Niederländische und flämische Renaissancemalerei repräsentiert die Reaktion des 16. Jahrhunderts auf die italienische Renaissancekunst in den Niederlanden. Diese Künstler, die von den Antwerpener Manieristen und Hieronymus Bosch zu Beginn des 16. Jahrhunderts bis zu den späten Nordmanieristen wie Hendrik Goltzius und Joachim Wtewael am Ende reichten, griffen sowohl die jüngsten Neuerungen der italienischen Malerei als auch die lokalen Traditionen der Früh Niederländische Künstler. Antwerpen war das wichtigste künstlerische Zentrum in der Region. Viele Künstler arbeiteten für europäische Gerichte, darunter Bosch, dessen fantastische gemalte Bilder ein langes Erbe hinterlassen haben. Jan Mabuse, Maarten van Heemskerck und Frans Floris waren maßgeblich daran beteiligt, italienische Vorbilder zu übernehmen und in ihre eigene Sprache zu integrieren. Pieter Brueghel der Ältere, mit Bosch der einzige Künstler aus der Zeit, um weithin bekannt zu bleiben, mag untypisch erscheinen, aber in der Tat griffen seine vielen Innovationen auf die fruchtbare künstlerische Szene in Antwerpen zurück.

Holländische und flämische Maler waren auch maßgeblich daran beteiligt, neue Themen wie Landschaftsmalerei und Genremalerei zu etablieren. Joachim Patinir zum Beispiel spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Landschaftsmalerei und erfand den kompositorischen Typ der Weltlandschaft, der von Pieter Bruegel dem Älteren perfektioniert wurde, der, gefolgt von Pieter Aertsen, auch zur Popularisierung der Genremalerei beitrug. Ab der Mitte des Jahrhunderts etablierte Pieter Aertsen, später gefolgt von seinem Neffen Joachim Beuckelaer, eine Art „monumentales Stilleben“ mit großen Aufstrichen von Speisen mit Genrefiguren, und im Hintergrund kleine Ordensleute. Wie die Weltlandschaften repräsentierten diese eine typische „manieristische Umkehrung“ des normalen Dekors der Hierarchie der Genres, was dem „niedrigeren“ Subjekt mehr Raum gab als dem „höheren“. Anthonis Mor war der führende Porträtmaler der Mitte des Jahrhunderts, der in Gerichten in ganz Europa für seine zuverlässigen Porträts in einem Stil gefordert wurde, der niederländische Präzision mit den Lehren von Tizian und anderen italienischen Malern verband.

Nordischer Humanismus
Am Ende des fünfzehnten Jahrhunderts war der Zugang zu einer humanistischen Kultur nicht mehr nur für einige Avantgarde-Zentren reserviert, sondern verbreitete sich entlang der langen und breiten kommerziellen Straßen des Kontinents. Das nordische Gebiet war im allgemeinen ein lebendiges Land mit vielen Kontakten zum italienischen Humanismus. Wenn sich einerseits die klassische Kultur ausbreitete, wurden andererseits die Forderungen nach einer intensiveren und direkteren Religiosität immer drängender, in der Opposition immer offener für die Skandale der römischen Kurie.

Protagonist dieser Saison war Erasmus von Rotterdam, der die Orientierung des moralischen und religiösen Denkens zu Beginn des 16. Jahrhunderts meisterhaft interpretierte. In der Adagia (1508) bot er eine wirksame Verbindung von Volksweisheit, klassischen Zitaten und gesundem Menschenverstand, aber vor allem mit dem berühmten 1509 erschienenen Elogio della follia stellte er die Grundlagen des traditionellen Humanismus in Frage und drängte auf ein Umdenken Themen wie Geschichte, Moral und Religion.

Die Verbreitung des Druckens in beweglichen Lettern ermöglichte bis dahin einen Zugang zu Bildung, Alphabetisierung und Kultur in immer größeren Teilen der Bevölkerung. Städte, die sowohl bei der Herausgabe von Klassikern als auch modernen Werken redaktionell sehr aktiv sind, wurden zu wahren Kulturgeschichten wie Antwerpen in Flandern.

