Sammeln, Klassifizieren, Das Archiv, das Dokument und darüber hinaus, Andalusisches Zentrum für zeitgenössische Kunst

1985 wurde eine Reihe von Texten veröffentlicht, die zwischen 1976 und 1982 von Georges Perec unter dem gemeinsamen Titel desjenigen verfasst wurden, der das Buch schließt: Denken, klassifizieren. Basierend auf diesem Aufsatz stellt die Ausstellung eine der klassischen Funktionen eines jeden Museums vor, nämlich das Sammeln. Perec stellte drei Kategorien auf, die sich auf Bücher und deren Klassifizierung beziehen – die möglicherweise auf jede Sammlung übertragen werden könnten -: sehr einfach zu bestellen, nicht sehr schwer zu bestellen und fast unmöglich zu bestellen.

Diese neue Teilpräsentation der ständigen Sammlung des andalusischen Zentrums für zeitgenössische Kunst geht von einer der Achsen aus, die sie unterstützen, Archivierungspraktiken, um weiter zu gehen. Im Dialog mit den Ideen, die die Ausstellungssitzung Bad file betreffen (entnommen aus einem berühmten Aufsatz von Jacques Derrida), versucht er auf eine bestimmte Weise die persönliche Erfahrung zu übertragen, die Perec erzählt, wenn er in Bezug auf seine eigene Bibliothek bestätigt, dass „was nicht bestellt ist“ definitiv vorläufig ist vorläufig endgültig „. Bei der Arbeit mit einer bestimmten Sammlung, um temporäre Präsentationen zu erstellen, wird das Provisorische auch zu etwas Bestimmtem, während sich die Möglichkeit, verschiedene Geschichten zu etablieren, als eine Art Erfahrung herausstellt, die der von Perec ähnelt, wenn er das sagt. “ Manchmal verbringe ich drei Stunden damit, nach einem Buch zu suchen, ohne es zu finden, aber mit der gelegentlichen Befriedigung, weitere sechs oder sieben zu entdecken, die gleichermaßen nützlich sind. “

Diese Ausstellung versucht, diese gelegentliche Verzweiflung zu vermitteln, nicht das zu finden, wonach wir ursprünglich gesucht hatten, aber auch die Freude, das zu finden, was wir nicht erwartet hatten, um dort zu sein oder zumindest für das Objekt der Suche von solchem ​​Interesse zu sein. Die ursprüngliche Idee, Werke aus der CAAC-Sammlung zu sammeln, die an Archivierungspraktiken teilgenommen haben oder diesen nahe standen, wurde nicht so sehr umgesetzt, weil wir nicht das gefunden haben, wonach wir gesucht haben, sondern weil das Überlaufprodukt des Findens im Kurs von diesen anderen Werken, die wir gemacht haben, um über die Akte und damit auch das Dokument hinauszugehen.

Höhepunkte

Zimmer Serie
Bleda Y Rosa (Castellón, 1969 y Albacete, 1970)
Während wir an ihrer Serie Cities arbeiteten, begannen wir, Räume zu fotografieren, die sich auf die Stadt beziehen. Dies war der Beginn unserer besonderen Aufmerksamkeit und unseres Interesses an symbolischen und monumentalen Räumen – Palästen, Adelsvillen, majestätischen Städten -, die eine doppelte Natur aufweisen: Sie waren Zentren der Macht und Entscheidungsfindung, aber auch gelebte Räume, Orte der Privatsphäre für eine Vielzahl von Persönlichkeiten. Dieser Zustand spricht auch von einer doppelten Zeitlichkeit: der Zeit des historischen Ereignisses und der Zeit, die zur persönlichen biografischen Zeit gehört. Diese besondere Spannung in der Natur der Räume in den Räumen wird durch die Fragmentierung der Architektur erfasst und akzentuiert, wobei Säulen, Böden oder Ecken einen fühlbaren und intimen Raum hervorrufen und der Monumentalisierung widerstehen. Unsere Bilder beschreiben diese Räume nicht und platzieren uns nicht in ihnen, sondern veranlassen uns, sie zu erleben und durch Evokation zu ihnen zurückzukehren.

