Die altniederländische Malerei bezieht sich auf die Werke von Künstlern, die manchmal als die flämischen Primitiven bekannt sind, die in der burgundischen und habsburgischen Niederlande während der Renaissance des 15. und 16. Jahrhunderts tätig waren; besonders in den blühenden Städten Brügge, Gent, Tournai und Brüssel. Ihre Arbeiten folgen dem internationalen Gotikstil und beginnen etwa mit Robert Campin und Jan van Eyck in den frühen 1420er Jahren. Es dauert zumindest bis zum Tod von Gerard David 1523, obwohl viele Gelehrte bis zum Beginn des niederländischen Aufstandes 1566 oder 1568 (Max J Friedländers umjubelte Umfragen durch Pieter Bruegel d.Ä.). Die frühniederländische Malerei fällt mit der frühen und hohen italienischen Renaissance zusammen, gilt aber als eigenständige, von der Renaissance getrennte Kunstkultur Humanismus, der die Entwicklung in Italien charakterisierte Da diese Maler den Höhepunkt des nordeuropäischen künstlerischen Erbes und die Einbeziehung der Ideale der Renaissance darstellen, werden sie manchmal sowohl der Frührenaissance als auch der Spätgotik zugerechnet

Zu den bedeutendsten niederländischen Malern gehören Campin, van Eyck, Rogier van der Weyden, Dieric Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes und Hieronymus Bosch. Diese Künstler machten bedeutende Fortschritte in der natürlichen Darstellung und im Illusionismus, und ihre Arbeiten zeichnen sich typischerweise durch komplexe Ikonographie aus Themen sind normalerweise religiöse Szenen oder kleine Porträts, mit narrativer Malerei oder mythologischen Themen, die relativ selten sind. Landschaft ist oft reich beschrieben, aber vor dem frühen 16. Jahrhundert als Hintergrund Detail verbannt Die gemalten Arbeiten sind in der Regel Öl auf Tafel, entweder als einzelne Werke oder komplexer tragbare oder feststehende Altarbilder in Form von Diptychen, Triptychen oder Polyptychien. Die Zeit ist auch für seine Skulpturen, Wandteppiche, illuminierten Handschriften, Glasmalereien und geschnitzten Altaraufsätze bekannt

Die ersten Generationen von Künstlern waren während des Höhepunkts des burgundischen Einflusses in Europa aktiv, als die Niederlande das politische und wirtschaftliche Zentrum Nordeuropas wurden, bekannt für seine Handwerks- und Luxusgüter. Unterstützt durch das Werkstattsystem wurden Paneele und eine Vielzahl von Handwerken hergestellt verkauft an ausländische Fürsten oder Kaufleute durch privates Engagement oder Marktstände Eine Mehrheit wurde während der Wellen des Ikonoklasmus im 16. und 17. Jahrhundert zerstört; heute überleben nur noch ein paar tausend Exemplare Die frühe Kunst des Nordens im Allgemeinen wurde vom frühen 17. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts nicht besonders geschätzt, und die Maler und ihre Werke waren bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts kaum dokumentiert Zuschreibungen, Studium der Ikonographie und Etablierung von kahlen Umrissen sogar der Leben der großen Künstler. Die Zuschreibung einiger der bedeutendsten Werke wird immer noch diskutiert

Der Begriff „Früh Niederländische Kunst“ bezieht sich weitgehend auf Maler, die im 15. und 16. Jahrhundert in den nordeuropäischen Gebieten der Herzöge von Burgund und später der Habsburger Dynastie tätig waren. Diese Künstler wurden zu einer frühen treibenden Kraft hinter der nördlichen Renaissance und der Abkehr von Der gotische Stil In diesem politischen und kunsthistorischen Kontext folgt der Norden den burgundischen Gebieten, die sich über Teile des heutigen Frankreichs, Deutschlands, Belgiens und der Niederlande erstrecken.

Die niederländischen Künstler waren unter einer Vielzahl von Begriffen bekannt. „Spätgotik“ ist eine frühe Bezeichnung, die Kontinuität mit der Kunst des Mittelalters betont. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die Künstler auf Englisch als die „Gent-Brügge-Schule“ bezeichnet „oder die“ Old Netherlandish Schule „“ Flemish Primitives „ist ein traditioneller kunsthistorischer Ausdruck aus den französischen Primiflamands, der nach der berühmten Ausstellung in Brügge im Jahr 1902 populär wurde und heute noch in Gebrauch ist, besonders in Niederländisch und Deutsch In diesem Zusammenhang „primitiv“ bezieht sich nicht auf einen vermeintlichen Mangel an Kultiviertheit, sondern identifiziert die Künstler als Urheber einer neuen Malereitradition Erwin Panofsky bevorzugte den Begriff ars nova („neue Kunst“), der die Bewegung mit innovativen Komponisten der Musik verband wie Guillaume Dufay und Gilles Binchois, die vom burgundischen Hof über die an den prunkvollen französischen Hof angeschlossenen Künstler bevorzugt wurden, als die burgundischen Herzöge Machtzentren in die Niederlande, sie brachten eine kosmopolitischere Perspektive Nach Otto Pächt begann eine gleichzeitige Verlagerung der Kunst irgendwann zwischen 1406 und 1420, als eine „Revolution in der Malerei stattfand“; es entstand eine „neue Schönheit“ in der Kunst, die eher die sichtbare als die metaphysische Welt darstellt.

