Eine Figurenzeichnung ist eine Zeichnung der menschlichen Form in irgendeiner ihrer verschiedenen Formen und Haltungen unter Verwendung irgendeines der Zeichenmedien. Der Begriff kann sich auch auf den Vorgang der Herstellung einer solchen Zeichnung beziehen. Der Darstellungsgrad kann von sehr detaillierten, anatomisch korrekten Darstellungen bis zu losen und expressiven Skizzen reichen. Eine „Lebenszeichnung“ ist eine Zeichnung der menschlichen Figur aus der Beobachtung eines Live-Modells. Eine Figurenzeichnung kann ein zusammengesetztes Kunstwerk oder eine Figurenstudie sein, die in Vorbereitung auf ein fertigeres Werk wie ein Gemälde angefertigt wird. Die Figurenzeichnung ist wohl das schwierigste Thema, mit dem ein Künstler häufig konfrontiert ist, und ganze Kurse sind dem Thema gewidmet. Die menschliche Figur ist eines der beständigsten Themen in der bildenden Kunst, und die menschliche Figur kann die Grundlage für Portraits, Illustrationen, Skulpturen, medizinische Illustrationen und andere Bereiche bilden.

Künstler nehmen eine Vielzahl von Ansätzen zum Zeichnen der menschlichen Figur. Sie können von lebenden Modellen oder von Fotografien, von Skelettmodellen oder von Gedächtnis und Phantasie zeichnen. Die meisten Anleitungen konzentrieren sich auf die Verwendung von Modellen in „Life Drawing“ -Kursen. Der Gebrauch fotografischer Referenzen – obwohl seit der Entwicklung der Fotografie üblich – wird oft kritisiert oder entmutigt wegen seiner Tendenz, „flache“ Bilder zu produzieren, die die dynamischen Aspekte des Themas nicht erfassen. Aus der Imagination wird häufig für die Ausdruckskraft gelobt, die sie fördert, und für die Ungenauigkeiten kritisiert, die durch das Unwissen des Künstlers oder die begrenzte Erinnerung bei der Visualisierung der menschlichen Figur eingeführt werden; Die Erfahrung des Künstlers mit anderen Methoden hat einen großen Einfluss auf die Wirksamkeit dieses Ansatzes.

Bei der Entwicklung des Bildes konzentrieren sich einige Künstler auf die Formen, die durch das Zusammenspiel von Hell- und Dunkelwerten auf den Körperoberflächen entstehen. Andere nehmen einen anatomischen Ansatz, indem sie das innere Skelett der Figur approximieren, die inneren Organe und die Muskulatur überlagern und diese Formen mit der Haut und schließlich (falls zutreffend) mit Kleidung bedecken; Das Studium der menschlichen inneren Anatomie ist normalerweise an dieser Technik beteiligt. Ein anderer Ansatz besteht darin, den Körper aus geometrischen Formen lose zu konstruieren, z. B. eine Kugel für den Schädel, einen Zylinder für den Torso usw., und diese Formen dann verfeinern, um der menschlichen Form näher zu ähneln.

Für diejenigen, die ohne visuelle Referenz (oder als Mittel zur Überprüfung der eigenen Arbeit) arbeiten, sind die in der Abbildung häufig empfohlenen Proportionen:
Eine durchschnittliche Person ist in der Regel siebeneinhalb Köpfe groß (einschließlich des Kopfes). Dies kann den Schülern im Klassenzimmer anhand von Papptellern veranschaulicht werden, um die Länge ihrer Körper visuell darzustellen.
Eine ideale Figur, die für einen Eindruck von Adel oder Anmut verwendet wird, wird mit 8 Köpfen gezeichnet.
Eine heroische Figur, die in der Darstellung von Göttern und Superhelden verwendet wird, ist achteinhalb Köpfe groß. Der Großteil der zusätzlichen Länge kommt von einer größeren Brust und längeren Beinen.
Beachten Sie, dass diese Proportionen am nützlichsten für ein stehendes Modell sind. Posen, die Verkürzung von verschiedenen Körperteilen einführen, werden dazu führen, dass sie sich unterscheiden.

Der französische Salon empfahl im 19. Jahrhundert die Verwendung von Conté-Buntstiften, die aus Wachs, Öl und Pigmenten bestehen, kombiniert mit speziell formuliertem Papier. Löschen war nicht erlaubt; Statt dessen sollte der Künstler die Figur in hellen Strichen beschreiben, bevor er dunklere, sichtbarere Markierungen machte.

Eine beliebte moderne Technik ist die Verwendung eines Kohlestifts aus speziellen Reben und einer raueren Papierform. Die Kohle haftet lose auf dem Papier, was ein sehr einfaches Löschen ermöglicht, aber die endgültige Zeichnung kann unter Verwendung eines Aufsprüh- „Fixiermittels“ konserviert werden, um die Kohle vor dem Abreiben zu bewahren. Härtere komprimierte Holzkohle kann einen gezielteren und präziseren Effekt erzeugen, und abgestufte Töne können durch Verschmieren mit den Fingern oder mit einem zylindrischen Papierwerkzeug, einem so genannten Stumpf, erzeugt werden.

