Capodimonte National Museum, Neapel, Italien
Das Nationalmuseum von Capodimonte ist ein Museum in Neapel, Italien. Es befindet sich im gleichnamigen Palast in der Gegend von Capodimonte und beherbergt mehrere antike Kunstgalerien, eine zeitgenössische Kunstgalerie und eine historische Wohnung.
Es wurde 1957 offiziell als Museum eröffnet, obwohl in den Palasträumen seit 1758 Kunstwerke ausgestellt sind. Es bewahrt überwiegend Gemälde, die hauptsächlich in den beiden Hauptsammlungen Farnese verteilt sind, darunter einige der größten Namen der italienischen und internationalen Malerei . wie Rafael, Tiziano, Parmigianino, Brueghel der Ältere, El Greco, Ludovico Carracci oder Guido Reni; und die Neapolitanische Galerie, die aus Werken von Kirchen in und um die Stadt besteht, die aus Sicherheitsgründen nach der Unterdrückung religiöser Orden nach Capodimonte transportiert wurde und Werke von Künstlern wie Simone Martini, Colantonio, Caravaggio, Ribera und Luca Giordano zeigt oder Francesco Solimena. Wichtig ist auch die Sammlung zeitgenössischer Kunst, in der sich der Vesuv von Andy Warhol auszeichnet.
Das Capodimonte Museum verfügt über 47.000 Kunstwerke, die eine der größten und komplexesten Sammlungen mittelalterlicher, frühneuzeitlicher, moderner und zeitgenössischer Kunst der Welt bilden. In 126 Galerien auf einer Fläche von 150.000 Quadratmetern werden Werke der großen Künstler ausgestellt, darunter Michelangelo, Caravaggio, Raphael, Tizian, Botticelli, Simone Martini, Giovanni Bellini, Colantonio, Artemisia Gentileschi, Jusepe de Ribera, Battistello, Luca Giordano, Mattia Preti, Francesco Solimena, die Carracci, Guido Reni, Lanfranco, Bruegel der Ältere und Van Dyck, um nur einige zu nennen.
Alles begann mit der Farnese-Sammlung, die Karl I. von Bourbon, Sohn des spanischen Königs, von seiner Mutter Elisabetta erbte und 1735 mit nach Neapel nahm, um sie in diesem Hügelpalast auszustellen. Der Bau des Palastes begann 1738 als Bildergalerie und Jagdschloss. Capodimonte ist das einzige italienische Museum, das neben fast allen Schulen der frühen modernen italienischen Kunst auch Werke zeitgenössischer Künstler wie Burri, Paolini, Bourgeois, Warhol und Kiefer vorweisen kann.
Der Royal Park von Capodimonte mit seinen 300 Hektar und mehr als 400 Pflanzenarten ist eine unberührte Grünfläche mit Blick auf die Stadt und den Golf von Neapel. Hier wurden exotische Arten gepflanzt, darunter die ersten Mandarinenbäume in Italien. Es ist der größte Stadtpark Italiens mit rund 1.500.000 Besuchern pro Jahr. Im Royal Park können Sie den letzten Barockgarten im chinesisch-englischen Design mit seltenen orientalischen Düften bewundern.
Majestätisch eingebettet in seinen Royal Park mit Blick auf die Bucht von Neapel bietet Capodimonte eine wirklich einzigartige Kombination aus künstlerischer und natürlicher Schönheit, die auf der ganzen Welt einzigartig ist.
Überblick
Das Nationalmuseum von Capodimonte erstreckt sich über die drei Ebenen des Palastes von Capodimonte. Die Anordnung der Arbeiten geht auf die letzten Restaurierungsarbeiten zurück, die seit Anfang der achtziger Jahre bis 1999 durchgeführt wurden: im Erdgeschoss, aber auch unter Ausnutzung des Untergeschoss, es gibt Dienstleistungen für Besucher und einige Unterrichtsräume, im Zwischengeschoss befindet sich das Kabinett der Zeichnungen und Drucke, und die Ausstellungen des 19. Jahrhunderts Private und die Apple-Plakate, im ersten Stock ist die Galleria Farnese, die Sammlung Borgia , das Royal Apartment, die Porzellansammlung, die De Ciccio-Sammlung und die Waffenkammer von Farnese und Bourbon, im zweiten Stock befinden sich die Neapolitanische Galerie, die Avalos-Sammlung, der Raum der Wandteppiche von Avalos und der Bereich der zeitgenössischen Kunst: letztere auch Fortsetzung im dritten Stock, wo sich auch die Galerie aus dem 19. Jahrhundert und die Fotogalerie befinden.
Erdgeschoss, Keller und Zwischengeschoss
Im Erdgeschoss gibt es Dienstleistungen für Besucher wie Ticketschalter, Buchhandlung, Cafeteria und Garderobe: Es gibt auch ein Auditorium für Konferenzen, Filmvorführungen, Simultanübersetzungen und Live-Konzerte, die an den Wänden mit zwei Wandteppichen aus der Sammlung d ‚verziert sind Avolos. Im Atrium, vor der Ehrentreppe Jupiter, der die Titanen tötet, spielen Skulptur in Biscuit von Filippo Tagliolini und eine Installation von Luciano Fabro von 1989 mit dem Titel Nord, Süd, West und Ost in Shanghai in Aluminium und Eisen, während sie im Garten sind kurz vor dem Eingang ein Werk zeitgenössischer Kunst, Southern Cross Southern Sign, von Eliseo Mattiacci.
Im Untergeschoss befinden sich zwei Unterrichtsräume: Der erste, der nach seinem Schöpfer benannte Sol LeWitt-Raum, wird für Tagungen, Konferenzen, Ausstellungen, Seminare und Konzerte genutzt, die einem jungen Publikum vorbehalten sind. Eine Installation von LeWitt selbst heißt White Bands in Ein schwarzer Raum, während der zweite, der Causa-Raum, sich über 700 m² erstreckt und hauptsächlich für temporäre Ausstellungen genutzt wird.
Im Zwischengeschoss befindet sich die Mele-Sammlung: Dies sind Werbeplakate der Mele-Kaufhäuser, die 1889 von den Brüdern Emiddio und Alfonso Mele in Neapel eröffnet und 1988 dem Capodimonte-Museum gespendet wurden. Diese sind ein wichtiges Zeugnis der neapolitanischen Figur Sprache in einer Zeit zwischen dem Ende des neunzehnten und dem Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts: Die Plakate wurden von der Ricordi Graphic Workshop in Auftrag gegeben und die Zeichnungen von Künstlern wie Franz Laskoff, Leopoldo Metlicovitz, Leonetto Cappiello, Aleardo Villa und Gian Emilio Malerba , Achille Beltrame und Marcello Dudovich. Ebenfalls im Zwischengeschoss, im südlichen Flügel des Gebäudes, befindet sich das Kabinett für Zeichnungen und Drucke, dessen Ausstellung 1994 begann: Es werden etwa zweitausendfünfhundert Blätter und fünfundzwanzigtausend Drucke gesammelt, von vorbereitenden Cartoons bis hin zu Zeichnungen von Autoren wie Annibale Carracci, Guido Reni und Giovanni Lanfranco, von denen etwa vierhundert Vorbereitungsblätter für Fresken in neapolitanischen Kirchen gesammelt werden, aber auch Pontormo, Tintoretto, Andrea del Sarto, Jusepe de Ribera und Aniello Falcone. In denselben Räumen befinden sich auch die 1782 erworbenen Sammlungen des Grafen Carlo Firmian, in denen über zwanzigtausend Drucke von Albrecht Dürer, Stefano della Bella, Giovanni Benedetto Castiglione und Rembrandt sowie die 1817 erworbene Sammlung Borgia mit sechsundachtzig Aquarellen ausgestellt sind und indische Designs. Es gibt auch andere Sammlungen, die nach der Eröffnung des Museums gestiftet wurden, wie die von Mario und Angelo Astarita, die 1970 angeboten wurden und aus vierhundertneunzehn Zeichnungen, Aquarellen und Ölen von Künstlern der Posillipo-Schule bestehen, zu denen auch Giacinto Gigante gehört oder staatliche Käufe wie die Sammlung von vierundsechzig Studien und Reliefs des Architekten Federico Travaglini. Das Zwischengeschoss wird durch die private Sammlung aus dem 19. Jahrhundert vervollständigt: Sie wurde 2012 im Südflügel des Gebäudes eingerichtet und sammelt in sieben Räumen Gemälde aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Ursprünglich befand sich in diesen Räumen ab 1816 die Privatwohnung von Ferdinando I., die Mitte des 19. Jahrhunderts von Prinzessin Carolina genutzt wurde und daher in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts für den Kadettenzweig der Familie der Herzöge von Aosta bestimmt war Jahrhundert: Mit der Gründung des Museums im Jahr 1957 begrüßten die Räume die Büros der Superintendenz, während sie während der Restaurierungsarbeiten in den neunziger Jahren zu ihrem ursprünglichen architektonischen Aspekt zurückgebracht wurden, der für den Museumsgebrauch mit neapolitanischen Möbeln vorgesehen war. Stoffe und Vorhänge.
