En plein air (im wahrsten Sinne des Wortes im Freien) ist eine französische Phrase, die auf eine bildnerische Methode hinweist, die darin besteht, im Freien zu malen, um die subtilen Nuancen einzufangen, die das Licht für jedes Detail erzeugt. Ein weiteres Ziel dieser Technik ist es, das wahre Wesen der Dinge zu erfassen, da es sich um einen Ausdruck handelt, der sich aus der direkten Beobachtung der Realität ergibt. Besonders im europäischen 19. Jahrhundert wurde die Freilichtmalerei von der bildnerischen Strömung der Impressionisten häufig verwendet. Diese Methode steht im Gegensatz zu Studiomalerei oder akademischen Regeln, die ein vorbestimmtes Aussehen erzeugen könnten.
Obwohl die Künstler in der geschichtlichen Vergangenheit bereits auf die Kunst zurückgegriffen haben, die sie sich vorgestellt hatten (Genre- oder Landschaftskunst), entschieden sie sich erst Mitte des 19. Jahrhunderts ausdrücklich dafür, natürliches Licht zu verwenden, um bestimmte Effekte zu studieren und anzuwenden sie zu seinem Gemälde. Landschaftsgestalter wie Carlos de Haes haben schon damals die Tradition fortgesetzt, den größten Teil der Bildarbeiten für das Atelier zu reservieren (wie beim sogenannten Kabinettbild) und nur Skizzen oder Notizen der natürlichen Umgebung anzufertigen.
Eine solche Neuheit war eine „Wahl des Stils“, die der Barbizon – Schule und den ersten Impressionisten in Frankreich zugeschrieben wurde, obwohl in Italien andere Malerkreise wie die Macchiaioli zur gleichen Zeit ähnliche Vorschläge entwickelten, während in England die Mitglieder von Die Newlyn-Schule in Russland hat viele ihrer besten Landschaftsgestalter und in anderen europäischen und amerikanischen Ländern verschiedene Kolonien und Kreise gebildet, die sich auf Landschaftsmalerei spezialisiert haben.
Möglicherweise war der Schlüssel zum Erfolg und zur Popularisierung des Plenums ab den 1870er Jahren die Kommerzialisierung von Tubenbehältern für die Ölmalerei. Vor ihnen musste jeder Maler seine eigenen Farben herstellen, indem er getrocknete Pulverpigmente mit Leinsamenöl mischte. Eine andere Erfindung der gleichen Stufe war die Art der Staffelei, die auf Englisch als „französische Box-Staffelei“ bezeichnet wird, obwohl nicht mit Gewissheit festgestellt wurde, wer sie zuerst verwendete. Es bestand aus einer sehr leicht zu transportierenden Struktur mit ausziehbaren Beinen, die die Palette und den Farbkasten aufnehmen konnten; Dies ermöglichte den Malern authentische Landausflüge unter freiem Himmel und war darüber hinaus auch für den Einsatz im Studio geeignet.
Konzept
Es ist klar, dass Malerei unter freiem Himmel und Malerei im Freien dasselbe bedeuten und eine Bildtechnik beschreiben: Arbeiten aus dem Natürlichen, also in einem möglichst natürlichen Raum. Der Begriff Plenairismus scheint jedoch zu bezeichnen, dass die Praxis dieser Technik ideologische, emotionale chromatische hinzugefügt wurde. Es ist erwiesen, dass die Assyrer, die Chinesen, die Azteken und viel früher die Höhlenkünstler im Freien gemalt haben, aber es gibt keine Dokumentation über die sozialen und künstlerischen Gründe, die sie dazu veranlasst haben, oder ob sie dies getan haben waren einfach religiös, geografisch oder offensichtlich. Seit seinem Erscheinen in der Pariser Brutstätte Mitte des 19. Jahrhunderts hat der Plenarismus jedoch zu einem widersprüchlichen Begriff geführt, der unter Kritikern, Akademikern und Kunstwissenschaftlern zu Kontroversen geführt hat. und eine wilde Karte des abstrakten Gebrauchs für die überwiegende Mehrheit. In der Zwischenzeit gingen die Maler aufs Feld, um mit ihren Staffeleien und Regenschirmen zu malen, und bewegten bei vielen Gelegenheiten den nötigen Mut und ihre Modelle in die unerwartetsten Winkel der mehr oder weniger wilden Natur.
