignissen, Menschen und Orten, keinen Präzedenzfall, der Erfindungen ermöglichte.

Im 13. Jahrhundert stieg die Nachfrage nach religiöser Tafelmalerei, insbesondere nach Altarbildern, obwohl der Grund dafür unklar ist. Die toskanischen Maler und Holzarbeiter des frühen 14. Jahrhunderts schufen Altarbilder, die aufwändigere, vielschichtigere Stücke mit komplexem Rahmen waren. Verträge der damaligen Zeit besagen, dass Kunden bei der Beauftragung eines Künstlers häufig eine Holzform im Sinn hatten, und diskutierten die religiösen Figuren, die mit den Künstlern dargestellt werden sollten. Der Inhalt der Erzählszenen in Predella-Panels wird in den Verträgen jedoch selten erwähnt und möglicherweise den betroffenen Künstlern überlassen.

Florentiner Kirchen beauftragten viele sienesische Künstler mit der Schaffung von Altarbildern, wie beispielsweise Ugolino di Nerio, der gebeten wurde, ein großformatiges Werk für den Altar der Basilica di Santa Croce zu malen, das möglicherweise das früheste Polyptychon auf einem Florentiner Altar war. Die Gilden, die den Anreiz der externen Handwerkskunst kannten, machten es Künstlern aus anderen Bereichen leicht, in Florenz zu arbeiten. Bildhauer hatten eine eigene Gilde, die einen geringen Status hatte, und 1316 waren Maler Mitglieder der einflussreichen Arte dei Medici e Speziali. Die Gilden selbst wurden zu bedeutenden Förderern der Kunst und ab dem frühen 14. Jahrhundert überwachten verschiedene große Gilden die Instandhaltung und Verbesserung einzelner religiöser Gebäude. Alle Gilden waren an der Wiederherstellung von Orsanmichele beteiligt.

Der von den frühen florentinischen Künstlern entwickelte Naturalismus ließ im dritten Viertel des 14. Jahrhunderts nach, wahrscheinlich als Folge der Pest. Große Aufträge, wie das Altarbild der Familie Strozzi (um 1354-57) in Santa Maria Novella, wurden Andrea di Cione anvertraut, deren Werk und das seiner Brüder in der Behandlung von Figuren und Figuren ikonischer sind ein früheres Gefühl von komprimiertem Raum haben.

Frühe Renaissance nach 1400
Florenz war weiterhin das wichtigste Zentrum der italienischen Renaissance-Malerei. Die frühesten Bilder der Renaissance in Florenz stammen aus dem Jahr 1401, dem ersten Jahr des Jahrhunderts, das auf Italienisch als Quattrocento bekannt ist und für die frühe Renaissance steht. Sie sind jedoch keine Gemälde. Zu diesem Zeitpunkt wurde ein Wettbewerb veranstaltet, um einen Künstler zu finden, der ein Paar Bronzetüren für das Baptisterium von St. John, der ältesten verbliebenen Kirche der Stadt, herstellen sollte. Das Baptisterium ist ein großes achteckiges Gebäude im romanischen Stil. Das Innere der Kuppel ist mit einer riesigen Mosaikfigur Christi in Majestät verziert, die vermutlich von Coppo di Marcovaldo entworfen wurde. Es hat drei große Portale, von denen das zentrale zu dieser Zeit von einer Reihe von Türen gefüllt wurde, die Andrea Pisano achtzig Jahre zuvor geschaffen hatte.

Pisanos Türen waren in 28 Vierpassabteile unterteilt, die Erzählszenen aus dem Leben Johannes des Täufers enthielten. Die Konkurrenten, von denen es sieben junge Künstler gab, sollten jeweils eine Bronzetafel von ähnlicher Form und Größe entwerfen, die das Opfer Isaaks darstellt. Zwei der Tafeln sind erhalten, die von Lorenzo Ghiberti und die von Brunelleschi. Jedes Panel zeigt einige stark klassizistische Motive, die die Richtung angeben, in die sich Kunst und Philosophie zu dieser Zeit bewegten. Ghiberti hat die nackte Figur von Isaac verwendet, um eine kleine Skulptur im klassischen Stil zu schaffen. Er kniet auf einem Grab, das mit Akanthusrollen verziert ist, die auch auf die Kunst des antiken Rom verweisen. In Brunelleschis Panel Eine der zusätzlichen Figuren in der Szene erinnert an eine bekannte römische Bronzefigur eines Jungen, der einen Dorn vom Fuß zieht. Brunelleschis Kreation ist in ihrer dynamischen Intensität herausfordernd. Weniger elegant als Ghibertis, geht es mehr um menschliches Drama und drohende Tragödie.

