Kunst und Mode standen sich gegenüber und sahen sich oft an, auch in der Vergangenheit. Wenn die Künstler von Kleidung fasziniert waren, die ein wesentliches Instrument ist, um ihren Darstellungen Realismus zu verleihen, haben sich die Schneider oft von der Kunstwelt inspirieren lassen und Einstellungen angenommen, die sie mit den Künstlern gleichsetzten. Für Kunstwissenschaftler hilft die in einem Gemälde dokumentierte Kleidung bei der Datierung eines Kunstwerks. Für Modehistoriker hingegen gibt das bemalte Kleid einen Bericht über die Bewegung, Geste und Neigung eines Kleides.

Der Ausstellungsplan konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, der von den avantgardistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts fasziniert und inspiriert war, auf mehrere Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, die Schauplätze für Studien und Begegnungen waren, und auf das Aufkommen des Kultur der Prominenten. Anschließend wird das Experimentieren der neunziger Jahre untersucht und darüber nachgedacht, ob wir in der zeitgenössischen Kulturindustrie immer noch über zwei getrennte Welten sprechen können oder ob es sich stattdessen um ein fließendes Rollenspiel handelt.

Der besondere Aspekt des Ausstellungslayouts liegt in der Zusammenarbeit mit anderen Kulturinstitutionen, die sich aktiv an der Umsetzung dieses Konzepts beteiligten, um eine gemeinsame Reflexion anzuregen: Neben dem Museo Salvatore Ferragamo, Promotor und Organisator des Projekts zusammen mit dem Fondazione Ferragamo, in Florenz die Biblioteca Nazionale Centrale, die Gallerie degli Uffizi (die Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti und die Galleria del Costume), das Museo Marino Marini und in Prato das Museo del Tessuto.

Für die italienische Mode wurde seit den frühen Debatten zu Beginn des 20. Jahrhunderts über die Notwendigkeit, der Bekleidungsproduktion in Bel Paese eine nationale Identität zu verleihen, der Bezug zur Welt der italienischen Kunst im Vergleich zur französischen Mode als ein Element starker Unterscheidung empfunden dann vorherrschend. Grundlegend auf diesem Weg war die Rolle von Rosa Genoni, Näherin, aber auch Lehrerin der Schneiderei an der Mailänder Berufsschule für Frauen. Für die Mailänder Expo von 1906 ließ er zwei Kleidungsstücke als programmatische Plakate seiner Ideen anfertigen, eines inspiriert von einer Zeichnung von Pisanello, die im Condé-Museum in Chantilly aufbewahrt wurde, das andere von Botticellis Frühlingskleid. Der Umhang aus Pisanellos Werk, der großzügig von der Kostümgalerie des Palazzo Pitti ausgeliehen wurde, wird mit zeitgenössischer Kleidung verglichen, die von berühmten Kunstwerken in einem Raum inspiriert ist, der mit einem Artikel von Sergio Tofano ausgelegt ist, der 1920 in „Lidel“ erschien Der große Illustrator vermutete italienische Kleidung, die Beato Angelico und Masaccio aus den Fresken entnommen hatten.

Der Film der Biennale für Kunst und Mode in Florenz 1996 unter der Regie von Germano Celant, Ingrid Sischy und Luigi Settembrini fungiert als Resonanzboden für dieses Thema, eine großartige Ausstellung, an der vierzig internationale Protagonisten der Künste und achtunddreißig Welten beteiligt waren Modemarken, in einem Projekt, das das Ziel hatte, die gegenseitigen Einflüsse, die kreative Beziehung zwischen dem Universum der Mode und den bildenden Künsten, Design, Architektur, Kino, Fotografie, Bräuchen und Geschichte zu erforschen und zu erzählen und das Thema auf alle aufmerksam zu machen.

Seit Jahrhunderten stellen die Künstler jedes kleinste Detail der Kleidung dar, die nach und nach in Mode gekommen ist, und geben uns das visuelle Zeugnis von Gesten, Körperhaltungen und Geschmäcken, aber auch von maßgeschneiderten Lösungen, Materialien und Dekorationen vieler anonymer Handwerker. Die Künstler nahmen aktiv an diesem Luxusrennen teil, entwarfen Stoffe, Schnürsenkel, Stickereien und sogar Kostüme für Hofpartys und begannen die Modekommunikation mit Meisterwerken der Gravur. Während des neunzehnten Jahrhunderts begann sich die Mode in den Städten mit dem Beitrag der Textilindustrie und neuen Formen des kommerziellen Vertriebs zu verbreiten. Es war eine totale Metamorphose, die auch originelle Formen des Dialogs zwischen Kunst und Mode in Gang setzte. Die Beziehungen zwischen den beiden Welten wurden enger und häufiger, und der Austausch beschränkte sich nicht mehr auf die Darstellung der schönen Welt, die auf die neueste Art und Weise gekleidet war.

