Die Arts and Crafts Bewegung war eine internationale Bewegung in der dekorativen und bildenden Kunst, die in Großbritannien begann und zwischen 1880 und 1920 in Europa und Nordamerika florierte und in den 1920er Jahren in Japan (der Mingei-Bewegung) aufkam. Es stand für traditionelle Handwerkskunst mit einfachen Formen und verwendete oft mittelalterliche, romantische oder volkstümliche Dekoration. Es befürwortete wirtschaftliche und soziale Reformen und war im Wesentlichen antiindustriell. Es hatte einen starken Einfluss auf die Künste in Europa, bis es in den 1930er Jahren durch die Moderne verdrängt wurde, und sein Einfluss setzte sich später bei Handwerkern, Designern und Stadtplanern fort.

Informelle Bewegung in der Architektur und in den dekorativen Künsten, die die Einheit der Künste, die Erfahrung des einzelnen Handwerkers, und die Qualitäten der Materialien und der Konstruktion in der Arbeit selbst förderten. Die Arts and Crafts Bewegung entwickelte sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und dauerte bis ins 20. Jahrhundert, unterstützt von progressiven Künstlern, Architekten und Designern, Philanthropen, Amateuren und bürgerlichen Frauen, die Arbeit im Haushalt suchten. Sie bauten kleine Werkstätten abseits der Industrie, erneuerten alte Techniken und verehrten die Bescheidenen Haushaltsgegenstände vorindustrieller Zeiten Die Bewegung war am stärksten in den industrialisierten Ländern Nordeuropas und in den USA, und sie kann am besten als eine unkonzentrierte Reaktion gegen die Industrialisierung verstanden werden. Obwohl sie in ihrem Antiindustrialismus quixotisch war, war sie nicht einzigartig; tatsächlich war es nur eine von mehreren Reformbewegungen des späten 19. Jahrhunderts, wie die Garden City Bewegung, Vegetarismus und Volkslied-Erweckungen, die die romantischen Werte von Natur und Volkskultur gegen die Künstlichkeit des modernen Lebens stellten

Der Begriff wurde zuerst von TJ Cobden-Sanderson bei einem Treffen der Arts and Crafts Exhibition Society im Jahr 1887 verwendet, obwohl sich die Prinzipien und der Stil, auf dem er basierte, in England seit mindestens zwanzig Jahren entwickelt hatten. Es wurde von den Ideen des Architekten Augustus Pugin, des Schriftstellers John Ruskin und des Designers William Morris inspiriert.

Die Bewegung entwickelte sich am frühesten und am vollständigsten auf den britischen Inseln und breitete sich über das Britische Reich und den Rest Europas und Nordamerikas aus. Es war vor allem eine Reaktion auf die damalige Verarmung der dekorativen Künste und die Bedingungen, unter denen sie hergestellt wurden.

Ursprünge und Einflüsse

Design-Reform
Die Arts and Crafts Bewegung entstand aus dem Versuch, Design und Dekoration im England des 19. Jahrhunderts zu reformieren. Es war eine Reaktion auf einen vermeintlichen Normrückgang, den die Reformer mit der Maschinen- und Fabrikproduktion in Verbindung brachten. Ihre Kritik wurde durch die Gegenstände, die sie in der Großen Ausstellung von 1851 sahen, geschärft, die sie als übermäßig kunstvoll und künstlich ansahen und ignorierten die Qualitäten der verwendeten Materialien.