Lebte hier meine Familie?, 2008
Terry Berkowitz (Brooklyn, Nueva York, USA, 1953)
1997 verbrachte Terry Berkowitz sechs Monate in unserem Land, um die Vertreibung der Juden und ihre anschließende Verfolgung durch die Inquisition zu untersuchen. Sie identifizierte und fotografierte die Tore von Häusern aus dem 15. Jahrhundert, die denen gehörten könnten, die von ihnen und ihrem Leben in Sefarad enteignet waren. Die in Städten wie Granada oder Toledo fotografierten Tore versetzen uns in eine Zeit zurück in ein dramatisches Kapitel der Geschichte, in verlassene Häuser, in die es keine Rückkehr geben würde.

Das Projekt „Is This Where My Family Lived?“ Erzählt uns eine Geschichte des Verlusts und verkörpert die Hoffnung dieser New Yorker Künstlerin, sich selbst zu finden und durch Fotografien von Toren, die die Geschichte symbolisch zum Stillstand gebracht haben, in eine verlorene Vergangenheit zurückzukehren.

Wir sehen uns in dem Video 1492, das die Fotografien begleitet, und es versetzt uns in diese historische Ära der Verlassenheit. Mit den Worten der Künstlerin selbst: „Die Ausstellung ist ein Traum von der Suche nach Heimat durch die Jahrhunderte und durch die Straßen.“

Nube de imágenes, 2003
Ricardo Cadenas (Sevilla, 1960)
Eine Kritik an öffentlichen Bildern. Das ist der Schwerpunkt der Arbeit von Ricardo Cadenas. Öffentliche Bilder beziehen sich auf alles, was jeden Tag in den Zeitungen, in der Werbung, auf den Leuchtreklamen der Stadt, auf den elektronischen Anzeigetafeln an Bahnhöfen und Flughäfen sowie in redaktionellen Cartoons, Comics und Postern erscheint. In dieser Hinsicht wurzelt Cadenas ‚Arbeit in der Pop-Art. Seine Interessen liegen näher an der Arbeit von Jasper Johns und Robert Rauschenberg als an Warhols automatisierter Kälte. Mit seinen Kunststoffen erkundet der Künstler die Kluft zwischen Malerei und der Vielzahl von Bildern, die, ob es ihnen gefällt oder nicht, Druck auf unser Gehirn ausüben. Seine Ausdrucksmittel sind in erster Linie Zeichnung und Collage, mit denen er den Prozess seiner Arbeit öffnet, erforscht und reift.

Nube de imágenes ist eine Collage, die es ihm ermöglicht, die Bedeutung sehr gewöhnlicher Materialien zu ändern und eine neue Bedeutung in unserer Vorstellung hervorzurufen, indem er bestimmte Bilder auf eine Weise mit anderen verbindet, die sich von der Art und Weise unterscheidet, wie wir ihnen jeden Tag begegnen. In den eigenen Worten des Künstlers: „Ich versuche mit meiner Arbeit zu zeigen, dass in dieser Vielzahl von Bildern etwas verborgen ist, das uns jeden Tag angreift, etwas, das nicht offensichtlich ist.“ Und er fügte hinzu: „Ich möchte, dass das Bild wie eine Karte und nicht wie eine Folge statischer Figuren betrachtet und gelesen wird. Meine Bilder sind mehr Indizes als Objekte. Sie zeigen in verschiedene Richtungen, fördern verschiedene Wege. Anstatt zur Kontemplation einzuladen, regt das Bild zur Erforschung der Perspektive an. “

Sin título, 2001
Gonzalo Puch (Sevilla, 1950)
Nachdem Gonzalo Puch seine künstlerische Karriere als Maler in den 80er Jahren mit einer neoexpressionistischen Sprache begonnen hatte, die der gestischen Abstraktion nahe kommt, begann er im folgenden Jahrzehnt mit dem Fotografieren und widmet sich bis heute der Fotografie. Seine Arbeit ist Teil eines fotografischen Trends, der als „Document-Fiction“ bezeichnet werden kann und in dem der Künstler versucht, fiktiven Geschichten ein reales Erscheinungsbild zu verleihen.

