Caravaggisti

Caravaggisti ist eine Gruppe von Malern aus Utrecht, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts nach Rom reisten und stark von der Arbeit von Caravaggio beeinflusst wurden. Bei ihrer Rückkehr in die nördlichen Niederlande entwickelten sie diese neuen künstlerischen Ideen zu einem Stil, der als Utrecht Caravaggism bekannt ist. Dieser Trend hatte eine kurzlebige, aber intensive Entwicklung, die von 1620 bis 1630 andauerte. Die erste Generation und Initiatoren waren Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst und Dirck van Baburen, die den Caravaggismus mit sofortigem Erfolg in den Utrecht-Malerkreis der 1620er Jahre einführten Betroffen waren Abraham Bloemaert, Paulus Moreelse und sogar der Manierist Joachim Wtewael. Die Utrecht Caravaggisti malten überwiegend historische Szenen und Genre-Stücke. Dies sind lebensgroße Gemälde mit sparsamen und kraftvollen Kompositionen.

Die Caravaggisti (oder die „Caravagesques“) waren stilistische Anhänger des italienischen Barockmalers Caravaggio aus dem 16. Jahrhundert. Sein Einfluss auf den neuen Barockstil, der schließlich aus dem Manierismus hervorging, war tiefgreifend. Caravaggio gründete nie eine Werkstatt wie die meisten anderen Maler und hatte daher keine Schule, um seine Techniken zu verbreiten. Er hat auch nie seine zugrunde liegende philosophische Herangehensweise an die Kunst dargelegt, den psychologischen Realismus, der nur aus seiner überlebenden Arbeit abgeleitet werden kann. Aber es kann direkt oder indirekt in den Arbeiten von Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini und Rembrandt gesehen werden.

Caravaggio selbst war berühmt, als er lebte, und wurde fast unmittelbar nach seinem Tod vergessen. Viele seiner Gemälde wurden seinen Anhängern neu zugeschrieben, wie beispielsweise The Taking of Christ, das bis 1990 dem niederländischen Maler Gerrit van Honthorst zugeschrieben wurde. Erst im 20. Jahrhundert wurde seine Bedeutung für die Entwicklung der westlichen Kunst wiederentdeckt. In den 1920er Jahren stellte Roberto Longhi ihn erneut in die europäische Tradition: „Ribera, Vermeer, La Tour und Rembrandt hätten ohne ihn niemals existieren können. Und die Kunst von Delacroix, Courbet und Manet wäre völlig anders gewesen.“ Der einflussreiche Bernard Berenson erklärte: „Mit Ausnahme von Michelangelo übte kein anderer italienischer Maler einen so großen Einfluss aus.“

Geschichte
Nur wenige künstlerische Revolutionen waren so explizit und auffällig. Im Rahmen der Gegenreformation, in der das Konzil von Trient ein einfacheres und besser lesbares Gemälde als das der Künstler der klassischen Renaissance und des Manieristen empfahl, wird Caravaggio unter Berücksichtigung seiner Sponsoren eine Reihe von Neuerungen durchgeführt haben, die beinahe waren sofort erfolgreich. Die seit Roberto Longhi betriebene wissenschaftliche Forschung hat ein ganzes intellektuelles Umfeld und einen ganzen Gedankenstrom hervorgebracht, an dem Caravaggio durch seine Familie, seine Beschützer, seine Beziehungen und seine Freunde beteiligt war.

In Mailand verbrachte er seine Jugend in einer Familie, die ihn über neue Ideen von Erzbischof Charles Borromeo auf dem Laufenden hält, die von der Askese und Mystik des 16. Jahrhunderts, Ignatius von Loyola, Teresa von Avila und Philippe Néri, inspiriert sind. In Rom lebt Caravaggio, zu seiner Zeit Dichter und Musiker, in einer sehr gepflegten Umgebung und ist mehr oder weniger direkt an der katholischen Reformation beteiligt. Er hört sich die Debatten an, die diese Umgebung beleben, denn vergessen wir nicht, dass jede wichtige Reihenfolge, die während vieler Debatten gedacht wurde, dem Künstler erklärt wird. Damit gelingt es ihm, die Erwartungen von Charles Borromée, dem Hauptinitiator dieser Reform in Mailand (dem Ort seiner Ausbildung), zu respektieren, dh der Rückkehr zu einer vereinfachten Ikonographie, die sich unter Berücksichtigung der Theologie bewegt. Viel mehr vertieft er die Botschaft, indem er seine Bilder durch die symbolische Intensität des Schattens energetisiert, der mit Elend und manchmal Hässlichkeit verbunden ist. Er nutzt die Dynamik der Körper, die in diesem Schatten vom „göttlichen Licht“ ausgeschnitten werden.