Historisch-territoriale Entwicklung

Antwerpen
Weitaus mehr als die spanischen Häfen wurde Antwerpen zum weltweiten Zentrum für die Sortierung von Kolonialwaren. Diese wirtschaftliche Bedeutung führte auch zu einer kulturellen und künstlerischen Dominanz, die auf der Wiederbelebung italienischer Modelle beruhte. Eine offene, hochkultivierte, kosmopolitische und tolerante Stadt mit erstklassigen mehrsprachigen typografischen Aktivitäten. Auch nach der Reformation blieb Antwerpen dem Katholizismus verbunden und wurde zu einem Vorposten der Gegenreformation vor den calvinistischen Vereinigten Provinzen.

Künstler wie Hieronymus Bosch, Quentin Metsys, Pieter Brueghel d. Ä., Mabuse und Jan van Scorel siedelten sich dort nach ihren Reisen in Italien an, wo sie den Sinn für Monumentalität und Perspektive erlernten und oft als Protagonisten an der Bildung des “ Weise modern „, in der nördlichen Version“ Romanismus „genannt.

Zu dieser Zeit entstanden große Konventualkomplexe, die verschiedenen religiösen Orden anvertraut wurden.

Aber auch hier gab es Wellen des Ikonoklasmus der Protestanten, wie jene von 1579 – 1580, die viele der Kunstwerke in der Kathedrale zerstörten und dann durch die großen Klingen von Rubens ersetzten.

Brüssel
Zu Beginn des 16. Jahrhunderts musste Brüssel den Rang der Hauptstadt des Herzogtums Burgund zugunsten von Mechelen, gewählt von der Regentschaft Margarete von Österreich, verlassen und dann von Karl V., der im benachbarten Gent geboren wurde, wieder anvertraut werden.

Das sechzehnte Jahrhundert markierte eine glänzende historische Phase für Brüssel, die mit dem Bau der Residenz des spanischen Königshauses am Grand Place (1536) und dem Erreichen der klaren Dominanz in Europa bei der Herstellung von Tapisserien gipfelte. Die lokale Bildschule, im Gefolge von Antwerpen, öffnete sich den italienischen Neuheiten und verschmolz auch mit anderen Vorschlägen: Der traditionelle Geschmack für das beschreibende Detail war die Grundlage für die Entstehung von Genre – Malerei, populärkulturell inspirierten Themen, die mit Themen wie Vernunft und Irrationalität (typisch für Bruegels Tätigkeit, die Antwerpen auf dem Höhepunkt seiner Karriere in Brüssel verließ), während die starke andächtige Komponente den Gemälden von Adrian Isenbrant, Lancelot Blondeel und den Dubroeucq-Skulpturen zugrunde lag.

Im Jahr 1556 überschritt die Stadt 100.000 Einwohner, aber die Abdankung von Karl V. führte zu einer blutigen Periode von Revolten, genannt Unruhen. Die dem Herzog von Alba anvertraute Unterdrückung kulminierte mit der Enthauptung der Grafen von Egmont und von Hornes auf dem Grand Place und mit der Kapitulation der Protestanten an Philipp II. 1585.

Die Vereinigten Provinzen
In einem unabhängigen, von der Orange geführten Prozess begannen die nördlichen Niederlande 1535 einen historischen Prozess, der sie zu einer Differenzierung, religiöser, wirtschaftlicher und kultureller, immer tiefer mit den südlichen Provinzen führte, die in der Geburt der holländischen Nation gipfelte. Während des gesamten 16. Jahrhunderts erlebten die Vereinigten Provinzen eine außerordentliche kulturelle Lebendigkeit, eine Widerspiegelung der zunehmend florierenden kommerziellen Situation, die im siebzehnten Jahrhundert, dem Goldenen Zeitalter, gipfelte.

Die humanistische Bewegung hatte mit Erasmus von Rotterdam eine Vorreiterrolle inne, während sie in der figurativen Kunst Maler und Graveure wie Hieronymus Bosch und Luca da Leida triumphierte. Jahre später, während des Manierismus, wurden die Schulen von Utrecht und Haarlem für italienische Modelle wichtig.