Terminologie und Umfang
Der Begriff „Niederländische Frühkunst“ bezieht sich weitgehend auf Maler, die im 15. und 16. Jahrhundert in den nordeuropäischen Gebieten der Herzöge von Burgund und später der Habsburger Dynastie tätig waren. Diese Künstler wurden zu einer frühen treibenden Kraft hinter der nördlichen Renaissance und der Abkehr vom gotischen Stil. In diesem politischen und kunsthistorischen Kontext folgt der Norden den burgundischen Gebieten, die Teile des heutigen Frankreichs, Deutschlands, Belgiens und der Niederlande umfassen.

Die niederländischen Künstler waren unter verschiedenen Begriffen bekannt. „Spätgotik“ ist eine frühe Bezeichnung, die Kontinuität mit der Kunst des Mittelalters betont. Im frühen 20. Jahrhundert wurden die Künstler auf Englisch oft als „Gent-Brügge-Schule“ oder „Old Netherlandish School“ bezeichnet. „Flemish Primitives“ ist ein traditioneller kunsthistorischer Begriff, der den französischen Primiflamands entlehnt ist, die nach der berühmten Ausstellung in Brügge im Jahr 1902 populär wurden und heute noch in Gebrauch sind, vor allem auf Niederländisch und Deutsch. In diesem Zusammenhang bezieht sich „primitiv“ nicht auf einen wahrgenommenen Mangel an Raffinesse, sondern identifiziert die Künstler als Urheber einer neuen Tradition in der Malerei. Erwin Panofsky bevorzugte den Begriff ars nova („neue Kunst“), der die Bewegung mit innovativen Musikkomponisten wie Guillaume Dufay und Gilles Binchois verband, die vom burgundischen Hof für die Künstler des französischen Hofes bevorzugt wurden. Als die burgundischen Herzöge in den Niederlanden Machtzentren errichteten, brachten sie eine kosmopolitischere Haltung mit. Nach Otto Pächt begann ein zeitgleicher Kunstwechsel zwischen 1406 und 1420, als eine „Revolution in der Malerei stattfand“; es entstand eine „neue Schönheit“ in der Kunst, die eher die sichtbare als die metaphysische Welt darstellt.

Im 19. Jahrhundert wurden die frühniederländischen Künstler nach Nationalität klassifiziert, wobei Jan van Eyck als Deutscher und van der Weyden (geb. Roger de la Pasture) als Franzosen identifiziert wurden. Gelegentlich waren die Gelehrten damit beschäftigt, ob die Entstehung der Schule in Frankreich oder Deutschland stattfand. Diese Argumente und Unterscheidungen verschwanden nach dem Ersten Weltkrieg, und nach den Spuren Friedländers, Panofskys und Pächts beschreiben die englischsprachigen Gelehrten die Periode fast immer als „frühniederländische Malerei“, obwohl viele Kunsthistoriker den flämischen Begriff als richtiger ansehen .

Im 14. Jahrhundert, als die gotische Kunst der internationalen Gotik weichen musste, entstanden in Nordeuropa eine Reihe von Schulen. Die frühniederländische Kunst hat ihren Ursprung in der französischen höfischen Kunst und ist besonders mit der Tradition und den Konventionen der illuminierten Handschriften verbunden. Moderne Kunsthistoriker sehen die Ära mit Manuskriptilluminatoren aus dem 14. Jahrhundert. Ihnen folgten Plattenmaler wie Melchior Broederlam und Robert Campin, der allgemein als der erste altniederländische Meister gilt, unter dem van der Weyden seine Lehre ablegte. Die Beleuchtung erreichte in der Region in den Jahrzehnten nach 1400 einen Höhepunkt, hauptsächlich aufgrund der Schirmherrschaft der Herzöge von Burgund und dem Herzogtum von Valois-Anjou wie Philipp dem Kühnen, Louis I von Anjou und Jean, Herzog von Berry. Diese Patronage setzte sich in den niedrigen Ländern mit den burgundischen Herzögen Philipp dem Guten und seinem Sohn Karl dem Kühnen fort. Die Nachfrage nach illuminierten Manuskripten nahm gegen Ende des Jahrhunderts ab, vielleicht wegen des kostspieligen Herstellungsprozesses im Vergleich zur Tafelmalerei. Doch die Illumination blieb am Luxusende des Marktes beliebt, und Drucke, sowohl Stiche als auch Holzschnitte, fanden einen neuen Massenmarkt vor allem von Künstlern wie Martin Schongauer und Albrecht Dürer.

