Die Geschichte der östlichen Malerei umfasst eine breite Palette von Einflüssen aus verschiedenen Kulturen und Religionen. Die Entwicklungen in der östlichen Malerei sind historisch parallel zu denen in der westlichen Malerei, im Allgemeinen einige Jahrhunderte zuvor. Afrikanische Kunst, jüdische Kunst, islamische Kunst, indische Kunst, chinesische Kunst, koreanische Kunst und japanische Kunst hatten jeweils bedeutenden Einfluss auf die westliche Kunst und umgekehrt.
Chinesische Malerei ist eine der ältesten ununterbrochenen künstlerischen Traditionen in der Welt. Die frühesten Gemälde waren nicht gegenständlich, sondern ornamental; Sie bestanden eher aus Mustern oder Designs als aus Bildern. Frühe Keramik wurde mit Spiralen, Zickzacks, Punkten oder Tieren bemalt. Erst während der Zeit der Streitenden Reiche (403-221 v. Chr.) Begannen Künstler, die Welt um sie herum zu repräsentieren. Die japanische Malerei ist eine der ältesten und raffiniertesten Künste Japans und umfasst eine große Vielfalt von Genres und Stilen. Die Geschichte der japanischen Malerei ist eine lange Geschichte der Synthese und des Wettstreits zwischen der japanischen Ästhetik und der Anpassung importierter Ideen. Die koreanische Malerei begann als eigenständige Form um 108 v. Chr. Um den Fall von Gojoseon herum und war damit eine der ältesten der Welt. Das Kunstwerk aus dieser Zeit entwickelte sich zu den verschiedenen Stilen, die die Zeit der Drei Königreiche Koreas prägten, vor allem die Gemälde und Fresken, die die Gräber der Könige von Goguryeo schmücken. Während der Drei-Reiche-Periode und während der Goryeo-Dynastie war die koreanische Malerei vor allem durch eine Kombination von koreanischen Landschaften, Gesichtszügen, buddhistischen Themen und einer Betonung der Himmelsbeobachtung gekennzeichnet, die durch die rasante Entwicklung der koreanischen Astronomie erleichtert wurde.
Ostasiatische Malerei
China, Japan und Korea haben eine starke Tradition in der Malerei, die auch der Kunst der Kalligrafie und der Druckgrafik sehr am Herzen liegt (so sehr, dass es gemeinhin als Malerei angesehen wird). Fernöstliche traditionelle Malerei zeichnet sich durch wasserbasierte Techniken, weniger Realismus, „elegante“ und stilisierte Motive, grafische Darstellungsweise, die Bedeutung von Leerraum (oder Negativraum) und eine Vorliebe für Landschaft (anstelle der menschlichen Figur) aus Gegenstand. Jenseits von Tinte und Farbe auf Seiden- oder Papierrollen war Gold auf Lack auch ein übliches Medium in bemalten ostasiatischen Kunstwerken. Obwohl Seide in der Vergangenheit ein etwas teures Medium zum Bemalen war, war die Erfindung des Papiers im 1. Jahrhundert n. Chr. Durch den Han-Hof-Eunuchen Cai Lun nicht nur ein billiges und weitverbreitetes Medium zum Schreiben, sondern auch ein billiges und weit verbreitetes Medium zum Malen (für die Öffentlichkeit zugänglicher machen).
Die Ideologien des Konfuzianismus, des Daoismus und des Buddhismus spielten in der ostasiatischen Kunst eine wichtige Rolle. Maler der mittelalterlichen Song-Dynastie wie Lin Tinggui und seine Luohan Laundering (in der Smithsonian Freer Gallery of Art) aus dem 12. Jahrhundert sind hervorragende Beispiele für buddhistische Ideen, die mit klassischen chinesischen Kunstwerken verschmolzen sind. In dem letzteren Gemälde auf Seide (Bild und Beschreibung in der Verbindung), kahlköpfige buddhistische Luohan sind in einer praktischen Einstellung des Waschens Kleidung von einem Fluss dargestellt. Das Gemälde selbst ist jedoch visuell atemberaubend, wobei der Luohan in reichen Details und hellen, undurchsichtigen Farben dargestellt wird, im Gegensatz zu einer trüben, braunen und fahlen, waldigen Umgebung. Außerdem sind die Baumkronen in wirbelnden Nebel gehüllt, was den oben erwähnten „negativen Raum“ in der Ostasiatischen Kunst darstellt.
