Barock-

Der Barock ist ein Stil der Architektur, Musik, des Tanzes, der Malerei, der Skulptur und anderer Künste, der vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1740er Jahre in Europa florierte. In den Gebieten des spanischen und des portugiesischen Reiches, einschließlich der Iberischen Halbinsel, dauerte es zusammen mit neuen Stilen bis zum ersten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts. Es folgte der Kunst und dem Manierismus der Renaissance und ging dem Rokoko (in der Vergangenheit oft als „Spätbarock“ bezeichnet) und dem neoklassizistischen Stil voraus. Es wurde von der katholischen Kirche als Mittel ermutigt, der Einfachheit und Strenge der protestantischen Architektur, Kunst und Musik entgegenzuwirken, obwohl sich die lutherische Barockkunst auch in Teilen Europas entwickelte.

Der Barockstil verwendete Kontrast, Bewegung, üppige Details, tiefe Farben, Größe und Überraschung, um ein Gefühl der Ehrfurcht zu erreichen. Der Stil begann zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Rom und verbreitete sich dann rasch in Frankreich, Norditalien, Spanien und Portugal, dann in Österreich, Süddeutschland und Russland. In den 1730er Jahren hatte es sich zu einem noch extravaganteren Stil entwickelt, der Rocaille oder Rokoko genannt wurde und in Frankreich und Mitteleuropa bis Mitte bis Ende des 18. Jahrhunderts auftauchte.

Überblick

Barock: ein polysemisches Konzept
Der Begriff „Barock“ stammt von einem Wort portugiesischen Ursprungs (barrôco), dessen Weiblichkeit Perlen mit unregelmäßigen Formen genannt wird (wie auf Spanisch das Wort „barruecas“). Es war ursprünglich ein abfälliges Wort, das eine Art skurrile, bombastische Kunst bezeichnete, die übermäßig überladen war. So erschien es zum ersten Mal im Dictionnaire de Trévoux (1771), der „in der Malerei ein Gemälde oder eine Figur des Barockgeschmacks“ definiert, in dem die Regeln und Proportionen nicht eingehalten werden und alles nach Lust und Laune des Künstler“.

Eine andere Theorie leitet es vom barocken Substantiv ab, einem Syllogismus aristotelischen Ursprungs aus der mittelalterlichen schulischen Philosophie, der auf eine Mehrdeutigkeit hinweist, die aufgrund eines schwachen logischen Inhalts das Wahre mit dem Falschen verwechselt. Somit zeigt diese Figur eine Art pedantisches und künstliches Denken, im Allgemeinen in einem sarkastischen Ton und nicht ohne Kontroversen. In diesem Sinne wandte Francesco Milizia es in seinem Dizionario delle belle arti del disegno (1797) an, in dem er zum Ausdruck bringt, dass „Barock der Superlativ des Bizarren ist, das Übermaß an Lächerlichkeit“.

Der Begriff „Barock“ wurde ab dem 18. Jahrhundert in abfälliger Weise verwendet, um das Übermaß an Betonung und Fülle an Ornamenten zu unterstreichen, im Gegensatz zu der klarsten und nüchternsten Rationalität der Aufklärung. Zu dieser Zeit war Barock ein Synonym für andere Adjektive wie „absurd“ oder „grotesk“. Die aufgeklärten Denker sahen in den künstlerischen Errungenschaften des vorigen Jahrhunderts eine Manipulation der klassizistischen Vorschriften, die ihrem rationalistischen Konzept der Realität so nahe kam, dass ihre Kritik an der Kunst des 16. Jahrhunderts den Begriff „Barock“ zu einem abwertenden Konzept machte: in seinem Dictionnaire d’Architecture (1792), Antoine Chrysostome Quatremère de Quincyhe definiert den Barock als «eine Nuance des Extravaganten. Es ist, wenn Sie möchten, seine Verfeinerung oder wenn Sie sagen könnten, sein Missbrauch. Was für eine Schwere der Geschmacksweisheit ist, ist der Barock für das Fremde, das heißt, es ist sein Superlativ. Die Idee des Barock beinhaltet die der Lächerlichkeit, die zu Übermaß führt ».

Die Kunsthistoriographie neigte jedoch später dazu, das Konzept des Barock neu zu bewerten und für seine inneren Eigenschaften zu bewerten, während sie gleichzeitig begann, den Barock als eine bestimmte Periode in der Geschichte der westlichen Kultur zu behandeln. Der erste, der die negative Bedeutung des Barock ablehnte, war Jacob Burckhardt (Cicerone, 1855), der erklärte: „Die Barockarchitektur spricht dieselbe Sprache der Renaissance, jedoch in einem entarteten Dialekt.“

Obwohl dies keine lobende Aussage ist, ebnete es den Weg für objektivere Studien, wie die von Cornelius Gurlitt (Geschichte des Barockstils in Italien, 1887), August Schmarsow (Barock und Rokoko, 1897), Alois Riegl (Die Entstehung der Barockkunst in Rom) , 1908) und Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912), die in der Arbeit von Heinrich Wölfflin (Renaissance und Barock, 1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915) gipfelten. Der erste Es gab dem Barock eine eigene stilistische Autonomie und differenzierte sich seine Eigenschaften und Stilmerkmale auf neu bewertete Weise. Später führte Benedetto Croce (Saggi sulla letteratura italiana del Seicento, 1911) eine historistische Studie über den Barock durch, um sie in ihren sozio-historischen und kulturellen Kontext zu stellen und zu versuchen, kein Werturteil zu fällen. In der Storia dell’età Barocca in Italien (1929) gab er dem Barock, den er als „dekadent“ bezeichnete, erneut einen negativen Charakter, gerade zu einer Zeit, als zahlreiche Abhandlungen entstanden, die den künstlerischen Wert dieser Zeit beanspruchten, wie z Der Barock als Kunst der Gegenreformation (1921), von Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930) von Hans Sedlmayr oder Art religieux après le Concile de Trente (1932), von Émile Mâle.

Nachfolgende Studien haben das gegenwärtige Konzept des Barock endgültig festgelegt, mit geringfügigen Einschränkungen, wie der Unterscheidung einiger Historiker zwischen „Barock“ und „Barock“, wobei erstere die klassische, reine und primitive Phase der Kunst des 17. Jahrhunderts ist und die zweitens eine aufgeladene und übertriebene Phase, die mit dem Rococó konvergieren würde – genauso wie der Manierismus die artige Phase der Renaissance sein würde -. In diesem Sinne argumentiert Wilhelm Pinder (Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte, 1926), dass diese „Generationen“ -Stile auf der Grundlage der Formulierung und anschließenden Verformung bestimmter kultureller Ideale aufeinander folgen: so wie der Manierismus mit den klassischen Formen von Als Renaissance eines humanistischen und klassizistischen Stils stellte der Barock eine Neuformulierung im formalistischen Schlüssel des barocken ideologischen Substrats dar, die hauptsächlich auf Absolutismus und Gegenreform beruhte.

Andererseits trat gegen den Barock als eine bestimmte Periode in der Kulturgeschichte zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine zweite Bedeutung auf, die des „Barock“ als eine Phase, die in der Entwicklung aller künstlerischen Stile vorhanden ist. Nietzsche hat bereits behauptet, dass „der Barockstil jedes Mal entsteht, wenn eine große Kunst stirbt“. Der erste, der dem Barock einen transhistorischen ästhetischen Sinn verlieh, war Heinrich Wölfflin (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), der ein allgemeines Prinzip des Wechsels zwischen Klassizismus und Barock etablierte, das die Entwicklung des künstlerischen Stils regelt.

Das Zeugnis wurde von Eugenio d’Ors (Der Barock, 1936) gesammelt, der es als „Äon“ definierte, eine transhistorische Kunstform („der Barock“ gegen „der Barock“ als Periode), eine wiederkehrende Modalität für die gesamte Zeit die Kunstgeschichte im Gegensatz zur Klassik. Wenn der Klassizismus eine rationale, männliche, apollonische Kunst ist, ist der Barock irrational, weiblich und dionysisch. Für d’Ors „ergänzen sich beide Bestrebungen [Klassizismus und Barockstil]. Es findet ein Stil der Sparsamkeit und Vernunft statt, und ein anderer musikalischer und reichhaltiger. Einer ist von stabilen und schweren Formen angezogen, der andere von abgerundeten und aufsteigenden Formen. Von einem zum anderen gibt es weder Verfall noch Degeneration. Dies sind zwei ewige Formen der Sensibilität ».

Historischer und kultureller Kontext
Das 17. Jahrhundert war im Allgemeinen eine Zeit wirtschaftlicher Depression, eine Folge der anhaltenden Expansion des vorigen Jahrhunderts, die hauptsächlich durch die Entdeckung Amerikas verursacht wurde. Schlechte Ernten führten zu einem Anstieg der Preise für Weizen und andere Grundprodukte mit anschließenden Hungersnöten. Der Handel stagnierte vor allem im Mittelmeerraum und blühte nur in England und den Niederlanden durch den Handel mit dem Osten und die Gründung großer Handelsunternehmen, die den Grundstein für den Kapitalismus und den Aufstieg der Bourgeoisie legten. Die schlechte wirtschaftliche Lage wurde durch die Pest geplagt, die Europa Mitte des 17. Jahrhunderts heimgesucht hatte und insbesondere den Mittelmeerraum betraf. Ein weiterer Faktor, der Elend und Armut verursachte, waren Kriege, die hauptsächlich durch die Konfrontation zwischen Katholiken und Protestanten verursacht wurden, wie im Fall des Dreißigjährigen Krieges (1618-1648). All diese Faktoren verursachten eine ernsthafte Verarmung der Bevölkerung; In vielen Ländern erreichte die Zahl der Armen und Bettler ein Viertel der Bevölkerung.

Andererseits schwang die hegemoniale Macht in Europa vom kaiserlichen Spanien zum absolutistischen Frankreich, das sich nach dem Westfälischen Frieden (1648) und dem Frieden der Pyrenäen (1659) als der mächtigste Staat des Kontinents festigte und praktisch unbestritten war Aufstieg Englands im achtzehnten Jahrhundert. So waren das Frankreich der Luises und das päpstliche Rom die Hauptkerne der Barockkultur als Zentren politischer bzw. religiöser Macht und Zentren der Verbreitung des Absolutismus und der Gegenreform. Obwohl Spanien sich im politischen und wirtschaftlichen Niedergang befand, hatte es dennoch eine großartige kulturelle Periode – das sogenannte Goldene Zeitalter -, das, obwohl es durch seinen religiösen Aspekt der unumstößlichen konterreformistischen Proselytisierung gekennzeichnet war, eine starke populäre Komponente hatte und sowohl Literatur als auch Plastik brachte Kunst auf hohem Qualitätsniveau. In den übrigen Ländern, in denen die Barockkultur ankam (England, Deutschland, Niederlande), war die Implantation unregelmäßig und mit verschiedenen Stempeln versehen, die den besonderen nationalen Merkmalen eigen waren.