eine Metapher für direkten, mystischen Kontakt mit dem Göttlichen, für reflektiertes und diffuses Licht. Es ersetzt eine naturalistische Vision, die sich auf die Welt der Menschen, die Kunstfertigkeiten des Manierismus und all die Überladungen von Farben, die Anhäufung von Accessoires und die Illusionen der Perspektive konzentriert, die vorher vorherrschten.

Diese Revolution führt dann dazu, dass sich viele Künstler davon inspirieren lassen, weil sie auf einer großen Bewegung zurück zum Studium der Natur basiert: dem Initiator Michel-Ange, aber auch der Bolognese- und der Carrache-Akademie, der lombardischen Schule einschließlich Moretto und Vincenzo Campi die manieristische Klammer. Durch die Konzentration auf die menschliche Natur, seine Leidenschaften und Dramen ging Caravaggio, der mit Michelangelo zu konkurrieren schien, über alle seine Zeitgenossen in der Radikalität hinaus und machte den menschlichen Körper zum scheinbar einzigartigen, weil deutlich sichtbaren Thema seiner Malerei.

Caravaggio eröffnet durch ein meditatives und intimes Gemälde den Weg zu einer ängstlichen Erforschung der Seele (ein Ansatz, den Rembrandt im strengeren Kontext des niederländischen Protestantismus verfolgen wird). Um menschliche Emotionen zu bezeugen, versucht er, die religiösen Ereignisse, die er daher als Genreszenen darstellen wird, greifbar zu machen. Die Humanisierung der heiligen Kunst, seine rohe Vision und seine intime Frömmigkeit widersprechen völlig dem in dieser Zeit vertretenen Ansatz. Auch wenn diese Bilder manchmal abgelehnt werden, erkennen ihn die Künstler und Intellektuellen seiner Zeit als Erfinder des Genies an.

Caravaggios Gemälde befreit Künstler von manieristischen Stereotypen und leitet eine neue Herangehensweise an die physische Realität der Dinge ein. Es wird sich schnell und weit in Europa verbreiten. Caravaggism ist daher nicht auf einen stilistischen Rahmen beschränkt und kann mit den Referenzen und der klassischen Strenge eines Georges de La Tour sowie mit den barocken Schwerpunkten von Rubens verglichen werden.

Stil
Karawagisten malten große Gemälde in Öl auf Leinwand. Sie befassten sich bevorzugt mit religiösen Themen, insbesondere den gewalttätigsten und dramatischsten, wie der Geschichte von Judith und Holofernes oder den Martyrien der Heiligen. Sie nahmen jedoch eine realistische Ikonographie an und nahmen der Natur die Vorbilder ihrer Heiligen und Jungfrauen. Abgesehen von der zentralen Figur wurden der Komposition nur wenige Elemente hinzugefügt, aber diese Elemente (wie Töpfe oder Körbe) waren sehr realistisch.

Dieser Trend durchdrang die Öffentlichkeit, die auf diese Weise besser in den Werken vertreten war, die zur Frömmigkeit anregten; Aus diesem Grund wurde es der erste Bildstil der Gegenreformation. Das Risiko bestand jedoch darin, in übermäßige Vulgarität zu verfallen, was dazu führte, dass der Respekt für diese heiligen Bilder teilweise verloren ging, was zum Beispiel dazu führte, dass einige von Caravaggios Werken von seinen Kunden abgelehnt wurden.

Darüber hinaus gab es häufig Gender-Charts, die Szenen aus dem Alltag wie Tavernen oder Kartenspiele darstellten. Dieser Trend führte zu Werken, in denen das Malerische vorherrschte, genannt Bambochadas, bekannt als die Maler, die sie mit dem Begriff Bambochantes herstellten, ein Wort, das vom italienischen Bamboccio („Strichmännchen“) abgeleitet ist, dem Spitznamen des Holländers Pieter van Laer. Diese Maler repräsentierten Straßenszenen mit beliebten Charakteren wie Zigeunern oder Bettlern. Obwohl sie die Tenebrist-Technik verwendeten, ist die Wahrheit, dass es eine gewisse Sorge um die Landschaft gibt, die in den meisten Werken dieses Trends fehlt.