Graphitstift wird auch häufig für die Zeichnung verwendet. Zu diesem Zweck werden Künstlerstifte in verschiedenen Formulierungen angeboten, die von 9B (sehr weich) bis 1B (mittelweich) und von 1H (mittelhart) bis 9H (sehr hart) reichen. Wie Kohle kann es mit einem Stumpf gelöscht und manipuliert werden.

Tinte ist ein weiteres beliebtes Medium. Der Künstler beginnt oft mit Graphitstift, um die Zeichnung zu skizzieren oder zu umreißen, dann wird die letzte Linienarbeit mit einem Stift oder Pinsel mit permanenter Tinte ausgeführt. Die Tinte kann mit Wasser verdünnt werden, um Abstufungen zu erzeugen, eine Technik, die Tintenwäsche genannt wird. Die Stiftmarkierungen können nach dem Auftragen der Tinte gelöscht werden oder sie bleiben an Ort und Stelle, wenn die dunklen Tinten sie überdecken.

Manche Künstler zeichnen direkt in Tinte, ohne eine Bleistiftskizze anzufertigen, und bevorzugen die Spontaneität dieses Ansatzes, obwohl sie die Fähigkeit zur Korrektur von Fehlern einschränkt. Matisse ist ein bekannter Künstler, der auf diese Weise gearbeitet hat.

Eine bevorzugte Methode von Watteau und anderen Künstlern des Barock und Rokoko aus dem 17. und 18. Jahrhundert war es, mit einem farbigen Grundton zwischen Weiß und Schwarz zu beginnen und mit Feder und Tönung in Schwarz und Weiß zu leuchten oder „Wachsmalstift“.

Die menschliche Figur ist seit prähistorischen Zeiten Gegenstand von Zeichnungen. Während die Atelierpraktiken der Künstler der Antike weitgehend eine Frage der Vermutung sind, dass sie oft von Aktmodellen zeichneten und modellierten, legt die anatomische Raffinesse ihrer Arbeiten nahe. Eine von Plinius erzählte Anekdote beschreibt, wie Zeuxis die jungen Frauen von Agrigent nackt betrachtete, bevor er fünf auswählte, deren Merkmale er kombinieren würde, um ein ideales Bild zu malen. Der Gebrauch von Aktmodellen in der mittelalterlichen Künstlerwerkstatt wird in den Schriften von Cennino Cennini angedeutet, und ein Manuskript von Villard de Honnecourt bestätigt, dass das Skizzieren aus dem Leben im 13. Jahrhundert eine etablierte Praxis war. Die Carracci, die in den 1580er Jahren in Bologna ihre Accademia degli Incamminati eröffneten, gaben den Weg für spätere Kunstschulen, indem sie das Leben zur zentralen Disziplin machten. Der Ausbildungsgang begann mit dem Kopieren von Gravuren, dann mit dem Zeichnen von Gipsabdrücken, woraufhin die Schüler in der Zeichnung vom lebenden Modell trainiert wurden.

Im späten 18. Jahrhundert folgten Studenten in Jacques-Louis Davids Atelier einem strengen Unterrichtsprogramm. Die zeichnerische Meisterschaft galt als Voraussetzung für die Malerei. Für etwa sechs Stunden pro Tag zeichneten die Schüler von einem Modell, das eine Woche lang in der gleichen Haltung blieb. Vor dem späten 19. Jahrhundert wurden Frauen in der Regel keine Zeichenunterricht erteilt.

Eine akademische Figur ist eine Zeichnung, Malerei oder Skulptur in einer wörtlichen Weise, des nackten menschlichen Körpers mit einem lebenden Modell, typischerweise in halber Lebensgröße.

Es ist eine häufige Übung, die von Studenten an Kunstschulen und Akademien verlangt wird, sowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart, daher der Name.

Historische Berichte zeigen, dass Aktmodelle für aufstrebende Künstlerinnen weitgehend nicht verfügbar waren. Frauen wurden von bestimmten Institutionen ausgeschlossen, weil es als unangemessen und möglicherweise sogar gefährlich galt, von Aktmodellen zu lernen. Obwohl Männern Zugang sowohl zu männlichen als auch weiblichen Akten gewährt wurde, waren Frauen darauf beschränkt, Anatomie von Abgüssen und Modellen zu lernen. Erst 1893 wurde den Studentinnen der Zugang zur Lebenszeichnung an der Royal Academy in London gewährt, und selbst dann musste das Modell teilweise drapiert werden.

Der begrenzte Zugang zu Aktfiguren verhinderte die Karriere und Entwicklung weiblicher Künstler. Die prestigeträchtigsten Formen der Malerei erforderten ein vertieftes anatomisches Wissen, das den Frauen systematisch verwehrt blieb, die auf weniger geschätzte Malformen wie Gattung, Stillleben, Landschaft und Porträt verwiesen wurden. In Linda Nochlins Essay „Warum gab es keine großen Künstlerinnen?“ Identifiziert sie den eingeschränkten Zugang, den Frauen zur Zeichnung von Aktfiguren hatten, als ein historisch bedeutendes Hindernis für die künstlerische Entwicklung von Frauen.

