Fiona Hall: Falsche Wegzeit, Australischer Pavillon, Biennale Venedig 2015

Der gefeierte neue australische Pavillon auf der 56. Internationalen Kunstausstellung, der Biennale von Venedig, erregte weltweite Aufmerksamkeit. Fiona Hall war die erste Künstlerin, die Australien mit ihrer Ausstellung Wrong Way Time im neuen Gebäude vertrat.

Die Welt ist so ein erstaunlicher Ort, aber leider leben wir in schwierigen Zeiten und dieser Sinn spiegelt sich in vielen Werken wider. Wrong Way Time präsentiert mehr als 800 Objekte in einem Raum, installiert in riesigen Schränken voller Kuriositäten. An den Wänden hängen Uhren mit verschiedenen Bildern und Slogans, die in einem Zyklus ticken und läuten und den Betrachter daran erinnern, dass die Zeit vergeht.

Halls lebenslange Leidenschaft für die natürliche Umwelt ist intensiv zu spüren. Der Künstler vereint Hunderte unterschiedlicher Elemente, die Spannungen um drei sich überschneidende Anliegen erzeugen: globale Politik, Weltfinanzen und Umwelt. Hall sieht diese als gescheiterte Zustände an, als „Minenfeld des Wahnsinns, der Schlechtigkeit und der Traurigkeit“, das über die absehbare Zukunft hinausreicht.

Fiona Halls Arbeit reagiert auf ihre Besorgnis über unsere anhaltende Rolle beim Untergang der Natur oder auf den gefährlichen Zustand verschiedener Arten. Trotz der vorherrschenden Dunkelheit ist Halls Ausstellung grundsätzlich lebensbejahend.

Biografie
Fiona Margaret Hall, AO (* 16. November 1953 in Australien) ist eine australische Kunstfotografin und Bildhauerin. Hall vertrat Australien bei der 56. Internationalen Kunstausstellung auf der Biennale in Venedig im Jahr 2015. Sie gilt als „eine der beständigsten innovativen zeitgenössischen Künstlerinnen Australiens“. Viele ihrer Arbeiten erforschen die „Schnittstelle von Umwelt, Politik und Ausbeutung“.

1970er Jahre
Nach ihrem Abschluss lebte Hall zwischen Januar 1976 und August 1978 in London, England. Im Sommer 1976 reiste Hall drei Monate lang durch Europa. Während dieser Zeit besuchte sie zahlreiche Kunstinstitutionen und schenkte zwei ihrer Fotografien mit Jean-Claude Lemagny – dem Chefkurator für Fotografie – an der Bibliothéque nationale. Nach ihrer Rückkehr nach London begann Hall mit Peter Turner, Herausgeber von Creative Camera, einem britischen Fotomagazin, zusammenzuarbeiten. Durch diesen Job wurde Hall Fay Goodwin vorgestellt, für die sie für den Rest ihrer Zeit in London Assistentin war. Hall veranstaltete 1977 ihre erste Einzelausstellung in der Londoner Creative Camera Gallery. Hall kehrte 1978 nach Australien zurück, um ihre kranke Mutter zu besuchen. Im selben Jahr zeigte sie ihre erste australische Einzelausstellung im Church Street Photography Centre in Melbourne und zog dann in die USA, um beim Visual Studies Workshop in Rochester, New York, einen Master of Fine Arts (Fotografie) zu erwerben .

1980er Jahre
In den 1980er Jahren etablierte sich Hall durch die Teilnahme an mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen in ganz Australien ein bedeutendes künstlerisches Profil. Im Rahmen ihres Studiums kehrte Hall 1981 nach Australien zurück, um mit Unterstützung eines Stipendiums des Visual Arts Board des Australia Council als Artist-in-Residence an der Tasmanian School of Art zu leben. Dort schuf sie die Antipodean Suite mit Objekten wie Bananenschale und Netzkabeln, eine frühe Demonstration eines einheitlichen Themas in ihrer Arbeit, „die Transformation des Alltags … in Kreationen von fantasievoller Schönheit“. Ebenfalls 1981 erwarb die Art Gallery of New South Wales fünf Fotografien von Fiona Hall, die als erste ihrer Werke in eine öffentliche Sammlung aufgenommen wurden. Hall schloss 1982 sein Studium mit einem MFA ab und nahm im selben Jahr an der Biennale von Sydney teil.