Die zweite Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts war eine durch Kriege, Revolten und Unabhängigkeitsbestrebungen von Spanien stark erschütterte Zeit, ohne jedoch die grandiose wirtschaftliche Blüte zu beeinträchtigen, die auf der ausgezeichneten Hafenorganisation und der fortgeschrittenen nautischen und kommerziellen Technologie beruhte neue Überseerouten. Wenn in den südlichen Provinzen die Revolte im Blut abgebrochen wurde, wird in den nördlichen Provinzen der autonome Drang durch die Ermordung Wilhelms I. von Oranien (1584), Leutnant und Condottiere der Unabhängigkeit, nicht einmal gestoppt. Die calvinistische Religion, tolerant gegenüber anderen Konfessionen, und die niederländische Sprache waren bereits zu einer Basis nationaler Identität geworden,

Die Protagonisten

Hieronymus Bosch
Hieronymus Bosch, der visionäre Meister an der Wende des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts, lebte und arbeitete fast immer in der Heimatstadt von ’s-Hertogenbosch. Autor von großen Triptychen, bevölkert von zahllosen symbolischen und bewegenden Figuren, schwer zu interpretieren, machte zwischen 1500 und 1503 eine Reise nach Venedig und bei seiner Rückkehr, beeinflusst auch von Dürer, wurden seine Werke durch ein größeres räumliches Bewusstsein, neue chromatische Effekte und ein Sinn für die Landschaft so weit das Auge reicht, wie es zum Beispiel im Triptychon der Versuchungen des heiligen Antonius und im Triptychon der Epiphanie zu sehen ist.

In den Jahren 1503 – 1504, zurück in seiner Heimatstadt, die jetzt einen europäischen Ruf hat, wechselte er kleine Aufträge für lokale Bruderschaften mit Aufträgen von ausländischen Sammlern. Die letzte Phase ist von einer stärkeren Aneignung des italienischen Standpunktes geprägt, mit synthetischen und monumentalen Protagonisten, oft Halbfiguren, die die Vielzahl der beobachteten Figuren mit erhobenem und entfernterem Blickwinkel ersetzen.

Der Reichtum an Erfindungsreichtum in seinen Werken, wahre Visionen, hat Gelehrte oft abgelenkt, indem sie historisch nicht kompatible Lehren, wie die Psychoanalyse, in Frage gestellt und eine korrekte Lektüre verhindert hat. Sicherlich ging sein Werk Hand in Hand mit den religiösen und intellektuellen Lehren Mittel-Nordeuropas, die im Gegensatz zum italienischen Humanismus die Überlegenheit des Intellekts leugneten und eher transzendente und irrationale Aspekte in den Vordergrund stellten: Sie sind ein Beispiel für die frühen Ausarbeitungen von Martin Luther und die Werke von Sebastian Brandt und Erasmus von Rotterdam. Das Grundthema seines Werkes scheint somit die Freiheit zu sein, die Gott dem Menschen gewährt, sein Fall in das Laster und der daraus folgende Abstieg in die Hölle. Ein gewisser Pessimismus belebt seine zum Verderben gerichtete Sicht der Menschheit, in der nur das Beispiel Christi und der Heiligen den Schlüssel zur Erlösung geben kann.

Dieses moralische Programm wird mit einer brillanten Bildtechnik umgesetzt, in der die Motive aus unterschiedlichsten Quellen, einschließlich der Beobachtung des Alltäglichen, auf originelle Weise kombiniert und überarbeitet werden. Die Lieblingsform ist die des Triptychons, die eine dreistufige Straffung der Geschichte mit einer „moralischen“ abwertenden Progression von links nach rechts ermöglicht. Oft enthalten sogar die verschlossenen Türen weitere Erläuterungen zum Thema.

Mabuse
Jan Gossaert, Spitzname „Mabuse“, aus dem alten Namen des Geburtsortes von Maubeuge, war einer der einflussreichsten Künstler des frühen sechzehnten Jahrhunderts nördlich der Alpen, für die Vielfalt und den Reichtum der angesprochenen Themen. Er besuchte Rom zu Beginn des sechzehnten Jahrhunderts nach Philipp von Burgund und entwickelte sofort einen ganz besonderen Stil, in dem auf die Tradition der flämischen Primitiven Elemente der modernen italienischen Manier aufgepfropft wurden, wie die perspektivische Wiedergabe, der monumentale Atem des Figuren, der Sinn des Lichts lebendig.

Der dekorative Überfluß der nie vergessenen spätgotischen Tradition wird jetzt schon in Manierismus projiziert.

Luca da Leida
Luca da Leida, der außergewöhnlich talentiert ist, wurde in seiner Werkstatt in Cornelis Engebrechtsz ausgebildet. Vor zwanzig Jahren war er ein Neuling im Kupferstich und nach Dürer einer der produktivsten und begehrtesten Vertreter dieser Kunst.