Nach van Eycks Neuerungen hob die erste Generation niederländischer Maler Licht und Schatten hervor, Elemente, die in illuminierten Handschriften aus dem 14. Jahrhundert nicht vorkommen. Biblische Szenen wurden mit mehr Naturalismus dargestellt, was ihre Inhalte für die Zuschauer zugänglicher machte, während einzelne Porträts bewegender und lebendiger wurden. Johan Huizinga sagte, dass die Kunst dieser Zeit vollständig in den Alltag integriert werden sollte, um das hingebungsvolle Leben in einer Welt, die eng mit der Liturgie und den Sakramenten verbunden ist, mit Schönheit zu füllen. Nach 1500 wandte sich eine Reihe von Faktoren gegen den allgegenwärtigen nordischen Stil, nicht zuletzt gegen den Aufstieg der italienischen Kunst, deren kommerzielle Anziehungskraft 1510 mit der niederländischen Kunst konkurrierte und sie etwa zehn Jahre später übertraf. Zwei Ereignisse symbolisch und historisch spiegeln diese Verschiebung wider: der Transport einer marmornen Madonna mit Kind von Michelangelo nach Brügge im Jahr 1506 und die Ankunft von Raffaels Tapisserie Cartoons nach Brüssel im Jahr 1517, die weithin in der Stadt zu sehen waren. Obwohl der Einfluss der italienischen Kunst im Norden bald weit verbreitet war, hatte er wiederum Maler aus dem 15. Jahrhundert im Norden angezogen, wobei Michelangelos Madonna auf einem von Hans Memling entwickelten Typ basierte.

Die niederländische Malerei endet im engeren Sinne mit dem Tod von Gerard David im Jahr 1523. Eine Reihe von Künstlern aus der Mitte und dem späten 16. Jahrhundert pflegte viele der Konventionen, und sie sind häufig, aber nicht immer mit der Schule verbunden. Der Stil dieser Maler steht oft im krassen Gegensatz zu dem der ersten Künstlergeneration. Im frühen 16. Jahrhundert begannen Künstler, illusionistische Darstellungen von drei Dimensionen zu erforschen. Das Gemälde des frühen 16. Jahrhunderts kann als direkt von den künstlerischen Innovationen und der Ikonographie des vorigen Jahrhunderts herrührend angesehen werden, wobei einige Maler, die den traditionellen und etablierten Formaten und Symboliken des vorigen Jahrhunderts folgten, weiterhin Kopien von zuvor gemalten Werken produzierten. Andere gerieten unter den Einfluss des Humanismus der Renaissance und wandten sich säkularen Erzählzyklen zu, da biblische Bilder mit mythologischen Themen vermischt wurden. Eine völlige Abkehr von der Mitte des 15. Jahrhunderts Stil und Thema wurde nicht gesehen, bis die Entwicklung des nördlichen Manierismus um 1590. Es gab erhebliche Überschneidungen, und die frühen bis Mitte des 16. Jahrhunderts Innovationen können an den manieristischen Stil gebunden werden, Dazu gehören naturalistische säkulare Portraits, die Darstellung des gewöhnlichen (im Gegensatz zum höfischen) Lebens und die Entwicklung kunstvoller Landschaften und Stadtansichten, die mehr als nur Hintergrundansichten waren.

Chronologie
Die Anfänge der altniederländischen Schule liegen in den Miniaturgemälden der Spätgotik. Dies wurde zuerst in der Manuskriptbeleuchtung gesehen, die nach 1380 neue Niveaus des Realismus, der Perspektive und der Fähigkeit in der Wiedergabe von Farbe, mit den Gebrüdern Limbourg und dem niederländischen Künstler bekannt als Hand G, zu den bedeutendsten Blättern des Turin-Mailand-Stundens vermittelte werden normalerweise zugeschrieben. Obwohl seine Identität nicht definitiv festgelegt wurde, Hand G, der c. 1420 soll Jan van Eyck oder sein Bruder Hubert gewesen sein. Laut Georges Hulin de Loo sind die Beiträge von Hand G zu den Turin-Mailänder Stunden „die wunderbarste Gruppe von Gemälden, die jemals ein Buch und für ihre Zeit das erstaunlichste Werk der Kunstgeschichte geschaffen haben“.

Jan van Eycks Verwendung von Öl als Medium war eine bedeutende Entwicklung, die den Künstlern eine viel größere Manipulation der Farbe ermöglichte. Der Kunsthistoriker Giorgio Vasari aus dem 16. Jahrhundert behauptete, van Eyck habe den Gebrauch von Ölfarbe erfunden; eine Behauptung, die, obwohl übertrieben, das Ausmaß anzeigte, in dem van Eyck half, die Technik zu verbreiten. Van Eyck verwendete eine neue Stufe der Virtuosität, hauptsächlich, um die Tatsache auszunutzen, dass Öl so langsam trocknet; dies gab ihm mehr Zeit und mehr Spielraum für das Mischen und Mischen von Schichten verschiedener Pigmente, und seine Technik wurde schnell von Robert Campin und Rogier van der Weyden übernommen und verfeinert. Diese drei Künstler gelten als die erste und einflussreichste der frühen Generation der frühen niederländischen Maler. Ihr Einfluss war in Nordeuropa spürbar, von Böhmen und Polen im Osten bis nach Österreich und Schwaben im Süden.

Eine Reihe von Künstlern, die traditionell mit der Bewegung in Verbindung gebracht wurden, hatten Ursprünge, die im modernen Sinne weder Niederländisch noch Flämisch waren. Van der Weyden wurde in Tournai als Roger de la Pasture geboren. Der Deutsche Hans Memling und der Este Michael Sittow arbeiteten beide in den Niederlanden in einem völlig niederländischen Stil. Simon Marmion wird oft als Maler der frühen Niederlande betrachtet, weil er aus Amiens stammt, einem Gebiet, das zeitweise zwischen 1435 und 1471 vom burgundischen Hof regiert wurde. Das burgundische Herzogtum war auf seinem Höhepunkt, und die von den niederländischen Malern gemachten Neuerungen wurden bald erkannt der Kontinent. Zum Zeitpunkt van Eycks Tod wurden seine Gemälde von wohlhabenden Gönnern in ganz Europa gesucht. Kopien seiner Werke wurden weit verbreitet, was zur Verbreitung des niederländischen Stils in Mittel- und Südeuropa beitrug. Die mitteleuropäische Kunst stand damals unter dem doppelten Einfluss von Innovationen aus Italien und dem Norden. Oft führte der Ideenaustausch zwischen den Niederlanden und Italien zur Förderung des Adels wie Matthias Corvinus, König von Ungarn, der Manuskripte aus beiden Traditionen in Auftrag gab.