In Japonisme bewunderten Postimpressionisten des späten 19. Jahrhunderts wie Van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec und Tonalisten wie James McNeill Whistler japanische Ukiyo-e-Künstler des frühen 19. Jahrhunderts wie Hokusai (1760-1849) und Hiroshige (1797-1849). 1858) und wurden von ihnen beeinflusst.
Chinesisches Gemälde
Die frühesten erhaltenen Beispiele chinesischer gemalter Kunstwerke stammen aus der Zeit der Streitenden Reiche (481 – 221 v. Chr.), Mit Gemälden auf Seiden- oder Grabmalereien auf Stein, Ziegeln oder Steinen. Sie waren oft in vereinfachter stilisierter Form und in mehr oder weniger rudimentären geometrischen Mustern. Sie stellten oft mythologische Kreaturen, häusliche Szenen, Arbeitsszenen oder palastartige Szenen dar, die mit Beamten am Hof gefüllt waren. Kunstwerke während dieser Periode und der darauf folgenden Qin-Dynastie (221-207 v. Chr.) Und der Han-Dynastie (202 v. Chr. – 220 n. Chr.) Wurden nicht als Mittel an und für sich oder für einen höheren persönlichen Ausdruck hergestellt; vielmehr wurden Kunstwerke geschaffen, um Bestattungsriten, Darstellungen von mythologischen Gottheiten oder Geister von Vorfahren usw. zu symbolisieren und zu ehren. Gemälde auf Seide von Hofbeamten und häuslichen Szenen konnten während der Han-Dynastie zusammen mit Szenen von Männern gefunden werden, die zu Pferd jagten oder teilnahmen Militärparade. Es gab auch Malerei auf dreidimensionalen Kunstwerken wie Figuren und Statuen, wie die original bemalten Farben, die die Soldaten- und Pferdestatuen der Terrakotta-Armee bedecken. Während des sozialen und kulturellen Klimas der alten Östlichen Jin-Dynastie (316 – 420 n. Chr.) Mit Sitz in Nanjing im Süden, wurde das Malen zu einem der offiziellen Spiele der von Konfuzianern gelehrten bürokratischen Beamten und Aristokraten (zusammen mit der Musik der Guqin-Zither). schreibe phantasievolle Kalligraphie, und schreibe und rezitiere Poesie). Malerei wurde zu einer geläufigen Form künstlerischer Selbstdarstellung, und während dieser Zeit wurden die Maler am Hof oder in den sozialen Elitekreisen von Gleichaltrigen beurteilt und bewertet.
Die Etablierung der klassischen chinesischen Landschaftsmalerei ist weitgehend dem östlichen Jin-Dynastie-Künstler Gu Kaizhi (344 – 406 n. Chr.) Zu verdanken, einem der berühmtesten Künstler der chinesischen Geschichte. Wie die länglichen Scrollszenen von Kaizhi, Tang-Dynastie (618 – 907 n. Chr.), Malten chinesische Künstler wie Wu Daozi lebhafte und sehr detaillierte Kunstwerke auf langen horizontalen Handrollen (die während der Tang sehr populär waren), wie seine Achtzig Sieben Himmlischen. Gemalte Kunstwerke während der Tang-Zeit betrafen die Auswirkungen einer idealisierten Landschaft mit einer geringen Anzahl von Objekten, Personen oder Aktivitäten sowie monochromatischer Natur (Beispiel: die Wandmalereien von Price Yides Grab im Qianling-Mausoleum). Es gab auch Figuren wie den frühen Maler der Tang-Dynastie Zhan Ziqian, der großartige Landschaftsgemälde malte, die seinem Tag in der Darstellung des Realismus weit voraus waren. Die Landschaftskunst erreichte jedoch bis zur Zeit der Fünf Dynastien und Zehn Königreiche (907 – 960 n. Chr.) Kein höheres Maß an Reife und Realismus. Während dieser Zeit gab es außergewöhnliche Landschaftsmaler wie Dong Yuan (siehe diesen Artikel für ein Beispiel seiner Kunstwerke), und diejenigen, die lebendigere und realistischere Darstellungen von häuslichen Szenen malten, wie Gu Hongzhong und seine Night Revel von Han Xizai.
