Arte Povera

Arme Kunst (italienisch: Arte Povera) ist eine künstlerische Bewegung, die in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre in Italien entstanden ist und an der sich die Autoren vorwiegend an Feldturinés orientierten. Es wurde nach Germano Celant benannt, weil für seine Herstellung bescheidene und schlechte Materialien verwendet werden, die im Allgemeinen nicht industriell sind (Pflanzen, Segeltuchsäcke, Fette, Seile, Erde, Baumstämme). Diese Materialien werden hauptsächlich in ihren Veränderungen geschätzt, da sie, wenn sie sich verschlechtern, die Arbeit verändern.

Arte Povera ist eine zeitgenössische Kunstbewegung. Die Arte Povera-Bewegung fand zwischen Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre in Großstädten in ganz Italien und vor allem in Turin statt. Andere Städte, in denen die Bewegung ebenfalls wichtig war, sind Mailand, Rom, Genua, Venedig, Neapel und Bologna. Der Begriff wurde 1967 vom italienischen Kunstkritiker Germano Celant geprägt und in Italien in der Zeit des Umbruchs Ende der 1960er Jahre eingeführt, als Künstler eine radikale Haltung einnahmen. Künstler begannen, die Werte etablierter Institutionen von Regierung, Industrie und Kultur anzugreifen.

Mario Merz sticht unter den italienischen Künstlern hervor, die diese Kunst praktiziert haben. Seine Arbeiten gehen von einem sehr elementaren Strukturgesetz aus, dem des mittelalterlichen Mathematikers Fibonacci, dessen Entwicklung sich nicht aus der einfachen Folge von Zahlen ergibt, sondern aus dem Verlauf, in dem sich jede Zahl aus der Summe der beiden vorhergehenden ergibt. Dieser mathematische Fortschritt ist derjenige, den Merz in einem seiner Werke veröffentlicht hat, seien es Objekte, Räume, Gemüse usw. Zum Beispiel die Anordnung von Zeitungspaketen auf dem Boden mit Fibonacci-Zahlen, die in einer neuen Gruppe von Obst und Gemüse hergestellt wurden der Boden, der sich wie bei anderen Naturphänomenen verschlechtert, oder die Herstellung eines Iglus, das von einer Neonstruktur bedeckt ist, in der die Reihe der Fibonacci-Zahlen erscheint usw.

Die von Celant kuratierte Ausstellung „Im Spazio“ (Der Raum der Gedanken), die von September bis Oktober 1967 in der Galleria La Bertesca in Genua, Italien, stattfand, wird oft als offizieller Ausgangspunkt von Arte Povera angesehen. Celant, der einer der wichtigsten Befürworter von Arte Povera wurde, organisierte 1967 und 1968 zwei Ausstellungen, gefolgt von einem einflussreichen Buch, das 1985 von Electa veröffentlicht wurde und Arte Povera Storie e protagonisti / Arte Povera hieß. Geschichten und Protagonisten, die den Begriff einer revolutionären Kunst fördern, frei von Konventionen, Macht der Struktur und Markt.

Obwohl Celant versuchte, die radikalen Elemente der gesamten internationalen Szene zu erfassen, konzentrierte sich der Begriff auf eine Gruppe italienischer Künstler, die die Unternehmensmentalität mit einer Kunst unkonventioneller Materialien und Stile angriffen. Mit der Bewegung eng verbundene Schlüsselfiguren sind Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Enrico Castellani, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini und Gilberto Zorio. Sie verwendeten oft gefundene Gegenstände in ihren Arbeiten. Andere frühe Vertreter des radikalen Wandels in der bildenden Kunst sind Proto-Künstler von Arte Povera: Antoni Tàpies und die Dau al Set-Bewegung, Alberto Burri, Piero Manzoni sowie Lucio Fontana und Spatialism. Die Kunsthändlerin Ileana Sonnabend war eine Verfechterin der Bewegung.

Bemerkenswert sind auch: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra; und unter den Deutschen Joseph Beuys (1921-1985). Das bevorzugte Material des letzteren war Fett, mit dem es rätselhafte Objekte herstellte oder andere beschichtete, bei denen der Ausdruckswert des Materials selbst hauptsächlich auffiel. In den 1960er Jahren (1960) führte Beuys zusammen mit einem anderen deutschen Künstler, Wolf Vostell, und den Wiener der Fluxus-Gruppe unzählige Happenings durch, bei denen seine ausgeprägte Nichtübereinstimmung offensichtlich war.