Auf diesem Foto sehen wir eine Wand, die mit Bildern bedeckt ist, die von Duchamp bis zu einer Werbung für Damenstrumpfhosen reichen. Es ist ein Repository, das unsere Fähigkeit zur Ableitung in Frage stellt, wie eine Gruppe von Referenzen, die einen zentralen Thread benötigen, um ihnen Sinn zu geben, oder ein Text, der in nicht entzifferbaren Zeichen geschrieben ist und jedem offen steht, der sich bemüht, sie zu verstehen.

Es besteht eine Spannung zwischen dem visuellen Ganzen und den Details, die durch das Betreten eines Raums entsteht, bevor wir unser Sehvermögen fokussieren und klar unterscheiden können, was an einem bestimmten Ort liegt. Sie sind die Formen einer „gestohlenen Szene“ – was man finden könnte, wenn man plötzlich die Tür öffnet. Das Erkennen der Komplexität und des Reichtums von Lebenserfahrungen führt dazu, dass der Künstler versucht, Elemente zu akkumulieren, anstatt sie zu sortieren.

Portfolio Compleat (1985 – 2012)
Guerrila Girls (New York, USA, 1985)
Die Guerilla Girls sind eine anonyme Gruppe weiblicher Künstler, die 1985 in New York gegründet wurde und dafür bekannt ist, bei ihren Protesten gegen die männliche Vorherrschaft Gorillamasken zu tragen. Sie nehmen unter anderem die Namen toter Künstler wie Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein oder Georgia O’Keeffe an und verbergen ihre wahre Identität, um die Leistungen dieser Frauen zu feiern.

Die Interventionen der Guerilla Girls zielen darauf ab, männliche Traditionen in der patriarchalischen Gesellschaft und in Bezug auf das künstlerische Feld auszugleichen und anzuprangern. Ihr Diskurs, der sowohl analytisch als auch kritisch ist, wird durch einen Sinn für Humor gestützt, wie sich in ihren Handlungen, Aussagen, Diskussionen, Debatten und Ausstellungen zeigt.

Mit über 30 Jahren Geschichte hat diese Gruppe eine Vielzahl von Postern, Büchern, Zeichenprojekten, grafischen Veröffentlichungen und Interventionen produziert, die den Sexismus und die Diskriminierung von Frauen in der Welt der bildenden Kunst, des Kinos und der Kultur im Allgemeinen anprangern.

Portfolio Compleat, definiert von der Gruppe selbst als Symbol des „Gewissens der Kunstwelt“, umfasst Bücher, Magazine und Poster, die die visuelle Sprache des Marketings verwenden, um ihre Botschaft schnell und direkt zu vermitteln.

Das neue Fünf-Fuß-Regal, 2001
Allen Ruppersberg (Cleveland, Ohio, USA, 1944)
Allen Ruppersberg gehört zur ersten Generation nordamerikanischer Künstler, die Elemente der Massenmedienkultur aus kritischer Sicht nutzen. Seine Arbeit reflektiert die Beziehungen zwischen scheinbar widersprüchlichen Konzepten – Realität und Fiktion, Hoch- und Niedrigkultur, öffentlicher Raum und privater Raum usw. Während seiner Karriere hat sich Ruppersberg einer Vielzahl künstlerischer Werkzeuge und Techniken wie Installationen und Performances zugewandt , Zeichnungen, Diashows, Collagen oder Videos und hat literarische Ressourcen, autobiografische Referenzen und Objekte aus der Populärkultur verwendet, um ästhetische Kategorien wie „Autorenschaft“, „künstlerische Arbeit“ oder „Ausstellungsraum“ zu überdenken und die Grenzen zwischen Original und seine Kopie oder Kopien. Sein Hauptziel ist es, „eine demokratischere Art von Kunstobjekt“ zu fördern und die Sphäre der Ausstellungsräume zu erweitern, wobei die Gesamtheit der Mechanismen der Produktion, Verbreitung und Rezeption ästhetischer Inhalte in Frage gestellt wird.