Weniger häufig wurden mythologische Themen und Stillleben gepflegt.

Die Kompositionen sind einfach: Die Figuren, in voller Größe, halber oder voller Länge, auf dunklem Hintergrund dargestellt. Das charakteristischste Merkmal dieser Schule ist die Verwendung von Helldunkel: Sie haben den im Dunkeln verbliebenen Hintergrund nicht bearbeitet und ihre ganze Aufmerksamkeit mit einem sehr intensiven Licht auf die Figuren konzentriert, die den Vordergrund einnehmen. Dieser dramatische Kontrast wurde vor allem von Neapolitanern und Spaniern gepflegt, die am häufigsten als Tenebristen bezeichnet werden.

In italienischen und spanischen Gemälden ist Licht unbestimmten Ursprungs; Bei Malern wie Georges de La Tour oder der Utrecht-Schule hingegen stammt es aus einer bestimmten Quelle, die im Gemälde erscheint. Diese Einführung in die Box einer sichtbaren Lichtquelle wird als Luminismus bezeichnet.

Die vorherrschenden Farben sind Rot, Ocker und Schwarz. Es wurde direkt angewendet, ohne vorbereitende Skizze oder vorherige Zeichnung, die auf Italienisch alla prima heißt.

Stilistische Entwicklung
Der aus Mailand stammende Caravaggio wurde dort von Simone Peterzano gegründet und zog 1592 nach Rom. Rom ist in der Tat das große italienische Kunstzentrum, in dem sich Künstler aller Herkunft treffen (Annibal Carrache ist Bolonese, Simon Vouet ist Franzose, José de Ribera ist Spanier, usw.), die an der Akademie des Heiligen Lukas (gegründet 1593) zur Debatte kommen und die wichtige religiöse Schirmherrschaft (Päpste und Kardinäle) nutzen.

Es gibt drei Perioden in der Kunst von Caravaggio:

La Manière claire: erste Römerzeit zwischen 1594 und 1600. Sie können den manieristischen Einfluss immer noch mit einer klaren Palette, einem glatten und glänzenden Finish spüren. Wir beobachten jedoch die Umsetzung des Caravaggesque-Schemas in der Gestaltung und Zusammensetzung (im folgenden Teil detailliert beschrieben). Die Wahrsagerin (um 1595) im Louvre ist ein hervorragendes Beispiel. Beachten Sie, dass in dieser Zeit viele Themen und Themen geschaffen wurden, die in der westlichen Malerei eine große Nachhaltigkeit erfahren werden.
The Black Manner: Zwischen 1600 und 1606 setzte sich die Rolle des Lichts durch und das Spiel der Kontraste mit der Entwicklung des „caravaggish chiaroscuro“.
Die Wanderperiode: zwischen 1606 und 1610, als die Rechnung immer lebendiger und dunkler wurde. Manchmal als „caravaggish pietism“ bezeichnet, gibt der Maler seine Ironie und seine Unverschämtheit auf, wahrscheinlich wegen der Schuld, die ihn nach einem Duell angegriffen hat, das sich dem Mord zugewandt hat. Diese Zeit scheint von einer Suche nach göttlicher Absolution geprägt zu sein.

Beachten Sie, dass die jüngste Forschung dazu neigt, eine Entwicklung seiner Malerei in Richtung Dunkelheit zu relativieren, auch wenn dies nicht zu leugnen ist.

Eigenschaften
Das „Caravaggesque-Schema“ wurde sehr früh eingeführt. Die Kompositionen, hauptsächlich in der Breite, präsentieren lebensgroße Zeichen, die oft auf halbe Länge geschnitten sind. Diese Organisation ermöglicht es, durch die Abfolge von Aufnahmen die Illusion von Tiefe zu erzeugen, ohne sich mit dem Problem der Perspektive befassen zu müssen. Darüber hinaus führt der Künstler den Betrachter direkt in die Szene ein. Dies scheint aufgrund des neutralen Hintergrunds noch näher zu sein. Diese Kompositionsgegenstände, die man in der oben zitierten Tabelle des Louvre-Museums beobachtet, werden von der Mehrheit seiner Nachahmer (mit Ausnahme von Orazio Gentileschi) wieder aufgenommen.