Konzepte
Der Begriff Arte Povera (aus der armen italienischen Kunst) ist ein in den späten 1960er Jahren veröffentlichter Trend, dessen Schöpfer Materialien verwenden, die als schlecht und sehr leicht zu beschaffen gelten, wie Holz, Blätter oder Steine, Geschirr, Bleiteller oder Glas, Gemüse, Stoff, Kohle oder Ton oder auch Abfallstoffe und waren daher wertlos.

Um vor der Kommerzialisierung des künstlerischen Objekts zu fliehen, nehmen sie den Raum ein und fordern die Intervention der Öffentlichkeit. Sie versuchen, durch Manipulation des Materials und Beobachtung seiner spezifischen Eigenschaften eine Reflexion zwischen dem Objekt und seiner Form zu provozieren. Ein typischer Künstler ist Mario Merz (* 1925), berühmt für seine Iglus (halbkugelförmige Strukturen aus verschiedenen Materialien), zum Beispiel seine Arbeit Do We Go Around Houses oder Do Houses Go Around Us? (1977/85).

Arte povera lehnte die Ikonen der Massenmedien und reduktiven Bilder sowie die industriellen Ikonen der Pop-Art und des Minimalismus ab. Es wird ein Modell des operativen Extremismus vorgeschlagen, das auf marginalen und schlechten Werten basiert. Es setzt ein hohes Maß an Kreativität und Spontanität voraus und impliziert die Wiederherstellung von Inspiration, Energie, Vergnügen und Illusion, die in Utopie verwandelt wurden. Arte povera bevorzugt den direkten Kontakt mit Materialien ohne kulturelle Bedeutung, Materialien, die unabhängig von ihrer Herkunft oder Verwendung sind und vom Künstler wiederverwendet oder transformiert werden.

1967 vom italienischen Kunstkritiker und Kurator Germano Celant für den Katalog der Ausstellung ‚Arte povera – Im Spazio‘ geprägt, versuchte er, den Trend einer neuen Generation italienischer Künstler zu beschreiben, mit nicht-traditionellen Materialien zu arbeiten, und war ein sehr wichtige ästhetische Reflexion über die Beziehungen zwischen dem Material, der Arbeit und seinem Herstellungsprozess sowie eine klare Ablehnung der zunehmenden Industrialisierung, Metallisierung und Mechanisierung der Welt um sie herum, einschließlich der der Kunst. Obwohl die Bewegung aus Städten wie Turin, Mailand, Genua oder Rom stammt und einen sehr heterogenen Charakter hat, hatte sie dank der documenta V in Kassel sofort einen großen Einfluss auf die europäische und amerikanische Kunstszene.

Der Begriff wurde erstmals 1967 in einer venezianischen Ausstellung verwendet. Der Künstler aus Povera nahm eine neue Haltung ein, in der er eine Realität in Besitz nahm, die die wahre Bedeutung seines Seins ist. Er schlug eine erfinderische und antidogmatische Lebensweise vor. Der Künstler Povera musste an Dingen in der Welt arbeiten, magische Fakten produzieren, Wurzeln von Ereignissen entdecken, die auf Materialien und Prinzipien basieren, die in der Natur gegeben sind. Es gibt keine Urteile über seine Umwelt ab. Arte Povera wird vom Künstler auch als Erweiterung seines Körpers und seiner Seele betrachtet, die sich direkt mit der Umwelt, der Natur und allem um ihn herum verbindet und in Harmonie tritt. Obwohl seine Werke unkonventionell sind, haben sie eine große Harmonie und einen einzigartigen Stil, der durch die ungewöhnlichen Materialien, mit denen er arbeitet, gegeben ist.

Eine Rückkehr zu einfachen Objekten und Nachrichten
Der Körper und das Verhalten sind Kunst
Der Alltag wird sinnvoll
Es erscheinen Spuren von Natur und Industrie
Dynamik und Energie sind in der Arbeit enthalten
Die Natur kann in ihrer physikalischen und chemischen Umwandlung dokumentiert werden
Entdecken Sie den Begriff Raum und Sprache
Komplexe und symbolische Zeichen verlieren an Bedeutung
Ground Zero, keine Kultur, kein Kunstsystem, Kunst = Leben