1983 begann Hall an der South Australian School of Art in Adelaide mit Vorlesungen über Fotostudien, wo sie bis zu ihrem offiziellen Rücktritt im Jahr 2002 blieb. Zwischen 1984 und 1986 wurde Hall beauftragt, das neue Parlamentsgebäude von Australien zu dokumentieren und vierundvierzig Fotografien zu erstellen für das Parlamentsgebäude Bauprojekt.

In den 1980er Jahren schuf sie eine Reihe von Serien aus Alltagsgegenständen, darunter Morality Dolls – Die sieben Todsünden, Marionetten aus Pappe, die aus Fotokopien medizinischer Gravuren bestehen; Illustrationen zu Dantes Göttlicher Komödie, Fotografien menschlicher Figuren aus bemalten und brünierten Aluminiumdosen; und Paradisus terrestris, in dem Hall „Sardinenformen verwendete, um exquisite Skulpturen botanischer Exemplare zu formen, die auf der offenen Dose sitzen und menschliche sexuelle Teile enthüllen, die physikalisch den Eigenschaften der Pflanze entsprechen“. 1989 wurde Hall in einer SBS-Fernsehsendung über australische Fotografen, Visual Instincts, gezeigt.

1990er Jahre
Von Juni bis Oktober 1991 war Hall Artist in Residence am Philip Institute of Technology in Preston, Victoria. In den Jahren 1992-1993 war in der National Gallery of Australia vier Monate lang eine Ausstellung von Halls Werken mit dem Titel „Der Garten der irdischen Freuden: Die Kunst der Fiona Hall“ zu sehen, die „frühe Feldfotos, eine Auswahl aus mehreren Serien von Studiofotografien“ enthielt als Skulptur und Keramik. “ In den späten 1990er Jahren hörte Hall auf, sich mit Fotografie zu beschäftigen, und das Foto ihres Vaters, das 1996 in ihre großformatige Installation Give a Dog a Bone aufgenommen wurde, war das letzte, das sie ausstellte.

1997 verabschiedete sich Hall ohne Bezahlung von der University of South Australia und verbrachte die zweite Jahreshälfte als Creative Arts Fellow der Australian National University an der Canberra School of Art. Während seines Aufenthalts in Canberra plante und entwarf Hall eine Auftragsarbeit für den Skulpturengarten der National Gallery of Australia. Anstatt wie ursprünglich geplant eine Skulptur für die Galerie zu schaffen, schuf Hall Fern Garden, eine 20 Quadratmeter große permanente Installation von Landschaftskunst, die 1998 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Im selben Jahr verbrachte sie die ersten sechs Monate in London im Studio des London Visual Arts / Crafts Board, dann als Artist in Residence am Mt. Coot-tha Botanic Gardens (wo sie 1998 Cash Crop (Serie), Teil von Fieldwork, 1999) gründete, und schließlich am South Australian Museum in einer Reihe von informellen Residenzen. Sie verbrachte 1999 in Sri Lanka in einer Asialink Lunuganga Residency. In ihrer anschließenden Arbeit beschäftigte sie sich weiter mit den Konzepten Geschichte, Transport und Transplantation.

2000er Jahre
Im Jahr 2000 wurde Hall beauftragt, ein öffentliches Kunstwerk in den Royal Botanic Gardens in Sydney zu schaffen, und entwarf A Folly für Mrs Macquarie. Im Jahr 2005 fanden Retrospektiven ihrer Arbeiten in der Queensland Art Gallery und der Art Gallery of South Australia statt. Im selben Jahr wurde Hall beauftragt, ein Stück für das neue Kanzlergebäude der University of South Australia zu schaffen. In den Jahren 2008-2009 wurde eine weitere Retrospektive mit dem Titel Force Field in Sydney, New South Wales, im Museum of Contemporary Art und in Neuseeland in der City Gallery, Wellington und der Christchurch Art Gallery gezeigt.