Der Barock wurde in Italien geschmiedet, hauptsächlich am päpstlichen Stuhl Rom, wo Kunst als Propagandamedium für die Verbreitung der konterreformistischen Doktrin verwendet wurde. Die protestantische Reformation stürzte die katholische Kirche in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts in eine tiefe Krise, die sowohl Korruption in zahlreichen kirchlichen Schichten als auch die Notwendigkeit einer Erneuerung der katholischen Botschaft und Arbeit sowie eine stärkere Annäherung an die Gläubigen bewies . Das Konzil von Trient (1545-1563) wurde abgehalten, um dem Vormarsch des Protestantismus entgegenzuwirken und den katholischen Kult in den Ländern zu festigen, in denen er noch immer vorherrschte, und legte den Grundstein für das katholische Dogma (sakramentales Priestertum, Zölibat, Verehrung der Jungfrau und der Heiligen). liturgische Verwendung des Lateinischen) und Schaffung neuer Kommunikations- und Erweiterungsinstrumente des katholischen Glaubens, wobei besonderes Augenmerk auf Bildung, Predigt und Verbreitung der katholischen Botschaft gelegt wurde, die einen starken Propagandastempel erhielt – für den die Kongregation zur Verbreitung des Glaubens geschaffen wurde . Diese Idee wurde in der neu gegründeten Gesellschaft Jesu verkörpert, die durch Predigen und Lehren eine bemerkenswerte und schnelle Verbreitung in der ganzen Welt hatte, den Fortschritt des Protestantismus verlangsamte und zahlreiche Gebiete für den katholischen Glauben zurückeroberte (Österreich, Bayern, Schweiz, Flandern, Polen).

Ein weiterer Effekt der Gegenreformation war die Festigung der Figur des Papstes, dessen Macht gestärkt wurde, und die zu einem ehrgeizigen Programm zur Stadterweiterung und -renovierung Roms, insbesondere seiner Kirchen, mit besonderem Schwerpunkt auf dem Petersdom führte .und seine Umgebung. Die Kirche war der größte künstlerische Kommissar der Zeit und nutzte Kunst als Arbeitstier religiöser Propaganda, da sie ein beliebtes Medium war, das leicht zugänglich und verständlich war. Kunst wurde als Ausdrucksmittel ad maiorem Dei et Ecclesiae gloriam verwendet, und Päpste wie Sixtus V., Clemens VIII., Paul V., Gregor XV., Urban VIII., Innozenz X. und Alexander VII. Wurden große Förderer und führten zu großen Verbesserungen und Konstruktionen . in der ewigen Stadt, die damals schon als Triumph der Roma eingestuft wurde, caput mundi („Triumphierendes Rom, Oberhaupt der Welt“).

Kulturell war der Barock eine Zeit großer wissenschaftlicher Fortschritte: William Harvey überprüfte die Durchblutung; Galileo Galilei perfektionierte das Teleskop und festigte die heliozentrische Theorie, die Copernicus und Kepler im vorigen Jahrhundert aufgestellt hatten. Isaac Newton formulierte die Theorie der universellen Gravitation; Evangelista Torricelli hat das Barometer erfunden. Francis Bacon etablierte die experimentelle Methode mit seinem Novum Organumas als Grundlage wissenschaftlicher Forschung und legte den Grundstein für den Empirismus. René Descartes seinerseits führte die Philosophie mit seinem berühmten „Ich denke, deshalb bin ich es“ zum Rationalismus.

Aufgrund der neuen heliozentrischen Theorien und des daraus resultierenden Verlustes des für den Renaissance-Menschen typischen anthropozentrischen Gefühls verlor der Barockmann den Glauben an Ordnung und Vernunft, an Harmonie und Proportionen; Die Natur, unreguliert und ordentlich, aber frei und flüchtig, geheimnisvoll und unverständlich, wurde zu einer direkten Inspirationsquelle für die Barockmentalität. Wenn man den Glauben an die Wahrheit verliert, wird alles offensichtlich und illusorisch (Calderón: Das Leben ist ein Traum); Da nichts mehr enthüllt wird, muss alles untersucht und erlebt werden. Descartes bezweifelte den Ausgangspunkt seines philosophischen Systems: „Angesichts der Tatsache, dass alle Gedanken, die uns im Wachzustand einfallen, auch im Schlaf einfallen können, ohne dass dies wahr ist, beschloss ich, so zu tun, als ob all die Dinge, die bisher in mein Leben gekommen waren.“ Geist, sie waren nicht wahrer als die Illusionen meiner Träume “(Discourse on Method, 1637). Während sich die Wissenschaft auf die Suche nach der Wahrheit beschränkte, richtete sich die Kunst auf den Ausdruck des Imaginären, der Sehnsucht nach der Unendlichkeit dieses Barock Der Mensch sehnte sich nach. Daher der Geschmack für optische Effekte und illusorische Spiele, für kurzlebige Konstruktionen und den Wert des Vergänglichen oder der Geschmack für das Suggestive und Verführerische in der Poesie, für das Wunderbare, Sinnliche und Evokative, für die sprachlichen und syntaktischen Effekte, für die Kraft des Bildes und die Kraft der Rhetorik, revitalisiert durch die Behauptung von Autoren wie Aristoteles oder Cicero.

Die Barockkultur war nach José Antonio Maravalls Definition „gerichtet“ – auf Kommunikation ausgerichtet -, „massiv“ – populär – und „konservativ“ -, um die etablierte Ordnung aufrechtzuerhalten. Jedes künstlerische Ausdrucksmittel sollte hauptsächlich didaktisch und verführerisch sein, die Öffentlichkeit leicht erreichen und es anregen, mit der von ihm übermittelten Botschaft übereinstimmen, eine Botschaft, die in den Dienst der politischen oder religiösen Machtinstanzen gestellt wird war derjenige, der dafür bezahlt hat. Die Produktionskosten der künstlerischen Werke, da die Kirche und die Aristokratie – auch die Bourgeoisie im Anfangsstadium – die Hauptkunden von Künstlern und Schriftstellern waren. Wenn die Kirche ihre konterreformistische Botschaft übermitteln wollte, sahen die absoluten Monarchien in der Kunst einen Weg, ihr Image zu vergrößern und ihre Macht zu zeigen.

Aus diesem Grund und trotz der Wirtschaftskrise blühte die Kunst vor allem dank der kirchlichen und aristokratischen Schirmherrschaft auf. Die Gerichte der monarchischen Staaten – insbesondere der Absolutisten – bevorzugten die Kunst, um die Pracht ihrer Königreiche einzufangen, ein propagandistisches Instrument, das die Größe des Monarchen bezeugte (ein paradigmatisches Beispiel ist der Bau von Versailles durch Ludwig XIV.). Der Aufstieg des Sammelns, der zur Verbreitung von Künstlern und Kunstwerken auf dem gesamten europäischen Kontinent führte, führte zum Aufstieg des Kunstmarktes. Einige der wichtigsten Kunstsammler der Zeit waren Monarchen wie Kaiser Rudolf II., Carlos I. von England, Felipe IV. Von Spanien oder Königin Cristina von Schweden. Der künstlerische Markt florierte vor allem und konzentrierte sich hauptsächlich auf die Niederländer (Antwerpen und Amsterdam) und die Deutschen (Nürnberg und Augsburg). Kunstakademien vermehrten sich auch – nach den im 16. Jahrhundert in Italien entstandenen – als Institutionen, die die Aufgabe hatten, Kunst als kulturelles Phänomen zu bewahren, ihr Studium und ihre Erhaltung zu regulieren und sie durch Ausstellungen und Wettbewerbe zu fördern. Die wichtigsten Akademien des 17. Jahrhunderts waren die 1648 in Paris gegründete Académie Royale d’Art und die Akademie der Künste in Berlin (1696).

Der Barockstil
Der Barock war ein ererbter Stil der manieristischen Skepsis, der sich in einem Gefühl des Todes und des Dramas unter den Autoren der Zeit widerspiegelte. Kunst wurde künstlicher, verzierter, dekorativer, verzierter. Er hob die illusionistische Verwendung optischer Effekte hervor; Schönheit suchte nach neuen Ausdrucksformen und die erstaunlichen und überraschenden Effekte wurden relevant. Neue ästhetische Konzepte wie „Witz“, „Einsicht“ oder „Schärfe“ entstanden. Im persönlichen Verhalten wurde der äußere Aspekt besonders hervorgehoben, so dass er eine hochmütige, elegante, raffinierte und übertriebene Haltung widerspiegelte, die den Namen préciosité annahm.

Nach Wölfflin wird der Barock hauptsächlich durch den Gegensatz zur Renaissance definiert: Im Vergleich zur linearen Renaissance-Vision ist die Barock-Vision bildlich; verglichen mit der Zusammensetzung in Ebenen, die auf der Tiefe basiert; vor der geschlossenen Form die offene; vor der kompositorischen Einheit, die auf Harmonie basiert, Unterordnung unter ein Hauptmotiv; im Vergleich zur absoluten Klarheit des Objekts die relative Klarheit des Effekts. So ist der Barock «der Stil der bildlichen Sichtweise mit Perspektive und Tiefe, der die Vielzahl seiner Elemente einer zentralen Idee unterwirft, mit einer unbegrenzten Sicht und einer relativen Dunkelheit, die gleichzeitig scharfe Details und Profile vermeidet ein Stil zu sein, der seine Kunst verbirgt, anstatt sie zu enthüllen ».

Die Barockkunst drückte sich stilistisch auf zwei Arten aus: Zum einen liegt der Schwerpunkt auf der Realität, dem alltäglichen Aspekt des Lebens, dem Alltagsleben und der Vergänglichkeit des Lebens, die sich in einer gewissen „Vulgarisierung“ des religiösen Phänomens im Katholischen manifestierte Länder sowie ein größerer Geschmack für die vernünftigen Qualitäten der umgebenden Welt bei Protestanten; Auf der anderen Seite manifestiert sich eine grandiose und erhabene Vision nationaler und religiöser Konzepte als Ausdruck von Macht, die sich in einem Geschmack für das Monumentale, Verschwenderische und Verzierte, den großartigen Charakter, der dem Königshaus und der Kirche gegeben wurde, äußert ein starker Propagandastempel.