Geschichte
Eine erste Zusammenkunft der neuen Bewegung findet im September 1967 in der von Germano Celant kuratierten gleichnamigen Ausstellung statt, die in der Galleria La Bertesca von Francesco Masnata in Genua stattfindet, wo Boetti, Fabro, Kounellis, Paolini, Pascali und Prini ausstellen. Arte Povera wird immer noch von Celant in einem Artikel definiert, der in n veröffentlicht wurde. 5 der Flash Art des gleichen Jahres, in der Arte povera Ausstellung 1968 in der Galleria de ‚Foscherari in Bologna mit Anselmo, Boetti, Ceroli, Fabro, Kounellis, Merz, Paolini, Pascali, Piacentino, Pistoletto, Prini, Zorio, wer wird Sie werden immer noch gemeinsam in Triest im Centro Arte Viva-Feltrinelli ausstellen, wo Gilardi hinzukommt, schließlich bei der Veranstaltung Arte Povera – Poor Actions in den Arsenalen von Amalfi.

Der von Celant im Artikel über Flash Art hervorgehobene Hinweis auf eine schlechte Kunst wie die systematische Guerilla wird dank der internationalen Anerkennung akzeptiert, die jedoch nachdrücklich verfolgt wird. Die internationale Weihe fand 1969 mit der Ausstellung von armer Kunst und Konzeptkunst statt. Wenn Einstellungen von Szeemann in der Kunsthalle in Bern (zu der Boetti, Calzolari, Kounellis, Merz, Pascali, Pistoletto, Prini und Zorio gehören) organisiert werden und wann kommt der Band von Celant Arte povera heraus, der im folgenden Jahr in der Ausstellung Konzeptkunst arte povera land art in der Civic Gallery für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin veranschaulicht wurde.

Andere Vertreter der Bewegung neben den bereits erwähnten waren Claudio Cintoli, Sergio Lombardo, Gino Marotta, Fabio Mauri, Giuseppe Penone, Cesare Tacchi und Renato Mambor.

Werke und poetisch
Die Bewegung entstand in einer offenen Kontroverse mit der traditionellen Kunst, von der sie Techniken und Unterstützungen ablehnt, um tatsächlich „schlechte“ Materialien wie Erde, Holz, Eisen, Lumpen, Kunststoff, Industrieabfälle zu verwenden, um sie zu evozieren die ursprünglichen Strukturen der Sprache der heutigen Gesellschaft nach korrodierten semantischen Gewohnheiten und Konformismen. Ein weiteres Merkmal der Arbeit der Bewegungskünstler ist die Verwendung der Form der Installation als Ort der Beziehung zwischen Arbeit und Umwelt und der der performativen „Handlung“. Germano Celant, der den Namen der Bewegung aus dem Theater von Jerzy Grotowski entlehnt, sagt, dass sich schlechte Kunst im Wesentlichen darin manifestiert, „die Zeichen auf ein Minimum zu reduzieren, die Zeichen zu verarmen, sie auf ihre Archetypen zu reduzieren“. Die meisten Künstler der Gruppe zeigen ein explizites Interesse an den verwendeten Materialien, während einige – insbesondere Alighiero Boetti und Giulio Paolini – von Anfang an konzeptioneller sind.

Schlechte Kunst ist Teil des Panoramas der damaligen künstlerischen Forschung aufgrund der bedeutenden Konsonanzen, die sie nicht nur in Bezug auf die eigentliche Konzeptkunst zeigt, in der in jenen Jahren der Star von Joseph Beuys aufstieg, sondern auch in Bezug auf Erfahrungen wie Pop , Minimal und Land Art (Richard Long).

Das Ziel dieser Künstler war es, die traditionelle Idee zu überwinden, dass das Kunstwerk eine überzeitliche und transzendente Ebene der Realität einnimmt. Aus diesem Grund ist die Provokation wichtig, die sich aus der Arbeit von Giovanni Anselmo Sculpture (1968, Sammlung Sonnabend, New York) ergibt, die aus zwei Steinblöcken besteht, die einen Kopf Salat zerdrücken, ein Gemüse, dessen unvermeidliches Schicksal darin besteht, zugrunde zu gehen .. Die Verwendung von lebenden Objekten ist häufig, wie bei Kounellis, der einen echten Papagei auf einer bemalten Leinwand befestigte, was zeigt, dass die Natur mehr Farben hat als jedes Bildwerk.