In jüngerer Zeit hat Allen Ruppersberg Stücke wie The New Five Foot Shelf geschaffen, die er selbst als „großartige biografische Arbeit“ definiert hat, darunter unter anderem lebensgroße Fotografien der verschiedenen Teile seiner Werkstatt, die er in New York City besetzt hat von 1986 und 2001 und zahlreiche Texte und Objekte aus seinen persönlichen Archiven. Ruppersberg präsentiert sein Atelier, seine Arbeit und die Spuren seiner Quellen – bildlich und wörtlich – und lädt uns ein, in seinen Schuhen zu stehen oder zumindest an seinem Schreibtisch zu sitzen. Für einen Künstler, dessen Praxis sich auf das Lesen konzentriert, ist die Bereitstellung dieser Texte metaphorisch gleichbedeutend damit, dem Betrachter den Pinsel und die Palette des Malers zu geben und sie in seinem Atelier loszulassen.

Flugzeuglandung, Collagen
Aleksandra Mir (Lubin, Polonia, 1967) Diese Arbeit ist ein natürliches Nebenprodukt des Flugzeuglandungsprojekts von Aleksandra Mir. Ihre Arbeiten pendeln gewöhnlich zwischen einer Welt bedeutsamer Ereignisse und Taten und dem Reich des Gewöhnlichen, des Recycelten und des Individuellen. Die ursprüngliche Flugzeuglandung war ein riesiger Ballon in Form eines Flugzeugs der in Bristol ansässigen Firma Cameron Balloons. Das mit Helium gefüllte Flugzeug war in einem permanenten Landezustand aufgehängt und schaffte es nie ganz, Kontakt mit dem Boden aufzunehmen. Nachdem die konzeptionelle Arbeit der Künstlerin abgeschlossen war, musste sie warten, bis die Ingenieure der Firma mit dem Entwurf des Flugzeugs fertig waren. Mir erklärt, dass ich, um ihr Interesse an der Luftfahrt aufrechtzuerhalten, „die ersten technischen Zeichnungen aus der Fabrik verwendet und Collagen angefertigt habe, um mir mögliche Orte vorzustellen, an denen das Flugzeug erscheinen könnte“. In den meisten dieser Kompositionen verwendet der Künstler die Werbung, in der die weibliche Figur sexuell verwendet wird.

Marx Lounge, 2010
Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956)
Die einflussreichsten Ideen von Karl Marx sind bis heute umstritten. Dies zeigen die zahlreichen jüngsten Symposien, Veröffentlichungen und Ausstellungen auf der ganzen Welt. Der Grund dafür könnte die aktuelle Wirtschaftskrise sein. Man kann jedoch mit Recht sagen, dass es ein breiteres Spektrum innerhalb der Kulturtheorie und der zeitgenössischen Kritik abdeckt, die den Kapitalismus ständig in Frage stellen und neu bewerten.

Die Marx Lounge ist Alfredo Jaars Antwort darauf, ein Bereich, der der Öffentlichkeit umfangreiches Lesematerial zu Marx ‚philosophischen, politischen, wirtschaftlichen und humanistischen Ideen bietet. Es enthält auch eine Bibliographie anderer Theoretiker, Philosophen und Autoren, die Marx ‚Theorien verfolgt, analysiert oder überarbeitet haben. Žižek, Hall, Rancière, Butler, Laclau, Mouffe, Jameson, Bourdieu, Fanon usw. bringen neue Denkmuster mit sich, die die enorme Menge an Wissen widerspiegeln, die in den letzten Jahrzehnten gewonnen wurde. Laut dem Künstler hat eine echte intellektuelle Revolution stattgefunden, obwohl weit entfernt von der realen Welt. Aus diesem Grund bietet Alfredo Jaar eine Leselounge, in der Sie sich zurücklehnen und über die Bedeutung und Durchführbarkeit des Marxismus im aktuellen Stand der Dinge sowie über die neuesten politischen und philosophischen Ideen nachdenken können, die uns helfen könnten, das besser zu verstehen jetziger Moment.

Arquitecturas encontradas, 1973 – 1985
Guillermo Pérez Villalta
Der Maler, Architekt und Bildhauer Pérez Villalta war Teil der New Madrid Figuration und ist ein Vertreter der Postmoderne in Spanien. Für einige ist seine Arbeit im Neomanierismus versunken. Die Ausbildung, die er in seiner Jugend an der School of Architecture erhielt, hat seine Kunst während seiner gesamten Karriere konzeptionell beeinflusst.