Der Kunsthistoriker Nikolaus Pevsner hat gesagt, dass Exponate in der Weltausstellung „Ignoranz dieses Grundbedürfnisses, Muster zu schaffen, die Integrität der Oberfläche“ und „Vulgarität im Detail“ zeigten. Die Designreform begann mit den Organisatoren der Ausstellung selbst, Henry Cole (1808-1882), Owen Jones (1809-1874), Matthew Digby Wyatt (1820-1877) und Richard Redgrave (1804-1888), der übertriebenes Ornament und unpraktisch ablehnte und schlecht gemachte Sachen. Die Organisatoren waren „einstimmig bei der Verurteilung der Exponate“. Owen Jones zum Beispiel beschwerte sich darüber, dass „der Architekt, der Tapezierer, der Papierfärber, der Weber, der Kaliko-Drucker und der Töpfer“ in der Kunst Neuheit ohne Schönheit oder Schönheit ohne Intelligenz produzieren. “ Aus diesen Kritiken des gegenwärtigen Zustandes der hergestellten Waren entstanden mehrere Veröffentlichungen, die darlegten, was die Autoren als die richtigen Prinzipien des Designs betrachteten. Richard Redgraves Ergänzungsbericht über Design (1852) analysierte die Prinzipien von Design und Ornament und plädierte für „mehr Logik in der Anwendung der Dekoration“. Andere Werke folgten in ähnlicher Weise: Wyatts Industrielle Künste des 19. Jahrhunderts (1853), Gottfried Sempers Wissenschaft, Industrie und Kunst (1852), Ralph Wornums Analyse der Ornamente (1856), Redgrave’s Manual of Design (1876) und Jones ‚Grammar of Ornament (1856). Die Grammatik des Ornaments war besonders einflussreich, großzügig als Studentenpreis verteilt und bis 1910 in neun Nachdrucke unterteilt.

Jones erklärte, dass „Ornament … dem Ding, das geschmückt ist, untergeordnet sein muss, dass es eine“ Fitness im Ornament für das verzierte Ding „geben muss, und dass Tapeten und Teppiche keine Muster haben dürfen, die irgendetwas andeuten als ein Level oder einfach“. Wo ein Stoff oder eine Tapete in der Großen Ausstellung mit einem natürlichen Motiv verziert werden sollte, das so realistisch wie möglich aussehen sollte, befürworteten diese Autoren flache und vereinfachte natürliche Motive. Redgrave bestand darauf, dass „Stil“ vor dem Verzieren eine solide Konstruktion verlangte, und ein angemessenes Bewusstsein für die Qualität der verwendeten Materialien. „Utility muss Vorrang vor Ornamenten haben.“

Die Designreformer der Mitte des 19. Jahrhunderts gingen jedoch nicht so weit wie die Designer der Arts and Crafts Movement: Sie beschäftigten sich mehr mit Ornament als mit Konstruktion, sie hatten ein unvollständiges Verständnis für Fertigungsmethoden und kritisierten nicht industriell Methoden als solche. Im Gegensatz dazu war die Arts and Crafts-Bewegung ebenso eine Bewegung sozialer Reformen wie eine Designreform, und ihre führenden Praktiker trennten die beiden nicht voneinander.

AWN Pugin
Einige der Ideen der Bewegung wurden von AWN Pugin (1812-1852) vorweggenommen, einem Führer in der Gothic-Renaissance in der Architektur. Zum Beispiel hat er, wie die Arts and Crafts-Künstler, die Wahrheit zu Material, Struktur und Funktion propagiert. Pugin artikulierte die Tendenz von Gesellschaftskritikern, die Fehler der modernen Gesellschaft (wie das ausufernde Wachstum der Städte und die Behandlung der Armen) ungünstig mit dem Mittelalter zu vergleichen, eine Tendenz, die bei Ruskin, Morris und der Arts and Crafts Bewegung Routine wurde . Sein Buch Kontraste (1836) zeichnete Beispiele von schlechten modernen Gebäuden und Stadtplanung im Gegensatz zu guten mittelalterlichen Beispielen, und seine Biografin Rosemary Hill bemerkt, dass er darin „fast beiläufig“ Schlussfolgerungen über die Bedeutung von Handwerksmaship und Tradition in der Architektur gezogen hat es würde den Rest des Jahrhunderts und die gemeinsamen Bemühungen von Ruskin und Morris erfordern, im Detail zu arbeiten. “ Sie beschreibt die überflüssigen Einrichtungsgegenstände, die er für ein Gebäude im Jahre 1841 vorgab – „Rush Chairs, Eichentische“ – als „das embryonale Interieur von Arts and Crafts“.