Anhand einer Reihe von Beispielen schlägt der Abschnitt einen Weg durch diesen Dialog vor, der seit über einem Jahrhundert stattfindet.

Wir beginnen mit den englischen präraffaelitischen Künstlern, der Wiener Secession von Gustav Klimt und der Wiener Werkstätte und setzen Mariano Fortuny fort, ohne die futuristischen Experimente zu vergessen. Wir gehen dann weiter zu den Erfahrungen der Künstler, die Mode wie Sonia Delaunay gemacht haben, und zu den direkten Kooperationen zwischen Künstlern und Modekünstlern wie Thayaht mit Vionnet oder Dalí und Cocteau mit Schiaparelli bis zu den jüngsten Kooperationen. Besonderes Augenmerk wird auf Designer gelegt, die, inspiriert von der Kunst, die Mode tief innoviert haben, wie im Fall von Yves Saint Laurent mit Mondrian

Das Thema wird unter Berücksichtigung verschiedener Themen durchgeführt: die Künstler, die Alternativen zu aktuellen Trends geschaffen haben, und diejenigen, die mit der Modebranche zusammengearbeitet haben; Die Modedesigner, die den Erfindungsreichtum der Künstler suchten, teilten die originellsten Vorschläge einer Avantgarde, vor allem aber die sich entweder von den Formen oder Oberflächen der Werke aller Zeiten inspirieren ließen.

Mit seiner Präsenz in der New Yorker Kulturszene, der Teilnahme an Partys, Eröffnungsabenden, Retrospektiven und Modeschauen hat er die Beziehung zwischen Kunst, Mode und Prominenten mitgeprägt, die wir heute kennen. Dieses Konzept wird in einer Reihe von Fotografien untersucht, die Warhol bei verschiedenen gesellschaftlichen Veranstaltungen in New York und mit der berühmten Installation Altered Image des Makos Studios zeigen.

Es besteht kein Zweifel, dass Andy Warhol mit seiner Arbeit einen wirkungsvollen – und häufig sakrilegischen – ästhetischen Input entfesselt hat. Das eklatanteste Beispiel ist The Souper Dress, eine Destillation von Mode, Kunst und Industrie. Dieses in den sechziger Jahren aus Papier, Zellulose und Baumwolle gefertigte Kleid mit einem Siebdruck der berühmten Campbell-Suppe kann sich nacheinander wiederholen. Dieses Kleid ist im Rahmen der Ausstellung zu sehen.

Über Kunst und Mode
ist Modekunst? Eine einfache Frage verbirgt das komplexe Universum einer artikulierten Beziehung, die seit langem untersucht wurde, ohne jedoch zu einer klaren und eindeutigen Definition zu gelangen. Dieses Projekt analysiert die Formen des Dialogs zwischen diesen beiden Welten: gegenseitige Inspirationen, Überschneidungen und Kollaborationen, von den Erfahrungen der Präraffaeliten bis zu denen des Futurismus und vom Surrealismus bis zur radikalen Mode. Der Ausstellungsplan konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, der von den avantgardistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts fasziniert und inspiriert war, auf mehrere Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, die Schauplätze für Studien und Begegnungen waren, und auf das Aufkommen des Kultur der Prominenten. Anschließend wird das Experimentieren der neunziger Jahre untersucht und darüber nachgedacht, ob wir in der zeitgenössischen Kulturindustrie immer noch über zwei getrennte Welten sprechen können oder ob es sich stattdessen um ein fließendes Rollenspiel handelt.

Diese einfache Frage verbirgt das komplexe Universum einer artikulierten Beziehung, die seit langem untersucht wurde, ohne jemals eine klare oder eindeutige Definition zu erreichen. Mode – für ihr Bedürfnis, funktional zu sein und sich daher konkret auf das wirkliche Leben zu beziehen, sowie für ihre Verbindung mit Handwerkskunst und Industrie – scheint weit vom Ideal der Kunst für Kunst entfernt zu sein, ein Konzept, das jedoch nicht immer repräsentativ war sogar von der Kunstwelt. Andy Warhol lehrte uns, dass die Einzigartigkeit des Kunstwerks nicht mehr mit der künstlerischen Produktion zusammenfällt und dass sich heute die Ausstellungen von Modedesignern vermehren und Stylisten die Praktiken der zeitgenössischen Kunst mit Verfügbarkeit begrüßen. Kann man in diesem Zusammenhang noch von der Dichotomie zwischen Kunst und Mode sprechen, wie sie im letzten Jahrhundert stattgefunden hat?

Dieses Projekt analysiert die Formen des Dialogs zwischen diesen beiden Welten: Kontaminationen, Überschneidungen und Kollaborationen. Von den Erfahrungen der Präraffaeliten bis zu denen des Futurismus, vom Surrealismus bis zur radikalen Mode. Der Weg konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, fasziniert und inspiriert von der künstlerischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts; Auf einigen Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, einem Ort des Studiums und der Zusammenkünfte und auf der Geburt der Kultur der Berühmtheit, um mit den Experimenten der neunziger Jahre fortzufahren und sich zu fragen, ob wir in der zeitgenössischen Kulturindustrie noch über zwei sprechen können Welten verschieden, oder wenn wir stattdessen mit einem fließenden Rollenspiel konfrontiert sind.