Die Fotoserie Arquitecturas encontradas (Gefundene Architekturen) ist ein klares Beispiel dafür. Diese Zusammenstellung stammt aus der Zeit zwischen 1973 und Ende der 80er Jahre und umfasst eine Reihe einzigartiger Gebäude. Es ist eine Verurteilung des Verschwindens dieser Art von Konstruktion, die in den 70er Jahren üblich war. Es waren anonyme Gebäude, die die kreative Freiheit ihrer Designer angesichts der „immer größeren Einheitlichkeit“ veranschaulichten. Der Künstler selbst erklärt: „Ich bin auf faszinierende Beispiele populärer Architektur gestoßen. Architektur ohne Architekten, wie ich es nannte; (…) Die kreative Freiheit sollte immer alle Richtlinien oder Regeln in Bezug auf „was getan werden sollte“ übertrumpfen. Ich habe mich entschlossen zu dokumentieren, was mir gefallen hat, dass Architektur in den meisten Fällen von den Eigentümern selbst oder von Bauunternehmern geschaffen wurde, die ihren persönlichen Geschmack nach eigenem Ermessen verwöhnten. “

Guillermo Pérez Villaltas Werk ist völlig autobiografisch: Es ist stark von seiner Persönlichkeit, seinen Reisen und den Orten und Räumen abhängig, an denen sich sein Leben entfaltet hat, beispielsweise in den Postkartensammlungen des Felsens von Gibraltar und der Costa del Sol. Diese Bilder spiegeln auch das Interesse des Künstlers wider, die Mischung aus Populärkultur, Tradition und moderner Kreativität, die im heutigen Andalusien zusammenkommt, einzufangen und zu bewahren.

Pérez Villalta wurde in Tarifa geboren und ist seit jeher eng mit seinem Geburtsort verbunden. Er hat einen Großteil seines Lebens in dieser Stadt in der Nähe des Felsens von Gibraltar verbracht, in der er auch eine Zeit lang lebte. Aus diesem Grund und auch aufgrund der Geschichte des Felsens als geografisches Gebiet, das sowohl durch seine imposante physische Präsenz als auch durch seinen schwierigen politischen und strategischen Hintergrund gekennzeichnet ist, sammelte er Postkarten mit Ansichten von beiden Seiten Gibraltars: einige aus Algeciras und andere aus La Línea de la Concepción.

Andererseits war die Costa del Sol schon immer ein legendärer Ort in der Fantasie dieses Künstlers, sowohl wegen seiner Architektur als auch wegen seines Tourismus. Es ist in mehreren Werken seiner Arbeit enthalten, entweder auf Video oder in Zeichnungen, Gemälden und dieser Postkartensammlung.

Andalusisches Zentrum für zeitgenössische Kunst
Das Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) wurde im Februar 1990 mit dem Ziel gegründet, der örtlichen Gemeinde eine Institution zur Erforschung, Erhaltung und Förderung zeitgenössischer Kunst zu geben. Später begann das Zentrum, die ersten Werke seiner ständigen Sammlung zeitgenössischer Kunst zu erwerben.

1997 wurde das Cartuja-Kloster zum Hauptquartier des Zentrums, ein Schritt, der sich als entscheidend für die Entwicklung der Institution erweisen sollte. Die CAAC, eine von der andalusischen Regierung abhängige autonome Organisation (Junta de Andalucía), übernahm die Sammlungen des ehemaligen Conjunto Monumental de la Cartuja (Denkmalzentrum Cartuja) und des Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla (Museum für zeitgenössische Kunst in Sevilla).

Eines der Hauptziele des Zentrums war von Anfang an die Entwicklung eines Aktivitätenprogramms, mit dem das Studium des zeitgenössischen internationalen künstlerischen Schaffens in all seinen Facetten gefördert werden soll. Temporäre Ausstellungen, Seminare, Workshops, Konzerte, Tagungen, Konzerte, Filmzyklen und Vorträge waren die Kommunikationsmittel, mit denen dieses Ziel erreicht wurde.

Das kulturelle Aktivitätenprogramm des Zentrums wird durch einen Besuch des Klosters selbst ergänzt, das einen wichtigen Teil unseres künstlerischen und archäologischen Erbes beherbergt, ein Produkt unserer langen Geschichte.