Umweltkunst ist eine Bandbreite künstlerischer Praktiken, die sowohl historische Ansätze zur Natur in der Kunst als auch neuere ökologische und politisch motivierte Werkformen umfassen. Umweltkunst hat sich von formalen Belangen, die mit der Erde als skulpturalem Material erarbeitet wurden, zu einer tieferen Beziehung zu Systemen, Prozessen und Phänomenen in Bezug auf soziale Belange entwickelt. Integrierte soziale und ökologische Ansätze, die als ethische, restaurative Haltung entwickelt wurden, sind in den 1990er Jahren entstanden. In den vergangenen zehn Jahren ist die Umweltkunst zu einem Schwerpunkt von Ausstellungen auf der ganzen Welt geworden, da die sozialen und kulturellen Aspekte des Klimawandels in den Vordergrund gerückt sind.

In einer wachsenden Welt ist die Anzahl der Künstler, die sich auf Systeme und Interaktionen innerhalb unserer Umwelt konzentrieren, ökologisch, geografisch, politisch, kulturell und biologisch. Viele der Arbeiten in dieser Kunst bestehen aus zweidimensionalen und dreidimensionalen Elementen, in die visuelle und vokale Effekte integriert werden können, um zu zeigen, wie die Menschheit sozial, philosophisch, ökonomisch und spirituell mit der natürlichen Welt verbunden und verbunden werden sollte .

Der Begriff „Umweltkunst“ umfasst oft „ökologische“ Belange, ist aber nicht spezifisch für sie. Es feiert vor allem die Verbindung eines Künstlers mit der Natur mit natürlichen Materialien. Das Konzept wird am besten verstanden in Bezug auf historische Erde / Land Art und das sich entwickelnde Feld der ökologischen Kunst. Das Feld ist interdisziplinär in der Tatsache, dass Umweltkünstler Ideen aus Wissenschaft und Philosophie annehmen. Die Praxis umfasst traditionelle Medien, neue Medien und kritische soziale Produktionsformen. Die Arbeit umfasst eine breite Palette von Landschafts- und Umweltbedingungen von der ländlichen, vorstädtischen und städtischen bis hin zur städtischen / ländlichen Industrie.

Die meisten Künstler präsentieren die Loslösung der Menschheit von der Umwelt und versuchen, sie durch vier Hauptmotive zu korrigieren:

Sensibilisierung für die Fragilität der Natur und die Notwendigkeit, sie zu schützen.
Erkunden Sie verschiedene natürliche Phänomene, um Veränderungen zu verfolgen und sie in der Kunst auszudrücken.
Sammle Materialien aus der Natur aus verschiedenen Teilen der Welt und verteile sie.
Um eine Verschlechterung der Umweltsituation am Boden zu vermeiden, um die beschädigte Landschaft wiederherzustellen und in ihren natürlichen Zustand zurückzukehren.

Geschichte:
Man kann argumentieren, dass die Umweltkunst mit den paläolithischen Höhlenmalereien unserer Vorfahren begann. Während (noch) keine Landschaften gefunden wurden, repräsentierten die Höhlenmalereien andere Aspekte der Natur, die für frühe Menschen wie Tiere und menschliche Figuren wichtig sind. „Sie sind prähistorische Naturbeobachtungen. Auf die eine oder andere Art blieb die Natur für Jahrhunderte das bevorzugte Thema der schöpferischen Kunst.“ Modernere Beispiele der Umweltkunst stammen aus der Landschaftsmalerei und der Landschaftsdarstellung. Als Künstler vor Ort malten, entwickelten sie eine tiefe Verbindung mit der umgebenden Umwelt und ihrem Wetter und brachten diese nahe Beobachtungen in ihre Leinwände. John Constable’s Himmelsbilder repräsentieren „den Himmel in der Natur am nächsten“. Die Londoner Serie von Monet veranschaulicht auch die Verbindung des Künstlers mit der Umwelt. „Für mich gibt es keine Landschaft, da sich ihr Aussehen in jedem Moment ändert, aber die umgebende Atmosphäre bringt sie zum Leben, die Luft und das Licht, die sich für mich ständig verändern, nur die umgebende Atmosphäre gibt den Subjekten ihren wahren Wert. “

Die Grundlagen der Umweltkunst begannen mit der Bewegung der romantischen Kunst (1800-1850). Im Gefolge der industriellen Revolution wurde diese Bewegung die „neoromantische“ Bewegung genannt. Zu den wichtigsten Kunstwerken gehörte die Verehrung der Schönheit der Natur, einschließlich der Bilder von Zerstörung und Verschmutzung, um Ungerechtigkeit und Ungleichheit in der Umwelt zu betonen.