In den Gemälden wie in den Drucken verband er die traditionellen biblischen Themen mit frühreifen „Gender“ Themen, verbunden mit dem täglichen Leben und der bäuerlichen Gesellschaft. Beeinflusst von der italienischen Schule von Antwerpen lernte er Dürer persönlich kennen und interessierte sich mehr und mehr für den Humanismus.

In der reiferen Phase wandte er sich der Suche nach größerer kompositorischer Freiheit zu, wie in den großen Triptychen des Goldenen Kalbes und des Jüngsten Gerichts.

Quentin Metsys
Quentin Metsys, ursprünglich aus Leuven, trainierte im Dieric Bouts Workshop, dann im Klima der letzten flämischen Primitiven. Er ließ sich in Antwerpen nieder und steuerte die örtliche Schule im frühen 16. Jahrhundert auf den italienischen Geschmack, der immer noch im Gefolge von Rogier van der Weyden und Hans Memling lag. Eine Reise nach Italien bereicherte seine Kunst der Anregungen vor allem mit Leonardo da Vinci und seiner Nuance.

Offen für die humanistische Kultur und den sehr breiten kulturellen Interessen ausgesetzt, war er ein Freund von Erasmus von Rotterdam und Thomas More, der auch seine geistige Vielseitigkeit in seine Werke einfließen ließ, die in der Lage war, Felder wie Realismus und Groteske zu erforschen.

Joachim Patinier
Ausgebildet in Brügge zog Joachim Patinir um 1515 nach Antwerpen, wo er die Werke Boschs bewunderte, von denen er den visionären Geschmack und die Fähigkeit, aus der bizarren Kombination realistischer Details fantastische Szenarien zu schaffen, wieder aufnahm. Er gehörte zu den Landschaftsspezialisten, bevor er ein autonomes Thema wurde und das Erbe der Donau-Schule sammelte.

In seinen Arbeiten, mit einer sehr weit ausgreifenden Vogelperspektive, gibt es immer aktuelle Sujets, die, wie klein sie auch sein mögen, den Vorwand der Repräsentation liefern. Wenig interessiert an der Darstellung der menschlichen Figur, wurde ihm manchmal von Quentin Metsys geholfen, während seine Landschaften beispiellos sind, gespielt in intensiven Blau- und Grüntönen, oft dramatisiert durch starke Kontraste zwischen friedlich ruhigen Gebieten und Gebieten, in denen die Natur verstörend und wild ist .

Joos van Cleve
Joos van Cleve war ein weiterer bedeutender Künstler der Antwerpener Schule, der eine Verbindung zwischen der Primitivo-Saison und dem Manierismus darstellte. Dank seiner vielen Reisen berührte er viele Nationen und erreichte einen eklektischen Stil, belebt durch italienische Vorschläge, aber auch Deutsch, Französisch (er besuchte das Fontainebleau von Francis I, um 1530) und Englisch.

Er schätzte Leonardo, von dem er die Physiognomie seiner Madonnen zeichnete, die von Patinir dem weiten Horizont in den Landschaften genommen wurden, ehrte Dürer in den Porträts, einschließlich der berühmten von Francis I von Frankreich und seiner Frau Eleonora von Österreich.

Frans Floris
Frans Floris, der in der Schule von Antwerpen aktiv war, war das Bindeglied zwischen der Generation der ersten „Italianisten“ (Metsys, Mabuse, van Cleve) und dem internationalen Manierismus, mit einem melancholischen Sinn für ein goldenes Zeitalter, das zum Abschluss gebracht wurde. Nach seiner Ausbildung in Lüttich und während einer Reise nach Italien gründete er ab 1546 ein sehr aktives Geschäft in seiner Stadt. Sein monumentaler Stil, der mit der italienischen Kunst sogar in mythologischen und allegorischen Fächern verbunden war, erregte manchmal Reize aus dem Alltagsrealismus, von denen einige berühmte Künstler waren machte Dolmetscher. Es war einer der direkten Bezugspunkte für den jungen Rubens.

Pieter Aertsen
Geboren und gestorben in Amsterdam, aber hauptsächlich in Antwerpen tätig, interpretierte Pieter Aertsen mit Originalität den italienischen Geschmack der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts, führte populäre Themen und einen starken Realismus ein, um als unmittelbarer Vorläufer der „Bauern“ angesehen zu werden. von Bruegel dem Älteren und Pionier des Stilllebens.

