Frühbarocke Musik

Das Barock in europäischer musikhistorischer Bedeutung war eine Zeit von etwa 1600 bis etwa 1750. Von früh an wandte sich die Musik im Barock von der Renaissance ab. Durch die Ersetzung der Polyphonie (mehrere Melodien gleichzeitig) im Lied der Homophonie (einer Hauptstimme), um den Text dominieren zu lassen und Opern, Oratorien, Kantaten und Monodien zu schaffen, entwickelte sich die Vokalmusik scharf. Früh im Barock wurden die modalen Tonleitern meist mit Kirchenmusik verbunden, die mit tonaler Musik ausgetauscht wurde. Dies machte große Unterschiede sowohl im Klang als auch in der Fähigkeit, fortgeschrittenere Stücke zu komponieren.

Nicht-Geistliche Instrumentalstücke waren eine Innovation im Barock. Es gab eine große Variation zwischen ihnen, von Toccata, Fugen, Preludier, Ricercars und Capriccio zu Canzonaer, Suiten, Sonaten und Konzerten. Das Orchester entwickelte sich wesentlich im Barock, und als die Instrumente immer besser wurden, wurden mehr und mehr einbezogen. Zu den Instrumenten des Barock gehören Violine, Cello, Streichquartett, Klarinette, Fagott, Obo, Englischhorn und frühe Versionen von Hörnern, Trompeten und Posaune. Neue Boote in der Gesangs- und Instrumentalmusik waren die Entwicklung des Generalbasses, einer der ersten Fälle, in denen der Rhythmus an ein Instrument weitergegeben wurde. Wo Vokalmusik schwul war, blieb die Instrumentalmusik polyphon und Kontrapunkt wurde oft verwendet.

Ursprünglich wurde die Barockmusik von italienischen Komponisten dominiert; Claudio Monteverdi war einer der berühmtesten von ihnen. Schließlich kamen holländische, deutsche, französische und englische Komponisten auf die Idee. Die Musikkultur in jedem Land variiert von Zeit zu Zeit zwischen der Verwendung von italienischer Musik, inspiriert von ihr oder der Schaffung oder Pflege eigener Musik. So wurde die Oper in Deutschland erstmals vor der Übernahme der italienischen Oper durch Singen von Spielen versucht. Englische Oper war eine Mischung aus italienischen Opern- und Maskenaufführungen, und die französische Oper zeichnete sich durch viel Ballett und eigene Techniken aus, die lange Zeit von Jean-Baptiste Lully regiert wurden. Die italienische Oper wurde jedoch durch die Entwicklung in Venedig und Neapel populärer und öffentlichkeitsfreundlicher.

Instrumentalmusik entwickelte sich auch anders. In Italien wurde die Violine sehr populär, und die Sonate wurde genau erfunden, um die Eigenschaften des Instruments zu präsentieren. Arcangelo Corelli war entscheidend für den Erfolg der Sonate. In Frankreich schufen Komponisten wie Marc-Antoine Charpentier französische Messen und Oratorien, während das Wunderkind Élisabeth Jacquet de La Guerre anspruchsvolle Cembalosticks schrieb. In Deutschland führten Heinrich Schütz und Johann Hermann Schein eine Reihe neuer Musikstile ein. Samuel Scheidt und später Johann Pachelbel und Dietrich Buxtehude hatten großen Erfolg mit Orgelmusik, geologischen Messen und weltlichen Toccata und Phantasien.

Die späte Bar hatte eine enorme Entwicklung der besonderen Instrumentalmusik. Unter Johann Sebastian Bach haben sowohl die Toccata, das Gelenk als auch die Phantasie eine bedeutende Entwicklung und Popularität erfahren. Georg Friedrich Händel entwickelte insbesondere die Oper und die Oratorien, Georg Philipp Telemann entwickelte Konzerte, komische Oper und eine Reihe anderer Themen, Antonio Vivaldi und Tomaso Albinoni waren ausschlaggebend für die Weiterentwicklung des Sonaten- und Solokonzerts, das Jean-Philippe Rameau entwickelte Oper in Frankreich und Italien und Domenico Scarlatti und François Couperin, zusammen mit Telemann, halfen den Grundstein für den galanten Stil nach dem Barock zu legen. Der galante Stil und Klassizismus rebellierten gegen den barocken, komplizierten Stil und wollten schwule Musik mit einfachem Bass Walk und einer weltlichen Ausrichtung.