Der Barock war eine Kultur des Bildes, in der alle Künste zusammenkamen, um ein Gesamtkunstwerk zu schaffen, mit einer theatralischen, szenografischen Ästhetik, einer Inszenierung, die mit Sicherheit die Pracht der dominierenden Macht (Kirche oder Staat) offenbart naturalistische Berührungen, aber in einem Set, das Dynamik und Vitalität ausdrückt. Das Zusammenspiel aller Künste drückt die Verwendung der visuellen Sprache als Mittel der Massenkommunikation aus, die in einer dynamischen Konzeption der Natur und des umgebenden Raums verkörpert ist.

Eines der Hauptmerkmale der Barockkunst ist ihre illusorische und künstliche Natur: „Einfallsreichtum und Design sind die magische Kunst, durch die man das Auge zum Staunen täuschen kann“ (Gian Lorenzo Bernini). Besonders geschätzt wurden das Visuelle und das Vergängliche, für das das Theater und die verschiedenen Genres der darstellenden Künste und Shows an Popularität gewannen: Tanz, Pantomime, Musikdrama (Oratorium und Melodram), Puppenspiele, Akrobaten, Zirkusse usw. Es gab das Gefühl, dass Die Welt ist ein Theater (Theatrum Mundi) und das Leben eine Theaterfunktion: „Jeder ist eine Bühne, und alle Männer und Frauen sind nur Schauspieler“ (wie Sie möchten, William Shakespeare, 1599).

Ebenso bestand die Tendenz, die anderen Künste, insbesondere die Architektur, zu theatralisieren. Es ist eine Kunst, die auf der Umkehrung der Realität basiert: auf «Simulation», auf der Umwandlung des Falschen in das Wahre und auf «Verkleidung», indem das Wahre gegen das Falsche weitergegeben wird. Die Dinge werden nicht so gezeigt, wie sie sind, sondern so, wie sie es gerne hätten, insbesondere in der katholischen Welt, in der die Gegenreformation wenig Erfolg hatte, da sich die Hälfte Europas dem Protestantismus zuwandte. In der Literatur manifestierte er sich, indem er rhetorischen Kunstfertigkeiten freien Lauf ließ, als Ausdrucksmittel der Propaganda, in dem die Pracht der Sprache die Realität auf gesüßte Weise widerspiegeln wollte, wobei er auf rhetorische Figuren wie Metapher, Paradox, Übertreibung, Antithese, Hyperbaton zurückgriff , Ellipse usw. Diese Transposition der Realität, die verzerrt und vergrößert, in ihren Proportionen verändert und dem subjektiven Kriterium der Fiktion unterworfen ist, ging auch in den Bereich der Malerei über, wo Verkürzung und illusionistische Perspektive zum Wohle größerer missbraucht werden. auffällige Effekte. und überraschend.

Die Barockkunst versuchte durch Fiktion und Illusion eine alternative Realität zu schaffen. Diese Tendenz hatte ihren maximalen Ausdruck in der Partei und der spielerischen Feier; Gebäude wie Kirchen oder Paläste oder ein Viertel oder eine ganze Stadt wurden zu Theatern des Lebens, Szenarien, in denen Realität und Illusion vermischt wurden, in denen die Sinne Täuschung und Kunstfertigkeit ausgesetzt waren. In dieser Hinsicht hatte die konterreformistische Kirche eine besondere Rolle, die durch Pomp und Prunk versuchte, ihre Überlegenheit gegenüber den protestantischen Kirchen mit Akten wie feierlichen Messen, Heiligsprechungen, Jubiläen, Prozessionen oder päpstlichen Stiftungen zu demonstrieren. Genauso verschwenderisch waren die Feierlichkeiten der Monarchie und der Aristokratie mit Ereignissen wie Krönungen, Hochzeiten und königlichen Geburten, Beerdigungen, Besuchen von Botschaftern oder Ereignissen, die es dem Monarchen ermöglichten, seine Macht zu zeigen, das Volk zu bewundern. Die Barockfestivals waren eine Konjugation aller Künste, von Architektur und bildender Kunst bis hin zu Poesie, Musik, Tanz, Theater, Feuerwerk, Blumenarrangements, Wasserspielen usw. Architekten wie Bernini oder Pietro da Cortona oder Alonso Cano und Sebastián Herrera Barnuevo in Spanien brachte sein Talent in solche Ereignisse ein und entwarf Strukturen, Choreografien, Beleuchtungen und andere Elemente, die oft als Testgelände für zukünftige ernstere Errungenschaften dienten: So diente Bernini der Baldachin für die Heiligsprechung der Heiligen Elisabeth von Portugal Das zukünftige Design des Baldachins von St. Peter und des Quarantores (Jesuit Sacred Theatre) von Carlo Rainaldi war ein Modell der Kirche Santa Maria in Campitelli.

Während des Barock zeigte der kunstvolle, künstliche und kunstvolle Charakter der Kunst dieser Zeit einen vorübergehenden vitalen Sinn, der mit dem Memento Mori zusammenhängt, dem vergänglichen Wert des Reichtums angesichts der Unvermeidlichkeit des Todes, parallel zum Bildgenre der Vanitas. Dieses Gefühl führte zu einer vitalistischen Wertschätzung der Flüchtigkeit des Augenblicks, zu den leichten Momenten der Erholung, die das Leben gewährt, oder zu feierlichen Feiern und Handlungen. So wurden die Geburten, Hochzeiten, Todesfälle, religiösen Handlungen oder die königlichen Krönungen und andere spielerische oder zeremonielle Handlungen mit einem Pomp und Kunstgriff szenografischer Natur bedeckt, in dem große Versammlungen hergestellt wurden, die Architektur und Dekorationen zusammenbrachten, um beredte Pracht zu verleihen zu jeder Feier, die zu einem fast kathartischen Spektakel wurde, bei dem das illusorische Element, die Abschwächung der Grenze zwischen Realität und Fantasie, besondere Bedeutung erlangte.

Es ist anzumerken, dass der Barock ein heterogenes Konzept ist, das weder geografisch noch chronologisch eine stilistische Einheit aufweist, sondern darin verschiedene stilistische Trends enthält, hauptsächlich im Bereich der Malerei. Die wichtigsten wären: Naturalismus, ein Stil, der auf der Beobachtung der Natur basiert, aber bestimmten Richtlinien unterliegt, die vom Künstler festgelegt wurden, auf moralischen und ästhetischen Kriterien beruhen oder einfach aus der freien Interpretation des Künstlers bei der Konzeption seines Werkes abgeleitet werden; Realismus, eine Tendenz, die sich aus der strengen Nachahmung der Natur ergibt, weder interpretiert noch gesüßt, sondern bis ins kleinste Detail bis ins kleinste Detail dargestellt; Der derzeitige Klassizismus konzentrierte sich auf die Idealisierung und Perfektionierung der Natur und rief hohe Gefühle und tiefe Reflexionen hervor, mit dem Bestreben, die Schönheit in ihrer ganzen Fülle zu reflektieren.

Schließlich ist anzumerken, dass im Barock neue Bildgenres entstanden oder sich entwickelt haben. Wenn bis dahin die Darstellung historischer, mythologischer oder religiöser Themen in der Kunst vorherrschte, förderten die tiefgreifenden sozialen Veränderungen im 17. Jahrhundert das Interesse an neuen Themen, insbesondere in protestantischen Ländern, deren strenge Moral die Darstellung religiöser Bilder verhinderte, indem sie als Götzendienst betrachtet wurden .

Andererseits brachte der Aufstieg der Bourgeoisie, die, um ihren Status zu betonen, entscheidend in die Kunst investiert war, die Darstellung neuer Themen mit sich, die weit von den von der Aristokratie bevorzugten grandiosen Szenen entfernt waren. Unter den im Barock stark entwickelten Genres stechen folgende hervor: Genre-Malerei, die ihre Modelle aus der umgebenden Realität, aus dem täglichen Leben, aus ländlichen oder städtischen Themen, aus Armen und Bettlern, Kaufleuten und Handwerkern oder aus Festen und Folklore bezieht die Einstellungen; die Landschaft, die die Darstellung der Natur zu einer eigenständigen Kategorie erhebt, die bis dahin nur als Kulisse für Szenen mit historischen oder religiösen Figuren diente; das Porträt, das seine Darstellung auf die menschliche Figur konzentriert, im Allgemeinen mit einer realistischen Komponente, obwohl manchmal nicht von der Idealisierung ausgenommen; das Stillleben oder Stillleben, das aus der Darstellung lebloser Gegenstände besteht, seien es Haushaltsgegenstände, Blumen, Früchte oder andere Lebensmittel, Möbel, Musikinstrumente usw.; und die Vanitas, eine Art Stillleben, das auf die vergängliche Natur der menschlichen Existenz anspielt und im Allgemeinen durch das Vorhandensein von Schädeln oder Skeletten oder Kerzen oder Sanduhren symbolisiert wird.

Architektur: Ursprünge und Eigenschaften
Der barocke Architekturstil war das Ergebnis von Lehren, die die katholische Kirche 1545–63 als Reaktion auf die protestantische Reformation auf dem Konzil von Trient verabschiedete. Die erste Phase der Gegenreformation hatte der religiösen Architektur einen strengen akademischen Stil auferlegt, der Intellektuelle angesprochen hatte, aber nicht die Masse der Kirchgänger. Das Konzil von Trient beschloss stattdessen, ein populäreres Publikum anzusprechen, und erklärte, dass die Künste religiöse Themen mit direkter und emotionaler Beteiligung kommunizieren sollten. Die lutherische Barockkunst entwickelte sich als konfessioneller Identitätsmarker als Reaktion auf den großen Bildersturm der Calvinisten.

Barockkirchen wurden mit einem großen zentralen Raum entworfen, in dem sich die Anbeter in der Nähe des Altars befinden konnten, mit einer Kuppel oder Kuppel hoch oben, so dass Licht die Kirche darunter beleuchten konnte. Die Kuppel war eines der zentralen symbolischen Merkmale der Barockarchitektur, die die Vereinigung von Himmel und Erde veranschaulichte. Das Innere der Kuppel war reich verziert mit Gemälden von Engeln und Heiligen und mit Stuckstatuetten von Engeln, die den Eindruck der darunter liegenden erweckten in den Himmel schauen. Ein weiteres Merkmal der Barockkirchen ist die Quadratura; Trompe-l’œil-Gemälde an der Decke in echten oder bemalten Stuckrahmen, überfüllt mit Gemälden von Heiligen und Engeln und durch architektonische Details mit den Balustraden und Konsolen verbunden. Quadratura-Gemälde von Atlantes unter den Gesimsen scheinen die Decke der Kirche zu stützen. Im Gegensatz zu den bemalten Decken von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle, die verschiedene Szenen mit jeweils einer eigenen Perspektive kombinierten, wurden die barocken Deckengemälde sorgfältig erstellt, damit der Betrachter auf dem Boden der Kirche die sehen konnte gesamte Decke in der richtigen Perspektive, als ob die Zahlen real wären.