Evangelikale Subjekte werden oft als Vorwand benutzt, in sekundäre Bereiche des Bildes verbannt, um Marktszenen oder gut ausgestattete Küchen zu inszenieren und die Grundlagen für die Genremalerei zu legen. Sofortig war sein Erfolg, der ihn zu einem der gefragtesten Künstler für die fürstlichen Sammlungen Europas machte.

Pieter Bruegel der Ältere
Pieter Bruegel the Elder war in Antwerpen, Brüssel und Amsterdam aktiv. Neben dem klassischen Geschmack und dem italienischen Geschmack fast unzugänglich, war er trotz einer Reise nach Neapel in den Jahren 1552 – 1556 als Zeichner, Graveur und Maler tätig. Seine Poetik basiert auf Themen wie der Populärkultur, dem Gefühl der Natur, dem Vergehen der Jahreszeiten, der Ironie, der Banalität des Daseins, zu der auch die heiligen Themen entzaubernd führen.

Im Jahr 1565 begann er seinen ambitionierten Zyklus, verbunden mit den Monaten des Jahres, von denen heute fünf große Tische erhalten sind, während seine Szenen des ländlichen Lebens berühmt sind. Wie Bosch war seine Kunst wesentlich mit der lokalen Tradition verbunden, mit kleinen Figuren und einem sehr hohen und entfernten Blickwinkel, der sich am Ende seiner Karriere monumentalen Formen zuwandte und dem Betrachter nahe kam. Er ist ein außergewöhnlicher Landschaftskünstler, der Joachim Patinier und die Donau-Schule Vorschläge macht und ein episches und grandioses Gefühl entwickelt, das untrennbar mit dem Leben und der täglichen Arbeit des Menschen verbunden ist.

Jan van Scorel
Jan van Scorel war vielleicht der flämische Künstler, der im 16. Jahrhundert in Italien am erfolgreichsten war. Er hielt sich in Rom auf und trat in den Kreis Raffaels ein, um nach seinem Tod den Posten des konservativen antiken Vatikan abzudecken. Seine Kunst ist emblematisch für den italienischen Geschmack, der die flämisch-niederländische Kunst jener Zeit durchdrang, die er nach seiner Rückkehr nach Hause nutzte, indem er sich auf den beginnenden manieristischen Stil mit einer Vorliebe für den venezianischen Stil von Giorgione und Tizian orientierte .

Maerten van Heemskerk
Maerten van Heemskerk war der begabteste Schüler von Jan van Scorel, um die Antipathien des Meisters zu wecken. In seiner langen Karriere erforschte er zahlreiche Themen und Stile mit überraschender Duktilität und einem starken dynamischen Interesse an Erneuerung. Gemeinsame Elemente sind jedoch die Exzellenz des Designs und die Bezugnahme auf Italien. Er besuchte Rom und, unter Überwindung des allgemeinen Raffaellismus der örtlichen Schule, verstärkte er seine Produktion mit plastischen Akzenten, die von Michelangelo und der klassischen Skulptur abgeleitet wurden.

Als er nach Hause kam, war er ein wahrer Interpret des Manierismus, mit nervösen grafischen Akzenten, die sich auf die Erinnerungen von Pontormo und Parmigianino beziehen. Die „hohe“ Produktion von sakralen und mythologischen Themen wechselte zu effektiven und prosaischen Porträts, Stillleben, Landschaften und anderen Kompositionen, in denen die sukzessiven Entwicklungen der Genremalerei in den Niederlanden gelesen werden können.

Anthonis Mor
Anthonis Mor war einer der am meisten gefeierten nordischen Porträtmaler des späten sechzehnten Jahrhunderts. Nach einem persönlichen Gespräch mit Tizian in Augsburg im Jahr 1548 entwickelte er einen monumentalen, monumentalen Stil, der perfekt war, um die Aristokratie seiner Zeit zu repräsentieren, inspiriert von den Diktaten des spanischen Hofes Philipps II. Er reiste viel und sammelte das Vermächtnis großer Künstler wie Holbein der Jüngere und des gleichen Tizian, die Wahrscheinlichkeit, Erhöhung des sozialen Ranges und psychologische Seiten, die sogar leicht gequält waren, wie die Einsamkeit der Mächtigen, verband.