Während der chinesischen Song – Dynastie (960 – 1279 n. Chr.) Wurde nicht nur die Landschaftskunst verbessert, sondern auch die Porträtmalerei wurde standardisierter und anspruchsvoller als zuvor (siehe zB Kaiser Huizong von Song) und erreichte ihre klassische Reife während der Ming-Dynastie (1368 – 1644). Während des späten 13. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 14. Jahrhunderts durften Chinesen unter der mongolisch kontrollierten Yuan-Dynastie keine höheren Regierungsämter betreten (reserviert für Mongolen oder andere ethnische Gruppen aus Zentralasien), und die kaiserliche Prüfung wurde eingestellt Vorerst. Viele konfuzianisch gebildete Chinesen, die nun keinen Beruf mehr hatten, wandten sich stattdessen den Künsten der Malerei und des Theaters zu, da die Yuan-Zeit zu einer der lebendigsten und reichsten Epochen für chinesische Kunstwerke wurde. Ein Beispiel dafür wäre Qian Xuan (1235-1305 AD), der ein Beamter der Song-Dynastie war, sich aber aus Patriotismus weigerte, dem Yuan-Hof zu dienen und sich der Malerei zu widmen. Beispiele für hervorragende Kunst aus dieser Zeit sind die reichen und detaillierten Wandmalereien des Yongle-Palastes, oder „Dachunyang Longevity Palace“ von 1262 n. Chr., Ein UNESCO-Weltkulturerbe. Innerhalb des Palastes erstrecken sich die Gemälde auf einer Fläche von mehr als 1000 Quadratmetern und enthalten meist daoistische Themen. Es war während der Song-Dynastie, dass Maler sich auch in sozialen Clubs oder Versammlungen versammelten, um ihre Kunst oder die Kunstwerke anderer zu diskutieren, deren Lobpreisungen oft zu Überzeugungen führten, um wertvolle Kunstwerke zu tauschen und zu verkaufen. Es gab jedoch auch viele harte Kritiker anderer Kunst, die den Unterschied in Stil und Geschmack unter den verschiedenen Malern zeigten. Im Jahr 1088 schrieb der Gelehrte und Staatsmann Shen Kuo einmal über das Kunstwerk eines Li Cheng, den er wie folgt kritisierte:
… Dann war da noch Li Cheng, der, wenn er Pavillons und Lodges inmitten von Bergen, stöckigen Gebäuden, Pagoden und dergleichen darstellte, immer die Traufe von unten her malte. Seine Idee war, dass „man von unten nach oben schauen sollte, so wie ein Mann, der auf ebenem Boden steht und zu den Dachtraufen einer Pagode hinaufblickt, seine Dachsparren und seine freitragenden Dachsparren sehen kann“. Das ist alles falsch. Im Allgemeinen ist es die richtige Art, eine Landschaft zu malen, um das Kleine vom Standpunkt des Großen zu sehen … so wie man künstliche Berge in Gärten betrachtet (wenn man herumläuft). Wenn man (Li’s Methode) auf das Gemälde von echten Bergen anwendet, von unten zu ihnen aufblickt, kann man nur ein Profil nach dem anderen sehen, und nicht den Reichtum ihrer unzähligen Hänge und Profile, ganz zu schweigen von allem, was geht in den Tälern und Schluchten und in den Gassen und Höfen mit ihren Wohnungen und Häusern. Wenn wir östlich eines Berges stehen, wären seine westlichen Teile auf der verschwindenden Grenze weit entfernter Entfernungen und umgekehrt. Das könnte man doch nicht als gelungenes Gemälde bezeichnen. Herr Li verstand das Prinzip, das Kleine vom Standpunkt des Großen zu sehen, nicht. Er war sicherlich wunderbar darin, Höhen und Entfernungen genau zu vermindern, aber sollte man den Winkeln und Ecken von Gebäuden so wichtig sein?
Obwohl hohe Stilisierung, mystische Anziehungskraft und surreale Eleganz oft dem Realismus (wie im Shan Shui Stil) vorgezogen wurden, gab es zu Beginn der mittelalterlichen Song-Dynastie viele chinesische Maler, die damals und nachher wirklichkeitsgetreue Naturszenen darstellten. Spätere Ming-Dynastie-Künstler nahmen nach dieser Song-Dynastie Nachdruck für komplizierte Details und Realismus auf Objekten in der Natur, besonders in Darstellungen von Tieren (wie Enten, Schwäne, Spatzen, Tiger, etc.) zwischen Flecken von bunten Blumen und Dickicht der Bürste und Holz (ein gutes Beispiel wäre die anonyme Ming-Dynastie Malerei Vögel und Pflaumenblüten, in der Freer Gallery des Smithsonian Museum in Washington, DC untergebracht). Es gab viele bekannte Künstler der Ming-Dynastie; Qiu Ying ist ein hervorragendes Beispiel für einen bedeutenden Maler der Ming-Ära (der auch zu seinen Lebzeiten berühmt war), der in seinen Kunstwerken häusliche Szenen, geschäftige palastartige Szenen und Naturszenen von Flusstälern und von Nebel und wirbelnden Wolken verhüllten, durchtränkten Bergen verwendet. Während der Ming-Dynastie gab es auch verschiedene und rivalisierende Kunstschulen, die mit der Malerei verbunden waren, wie die Wu-Schule und die Zhe-Schule.
