Ein Cartoonist (auch Comiczeichner) ist ein visueller Künstler, der sich auf das Zeichnen von Cartoons spezialisiert hat. Diese Arbeit wird oft für Unterhaltung, politischen Kommentar oder Werbung geschaffen. Karikaturisten können in vielen Formaten arbeiten, wie zum Beispiel als Animation, Broschüren, Comics, Comics, redaktionelle Cartoons, Graphic Novels, Handbücher, Gag Cartoons, Grafikdesign, Illustrationen, Storyboards, Poster, Shirts, Bücher, Werbung, Grußkarten, Zeitschriften, Zeitungen und Videospielverpackungen.

Ein Karikaturist oder ein grafischer Humorist ist eine Person, deren Hauptberuf es ist, Cartoons, humoristische Zeichnungen oder Comics in gedruckten Publikationen wie Zeitungen oder Zeitschriften zu zeichnen. Der Humorist zeichnet seine Cartoons mit der Absicht, die Leser zu unterhalten und zu unterhalten und / oder die aktuellen Ereignisse, die in einer bestimmten Publikation erscheinen, auf humorvolle Weise zu illustrieren. Seine Kreationen sind im Allgemeinen mit einer kurzen Präsentation vereinbar, die manchmal auf einen einzigen Rahmen (auf eine einzige Vignette) reduziert wird, was sehr gut zum Einfügen in Zeitschriften passt.

Zu den Beschäftigungen des graphischen Humoristen gehören aktuelle Nachrichten, um ihn zu inspirieren, seine Zeichnungen zu machen. Senden Sie Ihre Arbeit regelmäßig und innerhalb der festgelegten Frist zur Genehmigung an die Redaktion. Besprechen Sie mit dem Redakteur die ideologische und ästhetische Linie, der seine Kreationen folgen sollten, und modifizieren oder korrigieren Sie seine darauf basierenden Zeichnungen.

Humoristen sind gute Karikaturisten und sie stellen in den Karikaturen Menschen der politischen, sozialen oder kulturellen Gegenwart des Landes in extravaganten oder kuriosen Situationen dar, um das Lächeln des Lesers zu provozieren. Im Allgemeinen entwickeln die Künstler ihre eigenen Charaktere mit einer bestimmten Persönlichkeit, die von den Lesern leicht erkannt wird.

Der grafische Humorist kann sich darauf spezialisieren, entweder eine einzelne Vignette oder einen Comic zu machen, die in einigen wenigen Vignetten eine Kurzgeschichte darstellen. Einige Humoristen veröffentlichen ihre Werke ausschließlich für eine Veröffentlichung, andere verteilen sie über Agenturen, so dass sie in verschiedenen Medien erscheinen, sogar in verschiedenen Regionen oder Ländern.

Der grafische Humorist geht in vielen Fällen über einfache Unterhaltung und Humor hinaus. In der Tat verstärkt eine Nachricht, die beispielsweise das unangemessene Verhalten einer öffentlichen Persönlichkeit unterstreicht, wenn sie von einem geeigneten graphischen Bild begleitet wird, den fraglichen Artikel und führt in vielen Fällen dazu, dass das Wesentliche des übertragenen Inhalts länger in der Erinnerung durchdringt der Leser.

Der englische Satiriker und Editorial-Karikaturist William Hogarth, der im 18. Jahrhundert auftauchte, wurde mit bahnbrechender westlicher Sequential Art ausgezeichnet. Seine Arbeiten reichten von realistischen Porträts bis hin zu Comicstrips, die als „moderne moralische Subjekte“ bezeichnet wurden. Viele seiner Arbeiten machten Spaß mit zeitgenössischer Politik und Bräuchen; Illustrationen in diesem Stil werden oft als „Hogarthian“ bezeichnet. Nach der Arbeit von Hogarth begannen politische Cartoons in England in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts unter der Leitung ihrer großen Vertreter, James Gillray und Thomas Rowlandson, beide aus London, zu entwickeln. Gillray erkundete den Gebrauch des Mediums für Schmähungen und Karikaturen, nannte den König (George III), Premierminister und Generäle zur Rechenschaft und wurde als Vater des politischen Cartoons bezeichnet.

Obwohl Benjamin Franklin nie ein professioneller Zeichner war, wird ihm der erste Cartoon in einer amerikanischen Zeitung zugeschrieben. Im 19. Jahrhundert führten professionelle Karikaturisten wie Thomas Nast andere bekannte amerikanische politische Symbole ein, wie den republikanischen Elefanten.

Während des 20. Jahrhunderts trugen zahlreiche Magazine Single-Panel-Gag-Cartoons von freischaffenden Cartoonisten wie Charles Addams, Irwin Caplan, Chon Day, Clyde Lamb und John Norment. Diese wurden fast immer in Schwarz-Weiß veröffentlicht, obwohl Collier oft Cartoons in Farbe trug. Das Debüt von Playboy führte ganzseitige Cartoons von Jack Cole, Eldon Dedini, Roy Raymonde und anderen ein. Zu den Single-Panel-Karikaturisten, die Zeitungen syndizierten, gehörten Dave Breger, Hank Ketcham, George Lichty, Fred Neher, Irving Phillips und J. R. Williams.