Raum 1 ist der neoklassischen Strömung mit Werken von Vincenzo Camuccini gewidmet, Raum 2 und 3 sammeln neapolitanische Landschaften von Autoren der Posillipo-Schule wie Anton Sminck van Pitloo, Gigante und den Brüdern Palizzi in Raum 4 Gemälde des Realismus aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit Künstlern wie Vincenzo Gemito, Domenico Morelli, Michele Cammarano und Giuseppe De Nittis, in Raum 5 Werke, die von orientalischer Kunst inspiriert sind, und in Raum 6 und 7 verschiedene Spenden von Privatpersonen oder Künstlern wie Gioacchino Toma, Achille D ‚ Orsi, Giovanni Boldini eGiacomo Balla.
Erste Stock
Der erste Stock ist in die Bereiche der Galleria Farnese und des Royal Apartment unterteilt: Die Farnese Gallery umfasst insbesondere die Räume von Raum 2 bis Raum 30, in denen sich die Farnese-Sammlung befindet, mit Ausnahme von Raum 7, der der Borgia-Sammlung gewidmet ist und die 23, während die Räume von Raum 31 bis Raum 60, zu denen Raum 23 hinzugefügt wird, den Abschnitt des Royal Apartment beherbergen, der durch die Räume 35 und 36 gekennzeichnet ist, die der Galleria delle Porcellane gewidmet sind, von Raum 38 bis 41, der gewidmet ist Die Sammlung De Ciccio und die Räume von 46 bis 50 sind der Waffenkammer der Farnesianer und Bourbonen vorbehalten.
Farnese Galerie
Die Sammlung Farnese gibt der gleichnamigen Galerie ihren Namen und alle Werke sind in zeitlicher Reihenfolge nach Herkunftsgebieten sortiert: Die Sammlung wurde Mitte des 16. Jahrhunderts von Papst Paul III. Begonnen, der sie in seinem Palast in Campo sammelte de ‚Fiori sowohl antike Werke, insbesondere Statuen aus archäologischen Funden in der Gegend von Rom als auch aus den Bädern von Caracalla, sowie moderne, meist bildhafte Werke von Künstlern wie Raphael, Sebastiano del Piombo, El Greco und Tiziano. Mit Ottavio Farnes und seinem Sohn Alessandro wurde die Sammlung im 17. Jahrhundert mit zahlreichen Stücken bereichert, auch dank der Spende von Fulvio Orsini an Kardinal Odoardo im Jahr 1600 und der Beschlagnahme von Gegenständen einiger Mitglieder von Die Parma-Aristokratie und Piacenza, die für eine Verschwörung verantwortlich gemacht wurden, die im Jahr zuvor gegen Ranuccio I Farnese geschlüpft war. Daher werden Werke von Künstlern wie Correggio und Parmigianino neben Einkäufen aus römischen Palästen Teil der Sammlung. Als Alexander Souverän der Niederlande wurde, kam neben der italienischen Bildschule auch die flämische hinzu: Nach einigen Quellen der Zeit wäre der Monarch jedoch im Gegensatz zu seinem Vater und seiner Mutter Margherita aus Österreich kein sorgfältiger Sammler gewesen . 1693 wurde die Sammlung von Margherita Farnese, der Schwester von Ranuccio, hinzugefügt. Später ging die Sammlung in die Hände von Elizabeth und dann an ihren Sohn Charles von Bourbon über, der, als er König von Neapel wurde, alle Werke in die Hauptstadt seines Königreichs übertrug: weiter erweitert durch Neuerwerbungen auch mit Bernsteinobjekten, Bronze, Fels Kristall, Majolika und Silber, die Sammlung wurde im eigens erbauten Palast von Capodimonte untergebracht. Im Laufe der Jahre wurde die Sammlung jedoch bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs in verschiedene Gebäude der Stadt verlegt, als eine Umstrukturierung der neapolitanischen Museen beschlossen wurde: Die Statue blieb im Nationalen Archäologischen Museum, während die Gemälde erneut verlegt wurden der Palast von Capodimonte im neugeborenen Museum, der die alte Farnesianische Galerie restauriert.
Raum 2 markiert den Eingang zur Farnese-Galerie und ermöglicht mit ihren Gemälden einen Blick auf die herausragenden Persönlichkeiten der Familie Farnese: Viele der vorhandenen Werke, wie das Porträt von Paul III. Und das Porträt von Paul III. Mit den Neffen Alessandro und Ottavio Farnese sind das Werk von Tizian, dessen Sammlung von Capodimonte für den Künstler das wichtigste und zahlreichste sowohl in Italien als auch in der Welt darstellt; Es gibt auch Gemälde von Raphael, wie das Porträt von Kardinal Alessandro Farnese, Giorgio Vasari und Andrea del Sarto, sowie Skulpturen von Guglielmo Della Porta und einen Wandteppich mit dem Opfer Alexanders.
Der kleine Raum 3 ist ganz der Kreuzigung von Masaccio gewidmet; Dies ist nicht Teil der Farnese-Sammlung, sondern wurde 1901 von einer Privatperson als Werk eines unbekannten Florentiner des 15. Jahrhunderts gekauft und erst später als das zentrale Abteil des Polyptychons von Pisa angesehen, das Masaccio für den Karmin angefertigt hatte Kirche in der pisanischen Hauptstadt, dann in verschiedene Stücke unterteilt, die in anderen europäischen und amerikanischen Museen aufbewahrt werden.
In Raum 4 werden vier Kohlezeichnungen gesammelt: zwei von Michelangelo, eine von Raphael und eine von Giovan Francesco Penni, die Fulvio Orsini gehörten und nach dem Willen des Mitglieds der Familie Farnese von Ranuccio geerbt wurden; Die Werke kamen 1759 unter Giuseppe Bonaparte im Palast von Capodimonte an, wurden dann in den Königspalast der Studien überführt, der den Hauptkern des Kabinetts für Zeichnungen und Drucke bildete, und schließlich in den Palast von Capodimonte zurückgebracht. Im selben Raum befindet sich ein Gemälde, das Hendrick van den Broeck, Venus und Cupid zugeschrieben wird, eine Kopie von Michelangelos gleichnamiger Holzkohle, die an seiner Seite ausgestellt wurde und Gegenstand zahlreicher Nachbildungen auch anderer Künstler ist.
Ab Raum 5 sind die Werke in chronologischer Reihenfolge angeordnet und nach Kulturbereichen unterteilt: Unter den wichtigsten sind zwei Tafeln von Masolino da Panicale, die Gründung von Santa Maria Maggiore und die Himmelfahrt der Jungfrau, zentrale Elemente eines ursprünglich platzierten Triptychons, hervorzuheben auf dem Altar der Basilika Santa Maria Maggiore in Rom.
Raum 6 enthält Gemälde aus den Farnese- und Bourbon-Sammlungen umbrisch-toskanischer Renaissancekünstler, die die bildlichen Neuheiten der Zeit wie die Verwendung von Perspektiven zeigen: Künstler wie Filippino Lippi, Lorenzo di Credi und Sandro Botticelli sind Teil davon Raffaellino del Garbo und Raffaello mit seiner ewigen Jugendarbeit zwischen Cherubim und Madonnas Kopf, der Hauptarbeit im Raum; Die Leinwand von Francesco Zaganelli mit dem Christus, der das Kreuz trägt, weicht vom vorherrschenden Thema ab und kommt Dürers Gemälde näher.
Ab Raum 8 beginnt die Reihe von Räumen entlang der Westseite des Gebäudes, in der bereits im 18. Jahrhundert die ersten Gemälde der Sammlung Farnese ausgestellt waren: Die Decke des Raumes ist zusammen mit der der Räume 9 und 10 noch vorhanden dekorative Fresken aus dem neunzehnten Jahrhundert, die in den fünfziger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts restauriert wurden; Im Raum befinden sich Bildwerke venezianischer Kunst aus dem 15. bis Anfang des 16. Jahrhunderts mit Künstlern wie Bartolomeo Vivarini, Andrea Mantegna und Lorenzo Lotto, die alle zur Sammlung Farnese gehören, sowie Werke anderer Autoren wie Giovanni Bellini und Jacopo de ‚Barbarithey sind mit Einkäufen von Bourbon verbunden. Die Leinwände zeigen alle Neuerungen der historischen Periode, in der sie gemalt wurden, wie die chromatische Verfeinerung, die Verwendung der Luftperspektive und die Schlüsselrolle des Lichts.
