Chinesische Malerei ist eine der ältesten ununterbrochenen künstlerischen Traditionen in der Welt. Malerei im traditionellen Stil ist heute auf Chinesisch als guóhuà (chinesisch: 國畫) bekannt, was „nationale“ oder „einheimische Malerei“ bedeutet, im Gegensatz zu westlichen Kunststilen, die in China im 20. Jahrhundert populär wurden. Traditionelle Malerei beinhaltet im Wesentlichen die gleichen Techniken wie Kalligrafie und wird mit einem in schwarze Tinte getauchten Pinsel oder farbigen Pigmenten durchgeführt; Öle werden nicht verwendet. Wie bei der Kalligraphie sind die beliebtesten Materialien, auf denen Gemälde gemacht werden, Papier und Seide. Die fertige Arbeit kann auf Schriftrollen, wie hängende Schriftrollen oder Handrollen, montiert werden. Traditionelles Malen kann auch auf Albumblättern, Wänden, Lackwaren, Wandschirmen und anderen Medien erfolgen.

Die zwei Haupttechniken in der chinesischen Malerei sind:

Gongbi (工筆), was „akribisch“ bedeutet, verwendet detailreiche Pinselstriche, die Details sehr genau abgrenzen. Es ist oft sehr farbig und zeigt meist figürliche oder narrative Themen. Es wird oft von Künstlern ausgeführt, die für den königlichen Hof oder in unabhängigen Werkstätten arbeiten.

Tinten- und Waschmalerei, in chinesischem shui-mo (水墨, „Wasser und Tinte“) auch lose als Aquarell- oder Pinselmalerei bezeichnet, auch bekannt als „Literati-Malerei“, wie es eine der „Vier Künste“ des chinesischen Gelehrten war -offizielle Klasse. Theoretisch war dies eine Kunst, die von Gentlemen praktiziert wurde, eine Unterscheidung, die in Schriften über Kunst aus der Song-Dynastie gemacht wird, obwohl in der Tat die Karrieren von führenden Exponenten beträchtlich profitieren könnten. Dieser Stil wird auch als „Xieyi“ (寫意) oder Freihandstil bezeichnet.

Landschaftsmalerei galt als die höchste Form der chinesischen Malerei und ist im Allgemeinen immer noch. Die Zeit von der Zeit der Fünf Dynastien bis zur Nördlichen Song Periode (907-1127) ist bekannt als das „Große Zeitalter der chinesischen Landschaft“. Im Norden malten Künstler wie Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan und Guo Xi Bilder von hoch aufragenden Bergen mit starken schwarzen Linien, Tusche und scharfen, gepunkteten Pinselstrichen, die auf rauhen Stein hindeuteten. Im Süden malten Dong Yuan, Juran und andere Künstler die sanften Hügel und Flüsse ihrer Heimat in friedlichen Szenen mit weichen, geriebenen Pinselstrichen. Diese zwei Arten von Szenen und Techniken wurden zu den klassischen Stilen der chinesischen Landschaftsmalerei.

Besonderheiten und Studium
Chinesische Malerei und Kalligraphie unterscheiden sich von den Künsten anderer Kulturen durch Betonung von Bewegung und Veränderung mit dynamischem Leben. Die Praxis wird traditionell zuerst auswendig gelernt, wobei der Meister den „richtigen Weg“ zum Zeichnen von Gegenständen zeigt. Der Lehrling muss diese Gegenstände strikt und kontinuierlich kopieren, bis die Bewegungen instinktiv werden. In der heutigen Zeit entstand eine Debatte über die Grenzen dieser kopistischen Tradition in modernen Kunstszenen, in denen Innovation die Regel ist. Veränderte Lebensstile, Werkzeuge und Farben beeinflussen auch neue Meisterwellen.

Frühzeiten
Die frühesten Gemälde waren nicht gegenständlich, sondern ornamental; Sie bestanden eher aus Mustern oder Designs als aus Bildern. Frühe Keramik wurde mit Spiralen, Zickzacks, Punkten oder Tieren bemalt. Erst während der Zeit der Streitenden Reiche (475-221 v. Chr.) Begannen Künstler, die Welt um sie herum darzustellen. In kaiserlichen Zeiten (beginnend mit der östlichen Jin-Dynastie) gehörten Malerei und Kalligraphie in China zu den am meisten geschätzten Künsten des Hofes und sie wurden oft von Amateuren – Aristokraten und Gelehrtenbeamten – ausgeübt, die die nötige Freizeit zur Perfektion hatten Technik und Sensibilität für eine gute Pinselführung. Kalligraphie und Malerei galten als die reinsten Formen der Kunst. Die Geräte waren der Pinsel aus Tierhaaren und schwarze Tinten aus Kiefernruß und Tierleim. In alten Zeiten wurde sowohl auf Seide geschrieben als auch gemalt. Nach der Erfindung des Papiers im 1. Jahrhundert n. Chr. Wurde Seide nach und nach durch das neue und billigere Material ersetzt. Originalschriften berühmter Kalligraphen wurden in der chinesischen Geschichte sehr geschätzt und sind auf Schriftrollen montiert und an Wänden aufgehängt, so wie es Gemälde sind.