John Ruskin
Die Arts and Crafts-Philosophie rührte weitgehend von John Ruskins Sozialkritik her, die die moralische und soziale Gesundheit einer Nation mit den Qualitäten ihrer Architektur und dem Wesen der Arbeit in Verbindung brachte. Ruskin (1819-1900) betrachtete die Art der mechanisierten Produktion und Arbeitsteilung, die in der industriellen Revolution als „unterwürfige Arbeit“ geschaffen wurde, und er dachte, dass eine gesunde und moralische Gesellschaft unabhängige Arbeiter verlangte, die die Dinge entwarfen. Seine Anhänger bevorzugten die handwerkliche Produktion gegenüber der industriellen Herstellung und waren besorgt über den Verlust traditioneller Fertigkeiten, aber sie waren wohl eher durch die Auswirkungen des Fabriksystems als durch Maschinen selbst beunruhigt, und William Morris ‚Idee von „Handwerk“ war im Wesentlichen Arbeit ohne Arbeitsteilung anstatt ohne irgendeine Art von Maschinen zu arbeiten.

William Morris
William Morris (1834-1896), die überragende Gestalt des Designs des späten 19. Jahrhunderts, war der Haupteinfluss auf die Arts and Crafts Bewegung. Die ästhetische und soziale Vision der Arts and Crafts Bewegung entstand aus Ideen, die er in den 1850er Jahren mit einer Gruppe von Studenten an der Universität Oxford entwickelte, die Liebe zur romantischen Literatur mit einer Verpflichtung zu sozialen Reformen verband. Um 1855 hatten sie Ruskin entdeckt, und in dem Glauben, dass es einen Gegensatz zwischen der Barbarei der zeitgenössischen Kunst und den Malern vor Raphael (1483-1530) gab, formierten sie sich zur prä-raffaelitischen Bruderschaft, um ihre künstlerischen Ziele zu verfolgen. Der Medieval von Mallorys Morte d’Arthur setzte den Standard für ihren frühen Stil. In Edward Burne-Jones ‚Worten wollten sie „einen heiligen Krieg gegen das Zeitalter führen“.

Morris begann mit verschiedenen Handwerken zu experimentieren und Möbel und Innenräume zu entwerfen. Er war persönlich an der Herstellung und am Design beteiligt, was das Markenzeichen der Arts and Crafts Bewegung sein sollte. Ruskin hatte argumentiert, dass die Trennung des intellektuellen Akts des Designs vom manuellen Akt des physischen Schaffens sowohl sozial als auch ästhetisch schädlich sei; Morris entwickelte diese Idee weiter und bestand darauf, dass keine Arbeit in seinen Werkstätten ausgeführt werden sollte, bevor er persönlich die geeigneten Techniken und Materialien beherrschte, mit dem Argument, dass „Menschen ohne würdige, kreative menschliche Beschäftigung vom Leben getrennt wurden“.

Im Jahr 1861 begann Morris Möbel und dekorative Objekte kommerziell zu machen, modellierte seine Designs auf mittelalterliche Stile und mit mutigen Formen und kräftigen Farben. Seine Muster basierten auf Flora und Fauna und seine Produkte wurden von den einheimischen oder einheimischen Traditionen der britischen Landschaft inspiriert. Um die Schönheit der Materialien und der Arbeit des Handwerkers zur Geltung zu bringen, wurden einige bewusst unvollendet gelassen, um eine rustikale Erscheinung zu schaffen. Die Wahrheit über Materialien, Struktur und Funktion wurde für die Arts and Crafts Bewegung charakteristisch.