Die klassische chinesische Malerei setzte sich bis in die frühe moderne Qing-Dynastie mit sehr realistischen Porträtgemälden fort, wie sie in der späten Ming-Dynastie des frühen 17. Jahrhunderts zu sehen waren. Die Porträts des Kaisers Kangxi, des Kaisers Yongzheng und des Kaisers Qianlong sind hervorragende Beispiele für realistische chinesische Porträtmalerei. Während der Regierungszeit Qianlongs und des fortwährenden 19. Jahrhunderts hatten die europäischen Barockstile der Malerei spürbaren Einfluss auf die chinesischen Porträtgemälde, insbesondere mit den gemalten visuellen Effekten der Beleuchtung und Schattierung. Ebenso wurden ostasiatische Gemälde und andere Kunstwerke (wie Porzellan und Lackwaren) in Europa seit dem ersten Kontakt im 16. Jahrhundert sehr geschätzt.
Japanische Malerei
Japanische Malerei (絵 画) ist eine der ältesten und raffiniertesten japanischen Künste, die eine große Vielfalt an Genres und Stilen umfasst. Wie bei den japanischen Künsten im Allgemeinen entwickelte sich die japanische Malerei durch eine lange Geschichte der Synthese und des Wettbewerbs zwischen der japanischen Ästhetik und der Anpassung importierter Ideen. Ukiyo-e, oder „Bilder der schwebenden Welt“, ist eine Gattung japanischer Holzschnitte (oder „Holzschnitte“) und Gemälden, die zwischen dem 17. und 20. Jahrhundert entstanden und Motive von Landschaften, Theater und Kurtisanenbezirken aufweisen. Es ist das wichtigste künstlerische Genre des japanischen Holzschnitts. Die japanische Druckgrafik, insbesondere aus der Edo-Zeit, übte einen enormen Einfluss auf die französische Malerei im 19. Jahrhundert aus.
Koreanische Malerei
Die koreanische Malerei begann als eigenständige Form um 108 v. Chr. Um den Fall von Gojoseon herum und war damit eine der ältesten der Welt. Das Kunstwerk aus dieser Zeit entwickelte sich zu den verschiedenen Stilen, die die Zeit der Drei Königreiche Koreas prägten, vor allem die Gemälde und Fresken, die die Gräber der Könige von Goguryeo schmücken. Während der Drei-Reiche-Periode und während der Goryeo-Dynastie war die koreanische Malerei vor allem durch eine Kombination von koreanischen Landschaften, Gesichtszügen, buddhistischen Themen und einer Betonung der Himmelsbeobachtung gekennzeichnet, die durch die rasante Entwicklung der koreanischen Astronomie erleichtert wurde. Erst in der Joseon-Dynastie begannen konfuzianische Themen in koreanischen Gemälden Fuß zu fassen, die in Harmonie mit indigenen Aspekten verwendet wurden.
Die Geschichte der koreanischen Malerei wurde durch die Verwendung monochromatischer Arbeiten mit schwarzer Pinselführung, oft auf Maulbeerpapier oder Seide, charakterisiert. Dieser Stil ist offensichtlich in „Min-Hwa“, oder bunte Volkskunst, Grabmalereien, und rituellen und Festkunst, die beide eine umfangreiche Verwendung von Farbe enthalten.
Südasiatische Malerei
Indische Malerei
Indische Malereien drehten sich historisch um die religiösen Gottheiten und Könige. Indische Kunst ist eine Sammelbezeichnung für verschiedene Kunstschulen, die auf dem indischen Subkontinent existierten. Die Gemälde variierten von großen Fresken von Ajanta über die komplizierten Mughal-Miniaturgemälde bis hin zu den mit Metall verzierten Werken der Tanjore-Schule. Die Gemälde von Gandhar-Taxila sind von den persischen Arbeiten im Westen beeinflusst. Der östliche Malstil wurde meist um die Kunstschule Nalanda herum entwickelt. Die Arbeiten sind meist von verschiedenen Szenen aus der indischen Mythologie inspiriert.