Künstler der Han (206 v. Chr. – 220 n. Chr.) Bis zur Tang Dynastie (618-906) malten hauptsächlich die menschliche Figur. Vieles von dem, was wir über frühe chinesische Figurenmalerei wissen, stammt von Grabstätten, wo Gemälde auf Seidenbändern, lackierten Objekten und Grabwänden aufbewahrt wurden. Viele frühe Grabmalbilder sollten die Toten schützen oder ihren Seelen helfen, ins Paradies zu kommen. Andere illustrierten die Lehren des chinesischen Philosophen Konfuzius oder zeigten Szenen aus dem täglichen Leben.

Während der sechs Dynastien (220-589) begann man, die Malerei für ihre eigene Schönheit zu schätzen und über Kunst zu schreiben. Von dieser Zeit an lernen wir etwas über einzelne Künstler wie Gu Kaizhi. Selbst als diese Künstler konfuzianische moralische Themen darstellten – wie das richtige Verhalten einer Frau gegenüber ihrem Ehemann oder von Kindern gegenüber ihren Eltern – versuchten sie, die Figuren anmutig zu machen.

Sechs Prinzipien
Die „Sechs Prinzipien der chinesischen Malerei“ wurden von Xie He, einem Schriftsteller, Kunsthistoriker und Kritiker im China des 5. Jahrhunderts, in „Sechs Punkte, die bei der Beurteilung eines Gemäldes zu beachten sind“ (繪畫 六法) aus dem Vorwort zu seinem Buch aufgestellt. Die Aufzeichnung der Klassifizierung alter Maler „(古畫 品 錄). Denken Sie daran, dass dies um 550 CE geschrieben wurde und bezieht sich auf „alte“ und „alte“ Praktiken. Die sechs Elemente, die ein Gemälde definieren, sind:

„Spirit Resonance“ oder Vitalität, die sich auf den Energiefluss bezieht, der Thema, Arbeit und Künstler umfasst. Xie Er sagte, dass ohne die Spirit Resonance kein weiterer Blick nötig sei.

„Bone Method“ oder die Art, wie der Pinsel verwendet wird, bezieht sich nicht nur auf Textur und Pinselstrich, sondern auch auf die enge Verbindung zwischen Handschrift und Persönlichkeit. Zu seiner Zeit war die Kunst der Kalligraphie untrennbar mit der Malerei verbunden.

„Korrespondenz mit dem Objekt“ oder die Darstellung der Form, die Form und Linie enthalten würde.

„Eignung für Typ“ oder die Anwendung von Farbe, einschließlich Ebenen, Wert und Ton.

„Teilung und Planung“ oder Platzierung und Anordnung entsprechend der Zusammensetzung, Raum und Tiefe.

„Übertragung durch Kopieren“ oder das Kopieren von Modellen, nicht nur aus dem Leben, sondern auch aus den Werken der Antike.

Sui- und Tang-Dynastien (581-907)
Während der Tang-Dynastie blühte die Figurenmalerei am königlichen Hof. Künstler wie Zhou Fang schilderten die Pracht des höfischen Lebens in Gemälden von Kaisern, Palastdamen und kaiserlichen Pferden. Die Figurmalerei erreichte in der Kunst des Hofes der Südlichen Tang (937-975) den Höhepunkt des eleganten Realismus.

Die meisten Tang-Künstler zeichneten Figuren mit feinen schwarzen Linien und verwendeten brillante Farben und aufwendige Details. Ein Tang-Künstler, der Meister Wu Daozi, verwendete jedoch nur schwarze Tinte und frei gemalte Pinselstriche, um Tuschemalereien zu schaffen, die so aufregend waren, dass sich Menschenmassen versammelten, um ihn beim Arbeiten zu beobachten. Seit seiner Zeit wurden Tuschemalereien nicht mehr als vorläufige Skizzen oder Umrisse gedacht, die mit Farbe ausgefüllt werden sollten. Stattdessen wurden sie als fertige Kunstwerke geschätzt.