Sozial- und Designprinzipien

Kritik der Industrie
William Morris teilte Ruskins Kritik der Industriegesellschaft und attackierte zeitweilig die moderne Fabrik, den Einsatz von Maschinen, die Arbeitsteilung, den Kapitalismus und den Verlust traditioneller Handwerksmethoden. Aber seine Einstellung zu Maschinen war inkonsequent. Er sagte einmal, dass die Produktion von Maschinen „insgesamt ein Übel“ sei, aber bei anderen war er bereit, Arbeiten von Herstellern in Auftrag zu geben, die seine Standards mit Hilfe von Maschinen erfüllen konnten; und er sagte, dass in einer „wahren Gesellschaft“, in der weder Luxus noch billiger Müll produziert würden, die Maschinen verbessert und dazu verwendet werden könnten, die Arbeitszeit zu reduzieren. Fiona MacCarthy sagt, dass „William Morris im Gegensatz zu späteren Zeloten wie Gandhi keine praktischen Einwände gegen den Einsatz von Maschinen per se hatte, solange die Maschinen die Qualität produzierten, die er benötigte.“

Morris bestand darauf, dass der Künstler ein Handwerker-Designer sein sollte, der mit der Hand arbeitete und eine Gesellschaft von freien Handwerkern vertrat, wie er glaubte, dass es während des Mittelalters existierte. „Weil Handwerker Freude an ihrer Arbeit hatten“, schrieb er, „war das Mittelalter eine Zeit der Großartigkeit die Kunst des gemeinen Volkes. … Die Schätze in unseren Museen sind nur noch die üblichen Utensilien, die in Haushalten jener Zeit verwendet werden, als Hunderte von mittelalterlichen Kirchen – jedes ein Meisterwerk – von einfachen Bauern gebaut wurden. “ Mittelalterliche Kunst war das Vorbild für viel Arts and Crafts Design und mittelalterliches Leben, Literatur und Bau wurde von der Bewegung idealisiert.

Morris ‚Anhänger hatten auch unterschiedliche Ansichten über Maschinen und das Fabriksystem. CR Ashbee, zum Beispiel eine zentrale Figur in der Arts and Crafts Movement, sagte 1888: „Wir lehnen die Maschine nicht ab, wir begrüßen sie. Aber wir würden es gerne gemeistert sehen.“ Nachdem er erfolglos seine Gilde und Schule der Handwerksinnung gegen moderne Herstellungsmethoden gestürzt hatte, erkannte er an, dass „die moderne Zivilisation auf Maschinen beruht“, aber er kritisierte weiter die schädlichen Auswirkungen dessen, was er „Mechanismus“ nannte mechanische Waren sind ebenso schlecht für die nationale Gesundheit wie die Produktion von Zuckerrohr- oder Kinderschweißwaren. William Arthur Smith Benson hatte dagegen keine Bedenken, den Arts and Crafts-Stil an Metallarbeiten anzupassen, die unter industriellen Bedingungen hergestellt wurden. (Siehe Anführungszeichen.)