Um das siebzehnte Jahrhundert
Zu Beginn des 17. Jahrhunderts bewegten sich Flandern und die Niederlande nun auf verschiedene Schicksale zu, obwohl sie noch immer eines der wichtigsten Gebiete in ganz Europa darstellten.

Wenn die außergewöhnliche Zeit des Goldenen Zeitalters, die von Künstlern von allgemeinem Wert wie Rembrandt und Vermeer beherrscht wurde, in den Niederlanden begann, manifestierte sich der italienische Vorstoß in Südflandern mit Künstlern wie Rubens, der in Italien zu den ersten Künstlern zählte das trug zur Entwicklung von etwas Neuem bei, der beunruhigenden barocken Kunst.

Stilistische Entwicklung
Italienische Einflüsse der Renaissance zeigen sich um 1500 auf der frühniederländischen Malerei, aber in vielerlei Hinsicht war der ältere Stil bemerkenswert hartnäckig. Antwerpener Manierismus ist eine Bezeichnung für Maler, die einen gewissen italienischen Einfluss zeigen, aber hauptsächlich den Stil und die Themen der älteren Meister beibehalten. Hieronymus Bosch ist ein sehr individueller Künstler, dessen Arbeiten seltsam und voller irrational erscheinender Bilder sind, die die Interpretation erschweren. Vor allem aber erscheint es überraschend modern, indem es eine Welt der Träume einführt, die eher mit der gotischen Kunst zu tun hat als mit der italienischen Renaissance, obwohl einige venezianische Drucke aus derselben Zeit einen vergleichbaren Grad an Phantasie aufweisen. Die Romanisten waren die nächste Phase des Einflusses und nahmen die italienischen Stile wesentlich gründlicher an.

Nach 1550 beginnen die flämischen und holländischen Maler mehr Interesse an Natur und Schönheit „an sich“ zu zeigen, was zu einem Stil führt, der Elemente aus der Renaissance miteinbezieht, aber weit entfernt von der eleganten Leichtigkeit der italienischen Renaissance bleibt und direkt zu den Themen der große flämische und niederländische Barockmaler: Landschaften, Stillleben und Genre-Malerei – Szenen aus dem Alltag.

Diese Entwicklung ist in den Werken von Joachim Patinir und Pieter Aertsen zu sehen, aber das wahre Genie unter diesen Malern war Pieter Brueghel d. Ä., Der für seine Darstellungen von Natur und Alltag bekannt ist und eine Vorliebe für den natürlichen Zustand des Menschen zeigt zeige den Bauern anstelle des Prinzen.

Der Fall von Ikarus (heute tatsächlich eine Kopie einer Brueghel-Arbeit), obwohl in vielerlei Hinsicht höchst untypisch, verbindet mehrere Elemente der Renaissance-Malerei der Nordstaaten. Es deutet auf das erneuerte Interesse für die Antike (die Ikarus-Legende) hin, aber der Held Ikarus ist im Hintergrund versteckt. Die Hauptakteure des Gemäldes sind die Natur selbst und vor allem der Bauer, der nicht einmal von seinem Pflug aufblickt, wenn Ikarus fällt. Brueghel zeigt den Menschen als Antihelden, komisch und manchmal grotesk.

Gemälde
In der Malerei umfasst die flämische Renaissance von den Anhängern von El Bosco und dem Antwerpener Manierismus zu Beginn des 16. Jahrhunderts bis zu den späten Manieristen des Nordens, wie Hendrik Goltzius und Joachim Wtewael, die auf den Beginn des 17. Jahrhunderts zurückgehen . Sie basieren sowohl auf den Innovationen der italienischen Malerei als auch auf lokalen Traditionen. Antwerpen war 1576 das wichtigste künstlerische Zentrum der Region, mit großer Kraft bis in die Tasche Antwerpens. Viele flämische Künstler entwickeln ihre Werke in anderen Teilen Europas, wie Jan Mabuse, Maarten van Heemskerck und Frans Floris, die eine Rolle spielten zentrale Rolle bei der Übernahme italienischer Modelle, um sie in ihre eigene künstlerische Sprache zu integrieren. Die flämischen und holländischen Meister des 16. Jahrhunderts trugen entscheidend zur Herausbildung neuer Bildthemen bei, wie Landschafts- (Joaquín Patinir) oder Genreszenen (Pieter Brueghel d. Ä. Oder Pieter Aertsen).