Raum 9 zeigt Werke von Sebastiano del Piombo, Giulio Romano und Daniele da Volterra, die von der glühenden römischen Kunstsaison des 16. Jahrhunderts zeugen. Im Raum befinden sich auch drei Gemälde, Madonna del Velo und Porträt von Clemens VII. mit dem Bart von Sebastiano del Piombo und Porträt eines jungen Mannes von Daniele da Volterra, hergestellt auf Schiefer, eine experimentelle Technik, die als Alternative zur Leinwand und verwendet wird die Paneele. Interessant ist auch die von Marcello Venusti gemalte Kopie des Jüngsten Gerichts von Michelangelo, ein Zeugnis dafür, wie die Arbeit der Sixtinischen Kapelle vor den Interventionen von Daniele da Volterra aussah, um die als unanständig geltenden Teile abzudecken.
Raum 10 enthält die Gemälde toskanischer Künstler aus dem ersten Viertel des 16. Jahrhunderts: Pontormo, Rosso, Fra Bartolomeo, Franciabigio, Andrea del Sarto, Domenico Puligo und Pieter de Witte, Künstler, die die Türen zum Manierismus öffnen werden.
Raum 11 sammelt venezianische Werke: insbesondere die Aktivitäten eines inzwischen reifen Tizianers wie Danae, Porträt eines jungen Mädchens und Magdalene, eines jungen Dominikos Theotokópoulos, besser bekannt als El Greco, Schüler von Tizian und Hofmaler der Farnese und von Jacopo Palma the Elder. Bemerkenswert ist, dass Boy auf einer brennenden Glut bläst. Er arbeitet in einem starken Hell-Dunkel-Ton mit deutlichen Caravaggesque-Akzenten.
Raum 12 enthält eine der weltweit wichtigsten Sammlungen emilianischer Malerei aus dem 16. Jahrhundert, das Ergebnis der Sammlung Farnese und der Beschlagnahme einiger Familien aus Piacenza und Parma, die eine Verschwörung gegen Ranuccio Farnese geschlüpft waren. unter den Künstlern: Correggio mit seinen heiligen und mythologischen Themen und menschlichen Figuren mit weichen Formen und weichen Farben, Parmigianino, einer der Protagonisten des italienischen Manierismus und eines Gemäldes aus Experimenten, Girolamo Mazzola Bedoli, Benvenuto Tisi aus Garofalo, Dosso Dossi , Lelio Orsi und Ippolito Scarsella, die beiden letzteren mit einem charakteristischen Märchen- und Erzählstreifen. Einige Marmorbüsten aus der Römerzeit vervollständigen die Umgebung.
In Raum 13 werden die Werke von Künstlern gesammelt, die am Farnese-Hof in Parma gearbeitet haben, einem Ort, an dem in dieser Zeit intellektueller Eifer herrschte: Insbesondere Jacopo Zanguidi, besser bekannt als Bertoja, mit Madonna und Kind, und Girolamo Mirola auch ausländische Künstler wie Jan Soens.
Raum 14 ist die Galerie der seltenen Dinge, allgemein Wunderkammer genannt, oder vielmehr eine Art Wunderraum, der die Aufgabe hatte, Besucher zu fesseln und zu überraschen: Zusätzlich zu den normalen Gemälden sammelt er die kostbaren und seltenen Werke der Überreste der dekorative Kunst der Sammlung Farnese, die einst in der Herzoglichen Galerie von Parma untergebracht war. Unter den Werken im Raum: die Farnese-Schachtel von Manno Sbarri mit von Giovanni Bernardi gravierten Kristallen, Bronzen aus verschiedenen italienischen und europäischen Schulen wie denen von Giambolognaothers mit einem typischen Renaissance-Stil wie der David von Francesco di Giorgio Martini und der Amor von Guglielmo Della Porta und Manierismen, Münzen, Elfenbeinobjekte wie ein Tablett und ein Krug von Johann Michael Maucher, Renaissance-Medaillen von Pisanello, Matteo de ‚Pasti und Francesco da Sangallo, Emaille, darunter eine mit Diana, der Jägerin Diana von Jacob Miller der Ältere, Majolika aus Urbino, darunter ein blaues Majolikaset von Alessandro Farnese, Bergkristalle, hölzerne Mikroschnitzereien und exotische Artefakte sowie Funde wie eine harte Stein-Ranocchia aus Mexiko und die Statuette von Huitzilopochtli, dem Gott des Aztekenkrieges .
Raum 15 enthält nur die Gemälde des flämischen Malers Jacob de Backer; Dies sind sieben Werke, die die sieben Todsünden darstellen, ein Trend, der in der flämischen Kultur des 16. Jahrhunderts sehr beliebt ist: Das Laster ist in der Mitte des Gemäldes und dahinter Szenen aus dem Neuen und Alten Testament dargestellt. Die Werke wurden von Cosimo Masi in Flandern gekauft und 1611 von Ranuccio Farnese beschlagnahmt: Als sie in Neapel ankamen, hatten sie nicht viel Glück, so dass sie in den Lagerstätten des Palazzo degli Studi aufbewahrt wurden, bevor sie an die Kammer verkauft wurden von Abgeordneten in Rom, um die Mauern zu verschönern; 1952 kehrten sie nach Neapel zurück und profitierten von einer neuen Aufwertung.
Raum 16 ist der lombardischen Malerei des 15. und 16. Jahrhunderts gewidmet. Die nicht sehr bedeutende Sammlung erlebte ihre Blütezeit in Zentren wie Cremona, Brescia, Bergamo und vor allem in Mailand: Unter den ausgestellten Künstlern Bernardino Luini und Cesare da Sesto inspiriert von Leonardo da Vinci und Giulio Cesare Procaccini, der mit seiner Madonna, seinem Kind und seinem Engel die Zeichen der starren Moral der Gegenreformation in der heiligen Malerei zeigt, wo jedoch die ersten Zeichen des Barock zu finden sind; Einige Büsten römischer Kaiser vervollständigen den Raum, der ursprünglich im Palazzo Farnese in Rom ausgestellt war.
Raum 17 enthält Gemälde aus dem flämischen und deutschen Raum; Insbesondere werden die beiden Meisterwerke von Pieter Bruegel dem Älteren ausgestellt, das Gleichnis vom Blinden und der Menschenfeind, die zwei Momente der reifen Phase des Künstlers darstellen: von Cosimo Masi, dem Sekretär von Prinz Alexander, gekauft und von einer Familie aus Farnese beschlagnahmt bei einem seiner Erben, Giovanni Battista Masi, im Jahre 1611. Es gibt auch Triptychen wie die Kreuzigung und die Anbetung der Könige von Joos van Cleve mit beweglichen Türen und reich an dekorativen Elementen, so dass sie wieder zu sein scheinen schlagen typische Elemente der italienischen Kunst vor und eine Gruppe kleiner Gemälde von Civetta, die Landschaften darstellen, die bereits in den Inventaren des Marquis Girolamo Sanvitale erwähnt wurden: Weitere ausgestellte Künstler sind Jacob Cornelisz van Oostsanen und Bernard van Orley, letztere mit dem Porträt von Charles V; Die meisten dieser Gemälde sind dank der Akquisitionen von Kardinal Odoardo ab 1641 Teil der Sammlung Farnese.
Raum 18 ist fast ausschließlich Joachim Beuckelaer gewidmet: Es ist nicht bekannt, wann oder wer die Werke gekauft hat, aber diese gehörten sicherlich schon 1587 zur Farnese-Sammlung von Parma, wie in einigen Familieninventaren erwähnt, zusammen mit etwa vierzig Gemälden, die dazu gehörten an Herzog Ottavio und Ranuccio, in jener Zeit, in der Stillleben und beliebte Szenen wie die von Märkten und Landschaften, die die Leinwände vorschlagen, in Italien große Erfolge erzielten. Das einzige Werk, das Beuckelaer nicht gehört, ist Jesus unter den Kindern von Maarten de Vos.
In Raum 19 sind die Werke der Vertreter der Familie Carracci zu sehen, nämlich der Brüder Agostino und Annibale, der Hauptvollstrecker der Familie Farnese, und des Cousins Ludovico: Ihre Leinwände sind durch die vom Konzil von Trient auferlegten Entbehrungen bedingt. selbst wenn es ihnen gelingt, eine neue künstlerische Lösung zu finden, nach der der Künstler eine Vision der Realität haben muss, um die italienische Malerei aus diesem Krisenzustand herauszuholen.
In Raum 20 werden weiterhin Werke der Emilianischen Schule mit Annibale Carracci gesammelt, diesmal mit einem reifen Gemälde, das von griechischen Mythen wie Rinaldo und Amida und der Allegorie, Giovanni Lanfranco und Sisto Badalocchio inspiriert ist.