Die Innenräume der Barockkirchen wurden im Hochbarock immer reich verzierter und konzentrierten sich auf den Altar, der normalerweise unter der Kuppel platziert wurde. Die berühmtesten barocken Dekorationsarbeiten des Hochbarock sind der Stuhl des Heiligen Petrus (1647–53) und der Baldachino des heiligen Petrus (1623–34), beide von Gian Lorenzo Bernini, im Petersdom in Rom. Der Baldequin von St. Peter ist ein Beispiel für das Gleichgewicht der Gegensätze in der Barockkunst; die gigantischen Proportionen des Stückes mit der scheinbaren Leichtigkeit des Baldachins; und der Kontrast zwischen den massiven gedrehten Säulen, Bronze, Gold und Marmor des Stücks und den fließenden Vorhängen der Engel auf dem Baldachin. Die Dresdner Frauenkirche ist ein herausragendes Beispiel für die lutherische Barockkunst, die 1743 im Auftrag des lutherischen Stadtrats von Dresden fertiggestellt und „von Beobachtern des 18. Jahrhunderts mit dem Petersdom in Rom verglichen“ wurde.

Die verdrehte Säule im Inneren der Kirchen ist eines der charakteristischen Merkmale des Barock. Es gibt sowohl einen Bewegungssinn als auch eine dramatische neue Art, Licht zu reflektieren. Die Kartusche war ein weiteres charakteristisches Merkmal der Barockdekoration. Dies waren große Tafeln aus Marmor oder Stein, normalerweise oval und mit einer abgerundeten Oberfläche, die Bilder oder Text in vergoldeten Buchstaben trugen und als Innendekoration oder über den Türen von Gebäuden angebracht waren, um den darunter liegenden Botschaften zu übermitteln. Sie zeigten eine Vielzahl von Erfindungen und wurden in allen Arten von Gebäuden gefunden, von Kathedralen und Palästen bis zu kleinen Kapellen.

Barockarchitekten verwendeten manchmal eine erzwungene Perspektive, um Illusionen zu erzeugen. Für den Palazzo Spada in Rom verwendete Borromini Säulen von abnehmender Größe, einen sich verengenden Boden und eine Miniaturstatue im Garten dahinter, um die Illusion zu erzeugen, dass ein Durchgang dreißig Meter lang war, als er tatsächlich nur sieben Meter lang war. Eine Statue am Ende des Durchgangs scheint lebensgroß zu sein, obwohl sie nur sechzig Zentimeter hoch ist. Borromini entwarf die Illusion mit Hilfe eines Mathematikers.

Italienische Barockarchitektur
Das erste Gebäude in Rom mit einer Barockfassade war die Kirche des Gesù im Jahre 1584; es war für spätere barocke Verhältnisse klar, markierte aber einen Bruch mit den traditionellen Renaissance-Fassaden, die ihm vorausgingen. Das Innere dieser Kirche blieb bis zum Hochbarock, als sie reich verziert war, sehr streng.

In Rom wurde Paul V. 1605 der erste einer Reihe von Päpsten, die Basiliken und Kirchengebäude in Auftrag gaben, die durch eine Vielzahl von Formen, einen Reichtum an Farben und dramatischen Effekten Emotionen und Ehrfurcht wecken sollten. Zu den einflussreichsten Denkmälern des frühen Barock gehörten die Fassade des Petersdoms (1606–1619) sowie das neue Kirchenschiff und die Loggia, die die Fassade mit Michelangelos Kuppel in der früheren Kirche verbanden. Das neue Design erzeugte einen dramatischen Kontrast zwischen der hoch aufragenden Kuppel und der unverhältnismäßig breiten Fassade und dem Kontrast auf der Fassade selbst zwischen den dorischen Säulen und der großen Masse des Portikus.

Mitte bis Ende des 17. Jahrhunderts erreichte der Stil seinen Höhepunkt, später Hochbarock genannt. Viele monumentale Werke wurden von den Päpsten Urban VIII und Alexander VII in Auftrag gegeben. Der Bildhauer und Architekt Gian Lorenzo Bernini entwarf eine neue vierfache Kolonnade um den Petersplatz (1656 bis 1667). Die drei Säulengalerien in einer riesigen Ellipse gleichen die übergroße Kuppel aus und geben der Kirche und dem Platz eine Einheit und das Gefühl eines riesigen Theaters.

Ein weiterer bedeutender Innovator des italienischen Hochbarock war Francesco Borromini, dessen Hauptwerk die Kirche San Carlo alle Quattro Fontane oder der Heilige Karl der vier Brunnen (1634–46) war. Das Gefühl der Bewegung wird nicht durch die Dekoration vermittelt, sondern durch die wellenförmigen Wände selbst sowie durch konkave und konvexe Elemente, einschließlich eines ovalen Turms und eines Balkons, die in eine konkave Traverse eingesetzt sind. Das Innere war ebenso revolutionär; Der Hauptraum der Kirche war oval unter einer ovalen Kuppel.

Bemalte Decken, überfüllt mit Engeln und Heiligen und architektonischen Trompe-l’œil-Effekten, waren ein wichtiges Merkmal des italienischen Hochbarocks. Zu den wichtigsten Werken gehörten der Eintritt des Heiligen Ignace in das Paradies von Andrea Pozzo (1685–1695) in der Kirche des Heiligen Ignatius in Rom und der Triumph des Namens Jesu von Giovanni Battista Gaulli in der Kirche des Gesù in Rom (1669–1695–1695) 1683), in dem Figuren aus dem Bilderrahmen heraussprangen und dramatische Schrägbeleuchtung und Hell-Dunkel-Kontraste auftraten. Der Stil verbreitete sich schnell von Rom in andere Regionen Italiens: Er erschien in Venedig in der Kirche Santa Maria della Salute (1631–1687) von Baldassare Longhena, einer höchst originellen achteckigen Form, gekrönt von einer riesigen Kuppel. Es erschien auch in Turin, insbesondere in der Kapelle des Heiligen Grabtuchs (1668–1694) von Guarino Guarini. Der Stil wurde auch in Palästen verwendet; Guarini entwarf den Palazzo Carignano in Turin, während Longhena den Ca ‚Rezzonico am Canal Grande (1657) entwarf, der von Giorgio Massari mit Gemälden von Giovanni Battista Tiepolo verziert wurde. Eine Reihe massiver Erdbeben in Sizilien erforderte den Wiederaufbau der meisten von ihnen, und einige wurden im üppigen Spätbarock- oder Rokoko-Stil errichtet.

Spanische Barockarchitektur
Die katholische Kirche in Spanien und insbesondere die Jesuiten waren die treibende Kraft der spanischen Barockarchitektur. Das erste große Werk in diesem Stil war die Kapelle San Isidro in Madrid, die 1643 von Pedro de la Torre begonnen wurde. Es kontrastierte einen extremen Reichtum an Ornamenten im Äußeren mit Einfachheit im Inneren, der in mehrere Räume unterteilt war und Lichteffekte verwendete, um ein Gefühl des Mysteriums zu erzeugen. Die Kathedrale in Santiago de Compostela wurde ab Ende des 17. Jahrhunderts mit einer Reihe von barocken Ergänzungen modernisiert, beginnend mit einem reich verzierten Glockenturm (1680), der dann von zwei noch höheren und reich verzierten Türmen flankiert wurde, die als Obradorio bezeichnet wurden zwischen 1738 und 1750 von Fernando de Casas Novoa. Ein weiteres Wahrzeichen des spanischen Barock ist der Kapellenturm des Palastes San Telmo in Sevilla von Leonardo de Figueroa.

Granada war erst im 15. Jahrhundert von den Mauren befreit worden und hatte eine eigene Barockvielfalt. Der Maler, Bildhauer und Architekt Alonso Cano entwarf zwischen 1652 und seinem Tod 1657 das barocke Innere der Kathedrale von Granada. Es bietet dramatische Kontraste zwischen den massiven weißen Säulen und dem goldenen Dekor.

Die dekorativste und reich verzierte Architektur des spanischen Barock heißt Churrigueresque-Stil, benannt nach den Brüdern Churriguera, die hauptsächlich in Salamanca und Madrid arbeiteten. Zu ihren Arbeiten gehören die Gebäude am Hauptplatz der Stadt, die Plaza Mayor von Salamanca (1729). Dieser sehr dekorative Barockstil war in vielen Kirchen und Kathedralen, die von den Spaniern in Amerika erbaut wurden, sehr einflussreich.

Andere bemerkenswerte spanische Barockarchitekten des Spätbarocks sind Pedro de Ribera, ein Schüler von Churriguera, der das königliche Hospiz von San Fernando in Madrid entwarf, und Narciso Tomé, der das berühmte Altarbild El Transparente in der Kathedrale von Toledo (1729–32) entwarf gibt die Illusion, in einem bestimmten Licht nach oben zu schweben.

Die Architekten des spanischen Barock wirkten weit über Spanien hinaus; Ihre Arbeit war sehr einflussreich in den Kirchen, die in den spanischen Kolonien in Lateinamerika und auf den Philippinen gebaut wurden. Die von den Jesuiten für ein College in Tepotzotlán erbaute Kirche mit ihrer reich verzierten Barockfassade und ihrem Turm ist ein gutes Beispiel.

Mitteleuropa und Rokoko (1740 – 1770)
Von 1680 bis 1750 wurden in Mitteleuropa, in Bayern, Österreich, Böhmen und im Südwesten Polens viele reich verzierte Kathedralen, Abteien und Pilgerkirchen errichtet. Einige waren im Rokoko-Stil, einem ausgeprägten, extravaganteren und asymmetrischeren Stil, der aus dem Barock hervorging und ihn dann in Mitteleuropa in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts ersetzte, bis er wiederum durch den Klassizismus ersetzt wurde.

Die Fürsten der Vielzahl von Staaten in dieser Region wählten auch Barock oder Rokoko für ihre Paläste und Residenzen und verwendeten oft italienisch ausgebildete Architekten, um sie zu bauen. Bemerkenswerte Architekten waren Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt und Dominikus Zimmermann in Bayern, Balthasar Neumann in Brühl und Matthäus Daniel Pöppelmann in Dresden. In Preußen ließ sich Friedrich II. Von Preußen vom Grand Trianon des Schlosses von Versailles inspirieren und verwendete es als Vorbild für seine Sommerresidenz Sanssouci in Potsdam, die Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747) für ihn entworfen hatte. Ein weiteres Werk der barocken Schlossarchitektur ist der Dringer Zwinger in Dresden, die ehemalige Orangerie des Schlosses der Herzöge von Sachsen im 18. Jahrhundert.