Die Romantiker verehrten die Größe und Schönheit der Natur und glaubten, dass die Menschheit daran hängen und nicht von ihr getrennt sein sollte. Die Künstler wollten die Menschheit zur Natur erwecken und konzentrierten sich vor allem auf Malerei, Musik und Bildhauerei, um die Ungerechtigkeit der menschlichen Loslösung von der Natur aufzudecken, um die Menschheit zum Handeln zu schockieren und zu wecken.

Mit der Geburt der minimalistischen Kunst, besonders in den Vereinigten Staaten, fühlten viele Künstler, dass die Grenzen der Galerie oder des Museums ihre Anforderungen nicht mehr erfüllten. Die minimalistische Skulptur beschäftigte sich mit den Grenzen der Ausstellung durch Installationen und andere künstlerische Aktivitäten und außerhalb der Grenzen des institutionellen Raums. Gegen Ende der 1960er Jahre begann ein Trend der Dokumentation und des ästhetischen und kritischen Denkens über die Kunst des Landes.

Das Wachstum der Umweltkunstbewegung begann vor allem ab 1900 mit dem neuen Trend „Land Art“. Diese künstlerische Bewegung entwickelte sich 1960 in Amerika, als eine Reihe von Skulpturen und Malern wie Robert Smithson (1973-1938) mit seinem berühmten Werk Whirlpool Pier (1970) der Landschaft, in der er arbeitete, irreversible und erhebliche Schäden zufügten. Das Werk wurde aus Basalt und Erde gebaut, und Smithson, der mit einem Bulldozer die Landschaft zerkratzte und schnitt, wirkte direkt auf den See.

Im Jahr 1912 theoretisierte Boccioni bereits in seinem technischen Manifest der futuristischen Skulptur, dass es keine Erneuerung geben könne, außer durch die Skulptur der Umgebung, die fähig sei, die Atmosphäre, die sie umgibt, zu modellieren.

Andere Präzedenzfälle der Umweltkunst sind in den historischen Avantgarden nachvollziehbar: Die Umgebung des Proun des Konstruktivisten El Lissitskij ist ein Ausstellungsraum für die große Ausstellung von Berlin im Jahr 1923, in der architektonische Elemente, Maler und Modelle untrennbar miteinander verbunden sind. während der Merzbau des Dadaisten Kurt Schwitters eine fortschreitende Anhäufung von Alltagsgegenständen ist, die zehn Jahre lang im Atelier des Künstlers in Hannover entstanden, und in denen er zu einem organischen Zeugnis des Lebens des Künstlers wurde.

Die Einbeziehung des realen Raums begann ab den späten 50er Jahren ein bedeutender Aspekt der Kunstwerke zu sein, und beeinflusst dann weiterhin die wichtigsten künstlerischen Strömungen (Neo-Dadaismus, Programmierte Kunst, Minimalismus, Prozesskunst, Arte Povera, Konzeptkunst ) für alle 60er bis Anfang der 70er Jahre. Anfänglich stand die Umweltkunst eher in Zusammenhang mit Skulptur (insbesondere als ortsspezifische Kunst, Land Art und Arte Povera) angesichts der wachsenden Kritik an traditionellen Skulpturen und Praktiken, die als zunehmend veraltet und möglicherweise in Disharmonie mit der natürlichen Umwelt betrachtet wurden .

Zeitgenössische Maler wie Diane Burko repräsentieren Naturphänomene und deren Wandel im Laufe der Zeit, um ökologische Themen zu vermitteln und auf den Klimawandel aufmerksam zu machen. Alexis Rockmans Landschaften zeigen eine sardonische Sicht auf den Klimawandel und die Eingriffe des Menschen in andere Arten durch Gentechnik.