Raum 21 ist ganz den Gemälden von Bartolomeo Schedoni gewidmet, einem Künstler, der seine berufliche Existenz mit der Familie Farnese verband, für die Familie zwischen Modena und Parma arbeitete und ihnen die meisten seiner Werke versicherte, auch jene, die nach seinem Tod Sie wurden im Laden deponiert: Als Gelehrter aus Correggio, Federico Barocci und den Carracci machte er die vorherrschende Neuheit seiner Gemälde zum Licht, die er mit exzentrischen Figuren kombiniert.
Raum 22 ist immer noch der emilianischen Malerei gewidmet: Das Hauptwerk ist das von Atalanta und Ippomene von Guido Reni, mit dem sich Giovanni Lanfranco und Michele Desubleo nähern; Alle Gemälde präsentieren diese Themen und den Stil der entstehenden Barockströmung.
Raum 24 enthält flämische Gemälde aus dem 17. Jahrhundert mit Künstlern wie Antoon van Dyck und seinem gekreuzigten Christus, die Diego Sartorio für 1.500 Dukaten, Pieter Paul Rubens und Daniel Seghers gekauft hat. Diese Werke gehören zur Sammlung Farnese oder zu späteren Anschaffungen und bieten einen Vergleich zwischen den italienischen und niederländischen Gemälden der Zeit.
Auch in Raum 25 setzt die Ausstellung flämischer Maler fort, insbesondere von Werken, die sich mit Ansichten befassen, ein Genre, das ab dem Ende des 16. Jahrhunderts auch dank der Bitte wohlhabender Bourgeois, die es lieben, die Wände zu schmücken, enorm erfolgreich war ihre Gebäude mit Leinwänden, die Szenen des Alltags darstellen: Unter den in der Umgebung ausgestellten Künstlern sind Sebastian Vrancx, Gillis Mostaert und Pieter Brueghel der Jüngere mit Winterlandschaft.
Flämische Künstler sind immer noch in Raum 26 zu finden: Dieses Mal verlagert sich das Thema jedoch auf Stillleben, die sich im 17. Jahrhundert enorm ausbreiten werden. Dies sind intime Darstellungen bekannter Szenen mit Porträts von Früchten, Wild, Blumen, Schalen und Kristallen, wie die Leinwand von David de Coninck Game and Animals oder David Teniers der Jüngere mit Kücheninterieur zeigt.
Raum 27 geht weiter mit den emilianischen Künstlern, insbesondere jenen, die von der Erfahrung der Accademia degli Incamminati beeinflusst wurden: Werke von Ludovico Carracci, wie der Fall von Simon Mago, werden ausgestellt, was die Vision für eine neue Konzeption von Raum und mit öffnet Zeichen eines frühen Barock, Domenichino mit dem Schutzengel, der stattdessen im Klassizismus verankert bleibt, und Alessandro Tiarini, der weiterhin dem Stil der Caravaggesque-Schule folgt.
Der spätmanieristische Stil des späten 16. Jahrhunderts drückt sich in den Werken aus, die in Raum 28 mit toskanischen und ligurischen Künstlern aufbewahrt werden. Wichtig in diesen Gemälden ist die Verwendung von Farben, die fast einen übernatürlichen Farbton verleihen, aber dennoch eine weiche und durchdrungene Helligkeit verleihen: Die Pietà von Cigoli, Venus und Adonis von Luca Cambiaso und San Sebastiano, die zum Grab von Domenico Cresti führte, zeugen davon.
Raum 29 beherbergt Werke unterschiedlicher Herkunft und Zugehörigkeit zu verschiedenen Kulturklassen, was zeigt, dass die Familie Farnese aufgrund interner Meinungsverschiedenheiten keine Künstler mehr für Gemälde für ihre Sammlung beauftragen konnte; Am repräsentativsten für den Raum sind die Künstler von Genua, einer Stadt, die zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert eine gute künstlerische Zeit erlebte: charakteristische Kupferöle von Carlo Saraceni zu mythologischen Themen und Werke von Orazio de Ferrari und Giovanni Battista Gaulli, während Landscape mit der Nymphe Egeria von Claude Lorrain stammt aus der Bourbon-Kollektion.
Raum 30 schließt die Farnese-Sammlung ab: Sie beherbergt die Werke von Sebastiano Ricci, einem Venezianer aus dem 17. Jahrhundert, einem der Maler des Farnese-Hauses in Parma, der den Schutz von Ranuccio genoss. im Raum auch die Heilige Familie und die Heiligen von Giuseppe Maria Crespi.
Sammlung Borgia
Raum 7 beherbergt die Borgia-Sammlung: Es handelt sich um eine Sammlung, die 1817 von Ferdinando I., im Besitz von Kardinal Borgia, erworben wurde und im Laufe des 18. Jahrhunderts dank der verschiedenen katholischen Missionen auf der ganzen Welt zahlreiche künstlerische Zeugnisse von den meisten sammelte unterschiedliche Völker wie orientalische und exotische. Die Werke wurden vom Kardinal sowohl in einem römischen Palast als auch in seinem Haus in Velletri aufbewahrt, wo er ein echtes Museum hervorbrachte, das für Gelehrte geöffnet und in zehn Abschnitte unterteilt war: ägyptische, etruskische und volske Altertümer, griechisch-römische, römische, Fernöstliche Kunst, arabische Altertümer, ethnoanthropologische Artefakte aus Nordeuropa, Mittelamerika und dem Heiligen Museum, bestehend aus Werken der Ikonographie und der heiligen Liturgie. Als der Kardinal starb, wurden die Werke von seinem Neffen Camillo Borgia geerbt und später vom Bourbon-Herrscher gekauft. Die Sammlung wurde dann zuerst im Royal Bourbon Museum ausgestellt und später 1957 in den königlichen Palast von Capodimonte überführt, wo sie nach langer Zeit wieder hergestellt wurde Inventararbeiten, drei Abschnitte sind ausgestellt, nämlich das Heilige Museum, der Arabische Tuff und der Index.
Die Sammlung umfasst Gemälde wie Sant’Eufemia von Andrea Mantegna, die Madonna und das Kind mit den Heiligen Peter, Paul und Antonio Abate von Taddeo Gaddi, die Madonna und das Kind von Bartolomeo Caporali, die Madonna von Jacopo del Casentino, das San Sebastiano di Taddeo di Bartolo, die Tugenden und Szenen aus dem Leben von Jason von Giovanni Bernardi; und immer noch gibt es Objekte syrischer, spanischer, birmanischer und französischer Herstellung, die aus verschiedenen Materialien wie dem Polyptychon der Passion in Alabaster, der englischen Schule, Glas, Goldschmieden, Emails wie Pace di Nicolò Lionello und Elfenbein wie z die byzantinische Kreuzigung des zehnten Jahrhunderts.
Königliche Wohnung
Raum 31 bis Raum 60, zu dem Raum 23 hinzugefügt wird, aber Raum 35 und 36 ausgeschlossen sind, die von 38 bis 41 und die von 46 bis 50 beherbergen das Royal Apartment.
Teilweise in ihrem ursprünglichen Erscheinungsbild sowohl in der Architektur als auch in der Einrichtung verändert, bilden sie die Wohnung, in der Bourbon, französische Könige und die Familie der Herzöge von Aosta untergebracht waren: Der Hauptraum ist Raum 23, in dem sich der Speisesaal befand. Bett von Francesco I. und Maria Isabella aus Bourbon-Spanien, hergestellt zwischen 1829 und 1830 nach einem Entwurf von Antonio Niccolini mit besonderen Wanddekorationen, die an die Fresken erinnern, die bei den Ausgrabungen von Pompeji und Herculaneum gefunden wurden, und Polsterung der Herstellung von San Leucio. Raum 31 heißt Salone della Culla, weil er eine Wiege beherbergte, die die neapolitanischen Untertanen den Königen für die Geburt von Vittorio Emanuele III. Von Savoyen gespendet hatten. Besonderheit der Umgebung ist der Marmorboden einer römischen Villa in Capri, Villa Jovis. Raum 42 ist der Salone delle Feste, der ursprünglich entworfen wurde, um die Werke aus der Sammlung Farnese zu beherbergen, und dann umgebaut wurde, um die repräsentativen Funktionen der königlichen Familie zu erfüllen: Er ist einer der wenigen Räume, die sein ursprüngliches Aussehen mit Dekorationen von Salvatore Giusti beibehalten haben. im neoklassizistischen Stil, Marmorboden und Kristallleuchter. In Raum 52 befindet sich das Porzellan-Wohnzimmer: Es ist ein Wohnzimmer aus über dreitausend Porzellanstücken, die zwischen 1757 und 1759 von Giovanni Battisti Natali für Königin Maria Amalia gebaut wurden und ursprünglich im Palast von Portici untergebracht und erst 1866 nach Capodimonte verlegt wurden in einem entsprechend angepassten Raum. Raum 56, der im Auftrag von Annibale Sacco mit einem klaren neoklassizistischen Geschmack geschaffen wurde, trägt den Namen Salone Camuccini und wird so genannt, dass Bildwerke vorhanden sind, die genau von Vincenzo Camuccini geschaffen wurden und von anderen Künstlern wie Pietro Benvenuti und flankiert werden Francesco Hayez: Es beherbergt auch eine gute Anzahl von Statuen. In allen Räumen befinden sich zahlreiche Gemälde der unterschiedlichsten Autoren wie Alexandre-Hyacinthe Dunouy, Claude Joseph Vernet, Antonio Joli, Francisco Goya, Angelika Kauffmann und Giacinto Gigante sowie zahlreiche Einrichtungsgegenstände wie Porzellan, Vasen, Krippen, Musikinstrumente, Sofas, Kronleuchter und Kamine, letztere nur in den repräsentativen Räumen vorgesehen.