2010er Jahre
2015 vertrat Hall Australien bei der 56. Internationalen Kunstausstellung auf der Biennale in Venedig mit einem Werk mit dem Titel Wrong Way Time. Im folgenden Jahr wurde Wrong Way Time in der National Gallery of Australia ausgestellt. Hall arbeitet weiterhin mit der Roslyn Oxley9 Gallery in Sydney zusammen, wo sie seit 1995 ausstellt.

„Die Realitäten von Terrorismus, Krieg, Klimawandel, Plünderung der Umwelt und wirtschaftlichen Turbulenzen sind Teil unseres täglichen Bewusstseins geworden.“

Wrong Way Time kann als ein Werk gelesen werden, das Hunderte von Elementen umfasst, die jeweils in Bedeutungsebenen eingebettet sind, die der Betrachter beim Navigieren durch die Ausstellung entdeckt.

Hall verwendet Wiederholungen, Mimikry, Referenzschichten und wiederverwendete Materialien und Objekte, um eine symbolische Landschaft zu schaffen, die ihre Faszination für natürliche Zyklen und die Richtlinien und Aktionen offenbart, die organische Systeme verschlechtern oder das Leben beeinträchtigen.

„Die Arbeit, die ich präsentiere, ist ein persönlicher Versuch, einen Zustand der Finsternis und des Chaos mit einer Neugier und Zuneigung für den Ort, an dem wir alle leben, in Einklang zu bringen.“

„Unsere zeitgenössische Denkweise hat zu einer weit verbreiteten Paranoia über diesen gefährlichen Zustand geführt. Aber es ist eine Welt, die auch widerstandsfähig und wundersam ist.“

Die Ausstellung
„Wrong Way Time“ bestand aus einer Fülle exquisiter Werke, die die elegante Struktur, die als weiße Box in einer schwarzen Box entworfen wurde, vollständig ausfüllten.

Hall ist ein Künstler, der viel zu sagen hat, aber die Zeit läuft davon. Die Standuhren, die wie auf einem Friedhof an der Wand im hinteren Teil des Raums aufgereiht sind, sind unterschiedlich mit Schädeln, Skeletten, Henkerschlingen verziert und mit fatalistischen Phrasen und okkult aussehenden Zahlen graffitiert. Diese Objekte repräsentieren spielerisch die Wunschunmöglichkeit des Ausstellungstitels. „Drehen Sie die Uhr zurück“, scheinen sie zu sagen. Die Zeit läuft in die falsche Richtung.

„ein Minenfeld von Wahnsinn, Bösartigkeit und Traurigkeit gleichermaßen“
Wrong Way Time vereint Dutzende mehrteiliger Werke der Künstlerin Fiona Hall, die in einer multisensorischen, eindringlichen Darstellung im Dialog miteinander stehen. Halls Thema ist das sich überschneidende Feld globaler Konflikte, Weltfinanzen und der Umwelt, das sie als „Minenfeld von Wahnsinn, Bösartigkeit und Traurigkeit gleichermaßen“ wahrnimmt.

Fiona Halls anhaltende Untersuchung der komplexen Wechselbeziehung zwischen Natur und Kultur erhält neue Dringlichkeit, da sie auf die Realitäten des Klimawandels, des Krieges und der zunehmenden Ungleichheit reagiert. Ein Museum transformierter Materialien und Objekte sowie intensive und ergreifende Gemälde und Skulpturen veranlassen uns, über unsere Auswirkungen auf die Zukunft der Natur nachzudenken.