Comic-Strips wurden von Syndikaten wie dem Universal Press Syndicate, United Media oder King Features verbreitet in die Mainstream-Zeitungen verbreitet. Sonntags-Streifen gehen zu einer Färberei wie American Color, bevor sie veröffentlicht werden.

Einige Comiczeichner veröffentlichen in der alternativen Presse oder im Internet. Comic-Künstler können manchmal auch in Buchlänge arbeiten und Graphic Novels erstellen. Sowohl alte als auch aktuelle Streifen erhalten Reprints in Büchersammlungen.

Die großen Comic-Verlage (wie Marvel oder DC) verwenden Teams von Cartoonisten, um die Kunst zu produzieren (in der Regel Trennung von Bleistift Arbeit, Farbgebung und Beschriftung, während die Farbe von Coloristen digital hinzugefügt wird). Wenn ein konsistenter künstlerischer Stil zwischen verschiedenen Cartoonisten (wie Archie Comics) gewünscht wird, können Charaktermodellblätter als Referenz verwendet werden.

Calum MacKenzie hat in seinem Vorwort zum Ausstellungskatalog The Scottish Cartoonists (Glasgow Print Studio Gallery, 1979) die Auswahlkriterien definiert:

Der Unterschied zwischen einem Karikaturisten und einem Illustrator war derselbe wie der Unterschied zwischen einem Komödianten und einem Komödianten – die beiden liefern ihre eigenen Linien und übernehmen die volle Verantwortung für sie, der letztere könnte sich immer hinter der Tatsache verstecken, dass es nicht sein ganzes war Schaffung.

Animiertes Cartooning wird für Kurzfilme, Werbung, Spielfilme und Fernsehen geschaffen. Es wird manchmal auch in Live-Action-Filmen für Traumsequenzen oder Eröffnungstitel verwendet. Ein Animationskünstler wird eher als Animator und nicht als Cartoonist bezeichnet. Sie erstellen auch Filme. Animationsstudios wie DreamWorks Animation, Pixar, Walt Disney Animation Studios und Blue Sky Studios erstellen CGI oder computeranimierte Filme, die mehr dreidimensional sind.

Es gibt viele Bücher von Cartoons in Taschenbuch und Hardcover, wie die Sammlungen von Karikaturen aus The New Yorker. Vor den 1960er Jahren wurden Karikaturen von Museen und Kunstgalerien meist ignoriert. Im Jahr 1968 eröffnete der Karikaturist und Komiker Roger Price die erste Galerie in New York City, die sich ausschließlich mit Cartoons beschäftigte, hauptsächlich von der führenden Zeitschrift gag cartoonists. Heute gibt es mehrere Museen, die Cartoons gewidmet sind, insbesondere die Billy Ireland Cartoon Library & Museum, die von der Kuratorin Jenny E. Robb an der Ohio State University betrieben wird.

Comiczeichner skizzieren meist eine Zeichnung in Bleistift, bevor sie mit Tusche oder Pinsel über die Zeichnung in Tusche gehen. Künstler können auch eine Lightbox verwenden, um das endgültige Bild in Tinte zu erstellen. Einige Künstler, zum Beispiel Brian Bolland, verwenden Computergrafiken, wobei die veröffentlichten Arbeiten das erste physische Erscheinungsbild des Kunstwerks darstellen. Nach vielen Definitionen (einschließlich McClouds, oben) erstreckt sich die Definition von Comics auf digitale Medien wie Webcomics und den mobilen Comic.

Die Art der Comics, die geschaffen werden, bestimmt die Anzahl der Menschen, die an ihrer Entstehung arbeiten, wobei erfolgreiche Comic-Strips und Comic-Bücher über ein Studiosystem produziert werden, in dem ein Künstler ein Team von Assistenten zusammenstellt, um das Werk zu erstellen. Es können jedoch Arbeiten von unabhängigen Unternehmen, Selbstverlegern oder Personen mit einem ganz persönlichen Charakter von einem einzigen Urheber produziert werden.

Innerhalb der Comicindustrie in Nordamerika ist das Studiosystem die wichtigste Methode der Kreation geworden. Durch die Nutzung durch die Industrie wurden die Rollen stark kodifiziert, und die Leitung des Studios wurde zur Aufgabe des Unternehmens, wobei ein Redakteur die Managementaufgaben übernahm. Der Herausgeber versammelt eine Reihe von Schöpfern und überwacht die Arbeit bis zur Veröffentlichung.

Eine beliebige Anzahl von Menschen kann auf diese Weise bei der Erstellung eines Comics behilflich sein, von einem Plotter, einem Breakdown-Künstler, einem Bleistiftmaler, einem Inker, einem Scripter, einem Letterer und einem Coloristen, wobei einige Rollen von derselben Person ausgeführt werden .