Die Musik des Frühbarock (1600-1630)
Das Frühbarock erlebte eine Reihe von musikalischen Veränderungen. Der Übergang von der Renaissance geschah schnell mit dem Fokus auf einen homophonen Liedstil, in dem man den Text leicht hören konnte. Es war auch, als die Oper geschaffen wurde, also Gesang und Theater zuerst zusammengebunden wurden. Während dieser Zeit war die Oper hauptsächlich für Adel, während sie in der nächsten Barockzeit für die meisten Menschen immer öfter aufgeführt wurde. Kurz nach der Oper kam das Oratorium. Es sah wie eine Oper aus, hatte aber viel weniger theatralische Züge. Ein dritter Liedstil war die Kantate, auch die weitgehend barocke Kreatur. Es enthielt ursprünglich keine Stücke, sondern einen Chor mit Solisten und eine Erklärung zwischen den Stücken.

Ein weiterer wichtiger Unterschied zwischen frühen Baracken und Renaissance war, dass der Barock die Entstehung von Instrumentalmusik und die Zunahme der Anzahl der Musiker in einem musikalischen Ensemble begann. Dies führte wiederum zu großen Veränderungen in der Musik, einschließlich der Schaffung des Generalbasses, einer improvisierten Basshalle mit bestimmten Akkorden an besonderen Orten und dem Übergang von modaler zu tonaler Musik. Auch in den Niederlanden und in Deutschland hat sich die Orgelmusik deutlich aus der Renaissance entwickelt. Die barocke Musik stellte somit höhere Anforderungen an Instrumente, Musiker und Orchester. Es war auch fortgeschrittener als vorherige Musik in Bezug auf Chromatik, Harmonien, Kontrapunkt und eine Vielzahl von anderen Techniken als Renaissance-Musik.

Die Instrumente waren im Wesentlichen wie in der Renaissance, aber einige von ihnen, wie die Geige, wurden wichtiger. Der unverwechselbare Klang der Instrumente wurde ebenfalls berücksichtigt, so dass Sie Melodien basierend auf dem Klang des Instruments schreiben und den unverwechselbaren Klang des Instruments verwenden können, um Stimmungen oder Ereignisse darzustellen. Außerdem wurde die Musik zunehmend in Rhythmen mit Taktiken und Reihen geschrieben, so dass man vorhersehbarer wurde.

Instrumente für frühe Instrumente
Während die Geige schon lange existierte, wurde sie in den frühen 1600ern in „ernster“ Musik wie in Opern und Balletten verwendet. Damit konkurrierte es mit dem bisher bevorzugten Spiel. Das Spiel gehörte einer Familie, zu der auch Bassgeige und Kontrabassgeige gehörten. Die beiden letzteren waren vielleicht der Vorläufer des heutigen Kontrabasses. Andere Instrumente in der strengen Familie waren die französische Pochette, eine Art „pocket fiction“ ohne Formen und dreiielire wurden am Anfang verwendet.

Es gab mehrere Saiteninstrumente, meist in Variationen wie Harfe, Laute, Mandoline und Zisterz. In Blasinstrumenten war Sackbut, ein Vorgänger der Posaune, weit verbreitet. Die Lutte war hauptsächlich der französischen Musik vorbehalten, während die Theorie in Italien mehr Platz einnahm.

Skalmeien, das seit seiner Ankunft in Europa in den 700er Jahren entwickelt wurde, gewann in den folgenden neunhundert Jahren eine Tenor- und Bassversion. Die Skalmeien waren ein Doppelklingeninstrument und damit eher dem Obo als der Klarinette verwandt. Es war der Ausgangspunkt für den barocken Bob, der in der Mitte des 17. Jahrhunderts kam. Zusätzlich wurden sowohl das Krümelhorn, Zink, Crossflow und Blockflöte verwendet. Schlaginstrumente wie Pauke und Tabus wurden ebenfalls verwendet. Eine der am häufigsten verwendeten Instrumente, besonders in der Bass-Stimme, waren die Hinweise für kleine Räume und Cembalo für mittelgroße Räume. Große Räume waren hauptsächlich Kirchen, die Rohrleitungen benutzten.

Musikalische Entwicklung
Der Übergang von der Renaissance zur Barockmusik war eine der größten Verletzungen der westlichen Musik. Der traditionelle Stil des Liedes, prima pratica, war die Vokalpolyphonie der Renaissance (viele Melodien gleichzeitig) mit verschränkten Melodielinien. Der neue Stil, seconda pratica, betont den Solismus, Klartext, unterscheidet zwischen Melodie und Basslinie und Interesse an expressiver Harmonie. Der Übergang von der Polyphonie zur Homophonie war jedoch signifikant im Lied, aber nicht in der Instrumentalmusik, wo Polyphonie im gesamten Barock wichtig war.