Geschichte
Die frühesten indischen Malereien waren die Felsmalereien der prähistorischen Zeit, die Petroglyphen, wie sie in den Felshöhlen von Bhimbetka gefunden wurden, und einige von ihnen sind älter als 5500 v. Solche Arbeiten gingen weiter und nach mehreren Jahrtausenden, im 7. Jahrhundert, stellten geschnitzte Säulen von Ajanta, Maharashtra-Staat, ein feines Beispiel der indischen Malereien dar, und die Farben, meist verschiedene Schattierungen von Rot und Orange, wurden von Mineralien abgeleitet.
Ajanta Caves in Maharashtra, Indien, sind Felsenhöhlenmonumente aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. Und enthalten Gemälde und Skulpturen, die als Meisterwerke buddhistischer religiöser Kunst und universeller Bildkunst gelten.
Madhubani-Malerei
Madhubani-Malerei ist ein Stil der indischen Malerei, der in der Mithila-Region des indischen Bundesstaates Bihar praktiziert wird. Die Ursprünge der Madhubani-Malerei sind in der Antike verborgen.
Rajput Malerei
Rajput Malerei, ein Stil der indischen Malerei, entwickelte und florierte im 18. Jahrhundert in den königlichen Höfen von Rajputana, Indien. Jedes Königreich der Rajputen entwickelte einen eigenen Stil, aber mit gewissen Gemeinsamkeiten. Rajput-Gemälde zeigen eine Reihe von Themen, Ereignisse von Epen wie Ramayana und Mahabharata, Krishnas Leben, wunderschöne Landschaften und Menschen. Miniaturen waren das bevorzugte Medium der Rajput-Malerei, aber einige Manuskripte enthalten auch Rajput-Gemälde, und Gemälde wurden sogar an den Wänden von Palästen, Innenkammern der Forts, Havelies, insbesondere den Havelis von Shekhawait gemacht.
Die Farben, die aus bestimmten Mineralien, Pflanzenquellen, Muschelschalen und sogar durch Verarbeitung von Edelsteinen, Gold und Silber gewonnen wurden, wurden verwendet. Die Herstellung der gewünschten Farben war ein langwieriger Prozess, der manchmal Wochen dauerte. Bürsten waren sehr gut.
Mughal-Malerei
Die Mughal-Malerei ist ein besonderer Stil der indischen Malerei, der im Allgemeinen auf Illustrationen auf dem Buch beschränkt und in Miniaturen ausgeführt wurde und während der Zeit des Mogulreichs im 16.-19. Jahrhundert entstand, sich entwickelte und Gestalt annahm.
Tanjore-Malerei
Tanjore-Malerei ist eine wichtige Form der klassischen südindischen Malerei aus der Stadt Tanjore in Tamil Nadu. Die Kunstform geht auf das frühe 9. Jahrhundert zurück, eine Periode, die von den Chola-Herrschern dominiert wurde, die Kunst und Literatur förderten. Diese Gemälde sind für ihre Eleganz, satte Farben und Liebe zum Detail bekannt. Die Themen für die meisten dieser Gemälde sind hinduistische Götter und Göttinnen und Szenen aus der hinduistischen Mythologie. In der heutigen Zeit sind diese Gemälde zu einem begehrten Souvenir bei festlichen Anlässen in Südindien geworden.
Der Prozess der Herstellung eines Tanjore-Gemäldes beinhaltet viele Stufen. In der ersten Phase wird die vorläufige Skizze des Bildes auf der Basis erstellt. Die Basis besteht aus einem Tuch, das auf einen Holzfuß geklebt wird. Danach wird Kreidepulver oder Zinkoxid mit wasserlöslichem Kleber vermischt und auf den Untergrund aufgetragen. Um die Basis glatter zu machen, wird manchmal ein mildes Schleifmittel verwendet. Nach dem Zeichnen wird die Dekoration des Schmucks und der Kleidung im Bild mit Halbedelsteinen ausgeführt. Schnürsenkel oder Fäden werden auch verwendet, um den Schmuck zu schmücken. Darüber hinaus sind die Goldfolien eingeklebt. Schließlich werden Farbstoffe verwendet, um den Figuren in den Gemälden Farben hinzuzufügen.
Die Madras Schule
Während der britischen Herrschaft in Indien fand die Krone heraus, dass Madras einige der talentiertesten und intellektuellsten Köpfe der Welt hatte. Da die Briten in und um Madras eine riesige Siedlung errichtet hatten, wurde Georgetown ausgewählt, ein Institut zu gründen, das den künstlerischen Erwartungen der königlichen Familie in London gerecht werden sollte. Dies wurde als Madras Schule bekannt. Zuerst wurden traditionelle Künstler eingesetzt, um exquisite Möbel, Metallarbeiten und Kuriositäten herzustellen, und ihre Arbeit wurde an die königlichen Paläste der Königin geschickt.