Licht ist auch ein wesentliches Element seiner Kompositionen. Beim ersten Baden des gesamten Bildes (The Fortune Teller, 1594, The Flight in Egypt, um 1596) konzentriert es sich auf bestimmte Bereiche und erzeugt einen Hell-Dunkel-Kontrast, der seinen Werken eine zunehmend dramatische Dimension verleiht. Fast immer außerhalb des Gemäldes bricht das Licht in die Szene ein und lenkt den Blick auf das Wesentliche. Es bringt eine symbolische und spirituelle Dimension mit und beteiligt sich sowohl am Verständnis der Szene als auch an ihrer Sakralisierung. Beachten Sie, dass in Caravaggio der göttliche Charakter der Charaktere buchstäblich „ans Licht gebracht“ wird, anstatt durch symbolische und künstliche Attribute dargestellt zu werden. Diese beiden Elemente sind in der Tabelle Die Berufung des Heiligen Matthäus aus dem Zyklus der Contarelli-Kapelle in Rom (1599-1600) sehr gut sichtbar.

Rot, Braun und Schwarz dominieren. Die Farbe wird alla prima ohne Vorzeichnung aufgetragen.

In Bezug auf die behandelten Themen ermöglicht Caravage eine Erneuerung durch seine Nachahmer. Wir beobachten im Allgemeinen eine doppelte Lesart seiner Werke mit einer starken moralischen Dimension. Um dieses Ziel zu erreichen, sucht es nach dem Archetyp und verwendet häufig dieselben Modelle. Diese beiden Merkmale werden innerhalb der Caravaggio-Strömung abnehmen und zu einem anekdotischeren und dekorativeren Stil tendieren, wie die Werke von Nicolas Régnier (Wahrsager, Louvre-Museum, 1626) zeigen. Lassen Sie uns unter den von Caravaggio vertretenen und von den Caravaggesques aufgegriffenen Themen zitieren:

The Cheaters: ein Werk von Caravaggio (1595 in Texas aufbewahrt), zwei Werke von Georges de La Tour (eine Version im Louvre, eines in Texas).
Die Lautenspieler und die Konzerte: zwei Lautenspieler von Caravaggio (eine Version, die in der Eremitage aufbewahrt wird, und eine im Metropolitan Museum of Art, 1596), eine Version von Bartolomeo Manfredi (in der Eremitage, 1615), eine Version von Gentileschi (in Washington, 1615) sowie die zahlreichen Konzerte von Karawagisten aus dem Norden (Le Concert von Gerrit van Honthorst, 1620, Louvre Museum).
The Fortune Teller: zwei Versionen von Caravaggio (eine Version im Louvre und eine Version im Capitole Museum), eine Version von Simon Vouet (1617, aufbewahrt in Ottawa), eine von Nicolas Régnier (1620, Louvre), eine von Valentin de Boulogne (1628, Louvre-Museum) und eine Version von Georges de La Tour (1640, Metropolitan Museum of Art).
David-Gewinner von Goliath: drei Versionen von Caravaggio (eine in Madrid, eine in Wien und eine in Rom), eine Version von Bartolomeo Manfredi (Triumph von David, 1615, Louvre-Museum) und eine Version von Guido Reni (1606, Museum der Louvre).

Caravaggisti auf Italienisch

Rom
Auf dem Höhepunkt seiner Popularität in Rom in den späten 1590er und frühen 1600er Jahren beeinflusste Caravaggios dramatischer neuer Stil viele seiner Kollegen in der römischen Kunstwelt. Zu den ersten Caravaggisti gehörten Mario Minniti, Giovanni Baglione (obwohl seine Caravaggio-Phase nur von kurzer Dauer war), Leonello Spada und Orazio Gentileschi. In der nächsten Generation gab es Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi und Orazio Borgianni sowie anonyme Meister wie den Meister der Spieler. Gentileschi war, obwohl er wesentlich älter war, der einzige dieser Künstler, der weit über 1620 hinaus lebte, und wurde Hofmaler Karls I. von England. Seine Tochter Artemisia Gentileschi stand Caravaggio ebenfalls nahe und war eine der begabtesten der Bewegung, einschließlich der Arbeit Judith Slaying Holofernes. In Rom und in Italien war es jedoch nicht Caravaggio, aber der Einfluss von Annibale Carracci, der Elemente aus dem Realismus der Hochrenaissance und der Lombardei mischte, die letztendlich triumphierten. Weitere erwähnenswerte Künstler in Rom sind Angelo Caroselli, Pier Francesco Mola, Tommaso Salini und Francesco Buoneri. Giacinto Brandi war hauptsächlich in Rom und Neapel aktiv. Der niederländische Maler David de Haen war zwischen 1615 und 1622 in Rom tätig.