Ghiberti gewann den Wettbewerb. Die Fertigstellung seiner ersten Türen für das Baptisterium dauerte 27 Jahre. Danach wurde er beauftragt, eine weitere zu bauen. In den insgesamt 50 Jahren, in denen Ghiberti an ihnen arbeitete, boten die Türen vielen Künstlern von Florenz einen Übungsplatz. Da die Türen thematisch narrativ sind und nicht nur die Fähigkeit besitzen, figurative Kompositionen zu arrangieren, sondern auch die aufkeimende Fähigkeit der linearen Perspektive, sollten sie einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der florentinischen Bildkunst haben. Sie waren ein verbindender Faktor, eine Quelle des Stolzes und der Kameradschaft sowohl für die Stadt als auch für ihre Künstler. Michelangelo sollte sie die Tore des Paradieses nennen.

Brancacci-Kapelle
1426 begannen zwei Künstler, in der Kapelle der Familie Brancacci in der Karmeliterkirche in Florenz einen Freskenzyklus des Lebens des heiligen Petrus zu malen. Beide hießen Tommaso und hießen Masaccio und Masolino, Slovenly Tom und Little Tom.

Mehr als jeder andere Künstler erkannte Masaccio die Auswirkungen auf die Arbeit von Giotto. Er führte die Praxis des Malens aus der Natur fort. Seine Bilder zeigen ein Verständnis der Anatomie, der Verkürzung, der linearen Perspektive, des Lichts und des Studiums der Vorhänge. Unter seinen Werken sind die Figuren von Adam und Eva, die aus Eden vertrieben werden und an der Seite des Bogens in die Kapelle gemalt sind, für ihre realistische Darstellung der menschlichen Form und der menschlichen Emotionen bekannt. Sie kontrastieren mit den sanften und hübschen Figuren, die Masolino auf der gegenüberliegenden Seite von Adam und Eva gemalt hat und die verbotene Frucht erhalten. Das Gemälde der Brancacci-Kapelle wurde unvollständig gelassen, als Masaccio im Alter von 26 Jahren starb. Die Arbeit wurde später von Filippino Lippi beendet. Masaccios Werk wurde für viele spätere Maler zu einer Inspirationsquelle.

Entwicklung der linearen Perspektive
In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts war das Erreichen des Effekts eines realistischen Raums in einem Gemälde durch die Verwendung einer linearen Perspektive ein Hauptanliegen vieler Maler sowie der Architekten Brunelleschi und Alberti, die beide über das Thema theoretisierten. Es ist bekannt, dass Brunelleschi eine Reihe sorgfältiger Studien über die Piazza und das achteckige Baptisterium vor der Kathedrale von Florenz durchgeführt hat, und es wird vermutet, dass er Masaccio bei der Schaffung seiner berühmten Trompe l’oeil-Nische um die Heilige Dreifaltigkeit unterstützt hat, die er in Santa Maria Novella gemalt hat.

Laut Vasari war Paolo Uccello so von der Perspektive besessen, dass er an wenig anderes dachte und in vielen Gemälden damit experimentierte. Am bekanntesten waren die drei Bilder der Schlacht von San Romano, in denen gebrochene Waffen am Boden und Felder auf den fernen Hügeln verwendet wurden einen Eindruck von Perspektive geben.