Die Unterscheidung zwischen der ersten und zweiten Praxis wurde von Claudio Monteverdi und seinem Bruder Giulio Cesare zwischen 1605 und 1607 als Reaktion auf die Kritik von Giovanni Maria Artusi von 1600 über Monteverdis „unnötigen“ Verstoß gegen die Regel der Konsonanz und Dissonanz definiert. Monteverdis Antwort war, dass es im ersten Stil die Musik war, die den Text dominierte, während es im anderen Stil umgekehrt war. Monteverdi war sich bewusst, dass die zweite Praxis die erste nicht ersetzen konnte, sondern eine Alternative war.

Eine der wichtigsten Einführungen im Frühbarock war der Generalbass. Der General Bass war eine Bassstimme, die oft von zwei Instrumenten wie Cembalo und Cello gespielt wurde. Die Auflistung für den Generalbass war auf Akkorde beschränkt, die von Zeit zu Zeit gespielt werden konnten, aber zwischen den Akkorden gab es freie melodische Improvisation. Dadurch, dass ein Generalbass an Ort und Stelle blieb, sorgte dies auch für eine größere Improvisation der Melodieinstrumente.

Tonalität war auch wichtig. Die Renaissance war weitgehend modalen Maßstab verwendet worden, basierend auf der mittelalterlichen Kirchenmusik. Die Entwicklung des Barocks in der Musik wurde jedoch so anspruchsvoll, dass die modale Skala an sich nicht gut genug war. Kurz nach 1600 kam der Übergang zu tonaler Musik, die sich für größere melodische Freiheit einschließlich Dissonanz öffnete.

Eine weitere musikalische Entwicklung im Frühbarock war die affektive Theorie, die Idee, dass Musik Emotionen erzeugen kann. Hier waren einige der Neigungen stilisiert, so dass Kühnheit, hohe Töne und hohe Geschwindigkeit Freude symbolisierten, während Traurigkeit tief lag. Langsames Tempo und Dumpfheit, oft mit Dissonanzen und anderen Emotionen, wurden durch die Kombination von Melodie, Tempo, Instrumentierung und Toneleie symbolisiert. Vor allem Monteverdi hat dies in seinen Opern und Madrigues entwickelt.

Bereits in der Mitte des 16. Jahrhunderts wurde die Romanze in Venedig gut genutzt, aber es war besonders am Anfang des Barock, mit Giovanni Gabrieli mit mehreren, dass es sich wirklich zu entwickeln begann. Gabrieli schrieb Sonaten und war der erste, der den Begriff „Musikstücke ohne Gesang“ konsequent verwendete. Die einzigen Sonaten waren weit davon entfernt, so entwickelt zu werden, wie sie in der Klassik wurden, sie öffneten sich, damit der Komponist den Grad der Stärke der Instrumente bestimmen konnte. Gabrieli experimentierte insbesondere mit Instrumenten, die im Dialog miteinander spielten, beide Instrumentengruppen gegeneinander, wie Saiten gegen Blechbläser, und interne Blasgruppen oder Saiten gegeneinander.

Die Entwicklung der Oper
Die Oper wurde früh im Barock entdeckt, könnte aber von Pastoraldramas, Madrigalen und Intermedios inspiriert sein, alle drei eine Mischung aus Drama und Musik. Darüber hinaus waren Humanisten wie Girolamo Mei, die verstanden, dass griechische Stücke in ihrer Gesamtheit gesungen wurden, wichtig für die Idee hinter der Oper. Meises Ideen wurden im Kreis akademisch interessierter Menschen um Grafen Bardi, Camerata Fiorentina, diskutiert.

In der Diskussion ging es um Gedichte, Theaterstücke und Melodien. In der Renaissance wurden Madrigale bereits erwähnt, aber diese Lieder waren polyphon, und es erschwerte es den Zuhörern, der Handlung zu folgen. In Camerata Fiorentina wurden Monodien, Lieder für eine Singstimme mit Einzelbegleitung geschrieben, oft auf der Bühne, Gitarre, Cembalo oder Orgel. Mit nur einem Lied wurde es leichter, der Handlung zu folgen. Außerdem sollte der Satz dem Inhalt des Textes folgen, so dass kurze Töne und hohe Töne Offenbarung und lange Töne und leise Sprachführung eine ruhigere Stimmung charakterisieren. Zunächst waren es vor allem Vincenzo Galilei und Giulio Caccini, die Monodien schrieben, und letztere entwickelten sie weitgehend. Die Monods verschwanden am Ende des Frühbarock, aber nach der Verbreitung in vielen anderen europäischen Ländern und inspiriert ähnliche Lieder dort.