In Wrong Way Time betreten Besucher einen dunklen Raum, in dem beleuchtete Objekte aus den Schatten auftauchen. Ein Wald aus bemalten Uhren – Großvater, Großmutter, Mantel und Kuckuck – bildet dunkle Wände der Klage.

Verkohlte Schränke sind mit Sammlungen von Banknoten, Zeitungen und Atlanten sowie anderen archäologischen Überresten des zeitgenössischen Lebens gefüllt. Die Schränke sind mit Bronzegussformen und komplizierten gehämmerten Zinnskulpturen, geformtem Brot und Vogelnestern aus zerkleinerten Banknoten gefüllt.

Der Schrank umgibt eine zentrale Gruppe hängender Figuren mit verzerrten Köpfen aus Tarnstoff, einem nihilistischen Zentrum hohler Totenmasken. Die intermittierenden Geräusche von Uhren, die ticken, läuten und kuckucken, sowie Feldaufnahmen von Krähen fügen eine Resonanzschicht hinzu, die zu einem Gefühl von Wahnsinn und Untergang beiträgt.

Manuhiri (Reisende) (2014)
Die Auswirkungen der Kolonialisierung und des Kapitalismus auf die Umwelt werden auch in Manuhiri (Travelers) (2014) untersucht, für das Hall Treibholz, einschließlich Kiefer, Pappel, Manuka und Kanuka, vom Waiapu-Fluss an der Ostküste der Nordinsel von sammelte Aotearoa Neuseeland. Der Waiapu war einst von stark bewaldetem Land umgeben, bevor er unter Erosion, chemischem Abfluss und der Ansammlung von Schlick aufgrund der Entwicklung litt. In einer paradoxen und poetischen Bewegung erinnern die von Hall ausgewählten Treibholzstücke an die Form von Lebewesen und erscheinen als ergreifende Überreste der Umweltzerstörung, die sie geprägt hat.

Alle Männer des Königs
All the King’s Men (2014–15) zeigt hängende dreidimensionale Figuren, deren Köpfe aus Uniformen aus Tarnstoff aus verschiedenen Ländern gestrickt sind, um die Natur zu imitieren und den Aktivitäten der Streitkräfte zu dienen. Geisterhafte Überreste hängen an den entstellten Köpfen und bilden eine verstörende Gruppe, die für unzählige Fußsoldaten steht, die unabhängig von ihrer Nationalität Kriegsopfer sind.

„Während die Ausstellung ein allgegenwärtiges Gefühl der Unsicherheit über die Zukunft widerspiegelt, das von Nachrichten über Krieg, Klimamutationen, Artensterben und wirtschaftliche Ungleichheit gespeist wird, ist sie selbst lebensbejahend und transformativ.“

Höhepunkte

Die Kakophonie der tickenden Uhren, unterbrochen von gelegentlichem Läuten der Kuckucksuhren, erinnert ständig an unsere Sterblichkeit wie ein Memento Mori in den Dimensionen Raum und Zeit.

Im Gegensatz dazu befindet sich an der rechten Wand unmittelbar im Eingangsbereich eine Menagerie seltsamer Tiere, die aus australischen einheimischen Gräsern und militärischer Tarnung gewebt sind. Das didaktische Zeichen erklärt hilfreich, dass die Sammlung Darstellungen gefährdeter oder ausgestorbener australischer Wüstentiere enthält und von Hall in Zusammenarbeit mit den Tjanpi Desert Weavers der westlichen und zentralen Wüsten Australiens erstellt wurde.

Um diese Arbeit herum befinden sich vertikale Vitrinen auf allen Seiten. Halls Schränke ähneln eher einem Naturkundemuseum als einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst und enthalten eine Vielzahl ansprechender Kuriositäten, zu viele, um sie in dieser kurzen Rezension aufzulisten. Einige Objekte, wie das für die Reisenden verwendete Treibholz, werden aufgrund ihrer Ähnlichkeit mit Kreaturen ausgewählt. Andere Objekte, einschließlich der Bronzekartoffeln, sind in der Tat sorgfältig und sorgfältig konstruiert.