Hal Foster, zeitgenössischer US-amerikanischer Kunstkritiker, definiert die Werke der Umweltkunst als „ortsspezifische Skulpturen, die Material aus der Umwelt verwenden, um neue Formen zu schaffen oder unsere Wahrnehmung des Kontexts neu zu lenken; Programme, die neue, unnatürliche Objekte hineintragen ein natürliches Szenario für ähnliche Zwecke, einzelne Aktivitäten in der Landschaft, in denen der Zeitfaktor eine entscheidende Rolle spielt, kollaborative und sozialbewusste Interventionen. Dieses Zitat zeigt, wie sich der Begriff „Umweltkunst“ auf sehr unterschiedliche künstlerische Prozesse und Ergebnisse bezieht, auf deren Grundlage aber die Konzeption der Autonomie des Kunstwerkes in Bezug auf den Kontext in wo es platziert ist.

Trotz des anfänglichen Wunsches der Umweltkunst, das „Kunstsystem“ zu bekämpfen, indem das künstlerische Objekt selbst und generell die Kommodifizierung des Kunstwerks eliminiert wurde, wurde es notwendig, die Werke in den Galerien und Museen zur Anerkennung von ihr Status als Kunstwerke und in der Lage sein, das für ihre Realisierung notwendige finanzielle Kapital zu sammeln. Dieses Bedürfnis führte viele Künstler dazu, das Werk für seine fotografische und filmische Reproduktion zu konzipieren, wie in den Fällen von Richard Long und Robert Smithson, die jetzt sowohl einen dokumentarischen Wert als auch einen Marktwert haben.

Bewegung:
Das Wachstum der Umweltkunst als „Bewegung“ begann in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. In seinen frühen Phasen wurde es am meisten mit der Skulptur in Verbindung gebracht, insbesondere mit ortsspezifischer Kunst, Land Art und Arte Povera, die aus zunehmender Kritik an traditionellen skulpturalen Formen und Praktiken entstanden, die zunehmend als überholt und möglicherweise in Harmonie mit der natürlichen Umwelt betrachtet wurden .

Im Oktober 1968 organisierte Robert Smithson eine Ausstellung in der Dwan Gallery in New York mit dem Titel „Earthworks“. Die Arbeiten in der Ausstellung stellten konventionelle Vorstellungen von Ausstellung und Verkauf vor eine große Herausforderung, da sie entweder zu groß oder zu unhandlich waren ; die meisten wurden nur durch Fotografien repräsentiert, was ihre Widerstandskraft gegenüber dem Erwerb weiter betonte. Für diese Künstler gelang es, den Grenzen der Galerie und der modernistischen Theorie zu entkommen, indem man die Städte verließ und in die Wüste hinausging.

„Sie stellten die Landschaft nicht dar, sondern engagierten sie; Ihre Kunst war nicht nur von der Landschaft, sondern auch von ihr. „Diese Verschiebung in den späten 1960er und 1970er Jahren repräsentiert eine avantgardistische Vorstellung von Skulptur, der Landschaft und unserer Beziehung zu ihr. Die Arbeit stellte die konventionellen Mittel zur Schaffung von Skulpturen in Frage, widersetzte sich aber auch mehr Elite-Arten der Verbreitung und Ausstellung von Kunst, wie die bereits erwähnte Ausstellung der Dawn Gallery. Dieser Wandel eröffnete einen neuen Raum und erweiterte damit die Art und Weise, in der Arbeit dokumentiert und konzeptionalisiert wurde.

In Europa haben Künstler wie Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski ua seit den 1960er Jahren Umweltkunst geschaffen.

Städtisch:
„Niemand weiß genau, wann die Geisterschiffe in der Nähe der Mündung des Baches auftauchten, aber die Anwohner erinnern sich daran, in den 1950er Jahren, als sie noch schwammen, auf ihnen zu spielen. Einige von ihnen sollen alte Walfangschiffe sein, die ihre Besitzer nicht wollten Sie werden sie zum Bach bringen und sie bis zur Wasserlinie verbrennen. Das Army Corps of Engineers hat verlassene Schiffe in anderen Teilen der Stadt identifiziert, aber nicht hier. Der Bachschlamm ist so giftig, dass Die Zerstörung der Wracks würde einen Strom gefährlicher Chemikalien in Wasser und Luft freisetzen. “ – Elizabeth Albert, Wandtext aus der Ausstellung „Stille Strände, Unerzählte Geschichten, New York City’s Forgotten Waterfront“

1978 besetzten Barry Thomas und seine Freunde illegal ein leeres CBD-Grundstück in Wellington, Neuseeland. Er kippte eine Lastwagenladung Mutterboden und pflanzte dann 180 Kohlkeimlinge in Form des Wortes „Kohl“ für seine „leere Menge Kohl“. Die Website wurde dann mit der Arbeit von Künstlern überschwemmt – die ganze Veranstaltung dauerte 6 Monate und endete mit einer einwöchigen Feier, die einheimische Bäume und Wälder zelebrierte. Im Jahr 2012 erwarb das Te Papa Tongarewa, die größte Kultureinrichtung des Landes, das gesamte Kohlbeetarchiv und nannte es einen „wichtigen Teil unserer Kunst- und Sozialgeschichte“.