Die Monos waren jedoch Singlesänger, und musikinteressierte Florentiner diskutierten die Möglichkeit, eine ganze Reihe von aufeinanderfolgenden Monodien zu vollenden. Auch nachdem Bardi nach Rom gezogen war, ging die Diskussion weiter. Jacopo Peri schrieb die ersten Opernversuche mit Daphne (nicht erhalten) 1598 und L’Euridice 1600. Peri erfand auch Rezitativ, das Singen von Wörtern, die die Geschichte erzählten und die Monodien (schließlich die „Arianer“) zusammenbanden. Der Hintergrund für die Restitutionen war in einer weithin akzeptierten Theorie, dass die alten Griechen ihre Gedichte auf halbem Wege sangen.

Die Oper begann experimentell, aber mit Claudio Monteverdi fand die Oper ihren Platz. In seiner Oper L’Orfeo versteht Monteverdi das Gleichgewicht zwischen Text und Musik in den beiden Praktiken der Oper. Er stellte die Musiker sowohl hinter als auch vor die Bühne und auch auf die Seite. Neben einem so großen Orchester mit bis zu 40 Musikern war die Musik teilweise von Dissonanzen, überraschenden Akkorden und bewusster Verwendung von Klangfarben geprägt. Früher verwendete Monteverdi Posaunen, die damals in der Weltmusik ungewöhnlich waren, um das Gefühl des Undergrounds zu erzeugen, während die Flöten ein eher pastorales Thema schufen. Das Orchester spielte auch eine aktivere Rolle während der Resitative, wo sie das ganze Orchester oft dramatisch begleiteten, um die Emotionen zu steigern.

Monteverdi schrieb mehrere Opern. Bereits im folgenden Jahr kam L’Arianna, die fast nicht erhalten ist. Dann sind ihm vor dem Il ritorno d’Ulisse 1640 keine Opern mehr bekannt. In Florenz gab es auch keine Opern im Frühbarock, obwohl einige Stücke in der Aufführung wirkten. Francesca Caccinis Die Befreiung der Roggiero dall’isola d’Alcina, ab 1625, hatte Monteverdi und seinen Zeitgenossen eine Reihe von musikalischen Merkmalen der Oper, einschließlich Arien, Resitativen, Chor und Eröffnungsinfonien, wurde aber als Ballett bezeichnet. Etwas später, Rom übernahm die Hauptstadt der Oper, wo die Rezitale weniger melodisch wurden, während der Widder seinen melodischen Stil behielt. Es war auch in Rom, dass Kastraten die Frauenlieder sangen. In Rom war unter anderem Stefano Landi ein aktiver Opernkomponist. Er schrieb beide Opern mit religiösem und komischem Thema, gewöhnlich zur selben Zeit wie in Il Sant ‚Alessio oder pastoral und griechisch-mythologisch wie in La Morte d’Orfeo.

Gegen Ende der Periode gab es auch eine Form der Oper nach Deutschland. Genau wie in Italien, war die erste Oper Dafne (1627), aber es könnte eine weltliche Kantate gewesen sein. Es wird angenommen, dass es von Heinrich Schütz geschrieben wurde, aber nur das Libretto ist erledigt.

Oratorien und Kantate
Kurz nachdem sich die Oper verbreitet hatte, breiteten sich auch die Orientierungsläufer aus. Die Oratorien wurden von religiösen Madrigalen und laudi religiösen Texten zur Alltagssprache inspiriert. Ein Oratorium (= Gebetshaus) war eine Präsentation eines christlichen Textes oder einer Botschaft, die meistens einer Oper ähnelte, in der es Resitative, Kreuze und Tänze gab, aber auch einen Erzähler, der die Bibeltexte las, auf denen die Handlung basierte. Die Oratorien wurden jedoch von weltlicher Musik beeinflusst, und da Opern auch religiöse Themen hatten, wurde manchmal der Unterschied, dass Oratorianer keine Szenografie hatten. Emilio de Cavalieri, der auch an der Entstehung der Oper beteiligt war, schrieb das erste Oratorium La rappresentazione di anima e di corpo („Die Vorbereitung von Seele und Körper“). Wie in der Oper erschienen auch in Deutschland Varianten der Oratorien. Heinrich Schütz schrieb 1623 wiederum den ersten deutschen Fall, die Resurrection History. In Deutschland wurde „Geschichte“ über die musikalische Form verwendet und der Begriff „Oratorium“ wurde erst 1640 gefunden.