Eines der besten Beispiele für eine Rokokokirche ist die Basilika Vierzehnheiligen, eine Wallfahrtskirche in der Nähe der Stadt Bad Staffelstein bei Bamberg in Bayern, Süddeutschland. Die Basilika wurde von Balthasar Neumann entworfen und zwischen 1743 und 1772 errichtet. Ihr Plan besteht aus einer Reihe ineinandergreifender Kreise um ein zentrales Oval, wobei sich der Altar genau in der Mitte der Kirche befindet. Das Innere dieser Kirche zeigt den Gipfel der Rokoko-Dekoration.

Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel für diesen Stil ist die Pilgerkirche von Wies (deutsch: Wieskirche). Es wurde von den Brüdern J. B. und Dominikus Zimmermann entworfen. Es befindet sich am Fuße der Alpen in der Gemeinde Steingaden im Landkreis Weilheim-Schongau in Bayern. Der Bau fand zwischen 1745 und 1754 statt und das Innere wurde in der Tradition der Wessobrunner-Schule mit Fresken und Stuck verziert. Es ist heute ein UNESCO-Weltkulturerbe.

Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel ist die Nikolaikirche (Malá Strana) in Prag (1704–55), die von Christoph Dientzenhofer und seinem Sohn Kilian Ignaz Dientzenhofer erbaut wurde. Die Dekoration bedeckt alle Wände des Inneren der Kirche. Der Altar befindet sich im Kirchenschiff unter der zentralen Kuppel und ist von Kapellen umgeben. Das Licht kommt von der Kuppel über und von den umliegenden Kapellen herab. Der Altar ist vollständig von Bögen, Säulen, geschwungenen Balustraden und Pilastern aus farbigem Stein umgeben, die reich mit Statuen verziert sind und eine bewusste Verwechslung zwischen der wirklichen Architektur und der Dekoration schaffen. Die Architektur verwandelt sich in ein Theater aus Licht, Farbe und Bewegung.

In Polen dauerte der italienisch inspirierte polnische Barock vom frühen 17. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts und betonte den Detail- und Farbreichtum. Das erste Barockgebäude im heutigen Polen und wahrscheinlich eines der bekanntesten ist die von Giovanni Battista Trevano entworfene Kirche St. Peter und Paul in Krakau. Die 1644 errichtete Sigismundsäule in Warschau war das erste weltliche Barockdenkmal der Welt, das in Form einer Säule errichtet wurde. Der palastartige Wohnstil wurde durch das zwischen 1677 und 1696 erbaute Wilanów-Schloss veranschaulicht. Der bekannteste in Polen tätige Barockarchitekt war der Niederländer Tylman van Gameren. Zu seinen bemerkenswerten Werken zählen die Warschauer St.-Kazimierz-Kirche und das Krasiński-Schloss, St. Anne’s in Krakau und Branicki-Palast in Bialystok. Das berühmteste Werk des polnischen Barock ist jedoch die Fara-Kirche in Posen mit Details von Pompeo Ferrari.

Französischer Barock oder Klassizismus
Frankreich widerstand weitgehend dem kunstvollen Barockstil Italiens, Spaniens, Wiens und des übrigen Europas. Der französische Barockstil (in Frankreich oft als Grand Classicism oder einfach als Classicism bezeichnet) ist eng mit den für Ludwig XIV. Und Ludwig XV. Gebauten Werken verbunden. Es bietet mehr geometrische Ordnung und Maß als der Barock und eine weniger aufwändige Dekoration an den Fassaden und im Innenraum. Ludwig XIV. Forderte den Barockmeister Bernini auf, einen Entwurf für den neuen Flügel des Louvre einzureichen, lehnte ihn jedoch zugunsten eines klassischeren Entwurfs von Claude Perrault und Louis Le Vau ab.

Zu den Hauptarchitekten des Stils gehörten François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Kirche Val-de-Grace, 1645–1665) und Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). und insbesondere Jules Hardouin Mansart und Robert de Cotte, zu deren Werken die Galerie des Glaces und das Grand Trianon in Versailles (1687–1688) gehörten. Mansart war auch verantwortlich für den barocken Klassizismus des Place Vendôme (1686–1699).

Das wichtigste königliche Projekt dieser Zeit war die Erweiterung des Schlosses von Versailles, die 1661 von Le Vau mit der Dekoration des Malers Charles Le Brun begonnen wurde. Die Gärten wurden von André Le Nôtre speziell entworfen, um die Architektur zu ergänzen und zu erweitern. Die Galerie des Glaces (Spiegelsaal), das Herzstück des Schlosses, mit Gemälden von Le Brun, wurde zwischen 1678 und 1686 erbaut. Mansart vollendete 1687 das Grand Trianon. Die von de Cotte entworfene Kapelle wurde 1710 fertiggestellt. Nach dem Tod Ludwigs XIV. Fügte Ludwig XV. Das intimere Petit Trianon und das reich verzierte Theater hinzu. Die Brunnen in den Gärten wurden entworfen, um von innen gesehen zu werden und den dramatischen Effekt zu verstärken. Der Palast wurde von anderen europäischen Monarchen bewundert und kopiert, insbesondere von Peter dem Großen von Russland, der Versailles zu Beginn der Regierungszeit Ludwigs XV. Besuchte und zwischen 1705 und 1725 seine eigene Version im Peterhof-Palast in der Nähe von Sankt Petersburg baute.

Portugiesischer Barock
Die Barockarchitektur in Portugal dauerte etwa zwei Jahrhunderte (Ende des 17. und 18. Jahrhunderts). Die Regierungszeit von Johannes V. und Joseph I. hatte die Importe von Gold und Diamanten in einer Zeit erhöht, die als königlicher Absolutismus bezeichnet wurde und dem portugiesischen Barock das Gedeihen ermöglichte.

Die Barockarchitektur in Portugal genießt eine besondere Situation und eine andere Zeitachse als das übrige Europa.

Es wird durch verschiedene politische, künstlerische und wirtschaftliche Faktoren bedingt, die mehrere Phasen und verschiedene Arten von äußeren Einflüssen hervorrufen. Dies führt zu einer einzigartigen Mischung, die oft von denjenigen missverstanden wird, die nach italienischer Kunst suchen. Stattdessen finden sie spezifische Formen und Charaktere, die ihr eine einzigartige Note verleihen Portugiesische Sorte. Ein weiterer Schlüsselfaktor ist die Existenz der jesuitischen Architektur, auch „schlichter Stil“ genannt (Estilo Chão oder Estilo Plano), die wie der Name andeutet, schlichter und etwas strenger wirkt.

Die Gebäude sind Einraumbasiliken, tiefe Hauptkapelle, Seitenkapellen (mit kleinen Türen für die Kommunikation), ohne Innen- und Außendekoration, sehr einfaches Portal und Fenster. Es ist ein sehr praktisches Gebäude, das es ermöglicht, es mit geringfügigen Anpassungen im gesamten Reich zu errichten und später oder wenn wirtschaftliche Ressourcen verfügbar sind, dekoriert zu werden.

Tatsächlich fehlt es dem ersten portugiesischen Barock nicht am Bauen, da der „schlichte Stil“ durch Dekoration (Malen, Fliesen usw.) leicht verwandelt werden kann und leere Bereiche in pompöse, aufwändige Barock-Szenarien verwandelt werden. Das gleiche könnte auf das Äußere angewendet werden. Anschließend ist es einfach, das Gebäude an den Geschmack von Zeit und Ort anzupassen und neue Funktionen und Details hinzuzufügen. Praktisch und wirtschaftlich.

Mit mehr Einwohnern und besseren wirtschaftlichen Ressourcen erlebte der Norden, insbesondere die Gebiete Porto und Braga, eine architektonische Erneuerung, die sich in der großen Liste der von der Aristokratie errichteten Kirchen, Klöster und Paläste zeigt.

Porto ist die Stadt des Barock in Portugal. Das historische Zentrum gehört zum UNESCO-Weltkulturerbe.

Viele der Barockwerke im historischen Viertel der Stadt und darüber hinaus gehören Nicolau Nasoni, einem in Portugal lebenden italienischen Architekten, der Originalgebäude mit szenografischer Lage wie die Kirche und den Turm von Clérigos, die Logia der Kathedrale von Porto und die Kirche zeichnet von Misericórdia, dem Palast von São João Novo, dem Palast von Freixo, dem Bischofspalast (portugiesisch: Paço Episcopal do Porto) und vielen anderen.

Russischer Barock
Das Debüt des russischen Barock oder Petrusbarock folgte einem langen Besuch von Peter dem Großen in Westeuropa in den Jahren 1697 bis 1698, wo er die Schlösser von Fontainebleu und Versailles sowie andere architektonische Denkmäler besuchte. Bei seiner Rückkehr nach Russland beschloss er, ähnliche Denkmäler in St. Petersburg zu errichten, das 1712 die neue Hauptstadt Russlands wurde. Zu den frühen bedeutenden Denkmälern im Petrusbarock zählen die Peter-Paul-Kathedrale und der Menschikow-Palast.

Während der Regierungszeit von Kaiserin Anna und Elizaveta Petrovna wurde die russische Architektur vom luxuriösen Barockstil des in Italien geborenen Bartolomeo Rastrelli dominiert, der sich zum elisabethanischen Barock entwickelte. Zu den charakteristischen Gebäuden von Rastrelli gehören der Winterpalast, der Katharinenpalast und die Kathedrale von Smolny. Weitere markante Denkmäler des elisabethanischen Barock sind der Glockenturm der Troitse-Sergiyeva Lavra und das Rote Tor.

In Moskau verbreitete sich der Naryshkin-Barock vor allem in der Architektur der ostorthodoxen Kirchen im späten 17. Jahrhundert. Es war eine Kombination aus westeuropäischem Barock und traditionellen russischen Volksstilen.

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialamerika
Aufgrund der Kolonialisierung Amerikas durch europäische Länder zog der Barock natürlich in die Neue Welt und fand in den von Spanien und Portugal dominierten Regionen einen besonders günstigen Boden. Beide Länder waren zentralisierte und irreduzibel katholische Monarchien, die Rom und ihren Anhängern unterworfen waren der typischste barocke Gegenreformist. Europäische Künstler wanderten nach Amerika aus und machten Schule. Zusammen mit der weit verbreiteten Verbreitung katholischer Missionare, von denen viele qualifizierte Künstler waren, schufen sie einen vielgestaltigen Barock, der oft vom populären Geschmack beeinflusst wurde. Die Handwerker Criollo und Indidenous haben viel getan, um diesem Barock einzigartige Eigenschaften zu verleihen. Die Hauptzentren des amerikanischen Barockanbaus, die noch bestehen, sind (in dieser Reihenfolge) Mexiko, Brasilien, Peru, Ecuador, Kuba, Kolumbien, Bolivien, Guatemala und Puerto Rico.