Porzellangalerie
In den Räumen 35 und 36 bilden sie die sogenannte Porzellangalerie: Sie besteht aus über dreitausend Stücken, von denen aus Platzgründen nur ein kleiner repräsentativer Teil der Dienstleistungen von in Italien und Europa hergestelltem Porzellan ausgestellt ist, insbesondere Porzellan von Capodimonte, dem Meissein von Sevres, mit einigen mit Neapel verzierten Stücken, nach Wien und Berlin. Alle Werke mit Ausnahme der 1972 erworbenen Unbefleckten Empfängnis stammen aus der Bourbon-Sammlung; Bis 1860 wurden diese Stücke normalerweise verwendet, während später, ab 1873, auf Geheiß von Vittorio Emanuele III. eine Museumsbauarbeit an den Porzellanen begann, die von Annibale Sacco herausgegeben wurde.
Raum 35 zeigt die Kreationen der Real Fabbrica di Napoli, während Raum 36 die wichtigsten europäischen Manufakturen zeigt: Zu den Hauptwerken gehört der Service of the Goose, auf dessen Geschirr gemalte Ansichten von Neapel und seiner Umgebung gemalt sind, während diese keine Dekorationen sind Auf Lager ein Altarset mit sechs Kandelabern und einem Kruzifix, ein Werk von Giuseppe Gricci für die königliche Kapelle von Portici, ein Schreibtischservice, ein Schokoladenservice mit einer Blumengirlande und anschließend zahlreiche Vasen, Statuen, Riser und Teller.
Sammlung De Ciccio
Die De Ciccio-Sammlung befindet sich in den Räumen 38, 39, 40 und 41: Es handelt sich um eine nach dem ursprünglichen Layout geordnete Sammlung von etwa eintausenddreihundert Stücken, hauptsächlich angewandte Kunst, einschließlich Gemälden und Skulpturen, aber auch Bronzen, Elfenbein, Majolika, Porzellan und manchmal archäologische Funde, 1958 dem Nationalmuseum von Capodimonte vom Sammler Mario De Ciccio gestiftet, der sie im Laufe von etwa fünfzig Jahren Akquisitionen zwischen Neapel, Palermo und verschiedenen internationalen Märkten gesammelt hatte.
Unter den verschiedenen Werken befinden sich die Keramiken im hispanisch-maurischen Stil, Renaissance Majolica, darunter eine Sternfliese aus der persischen Manufaktur in Rey, die Porzellane aus Meißen, Wien und Ginori; unter den Statuen die einer Madonna und eines Kindes der Schule von Lorenzo Ghiberti, San Matteo, in Bronze, die Alessandro Vittoria zugeschrieben werden, während unter den Gemälden eine Tafel von Marco del Buono und Apollonio von Giovanni, die bereits mit einer Truhe verziert ist. Und noch Vasen, Teller, Tassen, darunter einige Chinesen aus der K’ang Hsi- und Chien Lung-Zeit, Renaissance-Bronzen von Andrea Briosco, Alessandro Vittoria und Tiziano Aspetti, Muranoglas und archäologische Funde wie attische Vasen aus dem 6. und 5. Jahrhundert vor Christus , Rhyta aus dem 4. Jahrhundert v. Chr. und kursive Skulpturen und etruskische.
Waffenkammer fernesiana und Bourbon
In den Räumen 46, 47, 48, 49 und 50 sind die Sammlungen der Waffenkammer von Farnesian und Bourbon ausgestellt: Es handelt sich um etwa viertausend Stücke, deren erste Einrichtung aus dem Jahr 1958 stammt und deren ursprüngliches Erscheinungsbild noch erhalten ist. Die farnesianische Sammlung umfasst hauptsächlich Waffen aus Mailand und Brescia, aber auch spanische und deutsche Beispiele für Schusswaffen, Schneiden und Verteidigung, Turnier- und Kriegspanzer, Pistolen, Schwerter, Dolche und Arquebusse, darunter die von Pompeo als del Giglio bekannte Rüstung von Alessandro Farnese della Cesa und ein italienisches Radgewehr, das Ranuccio Farnese gehörte. Die Bourbon-Serie umfasst Schusswaffen, einige aus Madrid mit Karl von Bourbon, andere aus neapolitanischer Herstellung, die aus der Royal Arms Factory von Torre Annunziata stammen, um die Bedürfnisse der Bourbon-Armee zu erfüllen, sowie Jagdwaffen, die für reine Erholungszwecke hergestellt wurden, wie beispielsweise ein Steinschlossgewehr an Maria Amalia. Hinzu kommen Waffen, die Carlo und Ferdinando als Karabiner und Gewehre sächsischer, wienerischer und spanischer Herstellung gespendet wurden, weiße Waffen, die sowohl von der königlichen Fabrik als auch von der Stahlfabrik hergestellt wurden. Letztere befinden sich ab 1782 im Park Capodimonte: Carlo la Bruna, Biagio Ignesti, Michele Battista, Natale del Moro und Emanuel Estevan waren die Schöpfer der Werke. Es gibt auch orientalische Waffen und Kriegsmodelle für die Artillerieschule, italienische Karussellpanzer und Kriege des 17. Jahrhunderts, Schwerter des 16. und 18. Jahrhunderts, von denen eines wahrscheinlich Ettore Fieramosca, italienischen Schusswaffen und dem europäischen 18. und 19. Jahrhundert gehörte . Insbesondere ein Gipsmodell mit Carlo V von Vincenzo Gemito.
Zweiter Stock
Der zweite Stock ist in die Bereiche der Neapolitanischen Galerie und der Sammlung zeitgenössischer Kunst unterteilt: Insbesondere in den Räumen 61 bis 97 (außer 62) ist die Kunstgalerie in Neapel vom 13. bis zum 18. Jahrhundert untergebracht, Raum 62 ist gewidmet Die Wandteppiche von ‚Avalos und die Räume 98 bis 101 in der Sammlung d’Avalos, während der Bereich für zeitgenössische Kunst zwei Räume sowie weitere Räume im dritten Stock umfasst.
Neapolitanische Galerie
Die neapolitanische Galerie besteht aus vierundvierzig Räumen und beherbergt Gemälde, aber auch Skulpturen und Wandteppiche, die von neapolitanischen Künstlern oder Persönlichkeiten angefertigt wurden, die nicht einheimisch sind, aber in der Zeit zwischen dem dreizehntes und achtzehntes Jahrhundert. Die Sammlung begann zu Beginn des 19. Jahrhunderts, sowohl nach der Unterdrückung der Klöster während der Zeit der napoleonischen Herrschaft als auch durch die Bourbon-Abgesandten auf der Suche nach Werken, die in die königliche Sammlung aufgenommen werden sollten, und wurde 2008 dank zahlreicher staatlicher Arbeiten fortgesetzt Akquisitionen, Spenden oder, wie zwischen 1970 und 1999, vorsorglich, insbesondere für Arbeiten, die in geschlossenen Kirchen aufbewahrt oder auf jeden Fall wenig überwacht werden. Die behandelten Themen sind daher religiöse Themen, die die Kirchen verschönerten, aber auch Schlachten, mythologische Szenen und Stillleben, eher weltliche Themen, die oft von Privatpersonen für ihre bürgerlichen Häuser in Auftrag gegeben wurden. Die Museumsaufteilung der Räume reproduziert folglich in der Regel die enge Beziehung zwischen der Geschichte und der Kunstgeschichte im neapolitanischen Raum und in Süditalien im Allgemeinen. Die Arbeiten wurden sowohl vom Regierungshaus als auch von den Aristokraten in Auftrag gegeben, die die neapolitanische Hauptstadt zu einer internationalen Kultur gemacht haben Center.