Morris und seine Anhänger glaubten, die Arbeitsteilung, von der die moderne Industrie abhing, sei unerwünscht, aber das Ausmaß, in dem jedes Design vom Designer ausgeführt werden sollte, war Gegenstand von Debatten und Meinungsverschiedenheiten. Nicht alle Künstler der Kunst und des Handwerks waren selbst für die Herstellung der Waren verantwortlich, und erst im zwanzigsten Jahrhundert wurde das für die Definition der Handwerkskunst wesentlich. Obwohl Morris berühmt dafür war, selbst viele Handwerke (einschließlich Weben, Sterben, Drucken, Kalligraphie und Stickerei) selbst zu erfahren, betrachtete er die Trennung von Designer und Ausführendem in seiner Fabrik nicht als problematisch. Walter Crane, ein enger politischer Mitarbeiter von Morris, betrachtete die Arbeitsteilung sowohl aus moralischen als auch aus künstlerischen Gründen als unsympathisch und plädierte stark dafür, dass Design und Herstellung aus derselben Hand stammen sollten. Lewis Foreman Day, ein Freund und Zeitgenosse von Crane, war so unnachgiebig wie Crane in seiner Bewunderung für Morris und widersprach stark Crane. Er dachte, dass die Trennung von Design und Ausführung nicht nur in der modernen Welt unvermeidlich sei, sondern auch, dass nur diese Art von Spezialisierung das Beste im Design und das Beste im Machen erlaubte. Nur wenige der Gründer der Arts and Crafts Exhibition Society bestanden darauf, dass der Designer auch der Schöpfer sein sollte. Peter Floud, der in den 1950er Jahren schrieb, sagte, dass „die Gründer der Gesellschaft … nie ihre eigenen Entwürfe ausgeführt haben, sondern sie ausnahmslos an kommerzielle Firmen abgegeben haben“. Die Idee, dass der Designer der Macher und der Macher der Designer sein sollte, stammt nicht von Morris oder der frühen Arts and Crafts-Lehre, sondern von der Elaborationslehre der zweiten Generation, die im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts von Männern entwickelt wurde als WR Lethaby „.

Sozialismus
Viele Designer der Arts and Crafts Movement waren Sozialisten, darunter Morris, TJ Cobden Sanderson, Walter Crane, CRashbee, Philip Webb, Charles Faulkner und AH Mackmurdo. In den frühen 1880er Jahren verbrachte Morris mehr Zeit mit sozialistischer Propaganda als mit dem Entwerfen und Gestalten. Ashbee gründete eine Gemeinschaft von Handwerkern, die Guild of Handicraft, im Osten Londons, die später nach Chipping Campden zog. Jene Anhänger, die keine Sozialisten waren, zum Beispiel Alfred Hoare Powell, befürworteten eine humanere und persönlichere Beziehung zwischen Arbeitgeber und Arbeitnehmer. Lewis Foreman Day, ein sehr erfolgreicher und einflussreicher Arts and Crafts-Designer, war trotz seiner langen Freundschaft mit Crane auch kein Sozialist.

Verbindung mit anderen Reformbewegungen
In Großbritannien war die Bewegung mit der Kleiderreform, dem Ruralismus, der Gartenstadtbewegung und der Wiederbelebung des Volksliedes verbunden. Alle waren zu einem gewissen Grad mit dem Ideal des „einfachen Lebens“ verbunden. In Kontinentaleuropa war die Bewegung verbunden mit der Bewahrung der nationalen Traditionen in den Bereichen Bauwesen, angewandte Kunst, Innenarchitektur und Kostüm.

Entwicklung
Morris Designs wurden schnell populär und erregten Interesse, als die Arbeit seines Unternehmens auf der Internationalen Ausstellung 1862 in London ausgestellt wurde. Ein Großteil der frühen Arbeiten von Morris & Co war für Kirchen und Morris gewann wichtige Innenarchitekturaufträge im St. James’s Palace und im South Kensington Museum (heute Victoria and Albert Museum). Später wurde seine Arbeit in der Mittel- und Oberschicht populär, trotz seines Wunsches, eine demokratische Kunst zu schaffen, und gegen Ende des 19. Jahrhunderts war Arts and Crafts Design in Häusern und häuslichen Interieurs der vorherrschende Stil in Großbritannien, kopiert in hergestellten Produkten mit herkömmlichen industriellen Methoden.

Die Verbreitung der Arts and Crafts-Ideen während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts führte zur Gründung vieler Vereine und Handwerksgemeinschaften, obwohl Morris aufgrund seiner Beschäftigung mit dem Sozialismus zu dieser Zeit wenig mit ihnen zu tun hatte. In England wurden 130 Kunst- und Handwerksorganisationen gegründet, am meisten zwischen 1895 und 1905.