Die erste Generation war gebildet, gebildet und überwiegend aus dem Mittelstand. Van Eyck und van der Weyden waren beide sehr am burgundischen Hof platziert, wobei insbesondere van Eyck Rollen übernahm, für die eine Fähigkeit, Latein zu lesen, notwendig war; Inschriften auf seinen Tafeln weisen darauf hin, dass er sowohl Latein als auch Griechisch gut beherrschte. Eine Reihe von Künstlern war finanziell erfolgreich und in den Niederlanden und in ganz Europa sehr gefragt. Viele Künstler, darunter David und Bouts, konnten es sich leisten, große Werke an die Kirchen, Klöster und Klöster ihrer Wahl zu spenden. Van Eyck war Kammerdiener am burgundischen Hof und hatte leichten Zugang zu Philipp dem Guten. Van der Weyden war ein vorsichtiger Investor in Aktien und Immobilien; Bouts war kommerziell orientiert und heiratete die Erbin Catherine „Mettengelde“ („mit dem Geld“). Vrancke van der Stockt investierte in Land.

Der Einfluss der frühen holländischen Meister erreichte Künstler wie Stefan Lochner und den Maler des Lebens der Jungfrau Maria, die beide in Köln Mitte des 15. Jahrhunderts von importierten Werken von van der Weyden und Bouts inspiriert wurden . Neue und unverwechselbare malerische Kulturen entstanden; Ulm, Nürnberg, Wien und München waren zu Beginn des 16. Jahrhunderts die wichtigsten Kunstzentren des Heiligen Römischen Reiches. Die Nachfrage nach Druckgrafik (mit Holzschnitten oder Kupferstich) und anderen aus Frankreich und Süditalien übernommenen Innovationen stieg. Einige Maler des 16. Jahrhunderts liehen sich stark von den Techniken und Stilen des vorigen Jahrhunderts. Selbst progressive Künstler wie Jan Gossaert machten Kopien, etwa seine Überarbeitung von van Eycks Madonna in der Kirche. Gerard David verband die Stile von Brügge und Antwerpen, oft zwischen den Städten unterwegs. Er zog 1505 nach Antwerpen, als Quentin Matsys das Oberhaupt der örtlichen Malerzunft war und die beiden Freunde wurden.

Im 16. Jahrhundert waren die von van Eyck entwickelten ikonographischen Neuerungen und malerischen Techniken in ganz Nordeuropa zum Standard geworden. Albrecht Dürer hat van Eycks Präzision nachgeahmt. Maler genossen eine neue Ebene des Respekts und des Status; Die Auftraggeber beauftragten die Künstler nicht mehr, sondern hofierten die Künstler, sponserten ihre Reisen und setzten sie neuen und weitreichenden Einflüssen aus. Hieronymus Bosch, der im späten 15. und frühen 16. Jahrhundert tätig war, ist einer der wichtigsten und populärsten Maler der Niederlande. Er war insofern anomal, als er weitgehend auf realistische Darstellungen von Natur, menschlicher Existenz und Perspektive verzichtete, während seine Arbeit fast gänzlich frei von italienischen Einflüssen war. Seine bekannteren Werke sind stattdessen durch phantastische Elemente gekennzeichnet, die zur Halluzination tendieren und in gewissem Maße von der Vision der Hölle in van Eycks Kreuzigungsdiptychon und Jüngstem Gericht profitieren. Bosch folgte seiner eigenen Muse und tendierte stattdessen zu Moralismus und Pessimismus. Seine Gemälde, besonders die Triptychen, gehören zu den bedeutendsten und erfolgreichsten der späten niederländischen Periode

Die Reformation brachte Veränderungen in der Sichtweise und im künstlerischen Ausdruck mit sich, da säkulare und Landschaftsbilder biblische Szenen überholten. Sakrale Bilder wurden didaktisch und moralistisch gezeigt, religiöse Figuren wurden marginalisiert und in den Hintergrund gedrängt. Pieter Bruegel der Ältere, einer der wenigen, die dem Stil Boschs folgten, ist eine wichtige Brücke zwischen den frühniederländischen Künstlern und ihren Nachfolgern. Sein Werk bewahrt viele Konventionen des 15. Jahrhunderts, aber seine Perspektive und Themen sind deutlich modern. Weite Landschaften kamen in provisorisch religiösen oder mythologischen Gemälden zum Vorschein, und seine Genreszenen waren komplex, mit Obertönen religiöser Skepsis und sogar Andeutungen von Nationalismus.