Revolutionäre
Es ist überraschend, dass verschiedene Autoren in unterschiedlichen Kontexten dem Greco of View von Toledo, dem Velázquez von zwei kleinen Landschaften der Villa Medici oder dem Van Gogh von Cafe Terrace in der Nacht, die das Bild malt, als „Landschaft pur“ präsentiert wurden natürlich mitten in der Nacht und wird durch das Platzieren von Kerzen um seinen Hut angezündet.
Vorläufer
Vor der ideologischen Anwendung der Maltechnik auf (und anderen, daher neunzehnten Terminologien) Kritiker, Bourgeois und „Fanes ‚Outdoor eine endlose Liste von Künstlern, von denen viele in erster Linie“ in situ „freiwillig und systematisch hier gemalt haben, plenairistas waren: Dürer, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa und in der Strecke, Camille Corot, Joseph Mallord William Turner und Constable.
Es scheint akzeptiert zu sein, mit Ausnahme der widerspenstigsten Chauvinisten, die im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts den Plenarismus in England geschmiedet haben, als Übung, als technische Ressource, als akademisches Rezept für die richtige Landschaftsmalerei und als synonym für «luft und licht aufsaugen». Daher war John Constable der große Vorläufer, den Spezialisten und Kritiker vorgeschlagen hatten.
Die Tatsache, dass Diderot nach einem Spaziergang durch den Pariser Saal von 1767 viele Skizzen den fertigen Gemälden vorzog, beeinträchtigt nicht den offiziellen und frontalen Kampf, den die Maler von Barbizón nach anglo-holländischer Tradition führten. Rechtfertigt wird dies durch die bereits etikettierten Volkskolonien der Plenaristen, die in den 1820er Jahren im Wald von Fontainebleau, in Saint-Cloud, in Sèvres und entlang der gesamten Küste des La Mancha-Kanals mitgemalt wurden.
Aquarelle und Reisende
Die Gründung der Watercolor Society (Society of Watercolours) im Jahr 1804 in England und die Popularisierung der Aquarellmalerei in Europa und Amerika machten diese Technik zur Königswerkstatt der reisenden Maler und „Pioniere des Plenarismus“.
Auf seiner Reise nach Marokko im Jahr 1831 zeichnet, notiert und malt Eugenio Delacroix, „ein Kabinettmaler“, der sich der Landschaftsmalerei, der professionellen Verwendung von Aquarell durch reisende Künstler und der anschließenden Moden des Plenums nicht bewusst ist, in sieben Notizbüchern mehrere tausend Aquarelle. Einige dieser natürlichen Noten würden Jahre später Leinwand werden; Zum Beispiel jüdische Hochzeiten, die im Pariser Salon von 1841 präsentiert und im Louvre aufbewahrt wurden. Ab 1820 findet die Akzeptanz der Aquarelltechnik in den ultra-akademischen Schemata von Hall, einem Markt- und Bildgeschäftskatalysator und Kunstschiedsrichter an den europäischen Gerichten der Zeit, Anwendung. 1824 hatten vier englische Künstler in dieser Halle gesiegt (möglicherweise weil sie zuvor in ihrem eigenen Land abgelehnt worden waren): Thomas Lawrence, John Constable, Copley Fielding und Richard Parkes Bonington.
Im konkreten Fall von Delacroix würden seine Entdeckungen und Überlegungen zum Verhalten des Lichts auf Objekten als Prämissen für Pointillismustheoretiker wie Seurat und Paul Signac dienen.
Umriss und fertige Arbeit
Die Reflexionen des Dichters und Kunstkritikers Charles Baudelaire nach dem Verlassen des Pariser Salons von 1845, angeregt durch die Landschaften von Corot, entlarvten den offiziellen Widerspruch, in der Studie akribisch gearbeitete Gemälde als Kunstwerke zu betrachten und spontane Skizzen als solche abzulehnen das Natürliche. Ein Widerspruch, über den jenseits der Alpen auch die Mitglieder des Malerkreises der Macchiaioli spekulierten.