Mit Raum 61 beginnt die Neapolitanische Galerie: Es werden daher Werke verschiedener Art gehostet, die die Vielfalt und Komplexität der künstlerischen Kreationen von Neapel demonstrieren, aber auch jene Werke, die restauriert wurden; Die Ausstellung umfasst das Polyptychon mit Passionsgeschichten aus Alabaster und Nottingham-Holz, einen Wandteppich mit der Darstellung des Kreuzes und Holzstatuen von Giovanni da Nola.
Raum 63 und die folgenden zwei Werke aus der Kultur Kampaniens vom Ende des XII. Jahrhunderts bis zum Beginn des XV.: Bemerkenswert sind ein San Domenico, ein Polyptychon aus einer neapolitanischen Kirche, ein Marmorobjekt eines Kandelabers, und eine Tempera auf Holz mit dem Thema Santa Maria de Flumine aus einer Kirche in der Nähe von Amalfi, die die byzantinischen und arabischen Einflüsse auf der Halbinsel Sorrent zeigt.
Raum 64 zeigt die Einflüsse, die die Ankunft der Angevin-Dynastie und ihrer höflichen Welt auf die neapolitanische Kunst hat; Tatsächlich bringen die neuen Herrscher wichtige Sanierungsarbeiten in die Stadt, mit dem Bau von Palästen und Kirchen, die daher später dekoriert werden müssen. Und die Künstler, die zu dieser Arbeit berufen wurden, sind inspiriert von Giotto, der persönlich in der Stadt anwesend ist, und seiner Werkstatt: Dies ist der Fall bei dem in diesem Raum ausgestellten Roberto d’Oderisio mit seiner Kreuzigung und der Madonna der Demut und der sienesischen Andrea Vanni mit San Giacomo Apostolo.
Raum 65 zeigt die Einflüsse des ungarischen Zweigs der Anjou-Dynastie, insbesondere von Karl III. Von Neapel und Ladislao I. von Neapel. Letzterer beauftragt einen anonymen Maler, der als Meister der Geschichten von San Ladislao bekannt ist: i zwei Herrscher, ständig in militärischen Kampagnen engagiert die Anwesenheit zahlreicher Künstler, vor allem aus der Toskana, wie Niccolò di Tommaso, in Neapel.
Raum 66 ist ausschließlich dem Meisterwerk von Simone Martini, San Ludovico di Tolosa, gewidmet, der seinen Bruder Roberto d’Angiò krönt: Der Tisch, der noch in der Angevin-Zeit von Neapel liegt, wurde von Roberto d’Angiò in Auftrag gegeben, um sich zu erinnern und zu feiern sein Bruder Ludovico, der nach seinem Eintritt in die franziskanische Strömung auf den Thron des Königreichs verzichtete.
Raum 67 beherbergt Werke, die das Ende der Angevin-Herrschaft in Neapel und den Beginn der aragonesischen mit ihren bildlichen Neuerungen markieren: Flämische Künstler, Maler und Bildhauer, die Alfons V. von Aragon sehr am Herzen liegen, sind in der Umwelt ausgesetzt, aber auch Italiener wie diese als Colantonio mit der Übergabe der franziskanischen Herrschaft, San Girolamo im Atelier und das Polyptychon von San Vincenzo Ferrer, frühe Beispiele neapolitanischer Renaissance-Malerei, auf halbem Weg zwischen italienischem und internationalem Stil, mit flämisch-katalanischen Einflüssen.
Raum 68 zeigt jene Künstler, die während der Regierungszeit von Ferdinand I. von Neapel und Alfons II. Von Neapel in Neapel gearbeitet haben und von letzterem für den Bau des Triumphbogens des Maschio Angioino bevorzugt wurden: Dies sind Langobarden wie Cristoforo Scacco di Verona und Protasio Crivelli , Venezianer, Sizilianer, Dalmatiner und Spanier wie Juan de Borgoña, aber auch Francesco Pagano und Pietro Befulco.
Raum 69 mit seinen Werken zeigt die enge Beziehung, die Ende des 15. Jahrhunderts zwischen Alfons II. Und der Toskana hergestellt wurde, aber auch, wie sehr umbrische Künstler in der Stadt geschätzt werden: Es werden Werke von Pinturicchio und Matteo di Giovanni ausgestellt, die von grundlegender Bedeutung sind Künstler auch für die Ausbildung lokaler Maler wie Francesco Cicino, eifriger Schöpfer von Polyptychen, unter denen die Madonna und das thronende Kind und die Heiligen hervorstechen.
Raum 70 markiert den Beginn der spanischen Herrschaft in Neapel zu Beginn des 16. Jahrhunderts: Die hier gezeigten Werke zeigen eine bedeutende Reifung der lokalen Kunst, die hier mit Künstlern wie Giovanni Filippo Criscuolo und Andrea Sabatini vertreten ist, die noch immer in die umbrisch-toskanische Region zurückkehren Malerei gemischt mit dem für Raphael typischen Klassizismus oder auf jeden Fall Künstler, die in anderen Gegenden Italiens ausgebildet wurden, wie Cesare da Sesto, die im Raum mit der Anbetung der Könige anwesend sind, werden als Vermittler für die Innovationen in der neapolitanischen Malerei fungieren ;; Der spanische Einfluss wird auch durch das Gemälde von Pedro Fernández beeinflusst.
In Raum 71 befindet sich eine bedeutende Sammlung von Marmorskulpturen aus dem 16. Jahrhundert, eine künstlerische Produktion, in der Neapel besonders bei Künstlern wie Girolamo Santacroce und Giovanni da Nola auffällt: Dies sind dekorative Elemente von Werken, die zuvor in der Kirche Santa Maria Assunta dei Pignatelli untergebracht waren und vier Hochreliefs aus den Kirchen Sant’Agnello Maggiore und Santa Maria delle Grazie Maggiore in Caponapoli.
Raum 72 zeigt die Gemälde von Polidoro da Caravaggio, einem Schüler und Adjutanten Raphaels, der in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Rom ausgebildet wurde und dann auch kurz in Neapel arbeiten wird: unter den Exponaten die Andata al Calvario, die Deposition, San Pietro und Sant’Andrea, die den ursprünglichen und verstörenden Charakter des Künstlers hervorheben.
Künstler wie Marco Cardisco und Pedro Machuca befinden sich in Raum 73: Der erste wird vom manieristischen Einfluss von Polidoro beeinflusst und von Andrea da Salerno klassifiziert, der im Streit um den Heiligen Augustinus deutlich sichtbar ist, während der zweite Autor des Todes und der Himmelfahrt ist der Jungfrau zeichnet sich durch ein Gemälde mit weichen Figuren auf etwas artikulierten Kompositionen aus, die in gewisser Weise an Rosso Fiorentino erinnern.
Die Beziehung zwischen Pedro Álvarez de Toledo und der Toskana schafft einen intensiven kulturellen Austausch zwischen Neapel und Florenz oder Siena hauptsächlich Giorgio Vasari, mit dem Abendmahl im Haus des Pharisäers und der Präsentation im Tempel.
Das Hauptwerk in Raum 75 ist Tizians Verkündigung, ein seltenes Beispiel venezianischer Malerei in Neapel, das sich ursprünglich in der Pinelli-Kapelle in der Kirche San Domenico Maggiore befindet. Charakteristisch ist auch der kleine Raum 75 bis mit zwei Andachtsgemälden, nämlich Andata al Calvario von Giovanni Bernardo Lama und Pietà und Heiligen von Silvestro Buono, letzterer eindeutig inspiriert von den flämischen Malern in Mode in Neapel Ende des 16. Jahrhunderts.
In Raum 76 werden große Tische präsentiert, die als Hochaltarbilder in einem Neapel bestimmt sind, das mit Philipp II. Von Spanien eine glühende Zeit sowohl religiöser Konstruktionen als auch Dekorationen bestehender Kirchen verbrachte, aber dem Diktat der Gegenreform folgen musste; Zu den Künstlern, die an der Realisierung dieser Werke arbeiten, gehören Aert Mytens und Dirk Hendricksz, flämische Autoren, Francesco Curia con Annunciazione, die als eines der Meisterwerke der Malerei des südlichen 16. Jahrhunderts gelten, und Girolamo Imparato.
Raum 77 mit seinen Werken markiert den Höhepunkt der neapolitanischen Kunst des 16. Jahrhunderts. Künstler bieten heilige Darstellungen an, die die Gläubigen deutlich ansprechen. ausgestellt sind: Scipione Pulzone mit seinem kalten und puristischen Gemälde, Ippolito Borghese und seinem in der Pietà nuancierten Pinselstrich, Fabrizio Santafede, näher an der Populärkultur, und Luigi Rodriguez; Charakteristisch sind die Gemälde von Cavalier d’Arpino, einem der letzten in Neapel tätigen Miniaturisten, insbesondere in der Kartause von San Martino.