Figurzeichnung ist ein Element der meisten Kunst- und Illustrationsprogramme. Akademien für Bildende Kunst in Italien haben eine scuola libera del nudo („Freie Schule des Nackten“), die Teil des Studiengangs ist, aber auch für externe Studierende offen ist. In einem typischen Figurenstudio-Klassenzimmer sitzen die Schüler entweder im Halbkreis oder im Vollkreis um ein Modell herum. Kein Schüler hat genau die gleiche Ansicht, daher spiegelt seine Zeichnung die Perspektive der einzigartigen Position des Künstlers relativ zum Modell wider. Das Modell steht oft auf einem Ständer, damit die Schüler leichter eine freie Sicht finden können. Je nach Art der Pose können Möbel und / oder Requisiten verwendet werden. Diese sind normalerweise in der Zeichnung enthalten, sofern sie für den Künstler sichtbar sind. Hintergründe werden jedoch normalerweise ignoriert, es sei denn, das Ziel besteht darin, etwas über die Platzierung von Figuren in einer Umgebung zu lernen. Einzelne Modelle sind am häufigsten, aber mehrere Modelle können in fortgeschritteneren Klassen verwendet werden. Viele Studios sind ausgestattet, um eine Vielzahl von Beleuchtungsanordnungen zu ermöglichen.

Wenn sie auf der College-Ebene unterrichtet werden, sind Figuren-Zeichnungsmodelle oft (aber nicht immer) nackt (abgesehen von kleinen Schmuckstücken oder anderen unscheinbaren Gegenständen). Während des Posierens wird das Modell normalerweise aufgefordert, vollkommen ruhig zu bleiben. Wegen der Schwierigkeit, dies für einen längeren Zeitraum zu tun, sind periodische Pausen für das Modell zum Ausruhen und / oder Strecken gewöhnlich in längeren Sitzungen und für schwierigere Posen enthalten.

Zu Beginn einer Figurenzeichnung wird das Modell oft aufgefordert, in kurzer Abfolge eine Reihe kurzer Posen zu machen. Diese werden als Gesten-Posen bezeichnet und dauern in der Regel jeweils ein bis drei Minuten. Gestenzeichnen ist eine Aufwärmübung für viele Künstler, obwohl einige Künstler die Geste als den ersten Schritt in jeder Figurzeichnung skizzieren. Diese breiten Schläge werden nicht nur mit dem Handgelenk gemacht, sondern mit dem ganzen Arm, um die Bewegung des Modells zu erfassen. Es hilft auch, den Künstler auf das Modell anstatt auf das Papier zu konzentrieren. Wenn es um den menschlichen Körper geht, sind Künstler schmerzhaft kritisch; Die Proportionen eines Stilllebens müssen nicht perfekt gezeichnet werden, um authentisch auszusehen, aber selbst der geringste Fehler menschlicher Proportionen wird leicht zu erkennen sein.

Moderne und zeitgenössische Künstler können wählen, um Proportionen zu übertreiben oder zu verzerren, um die Geste oder wahrgenommene Stimmung der Pose der Modelle zu betonen. Die Ergebnisse können als ein fertiges Kunstwerk betrachtet werden, das sowohl das Subjekt als auch die beobachtende, emotionale und markierende Antwort auf die Zeichnerfahrung der Künstler ausdrückt.

Anatomie ist nur die erste Ebene der Besorgnis in den Klassen des Lebens. Abbildung-Grund-Beziehungen und andere Aspekte der Zusammensetzung werden ebenfalls berücksichtigt. Das Gleichgewicht einer Komposition wird durch das Zeichnen des Lebens wichtiger und dadurch besser verstanden. Die kinästhetische Antwort des Künstlers auf die Pose und wie dies durch die Wahl von Kunstmedien vermittelt wird, ist ein fortgeschrittenes Anliegen. Da es beim Zeichnen von Figurenklassen darum geht, Menschen aller Art zu zeichnen, werden normalerweise männliche und weibliche Modelle aller Altersklassen, Formen und Ethnien gesucht, anstatt nur schöne Modelle oder solche mit „idealen“ Figuren auszuwählen. Einige Lehrer versuchen speziell, die Art von Modellen zu vermeiden, die von Modefotografen bevorzugt werden, suchen nach „realistischeren“ Beispielen und vermeiden jegliche Implikationen sexueller Objektivierung. Lehrer können auch Modelle bestimmter Körpertypen aufgrund der einzigartigen Konturen oder Oberflächenstrukturen bevorzugen. Die Vielfalt der Modelle, die eingestellt werden, kann durch die Notwendigkeit begrenzt sein, über längere Zeiträume (unruhige Kinder und gebrechliche ältere Menschen) und Bedenken hinsichtlich Bescheidenheit und Legalität zu halten, wenn Modelle nackt sind (Einschränkung der Verwendung von Minderjährigen).