Technik und Material
Campin, van Eyck und van der Weyden begründeten den Naturalismus als dominierenden Stil der nordeuropäischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Diese Künstler versuchten, die Welt so zu zeigen, wie sie tatsächlich war, und die Menschen so darzustellen, dass sie menschlicher wurden und eine größere Komplexität von Emotionen aufwiesen als zuvor. Diese erste Generation frühniederländischer Künstler interessierte sich für die akkurate Reproduktion von Objekten (nach Panofsky malte sie „Gold, das wie Gold aussah“) und widmeten Naturphänomenen wie Licht, Schatten und Reflexion besondere Aufmerksamkeit. Sie bewegten sich über die flache Perspektive hinaus und skizzierten die Figuration früherer Malerei zugunsten von dreidimensionalen Bildräumen. Die Position der Zuschauer und wie sie sich auf die Szene beziehen könnten, wurde zum ersten Mal wichtig; Im Van Arnolfini-Bild arrangiert Van Eyck die Szene so, als ob der Betrachter gerade den Raum mit den beiden Figuren betreten hätte. Fortschritte in der Technik ermöglichten weit reichere, leuchtendere und detailliertere Darstellungen von Menschen, Landschaften, Innenräumen und Objekten.

Obwohl der Gebrauch von Öl als Bindemittel bis ins 12. Jahrhundert zurückverfolgt werden kann, definieren Innovationen in seiner Handhabung und Handhabung die Ära. Eitempera war bis in die 1430er Jahre das dominierende Medium, und obwohl es sowohl helle als auch helle Farben produziert, trocknet es schnell und ist ein schwieriges Medium, um naturalistische Texturen oder tiefe Schatten zu erzielen. Öl ermöglicht glatte, lichtdurchlässige Oberflächen und kann in verschiedenen Stärken aufgetragen werden, von feinen Linien bis hin zu dicken breiten Strichen. Es trocknet langsam und ist leicht zu manipulieren, solange es noch feucht ist. Diese Eigenschaften ermöglichten mehr Zeit, subtile Details hinzuzufügen und Nass-in-Nass-Techniken zu ermöglichen. Sanfte Farbübergänge sind möglich, da Teile der dazwischen liegenden Farbschichten beim Trocknen der Farbe abgewischt oder entfernt werden können. Öl ermöglicht die Unterscheidung zwischen reflektierten Lichtreflexionen, von Schatten zu hellen Strahlen und winzigen Darstellungen von Lichteffekten durch die Verwendung von transparenten Glasuren. Diese neue Freiheit bei der Steuerung von Lichteffekten führte zu präziseren und realistischeren Darstellungen von Oberflächentexturen; Van Eyck und van der Weyden zeigen typischerweise Licht auf Oberflächen wie Schmuck, Holzböden, Textilien und Haushaltsgegenstände.

Die Gemälde wurden meist auf Holz, manchmal aber auch auf der weniger teuren Leinwand hergestellt. Das Holz war in der Regel Eiche, oft aus dem Ostseeraum importiert, mit der Bevorzugung von radial geschnittenen Brettern, die sich weniger verziehen. Typischerweise wurde der Saft entfernt und das Brett vor dem Gebrauch gut gewürzt. Holzstützen ermöglichen eine dendrochronologische Datierung, und die besondere Verwendung von Baltischer Eiche gibt Hinweise auf den Standort des Künstlers. Die Paneele weisen in der Regel einen sehr hohen handwerklichen Grad auf. Lorne Campbell bemerkt, dass die meisten „wunderschön gefertigte und fertige Objekte sind. Es kann extrem schwierig sein, die Verbindungen zu finden“. Viele Bilderrahmen wurden im 18. und frühen 19. Jahrhundert verändert, neu lackiert oder vergoldet, als es üblich war, angelehnte niederländische Stücke zu zerlegen, so dass sie als Genrestücke verkauft werden konnten. Viele der erhaltenen Panels sind beidseitig bemalt oder mit den Emblemen, Wappen oder Hilfslinien der Rückseite versehen. Im Fall von einzelnen Tafeln sind die Markierungen auf der Rückseite oft völlig unabhängig von der Vorderseite und können spätere Ergänzungen sein, oder, wie Campbell spekuliert, „getan für die Belustigung des Künstlers“. Das Bemalen jeder Seite einer Platte war praktisch, da es das Verwerfen des Holzes verhinderte. In der Regel wurden die Rahmen der Klapparbeiten vor der Bearbeitung der einzelnen Paneele erstellt.

Leim Bindemittel wurde oft als kostengünstige Alternative zu Öl verwendet. Viele Arbeiten, die dieses Medium verwenden, wurden hergestellt, aber nur wenige überleben heute aufgrund der Zartheit des Leinentuchs und der Löslichkeit des Hautklebers, von dem das Bindemittel abgeleitet wurde. Bekannte und relativ gut erhaltene – wenn auch stark beschädigte – Beispiele sind Matsys ‚Jungfrau und Kind mit den Heiligen Barbara und Katharina (um 1415-25) und Bouts‘ Grablegung (um 1440-55). Die Farbe wurde im Allgemeinen mit Pinseln oder manchmal mit dünnen Stöcken oder Pinselgriffen aufgetragen. Die Künstler milderten oft die Konturen von Schatten mit ihren Fingern, manchmal um die Glasur zu blättern oder zu reduzieren.