Während diese früheren Arbeiten überwiegend in den Wüsten des amerikanischen Westens entstanden, zogen Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre Werke in die öffentliche Landschaft. Künstler wie Robert Morris begannen damit, Bezirksabteilungen und öffentliche Kunstkommissionen zu engagieren, um Werke in öffentlichen Räumen wie einer verlassenen Kiesgrube zu schaffen. Herbert Bayer verwendete einen ähnlichen Ansatz und wurde 1982 ausgewählt, um seine Mill Creek Canyon Erdarbeiten zu erstellen. Das Projekt diente Funktionen wie Erosionskontrolle, ein Ort als Reservoir während hoher Regenzeiten und ein 2,5 Hektar großen Park während der Trockenzeit. Lucy Lippards bahnbrechendes Buch über die Parallelen zwischen zeitgenössischer Landkunst und prähistorischen Stätten untersuchte die Art und Weise, wie diese prähistorischen Kulturen, Formen und Bilder die Arbeit zeitgenössischer Künstler, die mit dem Land und den natürlichen Systemen arbeiten, überlagert haben.

Der expandierende Begriff der Umweltkunst umfasst auch den Umfang der Stadtlandschaft. Agnes Denes schuf eine Arbeit in Downtown Manhattan Wheatfield – Eine Konfrontation (1982), in der sie ein Weizenfeld auf dem zwei Hektar großen Gelände einer Deponie pflanzte, die mit städtischem Schutt und Geröll bedeckt war. Der Standort ist jetzt Battery Park City und das World Financial Center: von ökologischer Macht zu wirtschaftlicher Macht.

Alan Sonfist stellte mit seiner ersten historischen Time Landscape-Skulptur, die New York City 1965 vorgeschlagen wurde und heute in der Ecke von Houston und LaGuardia im Greenwich Village von New York City zu sehen ist, die wichtige Idee des Umweltschutzes vor, die Natur wieder in das urbane Umfeld zu bringen. Heute arbeitet Sonfist mit der breiten Begeisterung für Umwelt- und Umweltfragen bei Behörden und Privatpersonen zusammen, um ein Netzwerk solcher Standorte in der Metropolregion vorzuschlagen, das das Bewusstsein für die Schlüsselrolle der Natur bei den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts schärfen wird Jahrhundert. Die Heiligkeit der Natur und der natürlichen Umwelt zeigt sich oft in der Arbeit von Environmental Artists.

So wie die Erdarbeiten in den Wüsten des Westens aus Vorstellungen der Landschaftsmalerei entstanden, hat das Wachstum der öffentlichen Kunst die Künstler dazu angeregt, die urbane Landschaft als eine andere Umgebung und auch als Plattform für Ideen und Konzepte für die Umwelt zu nutzen . „Viele Umweltkünstler wollen jetzt nicht nur ein Publikum für ihre Arbeit, sondern ein Publikum, mit dem sie über den Sinn und Zweck ihrer Kunst korrespondieren können.“ Andrea Pollis Installation Particle Falls machte Feinstaub in der Luft so sichtbar, dass Passanten ihn sehen konnten. Für HighWaterLine gingen Eve Mosher und andere durch Quartiere gefährdeter Städte wie New York City und Miami, um den Hochwasserschaden, der durch den Klimawandel entstehen könnte, zu markieren und mit den Bewohnern darüber zu sprechen, was sie taten.

Der Supersturm Sandy initiierte zahlreiche Künstlerreaktionen auf die vergessene Wasserfront und die historischen Wasserstraßen von New York City. Die Ausstellung „Silent Beaches, Untold Stories: New York City’s Forgotten Waterfront“, kuratiert von der St. John’s University Professorin Elizabeth Alpert, präsentierte eine Reihe von künstlerischen Herangehensweisen an die städtische Umwelt und komplexe Ökosysteme von New York City.