Besonders hervorzuheben ist der sogenannte „Missionsbarock“, der im Rahmen der spanischen Reduzierung der Gebiete entwickelt wurde, die sich von Mexiko und den südwestlichen Teilen der heutigen Vereinigten Staaten bis nach Argentinien und Chile erstrecken, indigene Siedlungen, die von spanischen Katholiken organisiert wurden Missionare, um sie zum christlichen Glauben zu konvertieren und sie im westlichen Leben zu akkulturieren. Sie bilden einen hybriden Barock, der von der Kultur der Ureinwohner beeinflusst ist, in dem Criollos und viele indische Handwerker und Musiker blühten, die sogar lesen und schreiben konnten und über große Fähigkeiten und Talente verfügten. In den Berichten der Missionare wird oft wiederholt, dass westliche Kunst, insbesondere Musik, einen hypnotischen Einfluss auf Förster hatte und die Bilder von Heiligen als sehr mächtig angesehen wurden. Viele Inder wurden bekehrt und eine neue Form der Hingabe geschaffen, von leidenschaftlicher Intensität, beladen mit Mystik, Aberglauben und Theatralik, die sich an festlichen Messen, heiligen Konzerten und Mysterien erfreute.

Die koloniale Barockarchitektur im spanischen Amerika zeichnet sich durch eine reichhaltige Dekoration aus (Portal der La Profesa-Kirche in Mexiko-Stadt; Fassaden mit Azulejos im Puebla-Stil, wie in der Kirche von San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula und der Klosterkirche von San Francisco von Puebla), die im sogenannten Churrigueresque-Stil (Fassade des Tabernakels der Kathedrale von Mexiko-Stadt, von Lorenzo Rodríguez; Kirche von San Francisco Javier, Tepotzotlán; Kirche von Santa Prisca von Taxco) verschärft wird. In Peru weisen die seit 1650 hauptsächlich in den Städten Lima, Cusco, Arequipa und Trujillo entwickelten Konstruktionen ursprüngliche Merkmale auf, die bis in den europäischen Barock hineinreichen, wie die Verwendung gepolsterter Mauern und solomonischer Säulen (Kirche der Compañía de Jesús). Cusco, Basilika und Kloster von San Francisco, Lima). Andere Länder sind: die Metropolitan Cathedral of Sucre in Bolivien; Kathedrale Basilika von Esquipulas in Guatemala; Kathedrale Tegucigalpa in Honduras; Kathedrale von León in Nicaragua; die Kirche der Compañía de Jesús in Quito, Ecuador; die Kirche San Ignacio in Bogotá, Kolumbien; die Caracas Kathedrale in Venezuela; der Cabildo von Buenos Aires in Argentinien; die Kirche von Santo Domingo in Santiago, Chile; und Kathedrale von Havanna in Kuba. Es lohnt sich auch, an die Qualität der Kirchen der spanischen Jesuitenmissionen in Bolivien, der spanischen Jesuitenmissionen in Paraguay, der spanischen Missionen in Mexiko und der spanischen Franziskanermissionen in Kalifornien zu erinnern.

In Brasilien wie in der portugiesischen Metropole hat die Architektur einen gewissen italienischen Einfluss, normalerweise vom borrominesken Typ, wie in der Co-Kathedrale von Recife (1784) und der Kirche Nossa Senhora da Glória do Outeiro in Rio de zu sehen ist Janeiro (1739). In der Region Minas Gerais wurde die Arbeit von Aleijadinho hervorgehoben, Autor einer Gruppe von Kirchen, die sich durch ihre gekrümmte Planimetrie, Fassaden mit konkav-konvexen dynamischen Effekten und eine plastische Behandlung aller architektonischen Elemente auszeichnen (Kirche von São Francisco de Assis in Ouro Preto, 1765–1788).

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialasien
In den portugiesischen Kolonien Indiens (Goa, Daman und Diu) blühte ein Baustil barocker Formen, gemischt mit hinduistischen Elementen, auf, wie die Goa-Kathedrale und die Basilika Bom Jesus von Goa, in der sich das Grab des heiligen Franz Xaver befindet. Die Kirchen und Klöster von Goa wurden 1986 zum Weltkulturerbe erklärt.

Auf den Philippinen, die lange Zeit Teil des spanischen Reiches waren, ist eine große Anzahl von Barockbauten erhalten, darunter die Barockkirchen der Philippinen, von denen vier und die barocke und neoklassizistische Stadt Vigan beide UNESCO-Welt sind Kulturerbestätten. Es war auch sehr bemerkenswert die ummauerte Stadt Manila (Intramuros). Eine andere Stadt mit bemerkenswert erhaltenem Barock aus der spanischen Ära ist Tayabas.

Gemälde
Barockmaler haben bewusst daran gearbeitet, sich von den Malern der Renaissance und der Manierismuszeit danach abzuheben. In ihrer Palette verwendeten sie intensive und warme Farben und verwendeten insbesondere die Primärfarben Rot, Blau und Gelb, wobei alle drei häufig in unmittelbarer Nähe standen. Sie vermieden die gleichmäßige Beleuchtung der Renaissance-Malerei und verwendeten starke Licht- und Dunkelkontraste an bestimmten Stellen des Bildes, um die Aufmerksamkeit auf die zentralen Handlungen oder Figuren zu lenken.

In ihrer Komposition vermieden sie die ruhigen Szenen der Renaissance-Malerei und wählten die Momente der größten Bewegung und des größten Dramas. Im Gegensatz zu den ruhigen Gesichtern von Renaissance-Gemälden drückten die Gesichter in Barockgemälden deutlich ihre Gefühle aus. Sie verwendeten oft Asymmetrie, wobei die Aktion außerhalb der Bildmitte stattfand, und erzeugten Achsen, die weder vertikal noch horizontal waren, sondern nach links oder rechts geneigt waren, was ein Gefühl von Instabilität und Bewegung gab. Sie verstärkten diesen Eindruck von Bewegung, indem sie die Kostüme der Persönlichkeiten vom Wind wehen ließen oder durch ihre eigenen Gesten bewegten. Die Gesamteindrücke waren Bewegung, Emotion und Drama. Ein weiteres wesentliches Element der Barockmalerei war die Allegorie; Jedes Gemälde erzählte eine Geschichte und hatte eine Botschaft, die oft mit Symbolen und allegorischen Zeichen verschlüsselt war und die ein gebildeter Betrachter kennen und lesen sollte.

Frühe Beweise für italienische Barockideen in der Malerei fanden sich in Bologna, wo Annibale Carracci, Agostino Carracci und Ludovico Carracci versuchten, die bildende Kunst zum geordneten Klassizismus der Renaissance zurückzukehren. Ihre Kunst enthielt jedoch auch Ideen, die für die Gegenreformation von zentraler Bedeutung waren. Dazu gehörten intensive Emotionen und religiöse Bilder, die mehr das Herz als den Intellekt ansprechen.

Ein weiterer einflussreicher Maler des Barock war Michelangelo Merisi da Caravaggio. Seine realistische Herangehensweise an die menschliche Figur, die direkt aus dem Leben gemalt und vor einem dunklen Hintergrund dramatisch beleuchtet wurde, schockierte seine Zeitgenossen und schlug ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei auf. Andere bedeutende Maler, die eng mit dem Barockstil verbunden sind, sind Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo und Paolo de Matteis in Italien; Francisco de Zurbarán und Diego Velázquez in Spanien; Adam Elsheimer in Deutschland; und Nicolas Poussin und Georges de La Tour in Frankreich (obwohl Poussin den größten Teil seines Arbeitslebens in Italien verbracht hat). Poussin und La Tour übernahmen einen „klassischen“ Barockstil mit weniger Fokus auf Emotionen und größerer Aufmerksamkeit für die Linie der Figuren im Gemälde als für die Farbe.

Peter Paul Rubens war der wichtigste Maler des flämischen Barockstils. Rubens ‚hoch aufgeladene Kompositionen beziehen sich auf gelehrte Aspekte der klassischen und christlichen Geschichte. Sein einzigartiger und äußerst beliebter Barockstil betonte Bewegung, Farbe und Sinnlichkeit, die dem unmittelbaren, dramatischen künstlerischen Stil folgten, der in der Gegenreformation gefördert wurde. Rubens spezialisierte sich auf die Herstellung von Altarbildern, Porträts, Landschaften und historischen Gemälden mythologischer und allegorischer Themen.

Ein wichtiger Bereich der Barockmalerei war Quadratura oder Gemälde in Trompe-l’oeil, die buchstäblich „das Auge täuschten“. Diese wurden normalerweise auf den Stuck von Decken oder oberen Wänden und Balustraden gemalt und erweckten bei denjenigen, die auf dem Boden nach oben schauten, den Eindruck, dass sie den Himmel sahen, der mit Scharen von Engeln, Heiligen und anderen himmlischen Gestalten bevölkert war, die vor gemaltem Himmel standen und imaginäre Architektur.

In Italien arbeiteten Künstler häufig mit Architekten bei der Innenausstattung zusammen. Pietro da Cortona war einer der Maler des 17. Jahrhunderts, die diese illusionistische Malweise verwendeten. Zu seinen wichtigsten Aufträgen gehörten die Fresken, die er für den Palast der Familie Barberini (1633–39) malte, um die Regierungszeit von Papst Urban VIII zu verherrlichen. Die Kompositionen von Pietro da Cortona waren die größten dekorativen Fresken, die seit der Arbeit von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle in Rom ausgeführt wurden.

François Boucher war eine wichtige Figur im zarteren französischen Rokoko-Stil, der im Spätbarock auftrat. Er entwarf Wandteppiche, Teppiche und Theaterdekorationen sowie Malerei. Seine Arbeit war bei Madame Pompadour, der Geliebten von König Ludwig XV., Sehr beliebt. Seine Bilder zeigten mythologisch-romantische und leicht erotische Themen.