Gilden und Werkstätten
Die üblichste Art im 15. Jahrhundert für einen Auftraggeber, ein Stück in Auftrag zu geben, war der Besuch einer Meisterwerkstatt. Nur eine bestimmte Anzahl von Meistern konnte innerhalb der Grenzen einer Stadt operieren; sie wurden von Handwerkszünften geregelt, denen sie anzugehören hatten, um arbeiten zu dürfen und Provisionen zu erhalten. Gilden geschützt und regulierte Malerei, Überwachung der Produktion, Exporthandel und Rohstoffversorgung; und sie hielten diskrete Regelwerke für Paneelmaler, Stoffmaler und Buchmaler. Zum Beispiel legen die Regeln höhere Staatsbürgerschaftsanforderungen für Miniaturisten fest und verbieten ihnen, Öle zu verwenden. Insgesamt genießen die Panelmaler den höchsten Schutz.

Die Mitgliedschaft in einer Gilde war stark eingeschränkt und der Zugang für Neuankömmlinge war schwierig. Von einem Meister wurde erwartet, dass er eine Lehre in seiner Region absolvierte und einen Nachweis über die Staatsbürgerschaft erbrachte, der durch Geburt in der Stadt oder durch Kauf erlangt werden konnte. Die Ausbildung dauerte vier bis fünf Jahre und endete mit der Herstellung eines „Meisterwerks“, das seine handwerkliche Fähigkeit unter Beweis stellte, und der Zahlung eines erheblichen Eintrittspreises. Das System war auf lokaler Ebene durch die Nuancen des Gebührensystems protektionistisch. Obwohl es um eine hohe Qualität der Mitgliedschaft ging, war es ein Selbstverwaltungsorgan, das tendenziell wohlhabende Bewerber bevorzugte. Zunftverbindungen treten manchmal in Gemälden auf, am berühmtesten in van der Weydens Abstieg vom Kreuz, in dem der Körper von Christus die t-Form einer Armbrust erhält, um seinen Auftrag für eine Kapelle für die Leuven-Zunft von Bogenschützen zu reflektieren.

Werkstätten bestanden typischerweise aus einem Familienheim für den Meister und Unterkunft für Lehrlinge. Die Meister bauten meist Vorräte von vorlackierten Tafeln sowie Muster oder Umrisse für den Sofortverkauf auf. Bei der ersten war der Meister für die Gesamtgestaltung des Gemäldes verantwortlich und malte typischerweise die fokalen Teile, wie die Gesichter, Hände und die bestickten Teile der Figurenkleidung. Die prosaischeren Elemente würden den Assistenten überlassen; in vielen Werken ist es möglich, abrupte Stilverschiebungen zu erkennen, wobei die relativ schwache Deesis-Passage in van Eycks Kreuzigung und dem Jüngsten Gericht ein bekanntes Beispiel ist. Oft beschäftigte sich eine Meisterwerkstatt sowohl mit der Reproduktion von Kopien bewährter, kommerziell erfolgreicher Werke als auch mit der Gestaltung neuer Kompositionen aus Auftragsarbeiten. In diesem Fall würde der Meister normalerweise die Unterzeichnungs- oder Gesamtzusammensetzung erzeugen, die von Assistenten bemalt werden soll. Infolgedessen werden viele überlebende Werke, die erstklassige Kompositionen aber uninspirierte Ausführung zeugen, Werkstattmitgliedern oder Anhängern zugeschrieben.

Schirmherrschaft
Im 15. Jahrhundert führten die burgundischen Prinzen dazu, dass die Händler- und Bankiersschichten der Niederlande auf dem Vormarsch waren. In der ersten bis Mitte des Jahrhunderts gab es einen starken Anstieg des internationalen Handels und des heimischen Reichtums, was zu einem enormen Anstieg der Nachfrage nach Kunst führte. Künstler aus der Gegend zogen die Schirmherrschaft von der Ostseeküste, den norddeutschen und polnischen Regionen, der Iberischen Halbinsel, Italien und den mächtigen Familien von England und Schottland. Anfangs hatten die Meister als ihre eigenen Händler gehandelt und besuchten Messen, auf denen sie auch Rahmen, Paneele und Pigmente kaufen konnten. Die Mitte des Jahrhunderts sah die Entwicklung von Kunsthandel als Beruf; die Aktivität wurde rein kommerziell getrieben, dominiert von der merkantilen Klasse.

Kleinere Arbeiten wurden normalerweise nicht im Auftrag produziert. Häufiger nahmen die Meister die Formate und Bilder vorweg, die am meisten gesucht waren, und ihre Entwürfe wurden dann von den Workshop-Mitgliedern entwickelt. Fertig gemalte Bilder wurden auf regelmäßig stattfindenden Messen verkauft, oder die Einkäufer konnten Werkstätten besuchen, die in bestimmten Gegenden der Großstädte konzentriert waren. Die Meister durften in ihren vorderen Fenstern zeigen. Dies war der typische Modus für die Tausenden von Platten, die für den Mittelstand hergestellt wurden – Stadtbeamte, Geistliche, Zunftmitglieder, Ärzte und Kaufleute.