EcoArt:
Ökologische Kunst a.k.a EcoArt ist eine künstlerische Praxis oder Disziplin, die Paradigmen vorschlägt, die mit den Lebensformen und Ressourcen unseres Planeten nachhaltig sind. Es setzt sich aus Künstlern, Wissenschaftlern, Philosophen und Aktivisten zusammen, die sich den Praktiken der ökologischen Kunst verschrieben haben. Historische Präzedenzfälle umfassen Erdarbeiten, Land Art und Landschaftsmalerei / Fotografie. EcoArt zeichnet sich durch die Konzentration auf Systeme und Zusammenhänge in unserer Umwelt aus: die ökologische, geografische, politische, biologische und kulturelle. Ecoart schafft Bewusstsein, regt den Dialog an, verändert das menschliche Verhalten gegenüber anderen Arten und fördert den langfristigen Respekt für die natürlichen Systeme, mit denen wir koexistieren. Es manifestiert sich als sozial engagierte, aktivistische, gemeinschaftsbasierte restaurative oder interventionistische Kunst. Der Ökologische Künstler Aviva Rahmani glaubt, dass „Ökologische Kunst eine Kunstpraxis ist, oft in Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern, Stadtplanern, Architekten und anderen, die zu einem direkten Eingriff in Umweltzerstörung führt. Oft ist der Künstler der Hauptakteur in dieser Praxis.“ Es gibt zahlreiche Ansätze für EcoArt, einschließlich, aber nicht beschränkt auf:

Representational Artworks – Vermitteln von Informationen und Bedingungen vor allem durch Bildermachen und Objektmachen mit der Absicht, den Dialog anzuregen.
Sanierungsprojekte, die verschmutzte und zerstörte Umgebungen zurückgewinnen oder wiederherstellen – diese Künstler arbeiten oft mit Umweltwissenschaftlern, Landschaftsarchitekten und Stadtplanern zusammen
Aktivistische Projekte, die Veränderungen von Verhaltensweisen und / oder öffentlichen Richtlinien aktivieren, informieren, aktivieren und aktivieren.
Social Sculptures – sozial engagiertes, zeitbasiertes Kunstwerk, bei dem die Gemeinden ihre Landschaften beobachten und eine partizipative Rolle in nachhaltigen Praktiken und Lebensstilen übernehmen.
EcoPoetische Ansätze, die eine Neuveranschaulichung und Wiederverzauberung mit der natürlichen Welt initiieren und die Heilung und Koexistenz mit anderen Arten anregen.
Direct Encounters – Kunstwerke, die natürliche Phänomene wie Wasser, Wetter, Sonnenlicht, Pflanzen etc. ins Spiel bringen.
Didaktische oder pädagogische Arbeiten, die Informationen über ökologische Ungerechtigkeit und ökologische Probleme wie Wasser- und Bodenverschmutzung und Gesundheitsgefahren austauschen.
Lebens- und relationale Ästhetik mit nachhaltigen, netzunabhängigen Permakultur-Existenzen.

Die Beiträge von Frauen im Bereich EcoArt sind signifikant, viele sind in WEAD, Women Environmental Artists Directory, katalogisiert von Jo Hanson, Susan Leibovitz Steinman und Estelle Akamine.

EcoArt-Definition: Es gibt Diskussionen und Debatten unter Ecological Artists, wenn Ecological Art oder EcoArt als eigenständige Disziplin innerhalb der Künste betrachtet werden soll, die sich von der Umweltkunst unterscheidet. Eine aktuelle Definition von Ökologischer Kunst, die gemeinsam vom EcoArtNetwork entworfen wurde, lautet: „Ökologische Kunst ist eine Kunstpraxis, die eine Ethik der sozialen Gerechtigkeit in Inhalt und Form / Materialien umfasst. EcoArt wurde geschaffen, um Fürsorge und Respekt zu fördern, den Dialog anzuregen und zu ermutigen Das langfristige Wachstum der sozialen und natürlichen Umwelt, in der wir leben, zeigt sich in der Regel als sozial engagierte, aktivistische, gemeinschaftsbasierte restaurative oder interventionistische Kunst. „Künstler, die in diesem Bereich arbeiten, schließen sich im Allgemeinen einer oder mehreren an folgende Prinzipien:

Konzentrieren Sie sich auf das Beziehungsgeflecht unserer Umwelt – auf die physikalischen, biologischen, kulturellen, politischen und historischen Aspekte ökologischer Systeme.
Erstellen Sie Arbeiten, die natürliche Materialien verwenden oder sich mit Umweltfaktoren wie Wind, Wasser oder Sonnenlicht befassen.
Wiederherstellen, Wiederherstellen und Wiederherstellen beschädigter Umgebungen.
Informieren Sie die Öffentlichkeit über die ökologische Dynamik und die Umweltprobleme, mit denen wir konfrontiert sind.
Überarbeiten Sie ökologische Beziehungen und schlagen Sie kreativ neue Möglichkeiten für Koexistenz, Nachhaltigkeit und Heilung vor.

Auswirkung:
Innerhalb der Umweltkunst kann eine entscheidende Unterscheidung zwischen Umweltkünstlern getroffen werden, die den möglichen Schaden für die Umwelt nicht berücksichtigen, den ihr Kunstwerk haben kann, und denjenigen, die beabsichtigen, der Natur keinen Schaden zuzufügen. Trotz seiner ästhetischen Vorzüge hat der amerikanische Künstler Robert Smithson mit seiner gefeierten Skulptur Spiral Jetty (1969) der Landschaft, mit der er arbeitete, einen dauerhaften Schaden zugefügt, indem er mit einem Bulldozer das Land abkratzte und schnitt, wobei die Spirale selbst auf den See aufprallte. Ebenso wurde gegen den europäischen Bildhauer Christo Kritik geäußert, als er 1969 die Küste in Little Bay, südlich von Sydney, Australien, einwickelte. Die Kommentare von Umweltschützern erregten in Umweltkreisen internationale Aufmerksamkeit und veranlassten zeitgenössische Künstler in der Region, die Neigungen von Land Art und ortsspezifische Kunst.

Nachhaltige Kunst wird unter Berücksichtigung der weiteren Auswirkungen der Arbeit und ihrer Rezeption in Bezug auf ihre Umwelt (soziale, ökonomische, biophysische, historische und kulturelle) produziert. Einige Künstler entscheiden sich dafür, ihre potenziellen Auswirkungen zu minimieren, während andere Arbeiten die Wiederherstellung der unmittelbaren Landschaft in einen natürlichen Zustand beinhalten.

Der britische Bildhauer Richard Long hat seit mehreren Jahrzehnten temporäre skulpturale Arbeiten im Freien gemacht, indem er natürliche Materialien, die vor Ort gefunden wurden, wie Steine, Schlamm und Äste neu arrangiert hat, die daher keine bleibende schädliche Wirkung haben werden. Chris Drury hat ein Werk mit dem Titel „Medizinrad“ ins Leben gerufen, das die Frucht und das Ergebnis eines täglichen meditativen Spazierganges einmal am Tag für ein Kalenderjahr war. Das Ergebnis dieser Arbeit war ein Mandala mosaikierter Fundstücke: Naturkunst als Prozesskunst. Kulturschaffender Stan Herd zeigt eine ähnliche Verbindung und Respekt für das Land.

Führende Umweltkünstler wie der holländische Bildhauer Herman de Vries, der australische Bildhauer John Davis und der britische Bildhauer Andy Goldsworthy lassen die Landschaft, mit der sie gearbeitet haben, ebenfalls unverletzt; In einigen Fällen haben sie beschädigtes Land mit angemessener indigener Flora bei ihrer Arbeit bereichert. Auf diese Weise entsteht das Kunstwerk aus einer Sensibilität gegenüber dem Lebensraum. Der wohl berühmteste Fall der Umweltkunst im späten 20. Jahrhundert war 7000 Oaks, eine ökologische Aktion, die Joseph Beuys 1982 auf der Documenta inszenierte, in der der Künstler und seine Assistenten durch die Anpflanzung von 7000 Eichen den Zustand der lokalen Umwelt hervorhoben um die Stadt Kassel.