In den 1450er Jahren demonstrierte Piero della Francesca in Gemälden wie der Geißelung Christi seine Beherrschung der linearen Perspektive und auch der Wissenschaft des Lichts. Es gibt ein anderes Gemälde, ein Stadtbild eines unbekannten Künstlers, vielleicht Piero della Francesca, das die Art von Experiment demonstriert, das Brunelleschi gemacht hat. Von dieser Zeit an wurde die lineare Perspektive verstanden und regelmäßig angewendet, wie von Perugino in seinem Christus, der dem heiligen Petrus in der Sixtinischen Kapelle die Schlüssel gab.

Licht verstehen
Giotto verwendete Tonalität, um Form zu schaffen. Taddeo Gaddi demonstrierte in seiner nächtlichen Szene in der Baroncelli-Kapelle, wie Licht verwendet werden kann, um ein Drama zu schaffen. Paolo Uccello experimentierte hundert Jahre später mit der dramatischen Wirkung von Licht in einigen seiner fast monochromen Fresken. Er hat einige davon in Terra Verde oder “Green Earth” gemacht und seine Kompositionen mit einem Hauch von Zinnoberrot belebt. Am bekanntesten ist sein Reiterporträt von John Hawkwood an der Wand der Kathedrale von Florenz. Sowohl hier als auch auf den vier Köpfen der Propheten, die er um das innere Zifferblatt der Kathedrale malte, verwendete er stark kontrastierende Töne, was darauf hindeutete, dass jede Figur von einer natürlichen Lichtquelle beleuchtet wurde, als wäre die Quelle ein tatsächliches Fenster in der Kathedrale .

Piero della Francesca führte sein Lichtstudium weiter. In der Geißelung demonstriert er das Wissen darüber, wie Licht proportional von seinem Ursprungsort verbreitet wird. In diesem Gemälde gibt es zwei Lichtquellen, eine innerhalb eines Gebäudes und eine außerhalb. Obwohl das Licht selbst unsichtbar ist, kann seine Position der internen Quelle mit mathematischer Sicherheit berechnet werden. Leonardo da Vinci sollte Pieros Arbeit am Licht vorantreiben.

Die Madonna
Die selige Jungfrau Maria, die von der katholischen Kirche weltweit verehrt wird, wurde besonders in Florenz erwähnt, wo auf einer Säule auf dem Getreidemarkt ein wundersames Bild von ihr zu sehen war und wo sowohl die Kathedrale “Unsere Liebe Frau der Blumen” als auch der große Dominikaner Die Kirche Santa Maria Novella wurde ihr zu Ehren benannt.

Das wundersame Bild auf dem Maismarkt wurde durch einen Brand zerstört, aber in den 1330er Jahren durch ein neues Bild von Bernardo Daddi ersetzt, das in einem kunstvoll gestalteten und aufwendig gearbeiteten Baldachin von Orcagna untergebracht war. Das offene Untergeschoss des Gebäudes wurde umschlossen und als Orsanmichele eingeweiht.

Darstellungen der Madonna und des Kindes waren in Florenz eine sehr beliebte Kunstform. Sie nahmen jede Form an, von kleinen Terrakotta-Plaketten in Massenproduktion bis hin zu prächtigen Altarbildern wie denen von Cimabue, Giotto und Masaccio. Kleine Madonnen für zu Hause waren das Brot und die Butterarbeit der meisten Malwerkstätten, die oft größtenteils von den Juniormitgliedern nach einem Vorbild des Meisters hergestellt wurden. In öffentlichen Gebäuden und Regierungsbüros befanden sich häufig auch diese oder andere religiöse Gemälde.

Unter denjenigen, die während der frühen Renaissance hingebungsvolle Madonnen malten, sind Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Verrocchio und Davide Ghirlandaio. Später war Botticelli und seine Werkstatt der führende Lieferant, der eine große Anzahl von Madonnen für Kirchen, Häuser und auch öffentliche Gebäude herstellte. Er führte ein großes rundes Tondo-Format für große Häuser ein. Peruginos Madonnen und Heilige sind für ihre Süße bekannt und eine Reihe kleiner Madonnen, die Leonardo da Vinci zugeschrieben werden, wie die Benois-Madonna, haben überlebt. Sogar Michelangelo, der hauptsächlich Bildhauer war, wurde überredet, das Doni Tondo zu malen, während es für Raphael zu seinen beliebtesten und zahlreichsten Werken gehört.