Raum 78 ist das ausschließliche Reservat der Geißelung Christi durch Caravaggio, ein Werk, das die große Jahreszeit des neapolitanischen 17. Jahrhunderts einleitet: Der Künstler war zwischen 1606 und 1607 in Neapel tätig und trug zwischen 1609 und 1610 dazu bei, die heilige Malerei des Heiligen radikal zu verändern Das Kapital, das bis zu diesem Zeitpunkt aus Heiligen, Engeln und Kronen besteht, in einer einfacheren, wesentlicheren und düstereren Form, die sich auch in den Gassen der Stadt widerspiegelt, eine Realität, die bisher ignoriert und geworfen wurde, insbesondere ab dem zweiten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts die Grundlagen für den neapolitanischen Naturalismus.
Raum 79 beherbergt die Werke der sogenannten Caravaggisten, dh jener Künstler, die sich in ihren Werken auf Caravaggio beziehen, wie Filippo Vitale, Carlo Sellitto, der als eleganter und stilisierter Maler geboren wurde, um den neuen Stil voll und ganz anzunehmen. und Battistello Caracciolo, der größte neapolitanische Caravaggista, der es immer noch schafft, seine eigene Identität mit einem abstrakten und lebendigen Gemälde auf den Hintergründen zu finden, das in den ausgestellten Gemälden wie dem Ecce homo, dem Christus an der Säule und der Klage am Körper von Abel und Venus und Adonis.
Die Räume 81, 83 und 84 sind für die zyklische Darstellung von Drucken und Zeichnungen im Capodimonte-Museum vorgesehen: Die Auswahl der auszustellenden Werke erfolgt sowohl nach konservativen Kriterien als auch um die Zeichentätigkeit der Künstler zu beleuchten umkreiste Neapel; Es werden auch Stiche aus dem 17. und 19. Jahrhundert vorgestellt. Die Umgebung ist geprägt von einem englischen Schrank und zwei Kupferölen von Francesco Guarini.
Raum 87 zeigt Werke von Künstlern, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Neapel gearbeitet haben. In dieser Zeit waren die Stadtkirchen von wichtigen Verzierungsarbeiten betroffen, die Künstler nicht nur aus der Region, sondern auch aus dem Ausland anziehen und sein goldenes Leben zum Leben erwecken Alter in der neapolitanischen Malerei: Das Hauptwerk des Raumes sind Giuditta und Oloferne von Artemisia Gentileschi.
In den Räumen 88, 89 und 90 sind die Gemälde so angeordnet, dass sie wie Kapellen einer von großen Männern geschmückten Kirche aussehen: Die anwesenden Künstler sind diejenigen des ersten neapolitanischen Naturalismus, die der von Caravaggio eröffneten Straße und ihrem Spiel folgen Licht im Hintergrund dunkel, obwohl es nicht an Einflüssen der emilianischen und venezianischen Malerei mangelt, die ab den 1840er Jahren in Neapel berühmt wurde; Unter den Künstlern befanden sich Artemisia Gentileschi, Battistello Caracciolo, Simon Vouet, Massimo Stanzione mit dem Opfer Moses und dem Martyrium der Heiligen Agatha, Pietro Novelli, Cesare Fracanzano und Jusepe de Ribera mit der Magdalena in Meditation, Ewiger Vater, Trinitas terrestris und San Girolam und der Engel des Gerichts.
Raum 91 zeigt eines von Riberas Meisterwerken, nämlich den betrunkenen Silenus. An Gemälden von Pietro Novelli und Francesco Fracanzano mangelt es jedoch nicht, die die neapolitanische Kunst für eine europäische Kultur öffnen: Charakteristisch sind auch die Werke des sogenannten Meisters der Verkündigung. Hirten, die sich mit heiligen Themen befassen, die in einer typischen pastoralen Welt dargestellt werden, werden auch im übrigen Europa dank der Exportarbeiten von Kunsthändlern wie Gaspar Roomer und Jan und Ferdinand van den Eynden geschätzt.
In Raum 92 sind neben Francesco Fracanzanos Kücheninterieur die Werke von Matthias Stomer, einem in Rom, Neapel und Sizilien tätigen niederländischen Maler, charakteristisch, der sich trotz der Befolgung der Schule von Caravaggio für Experimente öffnet: in seinen Werken, In der Tat spielt wie die Anbetung der Hirten, das Abendmahl in Emaus und der Tod von Seneca ein natürliches oder künstliches Licht wie eine Kerze, die die dunklen Umgebungen beleuchtet, in denen sich die Szene befindet, eine grundlegende Rolle.
In Raum 93 befindet sich die zweite Generation neapolitanischer Künstler, die im ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts ausgebildet wurden und Protagonisten eines Gemäldes aus den Caravaggesque-Experimenten mit den Einflüssen der Emilianer und Europäer sind: Giovan Battista Spinelli, der mit seinem David der französischen Kunst nahe steht mit dem Kopf von Goliath, Francesco Guarini, mit deutlich sichtbaren natürlichen Schatten in Sant’Agata und Santa Cecilia auf Cembalo und Engeln, und Andrea Vaccaro, einer der größten Vertreter dieser Zeit, mit seinen Gemälden, die das Heilige und das Heilige mischen das Profane, das sich deutlich im Triumph Davids und in der Anbetung des goldenen Kalbes zeigt.
In Raum 94 befinden sich zahlreiche Werke von Bernardo Cavallino, einem Künstler, der es geschafft hat, den Geschmack der Zeit vollständig zu erfassen, indem er sich an Sammler wandte, die ein elegantes und erzählendes Gemälde aus kleinen Leinwänden bevorzugten, die die neapolitanischen Paläste mit Themen schmücken, auf die Bezug genommen wird die poetischen Kompositionen von Torquato Tasso und Giovan Battista Marino, die das einfache und alltägliche Leben beschreiben; Im selben Raum ist auch Johann Heinrich Schönfeld ausgestellt, ein sorgfältiger Gelehrter von Cavallino.
Raum 95 konzentriert sich auf jene Künstler, die hauptsächlich zwischen den dreißiger und vierziger Jahren des 17. Jahrhunderts tätig sind, nämlich die verschiedenen Micco Spadaro, Salvator Rosa, Aniello Falcone und Andrea De Lione, die sich einer neuen Art von Malerei öffnen, die aus historischen und mythologischen Schlachten besteht , daher auch geeignet, Märtyrer von Heiligen in einer kleinen heiligen Umgebung darzustellen.
In einem kleinen Raum werden 96 nicht-neapolitanische Stillleben ausgestellt: Darstellungen von Bartolomeo Bimbi, Carlo Maratta und Christian Berentz mit leicht matten Tönen, die zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert besonders berühmt waren.
In Raum 97 fahren wir mit Stillleben fort, diesmal jedoch von neapolitanischen Künstlern: Es ist ein Genre, das zu dieser Zeit in Neapel sehr beliebt war, dank der zunehmend verbreiteten Einflüsse des Barock, die Mitte des 17. Jahrhunderts begannen. Es werden daher Fische, Blumen in Kristall- und Silbervasen, Obst und Zitrusfrüchte dargestellt. Die Hauptkünstler, die für das im Raum ausgestellte Stillleben verantwortlich sind, sind Luca Forte, Giovan Battista Ruoppolo, Giuseppe Recco, die von naturalistischer Malerei inspiriert sind, mit den Farben Mediterraneans, Andrea Belvedere und Paolo Porpora, beeinflusst von der entstehenden künstlerischen Ader des Rokoko, aus einem zarteren Gemälde.
Raum 102 ist ganz Mattia Preti gewidmet, einer Künstlerin, die zusammen mit Luca Giordano seit etwa einem Jahrzehnt eine der am meisten betitelten Aktivitäten in Neapel darstellt: Im Raum befinden sich zwei vorbereitende Skizzen für die Fresken, die an den Toren der Stadt angefertigt werden sollen ein Ex-Voto für das Ende der Pest von 1656 und noch Leinwände wie die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Convito di Assalonne und San Sebastiano, die den besonders gesenkten Standpunkt des Autors zeigen.
Raum 103 ist das Vorrecht von Luca Giordano, in dessen Werken er alle Neuheiten der entstehenden Barockströmung zeigt und der als Vorwegnahme der Rokoko-Kultur steht: und daher sind große Räume, Figuren mit einer weichen Linie mit rosa Haut und blondem Haar deutlich zu erkennen sichtbar auf den Leinwänden wie der Ekstase des Heiligen Nikolaus von Tolentino, den Almosen des Heiligen Thomas von Villanova, der Madonna del Baldacchino, der Madonna del Rosario und der Heiligen Familie hat die Vision der Symbole der Passion.