Transformation:
Andere Künstler, wie der Öko-Feminist Aviva Rahmani, reflektieren unsere menschliche Auseinandersetzung mit der Natur und schaffen ökologisch informierte Kunstwerke, die sich auf Transformation oder Reklamation konzentrieren. In den letzten zwei Jahrzehnten hat Rosalie Gascoigne bedeutende umweltbewusste Arbeit geleistet, die ihre heiteren Skulpturen aus Müll und Schrott schuf, die sie in ländlichen Gegenden verworfen fand. In ähnlicher Weise verwendet Marina DeBris Müll vom Strand, um Müll zu kreieren und Menschen über Strand- und Meeresmüll aufzuklären. Patrice Stellest schuf große Installationen mit Müll, aber auch relevante Gegenstände, die auf der ganzen Welt gesammelt wurden, und Mechanismen der Sonnenenergie. John Wolseley wandert durch abgelegene Regionen, sammelt visuelle und wissenschaftliche Daten und integriert visuelle und andere Informationen in komplexe Arbeiten auf Papier. Umweltkunst oder Grüne Kunst von den in Washington DC ansässigen Glasbildhauern Erwin Timmers und Alison Sigethy enthält einige der am wenigsten recycelten Baumaterialien; Strukturglas. Die EcoArt-Autorin und -Theoretikerin Linda Weintraub prägte den Begriff „zykluslogisch“, um den Zusammenhang zwischen Recycling und Psychologie zu beschreiben. Die Vorstellung des 21. Jahrhunderts, dass sich die Künstler bewusst mit ihren Materialien befassen, geht zurück auf paläolithische Haufen von entsorgten Töpferwaren und Metallen aus alten Zivilisationen. Weintraub zitiert die Arbeit von MacArthur-Stipendiatin Sarah Sze, die den Abfall aus dem Abfallstrom recycelt, wiederverwendet und in elegante, weitläufige Anlagen umbaut. Ihre selbstreflexive Arbeit lenkt unsere Aufmerksamkeit auf unser eigenes überladenes Leben und die Verbindung zur Konsumkultur. Brigitte Hitschlers Energiefeld zog 400 rote Dioden aus der zu fördernden Kali-Halde, auf der sie installiert waren, und nutzte Kunst und Wissenschaft, um verborgene Materialkulturen zu entdecken. Die Umweltkünstlerin und Aktivistin Beverly Naidus kreiert Installationen, die sich mit Umweltkrisen, atomaren Altlasten befassen und Arbeiten auf Papier kreieren, die sich Transformation vorstellen. Ihr in der Gemeinde angesiedeltes Permakultur-Projekt, Eden Reframed, saniert degradierten Boden mit Phytosanierung und Pilzen, was zu einem öffentlichen Platz für den Anbau und die Ernte von Heilpflanzen und essbaren Pflanzen führt. Naidus ist Pädagogin und unterrichtet seit über zehn Jahren an der Universität von Washington, Tacoma, wo sie die interdisziplinären Studio-Künste im gemeinschaftlichen Lehrplan entwickelt, die Kunst mit Ökologie und sozial engagierten Praktiken verbinden. Naidus ‚Buch, Arts for Change: Lehren außerhalb des Rahmens ist eine Ressource für Lehrer, Aktivisten und Künstler. Die Bildhauerin und Installationskünstlerin Erika Wanenmacher wurde von Tony Price in ihrer Entwicklung von Arbeiten inspiriert, die sich mit Kreativität, Mythologie und New Mexicos nuklearer Präsenz beschäftigen. Verschiedene Künstler, darunter Daniele Del Nero, haben auf unterschiedliche Weise mit lebenden Formen als künstlerisches Element gearbeitet.

Verlängerbar:
Die Erneuerbare-Energien-Skulptur ist eine weitere neue Entwicklung in der Umweltkunst. Als Reaktion auf die wachsende Besorgnis über den globalen Klimawandel entwickeln Künstler explizite Interventionen auf einer funktionalen Ebene, die ästhetische Antworten mit den funktionalen Eigenschaften der Energieerzeugung oder -einsparung verbinden. Das Windkraftprojekt von Andrea Polli in Queensbridge ist ein Beispiel für eine experimentelle Architektur, bei der Windturbinen in die Struktur einer Brücke integriert werden, um Aspekte des ursprünglichen Entwurfs nachzubilden sowie die Brücke und benachbarte Gebiete zu beleuchten. Ralf Sanders öffentliche Skulptur, die World Saving Machine, nutzte Sonnenenergie, um vor dem Seoul Museum of Art im heißen koreanischen Sommer Schnee und Eis zu schaffen. Praktizierende aus diesem aufstrebenden Gebiet arbeiten oft nach ökologisch informierten ethischen und praktischen Codes, die den Ökodesign-Kriterien entsprechen.