Die Kantate kamen auch früh an. Sie waren meist Verbrechen und beruhten entweder auf weltlichen oder religiösen Texten. Die weltlichen Kantaten entwickelten sich von den Religiösen weg. Die Ordensleute enthielten eine instrumentale Einleitung, getrennte Arien und Rezitative, Korallenabschnitte und Teile, an denen die Gemeinde am Lied teilnahm. Dieser Kantat wurde später unter deutschen Komponisten wie Johann Sebastian Bach.

Andere Kirchenmusik
Neben Kantaten, Madrigalen und Oratorien gab es auch andere religiöse melodische Genres. Einer von ihnen waren die französischen Kollegen. Die Motetten waren glücklich, Prima pratica zu teilen, und so inspiriert von der Renaissance, vor allem Giovanni Pierluigi da Palestrina, Josquin des Prez und Orlando di Lasso. Sie hatten daher die Musik als dominante des Textes. Alessandro Grandi nutzte die von den Monodien inspirierten Gegensätze, und so rückten die Motetten näher an secondo prattico heran, da die Melodie weniger dominant wurde und die Stimme mehr in den Vordergrund trat. Diese Mischung zeigte Grandi vor allem, als er von Solo-Aufständen, resitativen und lyrischen Arien inspiriert wurde.

Girolamo Frescobaldi war in der Instrumentalmusik dominant. Er wurde als 25-Jähriger Organist in der St. Peterskirche und schuf eine Reihe von Werken für Klavierinstrumente, vorzugsweise Orgel. Er schrieb toccataer, capricioer und ricercaros für Cembalo und Orgel, am häufigsten im kirchlichen Kontext. Frescobaldi war am berühmtesten für seine Tonsprache, die durch die Spannung zwischen der Modalität und den Major / Moll-Tönen geprägt war. Dies bedeutete unter anderem, dass er viel chromatisch spielte, aber er war auch mit harmonischen Instrumenten beschäftigt.

Auch in Deutschland gab es musikalische Entwicklung und unter anderem hatte Michael Praetorius mit seinen Korallen und insbesondere seinem musikwissenschaftlichen Syntagma Musicum einen musikalischen Übergang definiert. Es gab vor allem drei seiner Nachkommen, Heinrich Schütze, Johann Hermann Schein und Samuel Scheidt, die Barockmusik in Deutschland weitgehend eingeführt haben. Die drei, oft „die drei S-er“ genannt, kennen sich untereinander und mit Praetorius.

Von diesen schrieb vor allem Samuel Scheidt Orgelmusik. Scheidt studierte Orgeltechnik bei dem renommierten Orgelchampion Jan Pieterszoon Sweelinck. Scheidts Tabulatura Nova von 1624 gilt als die erste wichtige deutsche Orgelsammlung. Scheidt nutzte die allgemeine Bass- und Klangentwicklung und schrieb dazu kontrastierend in die Melodie. Scheidt war besonders in Fantasiastücken aktiv, und seine Orgelmusik war von großer Bedeutung für die Entwicklung der norddeutschen Orgelmusik seiner Zeit.

Johann Hermann Schein gelang es, die moderne und italienische mit der deutschen Korallentradition zu vermischen. Unter anderem fügte er den Singstimmen ein dekoratives Lied hinzu und verteilte Sätze in die verschiedenen Stimmen, so dass sich die lutherische Kirchenmusik entwickelte. Er fügte später auch Solo-Instrumente hinzu und kontrastierte zwischen Soloparts und Stimmen mit allen i. Diese Werke, beide mit dem Namen Opella nova, setzen seit langem den Standard für Kirchenmusik unter den protestantischen Komponisten.

Heinrich Schütz war wahrscheinlich der einflussreichste der drei. Als Schüler von Giovanni Gabrieli und Monteverdi hatte er viel über den Gebrauch von Ton und Stimme gelernt, um die beste Botschaft zu bekommen. Er borgte Gabrielis Hauptorchestrierungen, zum Beispiel im Sakrament des Psalms David und Cantion, beide religiöse Lieder in Deutsch und Latein. Schütz schrieb auch Opern und Oratorien, blieb aber der reinen Instrumentalmusik fern. Schütz entwickelte die Kirchenmusik weit über diese Zeit hinaus weiter. Schütz wurde besonders berühmt für seine Fähigkeit, mehrere Kühe zu benutzen, wie Gabrielli, und die Kühe gegeneinander oder Solisten gegen den Chor aufzustellen. Dies bedeutete, dass er dramatische Erfahrungen machte, um den Text hervorzuheben. So kann Schütz sicher in die zweite Übung gebracht werden.