Weniger teure Tüchlein waren in bürgerlichen Haushalten häufiger anzutreffen, und Aufzeichnungen zeigen ein starkes Interesse an religiösen Tafelgemälden im Inland. Mitglieder der Händlerklasse gaben typischerweise kleinere Devotionalien an, die spezifizierte Inhalte enthielten. Die Änderungen variierten von einzelnen Platten, die zu einem vorgefertigten Muster hinzugefügt wurden, bis hin zur Aufnahme eines Spenderporträts. Das Hinzufügen von Wappen war oft die einzige Veränderung – ein Zusatz, der in van der Weydens Lukas Zeichnung der Jungfrau zu sehen ist, die in verschiedenen Variationen existiert.

Viele der burgundischen Herzöge konnten es sich leisten, in ihrem Geschmack extravagant zu sein. Philip der Gute folgte dem Beispiel, das in Frankreich von seinen Großonkeln, einschließlich John, Herzog von Berry, gemacht wurde, indem er ein starker Förderer der Künste wurde und eine große Anzahl von Kunstwerken beauftragte. Der burgundische Hof wurde als der Geschmacksbrecher angesehen und seine Wertschätzung wiederum ließ die Nachfrage nach hochgradig luxuriösen und teuren illuminierten Handschriften, goldumrandeten Wandteppichen und mit Juwelen besetzten Bechern steigen. Ihr Appetit auf Putz sickerte durch Hof und Adel zu den Leuten, die in den 1440er und 1450er Jahren vor allem lokale Künstler in Brügge und Gent beauftragten. Während die holländischen Tafelbilder nicht so wertvoll waren wie beispielsweise Objekte aus Edelmetallen, wurden sie als wertvolle Objekte und in erster Linie der europäischen Kunst wahrgenommen. Ein 1425 von Philipp dem Guten geschriebenes Dokument erklärt, dass er einen Maler für die „ausgezeichnete Arbeit, die er in seinem Handwerk macht“ anheuerte. Jan van Eyck malte die Verkündigung während Philipps Arbeit, und Rogier van der Weyden wurde der Porträtmaler des Herzogs in den 1440er Jahren.

Burgundische Herrschaft schuf eine große Klasse von Höflingen und Funktionären. Einige gewannen enorme Macht und beauftragten Gemälde, um ihren Reichtum und Einfluss zu zeigen. Bürgerliche Führer beauftragten auch Arbeiten von Hauptkünstlern, wie die Gerechtigkeit von Bouts für Kaiser Otto III, van der Weyden (Van der Weyden) ’s Gerechtigkeit Trajan und Herkinbald und Davids Gerechtigkeit von Cambyses. Öffentliche Aufträge waren weniger üblich und nicht so lukrativ, aber sie machten Bekanntheit und erhöhten den Ruf eines Malers, wie mit Memling, dessen St. John Altarpiece für Bruges Sint-Janshospitaal ihm zusätzliche bürgerliche Kommissionen brachte.

Die vermögende ausländische Schirmherrschaft und die Entwicklung des internationalen Handels gewährten den etablierten Meistern die Möglichkeit, Workshops mit Assistenten aufzubauen. Obwohl die ersten Maler wie Petrus Christus und Hans Memling Stammgäste des lokalen Adels fanden, widmeten sie sich speziell der großen ausländischen Bevölkerung in Brügge. Maler exportierten nicht nur Waren, sondern auch sich selbst; Ausländische Fürsten und Adelige, die dem opulenten burgundischen Hof nacheifern wollten, stellten Maler aus Brügge an.

Ikonographie
Die Gemälde der ersten Generation niederländischer Künstler zeichnen sich oft durch Symbolik und biblische Bezüge aus. Van Eyck war der Pionier und seine Innovationen wurden von van der Weyden, Memling und Christus aufgegriffen und entwickelt. Jeder verwendete reiche und komplexe ikonographische Elemente, um einen erhöhten Sinn für zeitgenössische Überzeugungen und spirituelle Ideale zu schaffen. Moralisch drücken die Werke eine angstvolle Haltung aus, verbunden mit einem Respekt für Zurückhaltung und Stoizismus. Die Bilder betonen vor allem das Spirituelle über das Irdische. Da der Marienkult zu dieser Zeit einen Höhepunkt erreicht hatte, dominieren ikonographische Elemente, die mit dem Leben Mariens in Zusammenhang stehen.

Craig Harbison beschreibt die Verschmelzung von Realismus und Symbolik als vielleicht „den wichtigsten Aspekt der frühen flämischen Kunst“. Die erste Generation niederländischer Maler war damit beschäftigt, religiöse Symbole realistischer zu machen. Van Eyck integrierte eine Vielzahl ikonographischer Elemente und vermittelte oft das, was er als Koexistenz der spirituellen und materiellen Welt betrachtete. Die Ikonographie war unauffällig in die Arbeit eingebettet; Typischerweise enthielten die Referenzen kleine aber wichtige Hintergrunddetails. Die eingebetteten Symbole sollten sich in die Szenen einfügen und „war eine bewusste Strategie, um eine Erfahrung spiritueller Offenbarung zu schaffen“. Insbesondere Van Eycks religiöse Bilder „präsentieren dem Betrachter immer eine verklärte Sicht auf die sichtbare Wirklichkeit“. Für ihn ist der Alltag harmonisch durchdrungen von Symbolik, so dass laut Harbison „deskriptive Daten neu geordnet wurden … damit sie nicht irdisches Dasein, sondern das, was er als übernatürliche Wahrheit ansah, illustrierten.“ Diese Mischung aus den irdischen und himmlischen Beweisen von van Eycks Glauben, dass die „essentielle Wahrheit der christlichen Lehre“ in „der Ehe weltlicher und heiliger Welten, der Realität und des Symbols“ zu finden ist. Er zeigt übergroße Madonnen, deren unrealistische Größe die Trennung zwischen dem Himmlischen und Irdischen zeigt, aber sie in alltägliche Situationen wie Kirchen, Kammern oder mit Hofbeamten gesetzt hat.