Der Skandal kam, als Maler aus der ganzen Welt, angeregt durch das offensichtliche französische Vorbild, die bekanntesten und verbreitetsten, beschlossen, die vermeintlichen Skizzen als fertige Kunstwerke zu betrachten und daher zu präsentieren und zu handeln. Die Technik des Plenarismus hatte gerade den qualitativen Sprung geschafft, von dem nichts und niemand in der Zukunft wegschnappen konnte.
Picknick im Freien und Fülle am Strand
Die ländliche Idylle eines Watteaus, die pastoralen Landschaftsszenen von Claudius von Lothringen und die mehr oder weniger mythologischen oder religiösen Szenen, die von Giorgione gerahmt und manchmal in die Natur gehüllt wurden, sind offensichtlich keine vollwertigen Gemälde, aber es ist schwierig, sie zu malen Stellen Sie sich das Frühstück von Manet oder Versionen von Claude Monet vor, ohne sich an diese zu erinnern. Die Beobachtung einer solchen metaphysischen Entwicklung in der Konzeption der Malerei hilft, die Schlüssel zum Plenarismus als Schule und Revolution ohne Raum oder Zeit zu verstehen.
Aber das Landschaftsgebiet, in dem die Definition von Plenarismus die Kategorie der Malschule gewann (und sich weiterhin als solches manifestiert, bis es die Tatsache selbst imitiert hat), waren die Seeküsten (die bereits in der Intuition von Constable oder Courbet vorhanden waren) in allgemein und die Strände im Besonderen. Wie Linda Nochlin abschließt, wurde das letzte Kapitel des Realismus im Freien am Meer gemalt.
Ausbau des Plenums in Landschaftsschulen.
Aussehen
Plein Air erschien zu Beginn des 19. Jahrhunderts in England dank John Constable und Richard Parks Bonington. Der Plenerismus wird zur Grundlage der Ästhetik von Künstlern, für die Licht und Luft eigenständige Bedeutung und rein bildnerisches Interesse erlangen. Das Objekt selbst wird nicht bewusst gezeichnet, drückt sich kaum in konkreten Silhouetten aus oder verschwindet ganz. Diese Technik war bei den französischen Impressionisten sehr beliebt (damals war der Begriff Open Air weit verbreitet). Künstler wie Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir und nicht zuletzt Claude Monet haben zur Entwicklung der Freilichtmalerei beigetragen.
Das Malen in natürlichem Licht war lange bekannt und wurde hauptsächlich zum Erstellen von Skizzen verwendet. Unter den Künstlern der Barbizon-Schule und den Impressionisten erhielt diese Maltechnik jedoch ein neues Leben.
Merkmale der Freilichtmalerei
Der Impressionismus ist im Allgemeinen ein Paradebeispiel für die Arbeit des Künstlers unter freiem Himmel. Berühmter Kunstkritiker J.-L. Castagnari schrieb:
„Sie [Impressionisten] nehmen die Natur so wahr, dass sie sich als alles andere als langweilig und banal herausstellt. Ihre Malerei ist voller Leben, schnell, einfach … Sie streben nicht nach exakter Reproduktion, sondern sind begrenzt durch die allgemeine Wahrnehmung … Sie sind Impressionisten in dem Sinne, dass sie nicht die Landschaft selbst reproduzieren, sondern den dadurch hervorgerufenen Eindruck Landschaft … Sie weichen also von der Realität ab und bewegen sich vollständig in die Position des Idealismus. “
Es waren die Impressionisten, die die Etüde, die unter freiem Himmel aufgeführt wurde, zu vollwertigen, unabhängigen Gemälden erhoben haben. Impressionisten versuchten, ihre eigenen Eindrücke von der Welt so genau wie möglich zu vermitteln – um dieses Ziel zu erreichen, gaben sie die bestehenden akademischen Regeln der Malerei auf und entwickelten ihre eigene, exzellente Methode. Seine Essenz bestand darin, mit Hilfe von getrennten Strichen reiner Farben den äußeren Eindruck von Licht, Schatten und deren Reflexion auf der Oberfläche von Gegenständen zu vermitteln. Diese Methode erweckte den Eindruck einer Auflösung der Form im umgebenden Licht – Luftraum. Claude Monet schrieb über seine Arbeit:
„Mein Verdienst ist, dass ich direkt aus der Natur heraus geschrieben habe, um meine Eindrücke der instabilsten und sich verändernden Phänomene zu vermitteln.“
In der heutigen Zeit wird die Ausbildung unter freiem Himmel häufig zu einem der grundlegenden Elemente des Malunterrichts in verschiedenen künstlerischen und pädagogischen Einrichtungen und ist Teil der Malerei aus der Natur.