Geburtsschalen
Eine florentinische Spezialität war das runde oder 12-seitige Desco da Parto oder das Geburtsgefäß, auf dem eine neue Mutter den Freundinnen, die sie nach der Geburt besuchten, Süßigkeiten servierte. Den Rest der Zeit scheinen diese im Schlafzimmer aufgehängt worden zu sein. Beide Seiten sind bemalt, eine mit Szenen, die die Mutter während der Schwangerschaft ermutigen sollen, und zeigt oft ein nacktes männliches Kleinkind. Es wurde angenommen, dass das Betrachten positiver Bilder das dargestellte Ergebnis fördert.

Malen und Drucken
Ab der Mitte des Jahrhunderts wurde Florenz zum führenden Zentrum Italiens in der neuen Druckindustrie, da einige der vielen florentinischen Goldschmiede Platten für Gravuren herstellten. Sie kopierten oft den Stil der Maler oder die von ihnen gelieferten Zeichnungen. Botticelli war einer der ersten, der in seinem Fall von Dante mit Zeichnungen für Buchillustrationen experimentierte. Antonio del Pollaiolo war sowohl Goldschmied als auch Drucker und gravierte seine Schlacht der nackten Männer selbst; In seiner Größe und Raffinesse hat dies den italienischen Druck auf ein neues Niveau gebracht und bleibt einer der berühmtesten Drucke der Renaissance.

Mäzenatentum und Humanismus
In Florenz wurden im späten 15. Jahrhundert die meisten Kunstwerke, auch solche, die als Dekoration für Kirchen angefertigt wurden, in der Regel von Privatpersonen in Auftrag gegeben und bezahlt. Ein Großteil der Schirmherrschaft stammte von der Familie Medici oder von denen, die eng mit ihnen verbunden oder verwandt waren, wie den Sassetti, den Ruccellai und den Tornabuoni.

In den 1460er Jahren hatte Cosimo de ‘Medici der Ältere Marsilio Ficino als seinen ansässigen humanistischen Philosophen etabliert und seine Übersetzung von Platon und seine Lehre der platonischen Philosophie, die sich auf die Menschheit als Zentrum des natürlichen Universums konzentrierte, auf die persönliche Beziehung jedes Menschen erleichtert Gott und die brüderliche oder “platonische” Liebe als diejenige, die einer Person am nächsten kommt, um die Liebe Gottes nachzuahmen oder zu verstehen.

Im Mittelalter wurde alles, was mit der Klassik zu tun hatte, als mit Heidentum verbunden angesehen. In der Renaissance wurde es zunehmend mit Erleuchtung in Verbindung gebracht. Die Figuren der klassischen Mythologie nahmen in der christlichen Kunst eine neue symbolische Rolle ein, und insbesondere die Göttin Venus übernahm eine neue Diskretion. Durch eine Art Wunder voll ausgebildet geboren, war sie die neue Eva, Symbol der unschuldigen Liebe oder sogar ein Symbol der Jungfrau Maria. Wir sehen Venus in beiden Rollen in den beiden berühmten Tempera-Gemälden, die Botticelli in den 1480er Jahren für Cosimos Neffen Pierfrancesco Medici, die Primavera und die Geburt der Venus gemalt hat.

In der Zwischenzeit fertigte Domenico Ghirlandaio, ein akribischer und präziser Zeichner und einer der besten Porträtmaler seiner Zeit, zwei Freskenzyklen für Medici-Mitarbeiter in zwei der größeren Kirchen in Florenz an, der Sassetti-Kapelle in Santa Trinita und der Tornabuoni-Kapelle in Santa Maria Novella . In diesen Zyklen des Lebens des heiligen Franziskus und des Lebens der Jungfrau Maria und des Lebens Johannes des Täufers war Platz für Porträts von Gönnern und Gönnern der Gönner. Dank Sassettis Schirmherrschaft gibt es ein Porträt des Mannes selbst mit seinem Arbeitgeber Lorenzo il Magnifico und Lorenzos drei Söhnen mit ihrem Tutor, dem humanistischen Dichter und Philosophen Agnolo Poliziano. In der Tornabuoni-Kapelle befindet sich ein weiteres Porträt von Poliziano, begleitet von anderen einflussreichen Mitgliedern der Platonischen Akademie, darunter Marsilio Ficino.