Neapel
Im Mai 1606 floh Caravaggio nach der Ermordung von Ranuccio Tomassoni mit einem Todesurteil auf dem Kopf nach Neapel. Dort absolvierte er mehrere Aufträge, von denen zwei die Madonna vom Rosenkranz und die sieben Werke der Barmherzigkeit waren. Seine Arbeit hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die lokalen Künstler und sein kurzer Aufenthalt in Neapel brachte eine bemerkenswerte Schule neapolitanischer Caravaggisti hervor, darunter Battistello Caracciolo, Bernardo Cavallino, Carlo Sellitto, Massimo Stanzione, Francesco Guarino, Andrea Vaccaro, Cesare Fracanzano und Antonio de Bellis. Giacinto Brandi war hauptsächlich in Rom und Neapel aktiv. Die Caravaggisti-Bewegung dort endete 1656 mit einem schrecklichen Seuchenausbruch, aber zu der Zeit war Neapel im Besitz Spaniens und der Einfluss des Caravaggismus hatte sich dort bereits ausgebreitet.

Nord Italien
Marco Antonio Bassetti war 1616 in Rom und möglicherweise zwei Jahre zuvor dort angekommen. In Rom geriet er unter den Einfluss der Gemälde von Caravaggio und Orazio Borgianni. Bei seiner Rückkehr nach Verona malte er einen heiligen Petrus und die Heiligen für die Kirche San Tomaso und eine Krönung der Jungfrau für Sant ‚Anastasia. Er starb 1630 in Verona an der Pest.

Bernardo Strozzi, geboren und hauptsächlich in Genua und später in Venedig tätig, gilt als Hauptbegründer des venezianischen Barockstils. In den 1620er Jahren gab Strozzi seinen frühen manieristischen Stil allmählich zugunsten eines persönlicheren Stils auf, der durch einen neuen Naturalismus gekennzeichnet war, der sich aus der Arbeit von Caravaggio und seinen Anhängern ableitete. Der karawagistische Malstil war sowohl von Domenico Fiasella nach seiner Rückkehr aus Rom in den Jahren 1617 bis 1818 als auch von Anhängern von Caravaggio, die einige Zeit in der Stadt gearbeitet hatten, nach Genua gebracht worden.

Der italienische Maler Biagio Manzoni war in Faenza aktiv. Der italienische Maler von Reggio Emilia Bartolomeo Schedoni, Daniele Crespi aus Mailand und Luca Cambiasi, auch bekannt als Luca Cambiaso und Luca Cangiagio, der führende Künstler in Genua im 16. Jahrhundert, zeigten oft brillant beleuchtete Figuren vor einem dunklen Hintergrund. Felice Boselli, der in Piacenza aktiv ist, verwendete für seine Stillleben kontrastierende Caravaggisti-Beleuchtung. Tanzio da Varallo (oder einfach il Tanzio) war hauptsächlich in der Lombardei und im Piemont tätig, einschließlich des Sacro Monte in Varallo Sesia, wo er gleichzeitig mit Pier Francesco Mazzucchelli (il Morazzone) arbeitete. Der italienische Maler und Kupferstecher Bernardino Mei arbeitete in seiner Heimat Siena und in Rom und fand vor allem in der Familie Chigi die Schirmherrschaft.

Mittelitalien
Pietro Ricchi (oder il Lucchesino), geboren in Lucca, zeigte auch oft brillant beleuchtete Figuren vor einem dunklen Hintergrund (siehe St. Sebastian).

Sizilien
Mario Minniti war ein italienischer Künstler, der nach 1606 in Sizilien tätig war. Mit 16 Jahren posierte er sogar für Caravaggios Gemälde Boy with a Basket of Fruit.