Geschichte
Künstler haben lange Zeit im Freien gemalt, aber in der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde die Arbeit mit natürlichem Licht für die Barbizon-Schule, die Hudson River School und die Impressionisten besonders wichtig.
Viele Künstler aus Europa treffen sich in Rom und malen im Freien. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) führt Landschaftsskizzen in Öl in Rom und Umgebung durch (im Louvre ausgestellte Werke). Als Theoretiker und Pädagoge schrieb er 1799 seinen „Rat an einen Studenten zur Malerei und insbesondere zum Genre der Landschaft 1“. Diese Praxis der „Außenmalerei“ verbreitete sich in Frankreich um die Mitte des 19. Jahrhunderts mit einigen Mitgliedern der Barbizon-Schule, wie Charles-François Daubignyor, unabhängigen Malern wie Eugène Boudin, die die zukünftigen Impressionisten maßgeblich beeinflussten ihr Meister in der Person von Edouard Manet 2.
Zitieren wir unter den ältesten Gemälden des Motivs die von Alexandre-François Desportes (1661-1743), in Öl auf Papier gemalte Skizzen. Die Motive sind Landschaften mit Darstellung der Flora und Fauna, in Vorbereitung auf Gemälde, insbesondere Jagdszenen, die für Ludwig XIV. Und Ludwig XV. Geschaffen wurden. Einige dieser Werke sind prominent im Louvre oder im Museum für Jagd und Natur in Paris vertreten. 1817 war Achille Etna Michallon (1796-1822) der erste Gewinner des „Prix de Rome pour le paysage historique“. Unter anderen Schülern hatte er Corot, der von 1825 bis 1828 eine Reihe von Landschaften vor allem in Italien schuf! Corot wird im Laufe seiner Karriere weiterhin im Freien malen, auf dem Motiv; Er war einer der Vorläufer der Barbizon-Schule, die in Fontainebleau malen wollte.
Im Jahr 1830 ermöglichte die Barbizon-Schule in Frankreich Künstlern wie Charles-François Daubigny und Théodore Rousseau, das Erscheinungsbild von Außenanlagen bei verschiedenen Licht- und Wetterbedingungen genauer darzustellen. In den späten 1800er Jahren wurde der En-Plein-Air-Ansatz in den Stil der Impressionisten integriert, und Künstler wie Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Frédéric Bazille begannen, ihre Arbeiten im Freien zu schaffen. Von Frankreich aus expandierte die Bewegung nach Amerika, beginnend in Kalifornien, und zog dann in andere amerikanische Gegenden, die für ihre natürlichen Lichtqualitäten bekannt sind, darunter das Hudson River Valley in New York.
Es ist das Ende des 19. und frühen 20. Jahrhunderts, als Außenfarben mit dem Auftreten von Farben in Tuben (1841) blühen. Diese ermöglichen es Künstlern, sich leicht zu bewegen, auch wenn sie die meiste Zeit im Studio malen. Ihr Anliegen ist es dann, die Natur im Lichte des gegenwärtigen Augenblicks so zu malen, wie sie ihnen erscheint. Die Impressionisten malen Landschaften nicht wegen ihrer malerischen Seite, sondern wegen der atmosphärischen Effekte. Dabei werden die verschiedenen Aspekte berücksichtigt, die ein Motiv je nach Lichtverhältnissen und damit den Stunden des Tages annehmen kann, daher das Erscheinungsbild der Serie (Kathedralen und Mühlensteine von Monet) ). In einer Arbeit mit dem Titel „Geschichte der impressionistischen Maler“ (Paris, veröffentlicht 1939) wird Théodore Duret insbesondere „die große Innovation der Impressionisten: Malerei im Freien“ schreiben.