Flämischer Einfluss
Ab etwa 1450, mit der Ankunft des flämischen Malers Rogier van der Weyden und möglicherweise früher in Italien, wurden Künstler in das Medium Ölfarbe eingeführt. Während sich sowohl Tempera als auch Fresko zur Darstellung von Mustern boten, bot keiner eine erfolgreiche Möglichkeit, natürliche Texturen realistisch darzustellen. Das hochflexible Medium der Öle, das undurchsichtig oder transparent gemacht werden konnte und nach seiner Verlegung tagelang geändert und ergänzt werden konnte, eröffnete italienischen Künstlern eine neue Welt der Möglichkeiten.

1475 kam in Florenz ein riesiges Altarbild der Anbetung der Hirten an. Es wurde von Hugo van der Goes auf Geheiß der Familie Portinari gemalt und aus Brügge verschifft und in der Kapelle von Sant ‘Egidio im Krankenhaus von Santa Maria Nuova installiert. Das Altarbild leuchtet in intensiven Rot- und Grüntönen und steht im Kontrast zu den glänzenden schwarzen Samtgewändern der Portinari-Spender. Im Vordergrund steht ein Stillleben von Blumen in kontrastierenden Behältern, eine aus glasierter Keramik und die andere aus Glas. Die Glasvase allein genügte, um die Aufmerksamkeit zu erregen. Der einflussreichste Aspekt des Triptychons war jedoch die äußerst natürliche und naturgetreue Qualität der drei Hirten mit stoppeligen Bärten, abgenutzten Händen und Gesichtsausdrücken, die von Anbetung über Staunen bis hin zu Unverständnis reichen. Domenico Ghirlandaio malte prompt seine eigene Version,

Päpstliche Kommission in Rom
1477 ersetzte Papst Sixtus IV. Die verfallene alte Kapelle im Vatikan, in der viele päpstliche Gottesdienste abgehalten wurden. Das Innere der neuen Kapelle, die ihm zu Ehren die Sixtinische Kapelle genannt wurde, scheint von Anfang an geplant zu sein, eine Reihe von 16 großen Fresken zwischen ihren Pilastern auf der mittleren Ebene mit einer Reihe von gemalten Porträts von Päpsten darüber zu haben.

1480 wurde eine Gruppe von Künstlern aus Florenz mit der Arbeit beauftragt: Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio und Cosimo Rosselli. Dieser Freskenzyklus sollte Geschichten über das Leben Moses auf der einen Seite der Kapelle und Geschichten über das Leben Christi auf der anderen Seite darstellen, wobei sich die Fresken thematisch ergänzen. Die Geburt Jesu und die Entdeckung Moses befanden sich neben der Wand hinter dem Altar, zwischen denen sich ein Altarbild der Himmelfahrt der Jungfrau befand. Diese Gemälde, alle von Perugino, wurden später zerstört, um Michelangelos Jüngstes Gericht zu malen.

Die verbleibenden 12 Bilder zeigen die Virtuosität, die diese Künstler erreicht hatten, und die offensichtliche Zusammenarbeit zwischen Personen, die normalerweise sehr unterschiedliche Stile und Fähigkeiten einsetzten. Die Bilder gaben ihren Fähigkeiten die volle Bandbreite, da sie eine große Anzahl von Figuren von Männern, Frauen und Kindern sowie Charaktere enthielten, die von leitenden Engeln bis zu wütenden Pharaonen und dem Teufel selbst reichten. Jedes Gemälde erforderte eine Landschaft. Aufgrund der Größe der Figuren, auf die sich die Künstler geeinigt haben, nehmen Landschaft und Himmel in jedem Bild die gesamte obere Hälfte der Szene ein. Manchmal, wie in Botticellis Szene der Reinigung des Aussätzigen, finden in der Landschaft zusätzliche kleine Erzählungen statt, in diesem Fall die Versuchungen Christi.