Die Besonderheit des Ausstellungsplans liegt in der Zusammenarbeit mehrerer Kulturinstitutionen und im Ausstellungsort an verschiedenen Orten: Neben dem Salvatore Ferragamo Museum, Förderer und Organisator des Projekts zusammen mit der Ferragamo Foundation, veranstalten sie die verschiedenen Ausstellungen in Florenz die Zentrale Nationalbibliothek, die Galleries degli Uffizi (Galerie für moderne Kunst des Palazzo Pitti), das Marino Marini Museum und in Prato das Textilmuseum

Die beteiligten Institutionen beteiligten sich aktiv an der Umsetzung der Idee mit dem Ziel, eine gemeinsame Reflexion einzuladen.

Es ist eine Hommage an das Salvatore Ferragamo Museum, das das Projekt kuratiert und konzipiert hat, und ein Symbol: einerseits ein dekoratives Element, das für die Ästhetik eines Modells von Salvatore Ferragamo aus dem Jahr 1958, des Tirassegno-Dekolletés, und andererseits ein Werk von Kenneth Noland, einer der großen amerikanischen Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, war eine Inspiration.

Die Ausstellung im Salvatore Ferragamo Museum hat vier Kuratoren, Stefania Ricci, Direktorin des Salvatore Ferragamo Museums, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini und Alberto Salvadori, die Tag für Tag mit ihren unterschiedlichen Fähigkeiten und Persönlichkeiten beim Bau der Route zusammengearbeitet haben. zusammen mit den Direktoren und den Managern der verschiedenen Institutionen, die mit Enthusiasmus und Geist der Zusammenarbeit an der Initiative teilgenommen haben, und den Autoren des Katalogs, die den Kuratoren bei der endgültigen Auswahl der Werke geholfen haben und ihr Wissen und ihre Fachkenntnisse zur Verfügung gestellt haben Erfahrungen. Es gibt viele Leihgaben aus den renommiertesten öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland, die der Ausstellung ein internationales Flair verleihen

Salvatore Ferragamo Museum
Das Salvatore Ferragamo Museum in Florenz, Italien, ist ein Modemuseum, das dem Leben und Werk des italienischen Schuhdesigners Salvatore Ferragamo und seiner gleichnamigen Firma gewidmet ist. Das Museum enthält 10.000 Modelle von Schuhen, die Ferragamo von den 1920er Jahren bis zu seinem Tod 1960 entworfen und besessen hat. Nach Ferragamos Tod wurde die Sammlung von seiner Witwe und seinen Kindern erweitert. Das Museum umfasst auch Filme, Presseausschnitte, Werbematerialien, Kleidung und Accessoires von den 1950er Jahren bis heute.

Die Familie Ferragamo gründete das Museum im Mai 1995, um ein internationales Publikum mit den künstlerischen Qualitäten von Salvatore Ferragamo und seiner Rolle in der Geschichte nicht nur der Schuhe, sondern auch der internationalen Mode vertraut zu machen.

Wie die meisten Firmenmuseen entspringen das Museo Salvatore Ferragamo und seine Archive der Vision einer Unternehmerin, in diesem Fall Salvatore Ferragamos Witwe Wanda, die das Unternehmen seit dem Tod der Gründerin 1960 leitet, und ihren sechs Kindern. Insbesondere das älteste ihrer Kinder, Fiamma, die nach dem Tod ihres Vaters das Kerngeschäft mit Schuhen und Lederwaren des Unternehmens leitete, stand im Auftrag ihrer Familie an der Spitze dieses Projekts und erweckte es zum Leben und formte seine Strategie mit Hilfe von Historikern und Archivare.

Die Idee für das Museum entstand ursprünglich, als im Palazzo Strozzi eine Ausstellung über die Geschichte von Salvatore Ferragamo organisiert wurde. Die Ausstellung ging auf Tournee und wurde von einigen der renommiertesten Museen der Welt wie dem Victoria and Albert in London, dem County Museum von Los Angeles, dem New Yorker Guggenheim, der Sogetsu Kai Foundation in Tokio und dem Museo de Bellas veranstaltet Artes in Mexiko. Die temporäre Ausstellung wurde nach und nach dauerhaft.

In Anerkennung der kulturellen Bedeutung des Museums und seiner zahlreichen Initiativen im Laufe der Jahre erhielt Salvatore Ferragamo 1999 den Guggenheim Impresa e Cultura Award, der jährlich an Unternehmen vergeben wird, die am besten zu konstruktiven Zwecken in Kultur investieren. Das Museum befindet sich im historischen Zentrum von Florenz im Palazzo Spini Ferroni, der seit 1938 auch der Hauptsitz des Unternehmens ist.