Im Gegensatz dazu neigt ein Comic dazu, das Werk eines einzigen Schöpfers zu sein, der gewöhnlich als Karikaturist bezeichnet wird. Es ist jedoch nicht ungewöhnlich, dass ein Cartoonist die Studio-Methode verwendet, insbesondere wenn ein Streifen erfolgreich ist. Mort Walker beschäftigte ein Studio, Bill Watterson und Charles Schulz nicht. Gag-, politische und redaktionelle Karikaturisten tendieren dazu, auch alleine zu arbeiten, obwohl ein Karikaturist Assistenten benutzen kann.

Kunststile:
Während fast jede Comic-Kunst in gewisser Weise abgekürzt ist, und während jeder Künstler, der Comic-Arbeit produziert hat, seinen eigenen individuellen Ansatz zur Geltung bringt, wurden einige breitere Kunststile identifiziert. Die Comic-Künstler Cliff Sterrett, Frank King und Gus Arriola verwendeten oft ungewöhnliche, farbenfrohe Hintergründe, die sich manchmal in abstrakte Kunst verwandelten.

Die grundlegenden Stile wurden als realistisch und cartoony identifiziert, mit einem riesigen Mittelfeld, für das R. Fiore den Ausdruck liberal geprägt hat. Fiore hat auch Abneigung mit den Begriffen „realistisch“ und „cartoony“ ausgedrückt und die Begriffe „literal“ und „freestyle“ bevorzugt.

Scott McCloud hat „The Big Triangle“ als ein Werkzeug zum Nachdenken über Comic-Kunst geschaffen. Er platziert die realistische Darstellung in der unteren linken Ecke, mit ikonischer Darstellung oder Cartoon-Kunst, rechts unten, und eine dritte Kennung, Abstraktion des Bildes, an der Spitze des Dreiecks. Dies ermöglicht die Platzierung und Gruppierung von Künstlern durch Triangulation.

Der Cartoon-Stil verwendet komische Effekte und eine Variation der Linienbreiten für den Ausdruck. Charaktere neigen dazu, abgerundete, vereinfachte Anatomie zu haben. Bekannte Vertreter dieses Stils sind Carl Barks und Jeff Smith.
Der realistische Stil, der auch als der Abenteuer-Stil bezeichnet wird, ist jener, der für den Einsatz in den Abenteuer-Streifen der 1930er Jahre entwickelt wurde. Sie erforderten ein weniger cartoonartiges Aussehen, konzentrierten sich mehr auf realistische Anatomie und Formen und verwendeten die Illustrationen, die in Pulp-Magazinen zu finden sind. Dieser Stil wurde zur Grundlage des Superhelden-Comic-Stils, da Joe Shuster und Jerry Siegel ursprünglich Superman für die Veröffentlichung als Abenteuer-Strip aufstellten.
McCloud stellt außerdem fest, dass in einigen Traditionen die Tendenz besteht, die Hauptfiguren eher simpel und zeichnerisch darzustellen, während die Hintergründe und die Umgebung realistisch dargestellt werden. Daher, so argumentiert er, identifiziert sich der Leser leicht mit den Charakteren (wie sie der eigenen Vorstellung von sich selbst ähnlich sind), während er in eine Welt eintaucht, die dreidimensional und strukturiert ist. Gute Beispiele für dieses Phänomen sind Hergés The Adventures of Tintin (in seinem „persönlichen Markenzeichen“ Ligne Claire), Will Eisners Spirit und Osamu Tezukas Buddha, neben vielen anderen.

Werkzeuge:
Künstler verwenden eine Vielzahl von Stiften, Pinseln oder Papier, typischerweise Bristol-Karton, und eine wasserfeste Tinte. Beim Farbauftrag bevorzugten viele Künstler die Verwendung eines Winsor & Newton Pinsel der Serie 7, # 3 als Hauptwerkzeug, der in Verbindung mit anderen Pinseln, Dip Pens, einem Füllfederhalter und / oder einer Vielzahl von technischen Stiften oder Markern verwendet werden konnte . Mechanische Farbtöne können verwendet werden, um einem Bild Graustufen hinzuzufügen. Ein Künstler könnte mit Acrylfarben, Gouache, Posterfarben oder Aquarellen malen. Farbe kann auch durch Buntstifte, Pastelle oder Buntstifte erreicht werden.

Radierer, Lineale, Schablonen, Quadrate und ein T-Quadrat helfen beim Erstellen von Linien und Formen. Ein Zeichentisch bietet eine abgewinkelte Arbeitsfläche mit Lampen, die manchmal am Tisch befestigt sind. Eine Lichtbox ermöglicht es einem Künstler, seine Bleistiftarbeit beim Einfärben nachzuzeichnen, was ein loseres Finish ermöglicht. Messer und Skalpelle erfüllen eine Vielzahl von Anforderungen, einschließlich Schneidebrett oder Abkratzen von Fehlern. Eine Schneidematte erleichtert das Zuschneiden von Papier. Process White ist ein dickes, deckendes, weißes Material zum Verdecken von Fehlern. Klebstoffe und Bänder helfen, ein Bild aus verschiedenen Quellen zusammenzusetzen.