Peruginos Szene, in der Christus dem heiligen Petrus die Schlüssel gibt, ist bemerkenswert für die Klarheit und Einfachheit seiner Komposition, die Schönheit des figurativen Gemäldes, das ein Selbstporträt unter den Zuschauern enthält, und insbesondere das perspektivische Stadtbild, das einen Hinweis auf Peters Dienst enthält nach Rom durch die Anwesenheit von zwei Triumphbögen und zentral platziert ein achteckiges Gebäude, das eine christliche Taufkapelle oder ein römisches Mausoleum sein könnte.

Hochrenaissance
Florenz war der Geburtsort der Hochrenaissance, aber im frühen 16. Jahrhundert wurden die wichtigsten Künstler nach Rom gezogen, wo die größten Aufträge begannen. Zum Teil folgte dies den Medici, von denen einige Kardinäle und sogar der Papst wurden.

Leonardo da Vinci
Leonardo gilt aufgrund des Umfangs seiner Interessen und des außerordentlichen Talents, das er in so vielen verschiedenen Bereichen bewiesen hat, als der archetypische “Renaissance-Mann”. Vor allem als Maler wurde er in seiner Zeit bewundert, und als Maler stützte er sich auf das Wissen, das er aus all seinen anderen Interessen gewonnen hatte.

Leonardo war ein wissenschaftlicher Beobachter. Er lernte, indem er Dinge betrachtete. Er studierte und zeichnete die Blumen der Felder, die Wirbel des Flusses, die Form der Felsen und Berge, die Art und Weise, wie Licht vom Laub reflektiert und in einem Juwel funkelte. Insbesondere untersuchte er die menschliche Form und sezierte dreißig oder mehr nicht beanspruchte Leichen aus einem Krankenhaus, um Muskeln und Sehnen zu verstehen.

Mehr als jeder andere Künstler hat er das Studium der “Atmosphäre” vorangetrieben. In seinen Gemälden wie Mona Lisa und Virgin of the Rocks verwendete er Licht und Schatten so subtil, dass es mangels eines besseren Wortes als Leonardos “sfumato” oder “Rauch” bekannt wurde.

Gleichzeitig mit der Einladung des Betrachters in eine mysteriöse Welt aus wechselnden Schatten, chaotischen Bergen und wirbelnden Strömen erreichte Leonardo ein gewisses Maß an Realismus im Ausdruck menschlicher Emotionen, das von Giotto vorgezeichnet, aber seit Masaccios Adam und Eva unbekannt war. Das letzte Abendmahl von Leonardo, das im Refektorium eines Klosters in Mailand gemalt wurde, wurde für das nächste halbe Jahrtausend zum Maßstab für religiöse Erzählmalerei. Viele andere Künstler der Renaissance malten Versionen des Letzten Abendmahls, aber nur Leonardo sollte unzählige Male in Holz, Alabaster, Gips, Lithographie, Wandteppich, Häkeln und Tischteppichen reproduziert werden.

Abgesehen von der direkten Wirkung der Werke selbst wurden Leonardos Studien zu Licht, Anatomie, Landschaft und menschlichem Ausdruck teilweise durch seine Großzügigkeit an ein Gefolge von Studenten verbreitet.

Michelangelo
1508 gelang es Papst Julius II., Den Bildhauer Michelangelo dazu zu bringen, das dekorative Schema der Sixtinischen Kapelle fortzusetzen. Die Decke der Sixtinischen Kapelle wurde so konstruiert, dass zwölf abfallende Anhänger das Gewölbe stützten, das ideale Oberflächen für die Malerei der Zwölf Apostel bildete. Michelangelo, der den Forderungen des Papstes mit wenig Anmut nachgegeben hatte, entwickelte bald ein völlig anderes Schema, das sowohl im Design als auch in der Ikonographie weitaus komplexer war. Der Umfang der Arbeiten, die er bis auf die manuelle Unterstützung mit einer Hand ausführte, war titanisch und dauerte fast fünf Jahre.