Viele der Arbeiten untersuchen die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur und Kultur. In Tender, einer Sammlung leerer Vogelnester, erleben wir Halls fein beobachtete Nachahmung der Natur. Bei näherer Betrachtung bestehen die Repliknester aus zerkleinerten US-Dollar-Scheinen, deren Seriennummern eine ganze Glasscheibe bedecken. Die Nester sind leer – die ausgestorbenen Vögel sind längst verschwunden – und das Geld hat jetzt keinen Wert mehr. Der Titel mit seinen vielfältigen Bedeutungen veranlasst uns, über die Art von Gesellschaft nachzudenken, die sich mehr um die Zerstörung von Banknoten als um das Aussterben von Vogelarten kümmert.

Trotz oberflächlicher Unterschiede ist das Geld überall auf der Welt im Wesentlichen gleich. Es repräsentiert Wert und erleichtert Transaktionsbeziehungen. Hall behandelt die Noten jedoch als kulturelle Artefakte und säumt ganze Wände mit ihnen. Einige dieser feinen Exemplare in Gouache zeigen Pflanzen, die einst für die Wirtschaft der Länder, in denen sie angebaut wurden, von entscheidender Bedeutung waren und deren Samen weltweit gehandelt wurden. Jetzt sehen diese Eingeborenen aus wie ein botanischer Virus, der die Notizen zusammenfasst und sie so häufig macht wie Montagepapier. Einige Banknoten sind nach den aufgedruckten Bildern angeordnet, darunter Dämme, landwirtschaftliche Maschinen und Kernkraftwerke. Diese technologischen Errungenschaften feiern die Nutzung und Eroberung der Natur.

Halls Kommentare zum prekären Zustand der natürlichen Welt und unserer Umwelt sind schneidend und direkt auf den Punkt gebracht, aber mit Humor, Ironie und Leichtigkeit der Berührung, um ein chirurgisches Skalpell zu verbergen. Das Skalpell ist keine Metapher in den ausgeschnittenen Sardinenbüchsen mit dem Titel Paradisus Terrestris. Aus dem Papierkorb gerettet, werden diese Dosen verwandelt und zu Kunstwerken erhoben. Die seltsamen erotischen Hybriden der einheimischen Flora und Körperteile implizieren eine Kollision von Natur (die indigenen australischen Pflanzen) und Kultur (die Besiedlung durch weiße Siedler).

Die Dosen, die zu den beliebtesten Werken von Hall gehören, gehören zu den Hunderten von scheinbar unterschiedlichen Stücken, die sorgfältig positioniert sind, um uns dabei zu helfen, Verbindungen zwischen ihnen herzustellen und unser Verständnis für die Themen zu lenken, mit denen Hall so leidenschaftlich ist . Trotz der düsteren Farben und Botschaften des Untergangs fühlt es sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir von radikalen Aktivisten auf einen Protestmarsch geführt. Halls Taktik ist weitaus subtiler und effektiver.

Rekonfigurierte kulturelle Artefakte veranlassen uns, diese gemeinsamen Objekte auf neue Weise zu interpretieren und neu zu interpretieren und aus ihrer neuartigen Gegenüberstellung neue Ideen zu formen. In Vaporised sind die ursprünglich Parfümflaschen heute ein Friedhof aus schädelbemaltem Glas. In Crust werden Brotlaibe in Gegenstände wie Knochen, einen toten Elefanten und einen unglücklichen Ozeandampfer geschnitzt und über offene Atlanten gelegt, was uns daran erinnert, dass unser universeller Bedarf an selbst unseren grundlegendsten Nahrungsmitteln zu oft vor dem Hintergrund politischer Konflikte und der Fluss der nationalen Grenzen.