Caravaggisti auf Niederländisch
Das niederländische Institut für Kunstgeschichte listet 128 Künstler mit der Bezeichnung „Caravaggisten“ auf. Der niederländische Maler David de Haen war zwischen 1615 und 1622 in Rom tätig. Ein weiterer erwähnenswerter Künstler ist Paulus Bor, der anfangs eher caravaggistisch anmutende historische Gemälde malte. Seine Werke wurden jedoch schnell von einem Klassizismus geprägt, der mit dem seines Stadtbewohners van Campen verwandt war. Abraham Lambertsz van den Tempel ist wegen seines Realismus und seiner kontrastierenden Beleuchtung erwähnenswert. Der in Flandern geborene Maler Frans Badens war in Amsterdam aktiv.

Utrecht
Im frühen 17. Jahrhundert reisten katholische Künstler aus den Niederlanden als Studenten nach Rom und wurden stark von der Arbeit von Caravaggio beeinflusst. Bei ihrer Rückkehr in den Norden hatte diese Gruppe, bekannt als „Utrecht Caravaggisti“, in den 1620er Jahren eine kurzlebige, aber einflussreiche Blüte unter Malern wie Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both und Dirck van Baburen. Das kurze Aufblühen des Karawaggismus in Utrecht endete um 1630, als bedeutende Künstler entweder wie im Fall von Baburen und Terbrugghen gestorben waren oder ihren Stil geändert hatten, wie van Honthorsts Wechsel zu Porträt- und Geschichtsszenen, die von den von Rubens und seinen populären flämischen Tendenzen geprägt waren Anhänger. In der folgenden Generation sind die Wirkungen von Caravaggio, obwohl abgeschwächt, in den Arbeiten von Vermeer, Rembrandt und Gerrit Dou zu sehen. “

Caravaggisti auf Flämisch
Rubens war wahrscheinlich einer der ersten flämischen Künstler, die von Caravaggio beeinflusst wurden. In der Zeit von 1600 bis 1608 lebte Rubens in Italien. Er ließ sich in Mantua am Hofe von Herzog Vincenzo I. Gonzaga nieder, verbrachte aber auch Zeit in Rom. Während seines Aufenthalts in Rom im Jahr 1601 lernte er Caravaggios Werk kennen. Später machte er eine Kopie von Caravagios Grablegung Christi und empfahl seinem Schutzpatron, dem Herzog von Mantua, den Tod der Jungfrau (Louvre) zu kaufen. Rubens war nach seiner Rückkehr nach Antwerpen maßgeblich an der Übernahme von Caravagios Rosenkranz-Madonna (Kunsthistorisches Museum, Wien) für die Paulskirche in Antwerpen beteiligt.

Obwohl sich ein Teil dieses Interesses an Caravaggio in seinen Zeichnungen während seines italienischen Wohnsitzes widerspiegelt, zeigen seine Werke erst nach seiner Rückkehr nach Antwerpen im Jahr 1608 offen karawaggeske Züge wie im Kain-Mord an Abel (1608-1609) (Courtauld Institute of Kunst). Der Einfluss von Caravaggio auf Rubens ‚Arbeit wäre jedoch weniger wichtig als der von Raphael, Correggio, Barocci und den Venezianern. Künstler, die von Rubens beeinflusst wurden, wie Pieter van Mol, Gaspar de Crayer und Willem Jacob Herreyns, verwendeten ebenfalls einen gewissen starken Realismus und starke Kontraste von Licht und Schatten, die im Caravaggisti-Stil üblich sind.

Rubens ‚Zeitgenosse Abraham Janssens war ein weiterer flämischer Maler, der nach Italien reiste (von 1597 bis 1602), wo er das Werk von Caravaggio kennenlernte. Seine Arbeit nach seiner Rückkehr nach Antwerpen zeigt den Einfluss von Caravaggio. Die Komposition Scaldis and Antwerpia von 1609 leitet ihre Ausdruckskraft aus der Verwendung starker Licht- und Schattenkontraste (Helldunkel) ab, wie sie von Caravaggio entwickelt wurden.