Viele Gemälde waren in der Tang-Dynastie Landschaften, oft Gemälde von Shanshui (山水, „Bergwasser“). In diesen Landschaften, monochromatisch und spärlich (ein Stil, der kollektiv als Shuimohua bezeichnet wird), war es nicht das Ziel, die Erscheinung der Natur exakt (Realismus) zu reproduzieren, sondern eine Emotion oder Atmosphäre zu erfassen, als ob sie den „Rhythmus“ der Natur ergreift.

Liao, Song, Jin und Yuan Dynastien (907-1368)
Die Malerei während der Song-Dynastie (960-1279) erreichte eine weitere Entwicklung der Landschaftsmalerei; Unermessliche Entfernungen wurden durch verschwommene Umrisse, Bergkonturen, die im Nebel verschwinden, und impressionistische Behandlung von Naturphänomenen vermittelt. Die Shan Shui Stil Malerei – „Shan“ bedeutet Berg, und „Shui“ bedeutet Fluss – wurde in der chinesischen Landschaft Kunst prominent. Die Betonung der Landschaft lag in der chinesischen Philosophie begründet; Der Taoismus betonte, dass Menschen nur winzige Flecken im weiten und größeren Kosmos seien, während neokonfuzianische Autoren oft die Entdeckung von Mustern und Prinzipien verfolgten, von denen sie glaubten, dass sie alle sozialen und natürlichen Phänomene verursachten. Das Porträtieren von Porträts und genau betrachtete Objekte wie Vögel auf Ästen wurde sehr geschätzt, aber Landschaftsmalerei war von größter Bedeutung. Zu Beginn der Song-Dynastie hatte sich ein unverwechselbarer Landschaftsstil herausgebildet. Die Künstler meisterten die Formel von komplizierten und realistischen Szenen, die in den Vordergrund gestellt wurden, während der Hintergrund die Qualitäten eines weiten und unendlichen Raums beibehielt. Entfernte Berggipfel erheben sich aus hohen Wolken und Nebel, während strömende Flüsse aus der Ferne in den Vordergrund ragen.

Es gab einen signifikanten Unterschied in den Maltrends zwischen der Nördlichen Song-Periode (960-1127) und der Southern Song-Periode (1127-1279). Die Bilder der Nördlichen Song-Funktionäre wurden von ihren politischen Idealen beeinflusst, Ordnung in die Welt zu bringen und die größten Probleme anzugehen, die die gesamte Gesellschaft betreffen. Ihre Bilder zeigen oft riesige, weite Landschaften. Auf der anderen Seite waren Beamte des Southern Song mehr daran interessiert, die Gesellschaft von unten nach oben und in einem viel kleineren Maßstab zu reformieren, eine Methode, von der sie glaubten, dass sie eine bessere Chance für einen späteren Erfolg hätte; Ihre Bilder konzentrierten sich oft auf kleinere, visuell engere und intimere Szenen, während der Hintergrund oft als detailvergessen dargestellt wurde, als ein Bereich ohne Rücksicht auf den Künstler oder Betrachter. Dieser Wechsel der Haltung von einer Epoche zur nächsten ergab sich weitgehend aus dem zunehmenden Einfluss der neokonfuzianischen Philosophie. Anhänger des Neokonfuzianismus konzentrierten sich darauf, die Gesellschaft von unten nach oben und nicht von oben nach unten zu reformieren, was sich in ihren Bemühungen zeigt, kleine private Akademien während des Southern Song anstelle der großen staatlich kontrollierten Akademien in der Nördlichen Song-Ära zu fördern.

Seit den südlichen und nördlichen Dynastien (420-589) war die Malerei zu einer Kunst von hoher Raffinesse geworden, die mit der Gentry-Klasse als einem ihrer wichtigsten künstlerischen Spiele in Verbindung gebracht wurde, die anderen waren Kalligrafie und Poesie. Während der Song-Dynastie gab es begeisterte Kunstsammler, die sich oft in Gruppen trafen, um ihre eigenen Bilder zu diskutieren und die ihrer Kollegen und Freunde zu bewerten. Der Dichter und Staatsmann Su Shi (1037-1101) und sein Komplize Mi Fu (1051-1107) nahmen oft an diesen Angelegenheiten teil, borgten sich Kunststücke zum Studieren und Kopieren, oder wenn sie ein Stück wirklich bewunderten, dann wurde oft ein Austausch vorgeschlagen. Sie kreierten eine neue Art von Kunst, basierend auf den drei Vollkommenheiten, in denen sie ihre Fertigkeiten in Kalligraphie (der Kunst des schönen Schreibens) nutzten, um Tuschemalereien zu machen. Seit ihrer Zeit bemühten sich viele Maler, ihre Gefühle frei auszudrücken und den inneren Geist ihres Gegenstandes einzufangen, anstatt ihre äußere Erscheinung zu beschreiben. Die kleinen runden Bilder, die im südlichen Lied populär sind, wurden oft in Alben gesammelt, da Dichter Gedichte entlang der Seite schreiben würden, um dem Thema und der Stimmung des Gemäldes zu entsprechen.