Im Jahr 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler und andere initiiert die Home Arts and Industries Association, um die Arbeiterklasse, vor allem in ländlichen Gebieten zu ermutigen, Handwerk unter Aufsicht, nicht für Profit, sondern um sie mit nützlichen zu übernehmen Berufe und um ihren Geschmack zu verbessern. Bis 1889 hatte es 450 Klassen, 1.000 Lehrer und 5.000 Studenten.

Im Jahr 1882 gründete der Architekt AHMackmurdo die Century Guild, eine Partnerschaft von Designern wie Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton und Benjamin Creswick.

Im Jahr 1884 wurde die Art Workers Guild von fünf jungen Architekten, William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney und Gerald C. Horsley initiiert, mit dem Ziel, Kunst und angewandte Kunst zu vereinen und den Status des letzteren zu erhöhen. Es wurde ursprünglich von George Blackall Simonds gerichtet. Um 1890 hatte die Gilde 150 Mitglieder, die die zunehmende Anzahl von Praktizierenden des Arts and Crafts-Stils repräsentierten. Es existiert noch.

Das Londoner Kaufhaus Liberty & Co. wurde 1875 gegründet und war ein bedeutender Händler von Waren im Stil und der „künstlerischen Kleidung“, die von Anhängern der Arts and Crafts Bewegung bevorzugt wurde.

1887 wurde mit Walter Crane als Präsident die Arts and Crafts Exhibition Society gegründet, die der Bewegung ihren Namen gab. Sie hielt ihre erste Ausstellung in der New Gallery in London im November 1888. Es war die erste Ausstellung zeitgenössischer dekorativer Kunst in London seit der Winterausstellung der Grosvenor Gallery im Jahr 1881. Morris & Co. war in der Ausstellung mit Möbeln, Stoffen, Teppichen und Stickereien vertreten. Edward Burne-Jones bemerkte: „Hier kann man zum ersten Mal ein bisschen die Veränderung messen, die in den letzten zwanzig Jahren passiert ist“. Die Gesellschaft existiert immer noch als die Gesellschaft der Designer Handwerker.

Im Jahr 1888 gründete CRashbee, ein großer Spätzünder des Stils in England, die Gilde und Schule für Kunsthandwerk im East End von London. Die Zunft war eine Handwerksgenossenschaft, die den mittelalterlichen Zünften nachempfunden war und den Arbeitern Befriedigung in ihrer Handwerkskunst geben wollte. Geschickte Handwerker, die nach den Prinzipien von Ruskin und Morris arbeiteten, sollten handgefertigte Waren herstellen und eine Schule für Lehrlinge leiten. Die Idee wurde von fast allen mit Ausnahme von Morris begrüßt, der sich inzwischen für die Förderung des Sozialismus einsetzte und Ashbees Schema als trivial ansah. Von 1888 bis 1902 gedieh die Zunft mit etwa 50 Mann. Im Jahr 1902 verlagerte Ashbee die Gilde aus London, um eine experimentelle Gemeinschaft in Chipping Campden in den Cotswolds zu gründen. Die Arbeit der Gilde ist geprägt von glatten Oberflächen aus gehämmertem Silber, fließenden Drahtarbeiten und farbigen Steinen in einfachen Einstellungen. Ashbee entwarf Schmuck und Silbergeschirr. Die Gilde blühte in Chipping Camden, aber blühte nicht und wurde 1908 liquidiert. Einige Handwerker blieben und trugen zur Tradition der modernen Handwerkskunst in der Gegend bei.

CFA Voysey (1857-1941) war ein Arts and Crafts-Architekt, der auch Stoffe, Fliesen, Keramik, Möbel und Metallarbeiten entwarf. Sein Stil vereint Einfachheit mit Raffinesse. Seine Tapeten und Textilien, mit stilisierten Vogel- und Pflanzenformen in kräftigen Umrissen mit flachen Farben, wurden weit verbreitet verwendet.