In einer Vitrine in der Nähe scheinen schwere undurchsichtige Kristalle aus Wellpappe mit ihren verräterischen Graten und Unvollkommenheiten des verbleibenden billigen Gusses entstanden zu sein. Im Gegensatz zu echten Kristallen, die schöne, durchscheinende, kostbare Produkte der Erde und geschätzte Symbole der Zeitlosigkeit sind, tauchen diese Klumpen aus künstlicher Bronze aus Zeitungsstapeln auf. Indem Hall sie mit ihren schockierenden Schlagzeilen gegen die kurzlebigen, mit Prominenten gefüllten Trivia und Launen der täglichen Nachrichten stellt, hat er diese stumpfen kristallähnlichen Formen buchstäblich und im übertragenen Sinne neu gegossen, um so entbehrlich zu sein wie das Fruchtfleisch von Zeitungspapier.

Eine Reihe von Werken bezieht sich auf den Medienmagnaten und politischen Machtvermittler Rupert Murdoch. Sein charakteristisch schroffes Gesicht schmückt eine Uhr unter dem Text News of the Fukt World und ist in einer kaleidoskopischen Peep-Show mit dem Titel Hack zu sehen, in der Miniaturplakate mit dem bevorstehenden Untergang zu sehen sind.

Die Kuratorin von Wrong Way Time, Linda Michael, schreibt in dem ausgezeichneten Ausstellungskatalog, dass die Themen, mit denen sich Hall in ihren Arbeiten befasst, die drei sich überschneidenden globalen Anliegen von Weltpolitik, Weltfinanzen und Umwelt sind. Hall enthält ihre Gefühle in der Beschreibung dieser gescheiterten Zustände als Minenfeld von Wahnsinn, Schlechtigkeit und Traurigkeit gleichermaßen. Es ist auch möglich, in dieser überwältigenden Vision der Verzweiflung Hoffnung für die Zukunft der Menschheit zu finden.

Australischer Pavillon
Der australische Pavillon beherbergt Australiens nationale Vertretung während der Kunstfestivals der Biennale von Venedig. Der australische Pavillon wurde 1987 vom Design Arts Board des Australia Council entworfen und 1988 errichtet. Der zweistöckige Einzelausstellungsraum umfasst einen Eingang im Veranda-Stil mit einem Innenhof, der um einen bereits vorhandenen Baum herum gebaut wurde. Diese Verbindung zwischen Innenraum und Landschaft sollte sich auf architektonische Themen in Australien beziehen. Die Krümmung des Blechdaches des Pavillons soll eine Welle hervorrufen.

Der ursprüngliche australische Pavillon, der von Philip Cox als temporäre Struktur aus Faserzement und Stahl entworfen wurde, wurde 1988 am westlichen Rand des Giardini eröffnet. Der in Italien geborene australische Industrielle Franco Belgiorno-Nettis hatte zuvor so erfolgreich Lobbyarbeit geleistet, dass Australien 1988 16 andere Länder bis zum letzten Standort besiegte, an dem ein permanenter Pavillon in den Giardini errichtet werden sollte. Cox und andere großzügige Spender schenkten den Pavillon der Commonwealth-Regierung.

Der Pavillon war aufgrund seines vorübergehenden Status nicht denkmalgeschützt. Ein neuer, permanenter Pavillon wurde vom Architekturbüro Denton Corker Marshall entworfen und 2015 fertiggestellt. Die zweistöckige Struktur aus Beton und Stahl umfasst 240 Quadratmeter Ausstellungsfläche und das Äußere ist mit schwarzem Granit aus Simbabwe bedeckt. Die Teilnahme Australiens an der Biennale in Venedig wird vom Australia Council for the Arts verwaltet. Alle ursprünglich für das neue Gebäude benötigten 6 Mio. AUD (6,04 Mio. USD) sollten jedoch aus dem privaten Sektor aufgebracht werden. Schließlich kostete der Bau des Pavillons 7,5 Millionen US-Dollar, von denen 1 Million US-Dollar vom Australia Council for the Arts finanziert wurden. Der Rest wurde von 82 privaten australischen Spendern gespendet, darunter die Schauspielerin Cate Blanchett und der Produzent Santo Cilauro.

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.