Es sind hauptsächlich die flämischen Künstler der Generation nach Rubens, die in den 1620er Jahren in die Kunstszene kamen, die am meisten von Caravaggio beeinflusst wurden. Man kann sogar sagen, dass es in Flandern zwischen 1620 und 1640 einen Karawaggistenwahn gab. Die Künstler werden nach der Stadt, in der sie hauptsächlich tätig waren, oft als Gent Caravaggisti und Antwerpen Caravaggisti bezeichnet. Es ist jedoch keine andere stilistische Unterscheidung zwischen diesen beiden als den einzelnen Sätzen erkennbar. Unter den Gent Caravaggisti sind Jan Janssens, Melchior de la Mars und Antoon van den Heuvel aufgeführt. Die Liste der Antwerpener Caravaggisti spiegelt deutlich die Bedeutung dieser Stadt als herausragendes künstlerisches Zentrum Flanderns wider. Dazu gehören Theodoor Rombouts, Gerard Seghers, Jan Cossiers, Adam de Coster, Jacques de l’Ange und Jan van Dalen.

In Brügge malte Jacob van Oost Genre- und Geschichtsbilder, die den Einfluss der Arbeit von Caravaggio und Manfredi zeigten, deren Arbeit er in Rom studiert hatte. Einige flämische Caravaggisti verließen ihre Heimat nach Italien, wo sie von der Arbeit von Caravaggio und seinen Anhängern beeinflusst wurden und nie nach Hause zurückkehrten. Dies ist der Fall von Louis Finson aus Brügge, der nach einem Aufenthalt in Neapel und Rom den größten Teil seiner Karriere in Frankreich verbracht hat. Ein weiteres Beispiel für einen flämischen Karawaggisten im Ausland ist Hendrick de Somer aus Lokeren oder Lochristi, der den größten Teil seines Lebens und seiner Karriere in Neapel verbrachte, wo er in einem vom spanischen Maler Jusepe de Ribera beeinflussten karawiggistischen Stil malte.

Was die meisten dieser Künstler gemeinsam hatten, war, dass sie wahrscheinlich Italien besuchten, wo sie aus erster Hand Kontakt mit der Arbeit von Caravaggio oder seinen italienischen und niederländischen Anhängern hatten. Der Einfluss von Caravaggio und seinen Anhängern auf ihre Arbeit zeigt sich in der Verwendung dramatischer Lichteffekte und ausdrucksstarker Gesten sowie in neuen Themen wie Kartenscharfen, Wahrsagern, der Verweigerung von St. Peter usw. Einige der Künstler konzentrierte sich auf bestimmte Aspekte von Caravaggios Werk. Zum Beispiel wurde Adam de Coster wegen seiner Vorliebe für starkes Hell-Dunkel und des wiederholten Motivs von Figuren halber Länge, die von einer Kerze beleuchtet werden, die bedeckt ist, als Pictor Noctium (Maler der Nächte) bezeichnet.

Viele dieser Künstler wie Rombouts, Cossiers und Seghers gaben später ihre strikte Einhaltung des karawagistischen Stils und Themas auf und schlugen sich unter dem Einfluss der älteren Generation flämischer Künstler, die einen so dominanten Einfluss auf die flämische Kunst hatten, in verschiedene Richtungen das 17. Jahrhundert, dh Rubens und van Dyck.

Caravaggisti auf Französisch
Einer der ersten französischen Künstler, die während der Caravaggio-Jahre in Rom studierten, war Jean LeClerc, der im frühen 17. Jahrhundert bei Saraceni studierte. Simon Vouet verbrachte von 1613 bis 1627 eine lange Zeit in Italien. Zu seinen Förderern gehörten die Familie Barberini, Cassiano dal Pozzo, Paolo Giordano Orsini und Vincenzo Giustiniani. Er besuchte auch andere Teile Italiens: Venedig; Bologna (wo die Familie Carracci ihre Akademie hatte); Genua (wo er von 1620 bis 1622 für die Doria-Fürsten arbeitete); und Neapel.

Er nahm auf, was er sah, und destillierte es in seinem Gemälde: Caravaggios dramatische Beleuchtung; Italienischer Manierismus; Paolo Veroneses Farbe und Di Sotto in su oder verkürzter Perspektive; und die Kunst von Carracci, Guercino, Lanfranco und Guido Reni. Vouets Erfolg in Rom führte 1624 zu seiner Wahl zum Präsidenten der Accademia di San Luca. Trotz seines Erfolgs in Rom kehrte Vouet 1627 nach Frankreich zurück. Vouets neuer Stil war eindeutig italienisch und importierte den italienischen Barockstil nach Frankreich. Andere französische Künstler, die von dem neuen Stil begeistert waren, waren Valentin de Boulogne, der 1620 in Rom lebte und bei Vouet und später bei Boulognes-Schüler Nicolas Tournier studierte.