Anders als in der bengalischen Schule, wo „Kopieren“ die Norm des Unterrichts ist, blüht die Madras Schule auf, indem sie neue Stile, Argumente und Trends „kreiert“.
Die Bengalische Schule
Die bengalische Kunstschule war ein einflussreicher Kunststil, der während des britischen Raj im frühen 20. Jahrhundert in Indien aufblühte. Es wurde mit dem indischen Nationalismus in Verbindung gebracht, wurde aber auch von vielen britischen Kunstverwaltungen gefördert und unterstützt.
Die Bengal School entstand als eine avantgardistische und nationalistische Bewegung, die gegen die akademischen Kunststile, die in Indien sowohl von indischen Künstlern wie Raja Ravi Varma als auch an britischen Kunstschulen vorangetrieben wurden, reagierte. Nach dem weit verbreiteten Einfluss indischer spiritueller Ideen im Westen versuchte der britische Kunstlehrer Ernest Bilfield Havel, die Lehrmethoden an der Kalkutta School of Art zu reformieren, indem er Studenten ermutigte, Mughal-Miniaturen nachzuahmen. Dies führte zu einer immensen Kontroverse, die zu einem Streik von Studenten und Beschwerden der lokalen Presse führte, einschließlich von Nationalisten, die dies als rückschrittlich betrachteten. Havel wurde von dem Künstler Abanindranath Tagore, einem Neffen des Dichters Rabindranath Tagore, unterstützt. Tagore malte eine Reihe von Werken, die von der Mughal-Kunst beeinflusst waren, ein Stil, den er und Havel im Gegensatz zum „Materialismus“ des Westens als Ausdruck der ausgeprägten spirituellen Qualitäten Indiens ansahen. Tagores bekanntestes Gemälde, Bharat Mata (Mutter Indien), stellte eine junge Frau dar, die in der Art hinduistischer Gottheiten mit vier Armen dargestellt ist und Gegenstände hält, die symbolisch für Indiens nationale Bestrebungen stehen. Tagore versuchte später, Verbindungen zu japanischen Künstlern aufzubauen, um ein panasiatisches Kunstmodell zu schaffen.
Der Einfluss der bengalischen Schule in Indien nahm mit der Verbreitung der modernistischen Ideen in den 1920er Jahren ab. In der Zeit nach der Unabhängigkeit zeigten indische Künstler eine größere Anpassungsfähigkeit, da sie sich frei von europäischen Stilen lehnten und sie frei mit den indischen Motiven zu neuen Kunstformen verschmelzen ließen. Während Künstler wie Francis Newton Souza und Tyeb Mehta westlicher waren, gab es andere wie Ganesh Pyne und Maqbool Fida Husain, die durchaus einheimische Arbeitsstile entwickelten. Heute, nach dem Prozess der Marktliberalisierung in Indien, erfahren die Künstler mehr Aufmerksamkeit in der internationalen Kunstszene, die ihnen hilft, mit neueren Kunstformen aufzutauchen, die bisher in Indien nicht zu sehen waren. Jitish Kallat war in den späten 1990er Jahren mit seinen Bildern, die sowohl modern als auch jenseits des Geltungsbereichs der allgemeinen Definition waren, berühmt geworden. Aber während Künstler in Indien im neuen Jahrhundert neue Stile, Themen und Metaphern ausprobieren, wäre es nicht möglich gewesen, solch eine schnelle Anerkennung ohne die Hilfe der Geschäftshäuser zu bekommen, die jetzt in den Kunstbereich eintreten, wie sie es nie zuvor getan hatten .
Moderne indische Malerei
Amrita Sher-Gil war eine indische Malerin, die manchmal als Frida Kahlo Indiens bekannt ist und heute als eine bedeutende Frauenmalerin des Indien des 20. Jahrhunderts angesehen wird, deren Vermächtnis dem der Meister der bengalischen Renaissance entspricht. Sie ist auch die „teuerste“ Frauenmalerin Indiens.
Heute gehört sie zu den Neun Meistern, deren Arbeit 1976 und 1979 von The Archaeological Survey of India zu Kunstschätzen erklärt wurde. Über 100 ihrer Gemälde sind heute in der National Gallery of Modern Art in Neu-Delhi zu sehen.