Raum 104 zeigt Werke des neapolitanischen 18. Jahrhunderts mit Malern wie Francesco Solimena, dem Erben von Luca Giordano, dessen charakteristische Figuren fast in einer Theaterpose dargestellt sind, wie in Aeneas und Dido zu sehen ist, sowie Paolo De Matteis, ebenfalls aus der Schule von Giordano, Domenico Antonio Vaccaro und Francesco De Mura, Autor eines eleganteren Gemäldes als sein Meister Solimena.
Raum 105 ist den Skizzen der großen Freskenmacher des 18. Jahrhunderts gewidmet: Dies sind Zeugnisse von Werken, die manchmal nicht fertiggestellt sind, wie die Skizze von San Domenico, die den Neffen von Kardinal Orsini wiederbelebt, den Domenico Antonio Vaccaro für die Kirche von San Domenico Maggiore oder in der Zeit verloren, wie Massacro dei Giustiniani a Scio von Francesco Solimena; Giacomo del Pò und Francesco De Mura sind ebenfalls im Raum ausgestellt.
Raum 106 schließt die Reise der neapolitanischen Malerei vom 13. bis zum 18. Jahrhundert ab und sammelt Werke aus der letzten Hälfte des 18. Jahrhunderts, die das Aufkommen der Bourbonen auf dem Thron des Königreichs Neapel markieren. Die neuen Herrscher, wie man an den in der Umwelt exponierten Künstlern feststellen kann, geben die neapolitanischen mit Ausnahme von Giuseppe Bonito auf und öffnen sich Künstlern mit einem europäischeren Atemzug: Dies ist der Fall von Gaspare Traversi, Autor von ein ironisches Gemälde, Corrado Giaquinto und Pietro Bardellino, mit Rokoko-Gemälden und mythologischen Motiven.
Tapisserie-Halle
Raum 62, auch bekannt als Sala degli Arazzi, beherbergt die Wandteppiche der Schlacht von Pavia, die zwischen 1528 und 1531 hergestellt wurden und sich von Bernard van Orleys Cartoons und Stoffen in Brüssel inspirieren lassen, wie die Initialen des Wandteppichherstellers William Dermoyen belegen: 1531 Sie wurden von den Generalstaaten von Brüssel an Kaiser Karl V. von Habsburg gespendet und 1571 in die Sammlung von Francesco Ferdinando d’Avalos aufgenommen, bis sie 1862 von Alfonso d’Avalos dem italienischen Staat geschenkt wurden und von dort in das Capodimonte Museum übertragen. Die sieben Werke tragen den Titel:
Vormarsch der kaiserlichen Armee und Angriff der französischen Gendarmerie unter Franz I.;
Niederlage der französischen Kavallerie; kaiserliche Infanterie übernimmt feindliche Artillerie;
Gefangennahme des französischen Königs Franz I.
Invasion des französischen Lagers und Flucht der Damen und Zivilisten nach Franz I.;
Invasion des französischen Lagers: Die Schweizer weigern sich trotz der Interventionen ihrer Führer, voranzukommen.
Flucht der französischen Armee und Rückzug des Herzogs von Alençon über das Tessin hinaus;
Belagerung der Belagerten und Route der Schweizer, die im Tessin in großer Zahl ertrinken.
Sammlung D’Avalos
In den Räumen 98, 99, 100 und 101 befindet sich die Sammlung d’Avalos, eine Privatsammlung, die im 17. Jahrhundert vom Prinzen von Montesarchio Andrea d’Avalos begonnen wurde und eine der wichtigsten Werke neapolitanischer Künstler des 17. Jahrhunderts sammelte und in Auftrag gab Jahrhundert und erst 1862 an den italienischen Staat und später an das Capodimonte-Museum gespendet: Ein Teil der Sammlung wird daher nach dem ursprünglichen Grundriss in den vier Räumen des Museums verteilt. Die meisten Werke beschäftigen sich mit Stillleben, aber auch mit historischen, mythologischen und literarischen Themen: Künstler wie Pacecco De Rosa, Luca Giordano mit einer großen Gruppe von Leinwänden, Andrea Vaccaro, Giuseppe Recco und Jusepe de Ribera mit einem seiner Meisterwerke, Symbol von künstlerischer Reife, nämlich Apollo und Marsyas, auf die Giordano selbst seine Ausbildung stützt.
Zeitgenössische Kunst
Die Sammlung zeitgenössischer Kunst wurde 1996 eingeweiht, jedoch waren zuvor Ausstellungen dieses Genres im Museum zu sehen gewesen: 1978 war die Ausstellung von Alberto Burri präsentiert worden, während 1985 Andy Warhol an der Reihe war, der in der Die Zeit hieß Salone Camuccini, später Raum 2, und wurde ausgewählt, um zeitgenössische Kunstveranstaltungen auszurichten, eine Rolle, die er von 1986 bis 1991 mit den Ausstellungen von Gino De Dominicis 1986, Mario Merz 1987, Carlo Alfano und Sol LeWitt spielte 1988 Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro und Jannis Kounellis 1989, Eliseo Mattiacci 1991, das Jahr, in dem der Ausstellungszyklus mit dem von Sigmar Polke endete, um die Restaurierung des Museums zu ermöglichen; Bei seiner Wiedereröffnung wurde für eine Dauerausstellung zeitgenössischer Werke entschieden.
Die Galerie beginnt mit drei in situ gemachten Arbeiten, die in drei Räumen untergebracht sind: Die erste, von Jannis Kounellis Untitled genannt, besteht aus Gläsern, Eisen, Beuteln und Kohle, die zweite trägt den Titel Hinweise von Daniel Buren, dh Installationen aus farbigem Klebepapier auf Gipskartonplatten und Marmorböden, und die dritte trägt den Titel Grande Cretto Nero, eine Tafel von Alberto Burri in Majolika und Emaille. Andere zeitgenössische Werke werden in Raum 82 ausgestellt und mit den unterschiedlichsten Materialien wie Öl auf Leinwand, Bronze, Eisen, Glas, bemaltem Holz und Tempera von Künstlern wie Guido Tatafiore, Renato Barisani, Domenico Spinosa, Augusto Perez, hergestellt. Gianni Pisani, Raffaele Lippi, Lucio Del Pezzo, Carmine Di Ruggiero und Mario Persico.
Dritte Etage
Im dritten Stock befinden sich die Fortsetzung der Sammlung zeitgenössischer Kunst, die Galerie aus dem 19. Jahrhundert und die fotografische Abteilung.
Der Teil der zeitgenössischen Kunst setzt sich im zweiten Stock fort: Die Installation von Mario Merz, Shock Wave aus Eisen, Neon, Zeitungen, Steinen und Glas, die von Joseph Kosuth, befindet sich im Raum auf dem Dachboden des Palastes von Capodimonte., Eine grammatikalische Beobachtung, eine Schrift an der Wand, die von Neon und Spiegeln beleuchtet wird, und die von Carlo Alfano, Kamera, mit Kompassen aus Aluminium, Graphit und Neon. Unter den anderen Werken ist das renommierteste der Vesuv von Andy Warhol, zu dem die Werke von Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Hermann Nitsch, Sigmar Polke, Gino de Dominicis, Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto, Luigi Mainolfi und Ettore Spalletti hinzukommen.
Die Galerie aus dem 19. Jahrhundert zeigt Werke von Künstlern, die in der Zeit unmittelbar nach der Vereinigung Italiens gekauft oder dem Museum gespendet wurden: Sie sind sowohl neapolitanische Autoren als auch andere aus verschiedenen Regionen Italiens, um eine einsprachige nationale Figur zu bilden, die dies kann Erfassen Sie die historischen, sozialen, naturalistischen und kulturellen Aspekte dieser Zeit. Die Sammlung beginnt mit den beiden bekanntesten Persönlichkeiten des Augenblicks, nämlich Domenico Morelli und Filippo Palizzi, die sich am meisten naturalistischen Darstellungen widmen. Bemerkenswert ist der Trend von Künstlern der Scuola di Resìna wie Marco De Gregorio, Federico Rossano, Michele Cammarano und Giuseppe De Nittis. Charakteristisch auch Gioacchino Toma konzentrierte sich darauf, die mit Ruhe und Gelassenheit dargestellten Stimmungen zu verstehen. Vincenzo Migliaro, Francesco Paolo Michetti, wandte sich Szenen des populären Lebens zu, Antonio Mancini, dessen Werke die Kinder des Volkes als Protagonisten haben, und auch Giovanni Boldini, Francesco Saverio Altamura, Giacomo Balla und Giuseppe Pellizza da Volpedo.
Die fotografische Abteilung wurde 1996 eröffnet und besteht aus zweiundfünfzig Fotografien von Mimmo Jodice, die die Protagonisten der neapolitanischen Kulturphase von 1968 bis 1988 mit Themen wie Emilio Notte, Nino Longobardi, Andy Warhol und Joseph Beuys darstellen.