Die Einstellungen innerhalb der impressionistischen Bewegung waren jedoch uneinheitlich: Degas weigerte sich aus Zeitmangel, im Freien zu malen, im Gegensatz zu Renoir, der seiner Meinung nach „tun kann, was er will“.
Nach den Impressionisten des 20. Jahrhunderts malten viele Künstler auf der ganzen Welt unter freiem Himmel. Darunter sind einige Franzosen, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin oder der Italiener Francesco Filippini. Relativ gesehen teilen die Maler des ausgehenden 20. und beginnenden 21. Jahrhunderts mit den Impressionisten den gleichen bildnerischen Ansatz: „Nämlich die Wiedergabe des Außenraums und die Wirkung, die durch die konstanten und nicht wahrnehmbaren Variationen des Lichts auf die Elemente hervorgerufen wird. Diese Künstler arbeiten an einer neuen Art zu malen, verbunden mit einer neuen Sichtweise. Für sie geht es darum, eine unmittelbare Empfindung zu transkribieren, die Lichteffekte des Himmels und des Wassers wiederzugeben, die farbigen Schwingungen ihrer sich verändernden Effekte. „(Théodore Duret, zitierte Arbeit.)
Die Macchiaioli waren eine Gruppe italienischer Maler, die in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts in der Toskana tätig waren und unter Verstoß gegen die antiquierten Konventionen der italienischen Kunstakademien viel im Freien malten, um natürliches Licht und Schatten einzufangen. und Farbe. Diese Praxis bezieht die Macchiaioli auf die französischen Impressionisten, die einige Jahre später bekannt wurden, obwohl die Macchiaioli etwas andere Zwecke verfolgten. Ihre Bewegung begann Ende der 1850er Jahre in Florenz.
Die Newlyn School in England gilt im späten 19. Jahrhundert als ein weiterer wichtiger Befürworter dieser Technik. Die Popularität der Malerei unter freiem Himmel nahm in den 1840er Jahren mit der Einführung von Farben in Tuben (wie die für Zahnpasta) zu. Zuvor stellten Maler ihre eigenen Farben her, indem sie trockene Pigmentpulver mit Leinöl mahlen und mischten.
Der Akt der Außenmalerei aus der Beobachtung ist bis in das 21. Jahrhundert hinein kontinuierlich populär geworden. Die Landschaftsmalerei ist heutzutage in der zeitgenössischen Kunst präsent. Diese Bewegung, die wir manchmal gleichgültig als „Landschaftsmalerei, Malerei auf dem Motiv, Malerei im Freien, Nomadenkunst“ bezeichnen, wird von Künstlern wie David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio Lopez García, Klauss Fussman, Vincent Bioulès und Alexandre Hollan vertreten. Besonders dynamisch ist es an der Westküste der USA mit dem California Plein-Air Revival.
Ausrüstung und Herausforderungen
Es war in der Mitte des 19. Jahrhunderts, dass die „Box Staffelei“, die typischerweise als „französische Box Staffelei“ oder „Feld Staffelei“ bekannt ist, erfunden wurde. Es ist ungewiss, wer es entwickelt hat, aber diese tragbaren Staffeleien mit den Teleskopbeinen und dem eingebauten Farbkasten und der Palette erleichterten den Weg in den Wald und die Hügel hinauf. Sie werden auch heute noch hergestellt und bleiben eine beliebte Wahl (auch für den Heimgebrauch), da sie sich auf die Größe einer Aktentasche zusammenfalten lassen und daher leicht zu verstauen sind.