Morris ‚Gedanken beeinflussten den Distributismus von GK Chesterton und Hilaire Belloc.

Am Ende des neunzehnten Jahrhunderts, Arts and Crafts Ideale hatte Einfluss auf Architektur, Malerei, Skulptur, Grafik, Illustration, Buch und Fotografie, Hausdesign und die dekorative Kunst, einschließlich Möbel und Holzarbeiten, Glasmalerei, Lederarbeiten, Klöppeln, Stickereien, Teppichherstellung und Weberei, Schmuck und Metallarbeiten, Emaillieren und Keramik. Bis 1910 gab es eine Mode für „Arts and Crafts“ und alle Dinge handgemacht. Es gab eine Vielzahl von Amateurhandwerken unterschiedlicher Qualität und von inkompetenten Nachahmern, die die Öffentlichkeit dazu veranlassten, Kunst und Handwerk als „etwas weniger, statt mehr, kompetent und zweckdienlich zu betrachten als einen gewöhnlichen Massenartikel“.

Die Arts and Crafts Exhibition Society veranstaltete zwischen 1888 und 1916 elf Ausstellungen. Bei Kriegsausbruch 1914 war sie rückläufig und befand sich in einer Krise. Die Ausstellung von 1912 war ein finanzieller Fehlschlag. Während Designer in Kontinentaleuropa durch Initiativen wie den Deutschen Werkbund Innovationen in der Gestaltung und Bündnisse mit der Industrie machten und in Großbritannien von den Omega – Werkstätten und dem Verein Design in Industries, der Arts and Crafts Exhibition Society, die jetzt unter dem Dach der die Kontrolle über eine alte Garde, zog sich aus dem Handel und der Zusammenarbeit mit Herstellern in puristische Handarbeit zurück und was Tania Harrod als „Dekommoditisierung“ bezeichnet. Die Ablehnung einer kommerziellen Rolle wurde als Wendepunkt in ihrem Schicksal gesehen. Nikolaus Pevsner stellt in seinem Buch Pioneers of Modern Design die Arts and Crafts Movement als Designradikale vor, die die moderne Bewegung beeinflussten, sich aber nicht wandelten und schließlich von ihr abgelöst wurden.

Spätere Einflüsse
Der britische Künstlerpotter Bernard Leach brachte viele Ideen nach Japan, die er in Japan mit dem Sozialkritiker Yanagi Soetsu über den moralischen und sozialen Wert des einfachen Handwerks entwickelt hatte; beide waren begeisterte Leser von Ruskin. Leach war ein aktiver Propagandist für diese Ideen, die in den Zwischenkriegsjahren bei den Handwerkern auftraten, und er erläuterte sie 1940 in einem Potters Buch, in dem die Industriegesellschaft ebenso vehement angeprangert wurde wie Ruskin und Morris. So wurde die Arts and Crafts-Philosophie in den 1950er und 1960er Jahren, lange nach dem Ende der Arts and Crafts-Bewegung und an der Flut der Moderne, unter britischen Handwerkern verewigt. Britische Gebrauchsmöbel der 1940er Jahre stammen ebenfalls von Arts and Crafts-Prinzipien. Einer seiner Hauptförderer, Gordon Russell, Vorsitzender des Utility Furniture Design Panels, war von Arts and Crafts-Ideen durchdrungen. Er fertigte Möbel in den Cotswold Hills, einer Region, in der seit Ashbee Kunst und Kunsthandwerk hergestellt werden, und er war Mitglied der Arts and Crafts Exhibition Society. William Morris ‚Biografin Fiona MacCarthy entdeckte die Arts and Crafts-Philosophie auch hinter dem Festival of Britain (1951), dem Werk des Designers Terence Conran (geb. 1931) und der Gründung des British Crafts Council in den 1970er Jahren.