Die Einflüsse der italienischen Renaissance, obwohl sie in den primitiven Flamen von Anfang an angesichts der fließenden Handelsbeziehungen zwischen Italien und Flandern zu spüren waren, veränderten die Kontinuität der hauptsächlich gotischen Bildtradition der flämischen Malerei nicht wesentlich bis ins sechzehnte Jahrhundert. Der so genannte „Maniersmo de Antwerp“ ist eine Bezeichnung für eine Gruppe von Malern, die Teil eines italienischen Einflusses sind, aber im Wesentlichen als Anhänger des Flamenco-Stils der alten Meister bleiben. Was El Bosco, einen sehr eigenwilligen Künstler, betrifft, entwickelte er eine sehr persönliche und individualistische Kunst (zugleich „archaisch“ und „modern“), scheinbar irrationale Ikonographie, sehr komplexe Interpretation, die mehr als ein neuer Stil zu a gute Anzahl von Nachahmern (wie Jan Mandyn oder Frans Verbeeck).

Eine zweite Phase ist die der sogenannten „Romanisten“; Sie nehmen italienische Einflüsse viel radikaler an.

Seit der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts beginnen flämische und holländische Maler Interesse an der Natur und der Schönheit an sich zu zeigen, was zu einem Stil führt, der Elemente der Renaissance enthält, aber weit entfernt von der eleganten Leichtigkeit der italienischen Meister bleibt und sich mit den Themen verbindet der großen Meister der flämischen und niederländischen Barockmalerei: Landschaften und Genreszenen.

Diese Entwicklung wird in den Werken von Joaquín Patinir (das Hauptthema, das bis auf religiöse Ausnahmen bleibt, wird von der Landschaft dominiert) und Pieter Aertsen (das gleiche, für das Stilleben), sowie in Pieter Brueghel der Ältere, der beobachtet in seiner Behandlung der Natur und des täglichen Lebens zeugt von einer Vorliebe für den natürlichen Zustand des Menschen unabhängig von seinem sozialen Status. Der Fall des Ikarus, der in vielerlei Hinsicht als untypisch gilt, verbindet mehrere Aspekte der nordischen Renaissance: das Interesse an der Antike, die Verstellung des Subjekts vom Vordergrund, das Bauernwerden ( Wer weder auf die Szene schaut, gibt dem Werk einen Namen), als auch auf das Bild selbst. Es zeigt den Menschen als Antiheld, komisch und manchmal grotesk.

Feature ist die Einführung der mythologischen Malerei und der nackten, selbst in Sachen religiösen bequemen Ausreden für die Darstellung von Szenen sexuellen Inhalts, starke Nachfrage auf dem Kunstmarkt, zunehmend unabhängig von den institutionellen Spezifiker.

Das Porträt
Das Bildporträt war seit den „Primitiven“ eines der beliebtesten Genres in der Flämischen Schule. 6 Im 16. Jahrhundert erreichte der Porträtschnitt mit Antonio Moro ein neues Niveau.

Karikaturen oder groteske, satirische und moralisierende Szenen
In vielen Fällen werden Ideen abgeleitet, die von den Präzedenzfällen im Genre der Karikatur und der Groteske abgeleitet sind, wie Leonardo da Vinci und Hieronymus Bosch selbst. Seine Lektüre ist satirisch und moralisierend. Ein bemerkenswertes Beispiel ist die Arbeit von Quentin Massys, der eine Beziehung mit Erasmus von Rotterdam hatte.

Landschaften und Genreszenen

Illustratoren und Graveure

Historiographie der Kunst
Karel van Mander („der Vasari des Nordens“) schrieb Het Schilder-Boek (1604), ein Äquivalent zu Le Vite für die flämischen Meister. Zu seinen Quellen gehört Picporum aliquot celebrium Germaniae inferioris effigies (1572), eine Sammlung von 23 Drucken von Dominicus Lampsonius, die die berühmtesten Flamenco-Maler porträtieren und mit anspielenden lateinischen Versen versehen (klassizistisch als „Germania“ bezeichnet) niedriger“). Was die Quellen dieser Sammlung anbetrifft, war zusätzlich zu der persönlichen Erfahrung seines Verfassers, mit Kontakten an der Akademie von Lambert Lombard, das Werk von Ludovico Guicciardini Descrittione di tutti i Paesi Bassi (1567).