Die Pochade Box ist eine kompakte Box, mit der der Künstler alle Vorräte und Paletten in der Box aufbewahren und die Arbeit auf der Innenseite des Deckels aufbewahren kann. Einige Designs erlauben eine größere Leinwand, die von im Deckel eingebauten Klammern gehalten werden kann. Es gibt Designs, die auch einige nasse Malleinwände oder -tafeln im Deckel halten können. Diese Schachteln erfreuen sich zunehmender Beliebtheit, da sie hauptsächlich zum Malen im Freien verwendet werden und auch im Studio, zu Hause oder im Klassenzimmer verwendet werden können. Da Pochade-Boxen hauptsächlich zum Malen vor Ort verwendet werden, kann die Leinwand oder Arbeitsfläche klein sein, normalerweise nicht mehr als 50 cm.
Zu den Herausforderungen zählen die Art der Farbe, die zum Malen im Freien verwendet wird, Tiere, Insekten, Zuschauer und Umgebungsbedingungen wie Wetter. Acrylfarbe kann bei warmem, sonnigem Wetter schnell aushärten und trocknen und kann nicht wiederverwendet werden. Auf der anderen Seite des Spektrums befindet sich die Herausforderung, in feuchten oder feuchten Bedingungen mit Niederschlag zu malen. Das Aufkommen der Freilichtmalerei ging der Erfindung der Acrylfarben voraus. Die traditionelle und gut eingeführte Methode, im Freien zu malen, beinhaltet die Verwendung von Ölfarbe.
Fürsprecher
Französische Impressionisten wie Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley und Pierre-Auguste Renoir sprachen sich für Freilichtmalerei aus, und ein Großteil ihrer Arbeiten wurde im diffusen Licht eines großen weißen Regenschirms im Freien ausgeführt. Claude Monet war ein begeisterter Freilichtkünstler, der zu dem Schluss kam, dass man, um die Nähe und Ähnlichkeit einer äußeren Umgebung zu einem bestimmten Zeitpunkt zu erfassen, draußen sein muss, anstatt nur eine äußere Umgebung in seinem Studio zu malen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren in Russland Maler wie Wassili Polenow, Isaac Levitan, Valentin Serow, Konstantin Korowin und IE Grabar für das Malen im Freien bekannt.
Liebhaber der Freilichtmalerei beschränkten sich jedoch nicht nur auf die Alte Welt. Auch amerikanische Impressionisten wie die der Old Lyme School waren begeisterte Maler im Freien. Zu den amerikanischen Impressionisten, die in dieser Zeit für diesen Stil bekannt waren, gehörten Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble und Arthur Hill Gilbert. In Kanada sind die Gruppe der Sieben und Tom Thomson Beispiele für Anwälte im Freien.
Setzt
Barbizon (Seine-et-Marne) wurde so zu einem der mythischen Orte der Zeit vor dem Impressionismus in Frankreich (Schule von Barbizon). Ab 1830 werden in der Tat alle Maler, die sich von der unberührten Natur inspirieren lassen, im Gasthaus Ganne willkommen geheißen, das immer noch ein Weiler von Holzfällern ist. Später teilen sie ihre Aufenthalte zwischen Barbizon und Chailly-en-Bière und finden ihre Untertanen auf dem Land oder im nahe gelegenen Wald von Fontainebleau.
Die Küste der Normandie (Le Havre, Honfleur) zieht die Impressionisten an
Die Ufer der Seine bei Argenteuil (Val-d’Oise): Monet, Sisley, dann Signac
Chatou (Yvelines), Treffen der Impressionisten und der Fauves, die Stammgäste im Restaurant La Fournaise waren
Auvers-sur-Oise (Val-d’Oise), letzte Station für Van Gogh und Pontoise, wo sich Cézanne und Pissarro niederließen
Moret-sur-Loing (Seine et Marne) und seine Kirche, deren Sisley nie müde wurde
Grez-sur-Loing, von Jean-Baptiste Corot „entdeckt“, wo sich in den 1880er Jahren eine Gemeinschaft skandinavischer Künstler niederließ (Carl Larsson und seine Frau Karin, Peder Severin Krøyer, Michael und Anna Ancher, Christian Krohg)
Der von Cezanne gefeierte Berg Sainte-Victoire