Doch die irdischen Kirchen sind stark mit himmlischen Symbolen geschmückt. Ein himmlischer Thron ist in einigen häuslichen Räumen (z. B. in der Madonna von Lucca) klar dargestellt.Schwieriger zu erkennen sind die Einstellungen für Gemälde wie Madonna von Kanzler Rolin, wo der Ort eine Verschmelzung des Irdischen und des Himmlischen ist. Van Eycks Ikonographie ist oft so dicht und komplex geschichtet, dass ein Werk mehrfach betrachtet werden muss, bevor selbst die offensichtlichste Bedeutung eines Elements sichtbar wird. Die Symbole wurden oft subtil in die Bilder eingewoben, so dass sie erst nach kurzem und wiederholtem Betrachten sichtbar wurden, während ein Großteil der Ikonographie die Idee widerspiegelt, dass es laut John Ward einen „versprochenen Übergang von Sünde und Tod zu Erlösung und Wiedergeburt“ gibt „.

Andere Künstler setzten die Symbolik auf eine prosaischere Weise ein, trotz van Eycks großem Einfluss sowohl auf seine Zeitgenossen als auch auf seine späteren Künstler. Campin zeigte eine klare Trennung zwischen spirituellen und irdischen Bereichen; Anders als van Eyck verwendete er kein Programm versteckter Symbolik. Campins Symbole verändern den Sinn des Realen nicht; In seinen Bildern ist eine häusliche Szene nicht komplizierter als eine, die religiöse Ikonographie zeigt, aber eine, die der Betrachter erkennen und verstehen würde. Van der Weydens Symbolik war viel nuancierter als Campins, aber nicht so dicht wie die von van Eyck. Harbison zufolge hat van der Weyden seine Symbole so sorgfältig und auf so exquisite Weise eingearbeitet, dass „weder die mystische Vereinigung, die zu seiner Arbeit führt, noch seine Realität selbst, in der Lage ist, rational analysiert zu werden,erklärt oder rekonstruiert. „Seine Behandlung von architektonischen Details, Nischen, Farbe und Raum wird auf eine so unerklärliche Weise dargestellt, dass“ die besonderen Objekte oder Menschen, die wir vor uns sehen, plötzlich, schwankend, zu Symbolen religiöser Wahrheit werden „.

Gemälde und andere wertvolle Gegenstände dienten im religiösen Leben derer, die sie sich leisten konnten, als wichtige Hilfe. Gebet und meditative Kontemplation waren Mittel, um Erlösung zu erlangen, während die sehr Reichen auch Kirchen bauen (oder bestehende erweitern) oder Kunstwerke oder andere religiöse Stücke in Auftrag geben konnten, um die Erlösung im Jenseits zu garantieren. Unzählige Gemälde von Jungfrau und Kind wurden produziert, und originale Designs wurden weitgehend kopiert und exportiert. Viele der Gemälde basieren auf byzantinischen Vorbildern des 12. und 13. Jahrhunderts, von denen die Cambrai Madonna wohl die bekannteste ist. Auf diese Weise wurden die Überlieferungen der früheren Jahrhunderte als eine deutlich reiche und komplexe ikonographische Tradition aufgegriffen und neu entwickelt.

Die Marienverehrung wuchs ab dem 13. Jahrhundert und bildete sich hauptsächlich um die Konzepte der Unbefleckten Empfängnis und ihrer Himmelfahrt. In einer Kultur, die den Besitz von Reliquien als ein Mittel verehrte, das Irdische dem Irdischen näher zu bringen, hinterließ Maria keine körperlichen Relikte und nahm damit eine Sonderstellung zwischen Himmel und Mensch ein. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts war Maria innerhalb der christlichen Lehre in dem Maße bedeutsam geworden, in dem sie allgemein als die zugänglichste Fürsprecherin Gottes angesehen wurde. Es wurde angenommen, dass die Länge jeder Person, die in der Vorhölle leiden musste, proportional zu ihrer Hingabe auf Erden war. Die Verehrung Marias erreichte ihren Höhepunkt im frühen 15. Jahrhundert, eine Zeit, in der eine unendliche Nachfrage nach Werken, die ihre Ähnlichkeit darstellen, bestand. Ab Mitte des 15. JahrhundertsNiederländische Darstellungen des Lebens Christi konzentrierten sich eher auf die Ikonographie des Schmerzensmannes.

Diejenigen, die es sich leisten konnten, Spenderporträts in Auftrag zu geben. Solch eine Kommission wurde normalerweise als Teil eines Triptychons oder später als ein erschwinglicheres Diptychon ausgeführt. Van der Weyden popularisierte die bestehende nördliche Tradition der halb-langen marianischen Porträts. Diese hallten die damals in Italien populären byzantinischen Ikonen wider, die „Wunder wirken“. Das Format wurde im Norden sehr populär und seine Innovationen sind ein wichtiger Faktor für die Entstehung des Marianischen Diptychons.