Koloniales Amerika
Auf dem spanischen Amerika stammten die ersten Einflüsse aus dem Sevillanischen Tenebrismus, hauptsächlich aus Zurbarán, von dem einige in Mexiko und Peru noch erhalten sind, wie aus den Arbeiten der Mexikaner José Juárez und Sebastián López de Arteaga sowie des Bolivianers hervorgeht Melchor Pérez de Holguín. Die Cusco School of Painting entstand nach der Ankunft des italienischen Malers Bernardo Bitti im Jahr 1583, der den Manierismus in Amerika einführte. Es hob die Arbeit von Luis de Riaño hervor, Schüler des Italieners Angelino Medoro, Autor der Wandgemälde der Kirche San Pedro von Andahuaylillas. Es wurden auch die indischen (Quechua) Maler Diego Quispe Tito und Basilio Santa Cruz Pumacallao sowie Marcos Zapata hervorgehoben, Autor der fünfzig großen Leinwände, die die hohen Bögen der Kathedrale von Cusco bedecken. In Ecuador wurde die Quito-Schule gegründet, die hauptsächlich vom Mestizen Miguel de Santiago und dem Criollo Nicolás Javier de Goríbar vertreten wird.

Im 18. Jahrhundert wurden skulpturale Altarbilder durch Gemälde ersetzt, insbesondere das Barockgemälde in Amerika. In ähnlicher Weise wuchs die Nachfrage nach Bauarbeiten, hauptsächlich Porträts der Adelsklassen und der kirchlichen Hierarchie. Der Haupteinfluss war die Murilleske und in einigen Fällen – wie im Criollo Cristóbal de Villalpando – die von Valdés Leal. Das Gemälde dieser Zeit hat einen sentimentaleren Ton mit süßen und weicheren Formen. Es zeigt Gregorio Vásquez de Arce in Kolumbien sowie Juan Rodríguez Juárez und Miguel Cabrera in Mexiko.

Skulptur
Die dominierende Figur in der Barockskulptur war Gian Lorenzo Bernini. Unter der Schirmherrschaft von Papst Urban VIII. Schuf er eine bemerkenswerte Reihe monumentaler Heiligen- und Figurenstatuen, deren Gesichter und Gesten ihre Gefühle lebendig zum Ausdruck brachten, sowie Porträtbüsten von außergewöhnlichem Realismus und hochdekorative Werke für den Vatikan, darunter den imposanten Stuhl von St. Peter unter der Kuppel im Petersdom. Darüber hinaus entwarf er Brunnen mit monumentalen Skulpturengruppen, um die wichtigsten Plätze Roms zu schmücken.

Die Barockskulptur wurde von antiken römischen Statuen inspiriert, insbesondere von der berühmten Statue von Laocoön aus dem ersten Jahrhundert nach Christus, die in der Galerie des Vatikans ausgestellt war. Als Bernini 1665 Paris besuchte, wandte er sich an die Studenten der Akademie für Malerei und Bildhauerei. Er riet den Schülern, eher nach klassischen Vorbildern als nach der Natur zu arbeiten. Er sagte den Schülern: „Als ich Probleme mit meiner ersten Statue hatte, habe ich die Antinoos wie ein Orakel konsultiert.“

Bemerkenswerte spätfranzösische Barockbildhauer waren Étienne Maurice Falconet und Jean Baptiste Pigalle. Pigalle wurde von Friedrich dem Großen beauftragt, in Sanssouci in Potsdam Statuen für Friedrichs eigene Version von Versailles anzufertigen. Falconet erhielt auch einen wichtigen ausländischen Auftrag, der die berühmte Statue von Peter dem Großen zu Pferd in St. Petersburg schuf.

In Spanien beschäftigte sich der Bildhauer Francisco Salzillo ausschließlich mit religiösen Themen unter Verwendung von polychromiertem Holz. Einige der schönsten barocken skulpturalen Handwerke wurden in den vergoldeten Stuckaltären der Kirchen der spanischen Kolonien der Neuen Welt gefunden, die von lokalen Handwerkern hergestellt wurden. Beispiele hierfür sind die Rosenkranzkapelle der Kirche Santo Domingo in Oaxaca, Mexiko (1724–31).

Musik und Ballett
Der Begriff Barock wird auch verwendet, um den Musikstil zu bezeichnen, der in einer Zeit komponiert wurde, die sich mit dem der Barockkunst überschneidet. Die erste Verwendung des Begriffs „Barock“ für Musik war Kritik. In einer anonymen, satirischen Rezension der Uraufführung von Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733, die im Mai 1734 im Mercure de France abgedruckt wurde, implizierte der Kritiker, dass die Neuheit in dieser Oper „du barocque“ sei, und beklagte sich darüber, dass der Musik eine kohärente Melodie fehlte , war mit unablässigen Dissonanzen gefüllt, wechselte ständig Tonart und Meter und lief schnell durch jedes Kompositionsgerät. Jean-Jacques Rousseau, Musiker und bekannter Komponist sowie Philosoph, machte 1768 in der berühmten Encylopedié von Denis Diderot eine sehr ähnliche Beobachtung: „Barockmusik ist die, in der die Harmonie verwirrt und voller Modulationen und Dissonanzen ist Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass der Begriff vom Wort ‚Baroco‘ stammt, das von Logikern verwendet wird. “

Die gebräuchliche Verwendung des Begriffs für die Musik dieser Zeit begann erst 1919 von Curt Sachs, und erst 1940 wurde er erstmals in einem von Manfred Bukofzer veröffentlichten Artikel in englischer Sprache verwendet.

Der Barock war eine Zeit musikalischer Experimente und Innovationen. Es wurden neue Formen erfunden, darunter das Konzert und die Sinfonie. Die Oper wurde Ende des 16. Jahrhunderts in Italien geboren (mit Jacopo Peris größtenteils verlorenem Dafne, das 1598 in Florenz produziert wurde) und verbreitete sich bald in ganz Europa: Ludwig XIV. Gründete 1669 die erste königliche Musikakademie, den Dichter Pierre Perrin eröffnete eine Opernakademie in Paris, das erste öffentlich zugängliche Operntheater in Frankreich, und uraufgeführt Pomone, die erste große Oper in französischer Sprache, mit Musik von Robert Cambert, fünf Akten, aufwändiger Bühnenmaschinerie und einem Ballett. Heinrich Schütz in Deutschland, Jean-Baptiste Lully in Frankreich und Henry Purcell in England trugen alle dazu bei, ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert zu etablieren.

Das klassische Ballett entstand ebenfalls im Barock. Der Stil des Höfentanzes wurde von Marie de Medici nach Frankreich gebracht, und am Anfang waren die Mitglieder des Hofes selbst die Tänzer. Ludwig XIV. Selbst trat in mehreren Balletten öffentlich auf. Im März 1662 wurde die Académie Royale de Danse vom König gegründet. Es war die erste professionelle Tanzschule und Kompanie und setzte in dieser Zeit europaweit Maßstäbe und Vokabeln für Ballett.

In dieser Zeit wurden mehrere neue Instrumente eingeführt, darunter das Klavier. Die Erfindung des Klaviers wird Bartolomeo Cristofori (1655–1731) aus Padua, Italien, zugeschrieben, der von Ferdinando de ‚Medici, dem Großfürsten der Toskana, als Bewahrer der Instrumente eingesetzt wurde. Cristofori nannte das Instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte („eine Tastatur aus Zypressen mit leisem und lautem Ton“), im Laufe der Zeit als Pianoforte, Fortepiano und später einfach als Klavier abgekürzt.

Theater
Der Barock war ein goldenes Zeitalter für das Theater in Frankreich und Spanien; Dramatiker waren Corneille, Racine und Moliere in Frankreich; und Lope de Vega und Pedro Calderón de la Barca Spanien.

Während des Barock entwickelten sich die Kunst und der Stil des Theaters neben der Entwicklung der Oper und des Balletts rasant. Das Design neuer und größerer Theater, die Erfindung, die Verwendung aufwändigerer Maschinen, die breitere Verwendung des Proscenium-Bogens, der die Bühne umrahmte und die Maschinen vor dem Publikum verbarg, förderten mehr szenische Effekte und Spektakel.

Der Barock hatte in Spanien einen katholischen und konservativen Charakter, der einem italienischen Literaturmodell während der Renaissance folgte. Das hispanische Barocktheater zielte auf einen öffentlichen Inhalt mit einer idealen Realität ab, die drei grundlegende Gefühle manifestierte: katholische Religion, monarchistischer und nationaler Stolz und Ehre, die aus der ritterlichen, ritterlichen Welt stammen.

Im barocken spanischen Theater sind zwei Perioden bekannt, wobei die Teilung 1630 erfolgte. Die erste Periode wird hauptsächlich von Lope de Vega, aber auch von Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua und Luis Vélez de vertreten Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente oder Juan Pérez de Montalbán. Die zweite Periode wird von Pedro Calderón de la Barca und den anderen Dramatikern Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello und Ochoa, Agustín Moreto und Francisco Bances Candamo vertreten . Diese Klassifikationen sind lose, weil jeder Autor seinen eigenen Weg hatte und sich gelegentlich an die von Lope festgelegte Formel halten konnte. Es kann sogar sein, dass Lopes „Art“ liberaler und strukturierter war als die von Calderón.

Lope de Vega stellte durch seine Arte nuevo de hacer Comedias en est tiempo (1609) die neue Komödie vor. Er etablierte eine neue dramatische Formel, die die drei Aristoteles-Einheiten der italienischen Poesieschule (Aktion, Zeit und Ort) und eine vierte Einheit von Aristoteles brach, in der es um Stil, die Mischung tragischer und komischer Elemente geht, die verschiedene Arten von Versen und Strophen zeigen was dargestellt wird. Obwohl Lope ein großes Wissen über die bildenden Künste hat, hat er es während des größten Teils seiner Karriere weder im Theater noch in der Szenografie verwendet. Die Komödie von Lope räumte den visuellen Aspekten der Theaterdarstellung eine zweite Rolle ein.

Tirso de Molina, Lope de Vega und Calderón waren die wichtigsten Theaterautoren im Goldenen Zeitalter Spaniens. Ihre Werke, die für ihre subtile Intelligenz und ihr tiefes Verständnis der Menschlichkeit eines Menschen bekannt sind, könnten als Brücke zwischen Lopes primitiver Komödie und der aufwändigeren Komödie von Calderón angesehen werden. Tirso de Molina ist am bekanntesten für zwei Werke, The Convicted Suspicions und The Trickster of Seville, eine der ersten Versionen des Don Juan-Mythos.

Bei seiner Ankunft in Madrid brachte Cosimo Lotti die fortschrittlichsten Theatertechniken Europas an den spanischen Hof. Seine Techniken und sein mechanisches Wissen wurden in Palastausstellungen namens „Fiestas“ und in aufwendigen Ausstellungen von Flüssen oder künstlichen Brunnen namens „Naumaquias“ angewendet. Er war verantwortlich für die Gestaltung der Gärten von Buen Retiro, von Zarzuela und Aranjuez sowie für den Bau des Theatergebäudes des Coliseo del Buen Retiro.