Während der Kolonialzeit begannen westliche Einflüsse die indische Kunst zu beeinflussen. Einige Künstler entwickelten einen Stil, der westliche Ideen von Komposition, Perspektive und Realismus benutzte, um indische Themen zu illustrieren. Andere, wie Jamini Roy, ließen sich bewusst von der Volkskunst inspirieren.
Zur Zeit der Unabhängigkeit im Jahr 1947 gewährten mehrere Kunstschulen in Indien Zugang zu modernen Techniken und Ideen. Galerien wurden eingerichtet, um diese Künstler zu präsentieren. Moderne indische Kunst zeigt typischerweise den Einfluss westlicher Stile, wird aber oft von indischen Themen und Bildern inspiriert. Große Künstler gewinnen zunehmend internationale Anerkennung, zunächst in der indischen Diaspora, aber auch bei nicht-indischen Zuhörern.
Die Progressive Artists ‚Group, die kurz nach der Unabhängigkeit Indiens im Jahr 1947 gegründet wurde, sollte neue Wege eröffnen, Indien in der postkolonialen Ära auszudrücken. Die Gründer waren sechs bedeutende Künstler – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza und FN Souza. Obwohl die Gruppe 1956 aufgelöst wurde, beeinflusste sie tiefgreifend die Sprache der indischen Kunst. Fast alle großen Künstler Indiens in den 1950er Jahren waren mit der Gruppe verbunden. Einige von denen, die heute bekannt sind, sind Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta und Akbar Padamsee. Andere berühmte Maler wie Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran und Bijon Choudhuri bereicherten die Kunstkultur Indiens. Sie sind zu Ikonen der modernen indischen Kunst geworden. Kunsthistoriker wie Prof. Rai Anand Krishna haben auch auf Werke moderner Künstler Bezug genommen, die das indische Ethos widerspiegeln. Geeta Vadhera hat viel Lob dafür bekommen, dass sie komplexe indische spirituelle Themen wie Sufi-Gedanken, Upanishaden und Bhagwad Geeta auf die Leinwand übertragen hat.
Die indische Kunst wurde durch die wirtschaftliche Liberalisierung des Landes seit den frühen 1990er Jahren angekurbelt. Künstler aus verschiedenen Bereichen brachten nun unterschiedliche Arbeitsstile ein. In der Zeit nach der Liberalisierung Indiens haben sich viele Künstler auf dem internationalen Kunstmarkt etabliert, wie der abstrakte Maler Natvar Bhavsar, der figurative Künstler Devajyoti Ray und der Bildhauer Anish Kapoor, deren postminimalistische Mammutwerke wegen ihrer Größe Aufmerksamkeit erregt haben. Viele Kunsthäuser und Galerien haben auch in den USA und Europa eröffnet, um indische Kunstwerke zu präsentieren.
Filipino-Malerei
Die philippinische Malerei als Ganzes kann als eine Verschmelzung vieler kultureller Einflüsse angesehen werden, obwohl sie in ihrer gegenwärtigen Form eher westlich mit östlichen Wurzeln ist.
Frühe Filipino Malerei kann in rotem Slip (Ton mit Wasser gemischt) Designs auf der rituellen Keramik der Philippinen, wie die gefeierten Manunggul Jar verschönert gefunden werden. In der Sanga-sanga Höhle, Sulu und Laurente Höhle, Cagayan, wurde der Nachweis einer philippinischen Töpferkunst seit 6000 v. Chr. Gefunden. Es wurde nachgewiesen, dass um 5000 v. Chr. Im ganzen Land Keramik hergestellt wurde. Frühe Filipinos begannen, Keramik vor ihren kambodschanischen Nachbarn und ungefähr zur gleichen Zeit wie die Thais als Teil einer weit verbreiteten Entwicklung der Töpfertechnologie im Eiszeitalter herzustellen. Weitere Zeugnisse der Malerei zeigen sich in der Tätowiertradition der frühen Filipinos, die der portugiesische Entdecker Pintados oder die „Painted People“ der Visayas nannte. Verschiedene Designs, die Flora und Fauna mit Himmelskörpern verbinden, schmücken ihre Körper in verschiedenen farbigen Pigmentierungen. Vielleicht können einige der aufwendigsten Gemälde der frühen Filipinos, die bis heute erhalten sind, unter den Künsten und der Architektur der Maranao manifestiert werden, die für die Nāga Dragons und die Sarimanok bekannt sind, die in der wunderschönen Panolong ihrer Torogan gemeißelt und bemalt sind oder Königshaus.