Obwohl sie begeisterte Kunstsammler waren, schätzten einige Song-Gelehrte Kunstwerke, die von solchen Malern in Geschäften oder auf gewöhnlichen Marktplätzen in Auftrag gegeben worden waren, nicht gerne, und einige der Gelehrten kritisierten sogar Künstler von renommierten Schulen und Akademien. Anthony J. Barbieri-Low, Professor für frühe chinesische Geschichte an der Universität von Kalifornien, Santa Barbara, weist darauf hin, dass die Wertschätzung von Song-Gelehrten für Kunst, die von Gleichaltrigen geschaffen wurde, nicht auf diejenigen ausgeweitet wurde, die ihren Lebensunterhalt als professionelle Künstler verdienen:

Während des Nördlichen Liedes (960-1126 n. Chr.) Entstand eine neue Klasse von Gelehrtenkünstlern, die nicht die Tromp-l’oil-Fähigkeiten der Akademiemaler und nicht einmal die Fähigkeiten gewöhnlicher Marktmaler besaßen. Die Malerei der Literaten war einfacher und zeitweise recht ungeübt, dennoch würden sie diese beiden anderen Gruppen als reine Profis kritisieren, da sie auf bezahlte Provisionen für ihren Lebensunterhalt vertrauten und nicht nur zum Vergnügen oder zur Selbstdarstellung malten. Die Gelehrten-Künstler dachten, dass Maler, die sich auf realistische Darstellungen konzentrierten, die eine bunte Palette benutzten, oder am schlimmsten von allen, die Geldzahlungen für ihre Arbeit akzeptierten, nicht besser waren als Metzger oder Tüftler auf dem Markt. Sie sollten nicht als echte Künstler betrachtet werden.

Während der Song-Zeit gab es jedoch viele gefeierte Hofmaler und sie wurden von Kaisern und der königlichen Familie sehr geschätzt. Einer der größten Landschaftsmaler, die vom Song-Gericht unterstützt wurden, war Zhang Zeduan (1085-1145), der das Original entlang des Flusses während der Qingming-Festschrift malte, eines der bekanntesten Meisterwerke der chinesischen bildenden Kunst. Kaiser Gaozong von Song (1127-1162) beauftragte einst ein Kunstprojekt mit zahlreichen Gemälden für die Achtzehn Lieder einer Nomadenflöte, basierend auf der Frauendichterin Cai Wenji (177-250 n. Chr.) Der früheren Han-Dynastie. Yi Yuanji erreichte einen hohen Grad an Realismus beim Malen von Tieren, insbesondere Affen und Gibbons. Während der südlichen Song-Zeit (1127-1279) verwendeten Hofmaler wie Ma Yuan und Xia Gui kräftige schwarze Pinselstriche, um Bäume und Felsen zu skizzieren, und blasse Waschungen, die auf nebligen Raum hindeuteten.

Während der mongolischen Yuan-Dynastie (1271-1368) schlossen sich die Maler der Malerei, der Poesie und der Kalligraphie an, indem sie Gedichte auf ihre Bilder schrieben. Diese drei Künste arbeiteten zusammen, um die Gefühle des Künstlers vollständiger auszudrücken, als es eine Kunst allein tun könnte. Yuan Kaiser Tugh Temur (reg. 1328, 1329-1332) liebte die chinesische Malerei und wurde selbst zum anerkennenswerten Maler.

Spätes Kaiserreich China (1368-1895)
Ab dem 13. Jahrhundert entwickelte sich die Tradition, einfache Motive zu malen – einen Zweig mit Früchten, ein paar Blumen oder ein oder zwei Pferde. Erzählende Malerei, mit einer breiteren Farbauswahl und einer viel beschäftigteren Zusammensetzung als Liedmalereien, war während der Ming-Periode (1368-1644) ungeheuer populär.