Es wird angenommen, dass Georges de La Tour zu Beginn seiner Karriere entweder nach Italien oder in die Niederlande gereist ist. Seine Bilder spiegeln den Einfluss von Caravaggio wider, aber dies erreichte ihn wahrscheinlich durch die niederländischen Caravaggisti und andere nordische (französische und niederländische) Zeitgenossen. Insbesondere wird La Tour oft mit dem Niederländer Hendrick Terbrugghen verglichen. Louis Finson, auch bekannt als Ludovicus Finsonius, war ein flämischer Barockmaler, der auch in Frankreich arbeitete.

Caravaggisti auf Spanisch
Francisco Ribalta wurde zu einem der ersten Anhänger des Tenebrist-Stils in Spanien. Es ist unklar, ob er direkt Rom oder Neapel besuchte, wo Caravaggios Stil viele Anhänger hatte, obwohl Spanien durch seine Verbindung zu Neapel wahrscheinlich bereits im frühen 17. Jahrhundert Caravaggisim ausgesetzt war. Sein Sohn Juan Ribalta, Vicente Castelló und Jusepe de Ribera sollen seine Schüler gewesen sein, obwohl es durchaus möglich ist, dass Ribera seinen Tenebrismus erlangte, als er nach Italien zog. Der Stil zog eine Reihe von Anhängern in Spanien an und sollte die spanischen Maler des Barock oder des Goldenen Zeitalters beeinflussen, insbesondere Zurbarán, Velázquez und Murillo.

Sogar die Kunst des Stilllebens in Spanien, die Bodegón wurde oft in einem ähnlich krassen und strengen Stil gemalt. Orazio Borgianni unterzeichnete eine Petition zur Gründung einer italienischen Malakademie in Spanien und fertigte eine Serie von neun Gemälden für das Convento de Portacoeli in Valladolid an, wo sie verbleiben. Giovanni Battista Crescenzi war ein italienischer Maler und Architekt des Frühbarock, der in Rom und Spanien tätig war und das Pantheon der spanischen Könige in El Escorial schmückte. Während der Regierungszeit von Papst Paul V. wurde er als Künstler bekannt, zog aber 1617 nach Madrid und war ab 1620 in El Escorial aktiv. Philipp III. Von Spanien verlieh ihm den Titel Marchese de la Torre, Ritter von Santiago. Sein Schüler Bartolomeo Cavarozzi war in Spanien aktiv.

Entwicklungen

Luminismus
Der Luminismus am Ende der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts ist ein Caravaggio, dessen Besonderheit in der Betonung des Lichts in der Atmosphäre liegt, die den Tisch beruhigt. Die Farben werden mit der Lichtquelle warm. Hauptvertreter sind Georges de La Tour in Frankreich und Gerrit van Honthorst in Holland; Der Genueser Luca Cambiaso ist der Vorläufer.

Dunkelheit
In Darkness, erschienen um 1610, sind die Kontraste von Licht und Schatten heftiger, der Effekt ist dunkler. Die Tenebrosi-Bewegung, die im „Goldenen Zeitalter“ größtenteils in diesem großen künstlerischen Zentrum Sevillas zusammengefasst ist, wird von José de Ribera (1591-1652) oder Mattia Preti (1613-1699) vertreten, möglicherweise beeinflusst vom neapolitanischen Battistello Caracciolo, einer der ersten italienischen Caravageure. In der Tat war das Königreich Neapel damals unter spanischer Herrschaft und der Austausch zwischen den Künstlern des einen und des anderen Landes war zahlreich. Francisco de Zurbarán (1598-1664) nahm einen dunkelovistischen Stil an, der ihm in seiner ersten Periode den Spitznamen „Spanish Caravaggio“ einbrachte. Francisco Ribalta (1551-1628) illustrierte sich in Valence in religiösen Gemälden, in denen der Einfluss von Caravaggio sehr deutlich ist.

Die spanischen Maler Juan Sánchez Cotán (1560-1627) und Juan van der Hamen (1596-1631), Spezialisten für Stillleben, sogenannte Bodegones, nehmen die Lehren der niederländischen Malerei und des Caravaggismus auf.