Filipinos begannen, Gemälde in der europäischen Tradition während der Spanischen Periode des 17. Jahrhunderts zu schaffen. Die frühesten dieser Gemälde waren Kirchenfresken, religiöse Bilder aus biblischen Quellen sowie Stiche, Skulpturen und Lithographien mit christlichen Ikonen und europäischem Adel. Die meisten Gemälde und Skulpturen zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert erzeugten eine Mischung aus religiösen, politischen und Landschaftskunstwerken mit Qualitäten von Süße, Dunkelheit und Licht. Frühe modernistische Maler wie Damián Domingo wurden mit religiösen und weltlichen Gemälden assoziiert. Die Kunst von Juan Luna und Félix Hidalgo zeigte einen Trend zur politischen Aussage. Künstler wie Fernando Amorsolo verwendeten die Postmoderne, um Gemälde zu malen, die die philippinische Kultur, Natur und Harmonie illustrieren. Während andere Künstler wie Fernando Zóbel Realitäten und Abstraktes in seiner Arbeit verwendeten.
Islamische Malerei
Die Darstellung von Menschen, Tieren oder anderen bildlichen Themen ist im Islam verboten, um Gläubige vom Götzendienst abzuhalten, so dass es keine religiös motivierte Malerei (oder Skulptur) in der muslimischen Kultur gibt. Pictorial Aktivität wurde reduziert auf Arabesque, vor allem abstrakt, mit geometrischen Konfiguration oder floralen und pflanzlichen Mustern. Stark mit der Architektur und Kalligraphie verbunden, kann es weithin als für die Malerei von Fliesen in Moscheen oder in Illuminationen um den Koran-Text und andere Bücher verwendet gesehen werden. In der Tat ist die abstrakte Kunst keine Erfindung der modernen Kunst, sondern ist in vorklassischen, barbarischen und nicht-westlichen Kulturen viele Jahrhunderte vor ihr präsent und ist im Wesentlichen eine dekorative oder angewandte Kunst. Der bemerkenswerte Illustrator MC Escher wurde von dieser geometrischen und musterbasierten Kunst beeinflusst. Art Nouveau (Aubrey Beardsley und der Architekt Antonio Gaudí) führten abstrakte Blumenmuster in die westliche Kunst ein.
Beachten Sie, dass einige muslimische Länder trotz des Tabus der gegenständlichen Visualisierung eine reiche Tradition in der Malerei kultivierten, wenn auch nicht als eigenständige, sondern als Begleiter des geschriebenen Wortes. Iranische oder persische Kunst, weithin als persische Miniatur bekannt, konzentriert sich auf die Darstellung von epischen oder romantischen Werken der Literatur. Persische Illustratoren vermieden bewusst die Verwendung von Schattierung und Perspektive, obwohl sie in ihrer vorislamischen Geschichte vertraut waren, um der Regel zu folgen, keine lebensechte Illusion der realen Welt zu schaffen. Ihr Ziel war nicht, die Welt so darzustellen, wie sie ist, sondern Bilder einer idealen Welt von zeitloser Schönheit und perfekter Ordnung zu schaffen.
In der Gegenwart folgt die Malerei von Kunststudenten oder professionellen Künstlern in arabischen und nicht-arabischen muslimischen Ländern den gleichen Tendenzen westlicher Kulturkunst.
Ich rannte
Der Orientalische Historiker Basil Grey glaubt, dass „der Iran eine besonders einzigartige Kunst angeboten hat, die in ihrer Art hervorragend ist“. Höhlen in der iranischen Provinz Lorestan zeigen gemalte Bilder von Tieren und Jagdszenen. Einige wie die in der Provinz Fars und Sialk sind mindestens 5.000 Jahre alt. Es wird angenommen, dass die Malerei im Iran während der Tamerlan-Ära ihren Höhepunkt erreicht hat, als herausragende Meister wie Kamaleddin Behzad einen neuen Malstil hervorbrachten.
Gemälde der Qajar-Zeit sind eine Kombination aus europäischen Einflüssen und safawidischen Miniaturschulen der Malerei, wie sie von Reza Abbasi und klassischen Werken von Mihr ‚Ali eingeführt wurden. Meister wie Kamal-ol-molk haben den europäischen Einfluss im Iran weiter vorangetrieben. Es war während der Qajar-Ära, als „Coffee House painting“ entstand. Fächer dieses Stils waren oft religiöser Natur und zeigten Szenen aus Schia-Epen und ähnlichem.