Die ersten mit farbigen Holzschnitten illustrierten Bücher erschienen um diese Zeit; Als die Farbdrucktechniken perfektioniert wurden, erschienen illustrierte Handbücher zur Malkunst. Jieziyuan Huazhuan (Handbuch des Senfkorngartens), ein fünfbändiges Werk, das erstmals 1679 veröffentlicht wurde, wird seither als technisches Lehrbuch für Künstler und Studenten verwendet.

Einige Maler der Ming-Dynastie (1368-1644) setzten die Traditionen der Yuan-Gelehrtenmaler fort. Diese Gruppe von Malern, bekannt als die Wu-Schule, wurde von dem Künstler Shen Zhou geleitet. Eine andere Gruppe von Malern, bekannt als die Zhe-Schule, belebte und veränderte die Stile des Song-Hofes.

In der frühen Qing-Dynastie (1644-1911) rebellierten die als Individualisten bekannten Maler gegen viele der traditionellen Regeln der Malerei und fanden Wege, sich durch freie Pinselführung direkter auszudrücken. Im 18. und 19. Jahrhundert wurden große Handelsstädte wie Yangzhou und Shanghai zu Kunstzentren, in denen reiche Handelsmäzene Künstler ermutigten, mutige neue Werke zu produzieren.

Im späten 19. und 20. Jahrhundert wurden chinesische Maler zunehmend der westlichen Kunst ausgesetzt. Einige Künstler, die in Europa studierten, lehnten die chinesische Malerei ab; andere versuchten, das Beste aus beiden Traditionen zu kombinieren. Zu den beliebtesten modernen Malern gehörte Qi Baishi, der sein Leben als armer Bauer begann und ein großer Meister wurde. Seine bekanntesten Werke zeigen Blumen und Kleintiere.

Moderne Malerei
Beginnend mit der New Culture Movement begannen chinesische Künstler, westliche Techniken anzuwenden. Prominente chinesische Künstler, die westliche Malerei studiert haben, sind Li Tiefu, Yan Wenliang, Xu Beihong, Lin Fengmian, Fang Ganmin und Liu Haisu.

In den frühen Jahren der Volksrepublik China wurden Künstler dazu ermutigt, den sozialistischen Realismus einzusetzen. Ein sozialistischer Realismus der Sowjetunion wurde ohne Änderung eingeführt, und den Malern wurden Gegenstände zugewiesen, und man erwartete, sie würden in Massenproduktion hergestellt. Dieses Regime wurde 1953 erheblich gelockert, und nach der Hundertblumen-Kampagne von 1956-57 erlebte die traditionelle chinesische Malerei eine bedeutende Wiederbelebung. Zusammen mit diesen Entwicklungen in professionellen Kunstkreisen gab es eine starke Zunahme bäuerlicher Kunst, die den Alltag in den ländlichen Gebieten auf Wandgemälden und in Freilichtgemälden zeigte.

Seit 1978
Nach der Kulturrevolution wurden Kunstschulen und Berufsverbände wieder eingestellt. Es wurde ein Austausch mit Gruppen ausländischer Künstler organisiert, und chinesische Künstler begannen mit neuen Fächern und Techniken zu experimentieren. Ein besonderer Fall des Freihandstils (xieyi hua) ist in dem Werk des Wunderkindes Wang Yani (geb. 1975) zu sehen, der im Alter von 3 Jahren mit dem Malen begann und seither erheblich zur Ausübung des Stils in zeitgenössischen Kunstwerken beigetragen hat.

Nach der chinesischen Wirtschaftsreform führten immer mehr Künstler mutige Innovationen in der chinesischen Malerei durch. Die Innovationen umfassen: Entwicklung neuer Pinsel Fähigkeiten wie vertikale Richtung Spritzwasser und Tinte, mit repräsentativen Künstler Tiancheng Xie, Schaffung neuer Stil durch Integration traditioneller chinesischer und westlicher Maltechniken wie Heaven Style Painting, mit repräsentativen Künstler Shaoqiang Chen, und neu Stile, die zeitgenössische Thema und typische Naturszene bestimmter Regionen wie Lijiang Painting Style zum Ausdruck bringen, mit repräsentativen Künstler Gesheng Huang. Ein 2008er Set von Gemälden von Cai Jin, am meisten bekannt für ihre Verwendung von psychedelischen Farben, zeigte Einflüsse sowohl westlicher als auch traditioneller chinesischer Quellen, obwohl die Gemälde organische Abstraktionen waren.