Der Plan des Papstes für die Apostel hätte thematisch eine bildliche Verbindung zwischen den Erzählungen des Alten Testaments und des Neuen Testaments an den Wänden und den Päpsten in der Galerie der Porträts hergestellt. Es sind die zwölf Apostel und ihr Führer Petrus als erster Bischof von Rom, die diese Brücke bauen. Michelangelos Plan ging jedoch in die entgegengesetzte Richtung. Das Thema von Michelangelos Decke ist nicht Gottes großer Plan für die Errettung der Menschheit. Das Thema handelt von der Schande der Menschheit. Es geht darum, warum die Menschheit und der Glaube Jesus brauchten.

Oberflächlich betrachtet ist die Decke eine humanistische Konstruktion. Die Figuren sind von übermenschlicher Dimension und im Fall von Adam von solcher Schönheit, dass es laut dem Biographen Vasari wirklich so aussieht, als hätte Gott die Figur selbst entworfen und nicht Michelangelo. Trotz der Schönheit der einzelnen Figuren hat Michelangelo den menschlichen Zustand nicht verherrlicht, und er hat das humanistische Ideal der platonischen Liebe sicherlich nicht dargestellt. Tatsächlich zeigen die Vorfahren Christi, die er um den oberen Teil der Mauer gemalt hat, die schlimmsten Aspekte familiärer Beziehungen und zeigen Funktionsstörungen in so vielen verschiedenen Formen, wie es Familien gibt.

Vasari lobte Michelangelos scheinbar unendliche Erfindungskraft bei der Schaffung von Körperhaltungen für die Figuren. Raphael, der von Bramante eine Vorschau erhielt, nachdem Michelangelo seinen Pinsel niedergeschlagen und in einem Temperament nach Bologna gestürmt war, malte mindestens zwei Figuren, die Michelangelos Propheten nachahmten, eine in der Kirche Sant ‘Agostino und die andere im Vatikan. sein Porträt von Michelangelo selbst in der Schule von Athen.

Raphael
Mit Leonardo da Vinci und Michelangelo ist Raphaels Name ein Synonym für die Hochrenaissance, obwohl er 18 Jahre jünger als Michelangelo und fast 30 Jahre Leonardo war. Man kann nicht sagen, dass er den Stand der Malerei als seine beiden berühmten Zeitgenossen stark vorangetrieben hat tat. Seine Arbeit war vielmehr der Höhepunkt aller Entwicklungen der Hochrenaissance.

Raphael hatte das Glück, als Sohn eines Malers geboren zu werden, und so wurde sein Karriereweg im Gegensatz zu Michelangelo, dem Sohn eines minderjährigen Adels, ohne Streit entschieden. Einige Jahre nach dem Tod seines Vaters arbeitete er in der umbrischen Werkstatt von Perugino, einem hervorragenden Maler und hervorragenden Techniker. Sein erstes signiertes und datiertes Gemälde, das im Alter von 21 Jahren ausgeführt wurde, ist die Verlobung der Jungfrau Maria, die sofort ihre Ursprünge in Peruginos Christus offenbart, der Petrus die Schlüssel gibt.

Raphael war ein sorgloser Charakter, der sich unverschämt auf die Fähigkeiten der renommierten Maler stützte, deren Lebensspanne seine umfasste. In seinen Werken werden die individuellen Qualitäten zahlreicher Maler zusammengeführt. Die abgerundeten Formen und leuchtenden Farben von Perugino, das lebensechte Porträt von Ghirlandaio, der Realismus und die Beleuchtung von Leonardo und die kraftvolle Zeichnungskunst von Michelangelo wurden in den Gemälden von Raphael vereint. In seinem kurzen Leben fertigte er eine Reihe großer Altarbilder an, ein beeindruckendes klassisches Fresko der Meeresnymphe Galatea, herausragende Porträts mit zwei Päpsten und einem berühmten Schriftsteller unter ihnen, und während Michelangelo die Decke der Sixtinischen Kapelle malte, eine Reihe von Wänden Fresken in den nahe gelegenen Kammern des Vatikans, von denen die Schule von Athen von einzigartiger Bedeutung ist.