Lopes Formeln beginnen mit einem Vers, der die Stiftung des Palasttheaters unpassend macht und die Geburt neuer Konzepte, die die Karriere einiger Theaterautoren wie Calderón de la Barca begannen. Calderóns Stil kennzeichnete die wichtigsten Neuerungen der New Lopesian Comedy und zeigte viele Unterschiede, wobei er sehr konstruktiv und sorgfältig auf seine innere Struktur achtete. Calderóns Werk ist in formaler Perfektion und einer sehr lyrischen und symbolischen Sprache. Freiheit, Vitalität und Offenheit von Lope gaben Calderóns intellektueller Reflexion und formaler Präzision einen Schritt. In seiner Komödie spiegelte es seine ideologischen und doktrinären Absichten wider, die über der Leidenschaft und der Handlung lagen. Die Arbeit von Autos sacramentales erreichte hohe Ränge. Das Genre von Comedia ist politisch, multikünstlerisch und in gewissem Sinne hybride. Der poetische Text, der mit Medien und Ressourcen aus Architektur, Musik und Malerei verwoben ist und die Täuschung in der lopesianischen Komödie befreit, wurde aus dem Mangel an Kulissen und dem Dialog des Handelns zusammengesetzt.

Der bekannteste deutsche Dramatiker war Andreas Gryphius, der das Jesuitenmodell des Holländers Joost van den Vondel und Pierre Corneille verwendete. Es gab auch Johannes Velten, der die Traditionen der englischen Komiker und der Commedia del’arte mit dem klassischen Theater von Corneille und Molière verband. Seine Reisegesellschaft war vielleicht die bedeutendste und wichtigste des 17. Jahrhunderts.

Spanisches koloniales Amerika
Nach der Entwicklung Spaniens Ende des 16. Jahrhunderts begannen sich die im Wesentlichen transhumanten Comedian-Kompanien zu professionalisieren. Mit der Professionalisierung kamen Regulierung und Zensur: Wie in Europa pendelte das Theater zwischen Toleranz und sogar staatlichem Schutz und Ablehnung (mit Ausnahmen) oder Verfolgung durch die Kirche. Das Theater war für die Behörden als Instrument zur Verbreitung des gewünschten Verhaltens und der gewünschten Modelle, der Achtung der sozialen Ordnung und der Monarchie, der Schule des religiösen Dogmas, nützlich.

Die Korralen wurden zugunsten von Krankenhäusern verwaltet, die die Vorteile der Darstellungen teilten. Die Wanderfirmen (oder „der Liga“), die das Theater in improvisierten Open-Air-Bühnen von Regionen ohne feste Einheimische führten, verlangten eine vizekönigliche Arbeitserlaubnis, deren Preis oder Pinción für Almosen bestimmt war und fromm wirkte . Für Unternehmen, die stabil in den Hauptstädten und Großstädten arbeiteten, war eine ihrer Haupteinnahmequellen die Teilnahme an den Fronleichnamsfesten, die ihnen nicht nur wirtschaftliche Vorteile, sondern auch Anerkennung und soziales Prestige verschafften. Die Darstellungen im Vizekönigspalast und in den Herrenhäusern der Aristokratie, in denen sie sowohl die Komödien ihres Repertoires als auch Sonderproduktionen mit großartigen Lichteffekten, Kulissen und Bühnen darstellten, waren ebenfalls eine wichtige Quelle für gut bezahlte und prestigeträchtige Arbeiten.

Juan Ruiz de Alarcón wurde im Vizekönigreich Neuspanien geboren und ließ sich später in Spanien nieder. Er ist die bekannteste Figur im Barocktheater Neuspaniens. Trotz seiner Anpassung an Lope de Vegas neue Komödie wurden sein „ausgeprägter Säkularismus“, seine Diskretion und Zurückhaltung sowie seine ausgeprägte Fähigkeit zur „psychologischen Durchdringung“ als charakteristische Merkmale von Alarcón gegenüber seinen spanischen Zeitgenossen festgestellt. Bemerkenswert unter seinen Werken La verdad sospechosa, eine Komödie von Charakteren, die seinen ständigen moralisierenden Zweck widerspiegelte. Die dramatische Inszenierung von Sor Juana Inés de la Cruz macht sie zur zweiten Figur des spanisch-amerikanischen Barocktheaters. Erwähnenswert sind unter ihren Werken das autosakramentale El Divino Narciso und die Komödie Los empeños de una casa.

Gardens
Der Barockgarten, auch als Jardin à la française oder französischer formaler Garten bekannt, erschien zuerst im 16. Jahrhundert in Rom und im 17. Jahrhundert in Frankreich in den Gärten von Vaux le Vicomte und im Schloss von Versailles. Barockgärten wurden von Königen und Fürsten in Deutschland, den Niederlanden, Österreich, Spanien, Polen, Italien und Russland bis Mitte des 18. Jahrhunderts angelegt, als sie durch den natürlicheren englischen Landschaftsgarten neu gestaltet wurden.

Der Zweck des Barockgartens war es, die Macht des Menschen über die Natur zu veranschaulichen, und die Herrlichkeit seines Erbauers, Barockgärten, wurden in geometrischen Mustern angelegt, wie die Räume eines Hauses. Sie waren normalerweise am besten von außen zu sehen und blickten entweder von einem Schloss oder einer Terrasse nach unten. Zu den Elementen eines Barockgartens gehörten Blumenbeete oder niedrige Hecken, die in kunstvollen Barockmustern verziert waren, sowie gerade Gassen und Gassen aus Kies, die den Garten teilten und kreuzten. Terrassen, Rampen, Treppen und Kaskaden wurden dort platziert, wo es Höhenunterschiede gab, und boten Aussichtspunkte. Kreisförmige oder rechteckige Teiche oder Wasserbecken waren die Einstellungen für Brunnen und Statuen. Bosquets oder sorgfältig geschnittene Haine oder Linien identischer Bäume gaben das Aussehen von grünen Wänden und waren Kulissen für Statuen. An den Rändern hatten die Gärten normalerweise Pavillons, Orangerien und andere Strukturen, in denen die Besucher Schutz vor Sonne oder Regen suchen konnten.

Barockgärten erforderten eine enorme Anzahl von Gärtnern, kontinuierliches Trimmen und reichlich Wasser. Im späteren Teil des Barock wurden die formalen Elemente durch natürlichere Merkmale ersetzt, darunter gewundene Wege, Haine verschiedener Bäume, die unbeschnitten wachsen konnten. Rustikale Architektur und malerische Strukturen wie römische Tempel oder chinesische Pagoden sowie „geheime Gärten“ an den Rändern des Hauptgartens, gefüllt mit viel Grün, in denen Besucher lesen oder sich ruhig unterhalten konnten. Mitte des 18. Jahrhunderts wurden die meisten Barockgärten teilweise oder vollständig in Variationen des englischen Landschaftsgartens umgewandelt.

Neben Versailles und Vaux-le-Vicomte gehören zu den berühmten Barockgärten, die noch viel von ihrem ursprünglichen Aussehen behalten, der Königspalast von Caserta in der Nähe von Neapel; Schloss Nymphenburg sowie Paläste Augustusburg und Falkenlust, Brühl in Deutschland; Het Loo Palace in den Niederlanden; das Belvedere in Wien; der Königspalast von La Granja de San Ildefonso in Spanien; und Peterhof Palace in St. Petersburg, Russland.

Unterschiede zwischen Rokoko und Barock
Die folgenden Merkmale haben das Rokoko und das Barock nicht: [Klarstellung erforderlich]

Die teilweise Aufgabe der Symmetrie, bei der alles aus anmutigen Linien und Kurven besteht, ähnlich wie im Jugendstil
Die enorme Menge an asymmetrischen Kurven und C-förmigen Voluten
Die sehr breite Verwendung von Blumen in der Verzierung, zum Beispiel Girlanden aus Blumen
Chinesische und japanische Motive
Warme Pastellfarben (weißlich-gelb, cremefarben, perlgrau, sehr helles Blau)

Ende des Stils, Verurteilung und akademische Wiederentdeckung
Madame de Pompadour, die Geliebte Ludwigs XV., Trug zum Niedergang des Barock- und Rokokostils bei. 1750 schickte sie ihren Neffen Abel-François Poisson de Vandières auf eine zweijährige Mission, um künstlerische und archäologische Entwicklungen in Italien zu studieren. Er wurde von mehreren Künstlern begleitet, darunter dem Kupferstecher Nicolas Cochin und dem Architekten Soufflot. Sie kehrten mit einer Leidenschaft für klassische Kunst nach Paris zurück. Vandiéres wurde der Marquis von Marigny und wurde 1754 zum königlichen Direktor der Gebäude ernannt. Er wandte die offizielle französische Architektur dem neoklassizistischen zu. Cochin wurde ein wichtiger Kunstkritiker; er prangerte den kleinen Stil von Boucher an und forderte einen großartigen Stil mit einem neuen Schwerpunkt auf Antike und Adel in den Akademien der Architekturmalerei.

Der deutsche Pionier des Kunsthistorikers und Archäologen Johann Joachim Winckelmann verurteilte ebenfalls den Barockstil und lobte die überlegenen Werte der klassischen Kunst und Architektur. Im 19. Jahrhundert war der Barock ein Ziel von Spott und Kritik. Der neoklassische Kritiker Francesco Milizia schrieb: „Borrominini in der Architektur, Bernini in der Skulptur, Pietro da Cortona in der Malerei … sind eine Plage des guten Geschmacks, die eine große Anzahl von Künstlern infizierte.“ Im 19. Jahrhundert ging die Kritik noch weiter; Der britische Kritiker John Ruskin erklärte, die Barockskulptur sei nicht nur schlecht, sondern auch moralisch korrupt.

Der in der Schweiz geborene Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin (1864–1945) begann in seiner Renaissance und Barock (1888) mit der Rehabilitation des Wortes Barock; Wölfflin identifizierte den Barock als „in die Masse importierte Bewegung“, eine Kunst, die der Kunst der Renaissance widerspricht. Er machte nicht die Unterscheidung zwischen Manierismus und Barock, die moderne Schriftsteller machen, und ignorierte die spätere Phase, den akademischen Barock, der bis ins 18. Jahrhundert andauerte. Barockkunst und Architektur wurden zwischen den beiden Weltkriegen in Mode und sind weitgehend kritisch geblieben. Der Begriff „Barock“ kann immer noch verwendet werden, normalerweise abwertend, um Kunstwerke, Kunsthandwerk oder Design zu beschreiben, von denen angenommen wird, dass sie eine übermäßige Verzierung oder Komplexität der Linie aufweisen.