Dieses Fresko zeigt ein Treffen aller gelehrtesten alten Athener, die sich in einer großartigen klassischen Umgebung um die zentrale Figur Platons versammelt haben, die Raphael Leonardo da Vinci nachempfunden hat. Die brütende Figur des Heraklit, der an einem großen Steinblock sitzt, ist ein Porträt von Michelangelo und ein Hinweis auf dessen Gemälde des Propheten Jeremia in der Sixtinischen Kapelle. Sein eigenes Porträt befindet sich rechts neben seinem Lehrer Perugino.

Die Hauptquelle für Raffaels Popularität waren jedoch nicht seine Hauptwerke, sondern seine kleinen florentinischen Bilder der Madonna und des Christkindes. Immer wieder malte er dieselbe pralle blonde Frau mit ruhigem Gesicht und ihre Abfolge molliger Babys, von denen die berühmteste wahrscheinlich La Belle Jardinière (“Die Madonna des schönen Gartens”) ist, die sich jetzt im Louvre befindet. Sein größeres Werk, die Sixtinische Madonna, die als Entwurf für unzählige Buntglasfenster verwendet wurde, hat im 21. Jahrhundert das ikonische Bild zweier kleiner Engel hervorgebracht, das auf Papierservietten und Regenschirmen reproduziert wurde.

Früher Manierismus
Die frühen Manieristen in Florenz, insbesondere die Schüler von Andrea del Sarto wie Jacopo da Pontormo und Rosso Fiorentino, zeichnen sich durch längliche Formen, prekär ausbalancierte Posen, eine zusammengebrochene Perspektive, irrationale Einstellungen und Theaterbeleuchtung aus. Als Leiter der Ersten Schule von Fontainebleau war Rosso eine wichtige Kraft bei der Einführung des Renaissance-Stils in Frankreich.

Parmigianino (ein Schüler von Correggio) und Giulio Romano (Raphaels Chefassistent) bewegten sich in Rom in ähnlich stilisierte ästhetische Richtungen. Diese Künstler waren unter dem Einfluss der Hochrenaissance gereift, und ihr Stil wurde als Reaktion auf oder übertriebene Erweiterung charakterisiert. Anstatt die Natur direkt zu studieren, begannen jüngere Künstler, hellenistische Skulpturen und Gemälde vergangener Meister zu studieren. Daher wird dieser Stil oft als “antiklassisch” bezeichnet, wurde jedoch zu dieser Zeit als natürliche Weiterentwicklung der Hochrenaissance angesehen. Die früheste experimentelle Phase des Manierismus, bekannt für seine “antiklassischen” Formen, dauerte bis etwa 1540 oder 1550. Marcia B. Hall, Professorin für Kunstgeschichte an der Temple University, stellt in ihrem Buch After Raphael fest, dass Raphael ‘

Späterer Manierismus
Bronzino (gest. 1572), ein Schüler von Pontormo, war größtenteils Hofporträtist am Medici-Hof in einem etwas kalten formalen manieristischen Stil. In derselben Generation ist Giorgio Vasari (gest. 1574) als Autor der Leben der herausragendsten Maler, Bildhauer und Architekten weitaus besser in Erinnerung geblieben, was einen enormen und dauerhaften Einfluss auf den Ruf der Florentiner Schule hatte. Aber er war der führende Maler der Geschichtsmalerei am Medici-Hof, obwohl sein Werk heute allgemein als anstrengend angesehen wird, nachdem Michelangelos Werk Wirkung gezeigt hat und es nicht erreicht hat. Dies war in den Jahrzehnten nach 1530 ein häufiger Fehler in der florentinischen Malerei geworden, als viele Maler versuchten, den Giganten der Hochrenaissance nachzuahmen.

Barock-
Im Barock war Florenz nicht mehr das wichtigste Zentrum der Malerei in Italien, aber dennoch wichtig. Zu den führenden Künstlern, die in der Stadt geboren wurden und im Gegensatz zu anderen einen Großteil ihrer Karriere dort verbracht haben, gehören Cristofano Allori, Matteo Rosselli, Francesco Furini und Carlo Dolci. Pietro da Cortona wurde im Großherzogtum Toskana geboren und hat viel in der Stadt gearbeitet.