Eine weitere Kritik der Künstler von Arte Povera war, dass gegen die Vorstellung von der Einzigartigkeit und Unwiederholbarkeit des Kunstwerks: Mimesis von Paolini besteht aus zwei identischen Gipsabgüssen, die eine Skulptur des klassischen Zeitalters darstellen, die einander gegenübergestellt sind der Zweck, ein Gespräch vorzutäuschen.

Während des Vietnamkrieges näherte sich Arte Povera den Protestbewegungen gegen die US-Intervention: Pistolettos Werk Vietnam (1965, Sammlung Menil, Houston) zeigt eine Gruppe pazifistischer Demonstranten, die mit festen Silhouetten auf einem Spiegel dargestellt sind, so dass die Besucher der Galerie reflektiert wurden drin. Auf diese Weise wurden die Menschen zu einem integralen Bestandteil der Arbeit selbst und schufen eine Art Interaktion zwischen dem künstlerischen Schaffen und dem Zuschauerpublikum.

Die Aufmerksamkeit für den Lebensstil der vielen anderen Kulturen als der westlichen ist in Merz ‚Werken vorhanden: Seine vielen Iglus, die aus verschiedenen Materialien (zum Beispiel Metall, Glas, Holz usw.) hergestellt wurden, zeigen die Anpassungsfähigkeit eines Volkes an seine bestimmte Umgebung.

Die Identifizierung von Mensch und Natur ist eines der Themen, mit denen sich verschiedene Künstler am meisten befassen. In Marotta und Gilardi (Orto, 1967) wird die Natur jedoch in einem künstlichen Schlüssel wieder aufgegriffen, als ob das Material aktualisiert und einem Gefühl des epochalen Wandels näher gebracht werden soll, das den Menschen und seine Wahrnehmung der Welt einbezieht. Wahrnehmung, die in Pistolettos Spiegelbildern unsicher gemacht wird, die sich buchstäblich der Welt öffnen, indem sie alles davor absorbieren und sich ändern, wenn sich die Umgebung, in der sie sich befinden, ändert.

Im Gegenteil, die „Bildschirme“ ohne Bild, mit denen Mauri die kinematografische Leinwand reproduziert und die die ersten Werke von Mario Schifano beeinflussen werden. Seine Kreationen öffnen sich jedoch manchmal der populärsten täglichen Realität (Casetta Objects Achetés, 1960) oder den beeindruckendsten Nachrichtenereignissen (La luna, 1968), was ihn dazu veranlasst, eine tiefgreifende Reflexion über Kunst und Geschichte zu entwickeln.

Viele Künstler arbeiten an der Idee eines stereotypen Bildes, wie Ceroli (Si / No, 1963), das kunsthistorisch entnommenes Silhoutte seriell behandelt, oder Sätze menschlicher Figuren, die mit einer Technik multipliziert oder serialisiert wurden, die an Bricolage erinnert. Lombardos „typische Gesten“ (typische Gesten – Kennedy und Fanfani, 1963), die Spuren von Bildern von Mambor oder die Tiefdruckszenen oder berühmte Gemälde, die Tacchi in buntem Stoff überarbeitet hat, gelten ebenfalls als Stereotypen (Quadro per un mito, 1965).

Künstler
Michelangelo Pistoletto begann 1962 mit dem Malen auf Spiegeln und verband die Malerei mit den sich ständig ändernden Realitäten, in denen sich das Werk befindet. In den späten 1960er Jahren begann er, Lumpen mit Abgüssen allgegenwärtiger klassischer Statuen Italiens zusammenzubringen, um die Hierarchien von „Kunst“ und gemeinsamen Dingen aufzubrechen. Eine Kunst aus verarmten Materialien ist sicherlich ein Aspekt der Definition von Arte Povera. In seinem Muretto di Stracci (Rag Wall) von 1967 stellt Pistoletto einen exotischen und opulenten Wandteppich her, der gewöhnliche Ziegel in weggeworfene Stoffreste einwickelt.

Jannis Kounellis und Mario Merz versuchten, das Kunsterlebnis sofort realer zu machen und gleichzeitig das Individuum enger mit der Natur zu verbinden. In seinen (Ohne Titel / Zwölf Pferde) bringt Kounellis das wahre, natürliche Leben in die Galerie, indem er zwölf Pferde zeigt, die an den Wänden der Galerie zusammengerollt sind. Unter Hinweis auf die Dada-Bewegung und Marcel Duchamp war es sein Ziel, das herauszufordern, was als Kunst definiert werden kann, aber im Gegensatz zu Duchamp die Objekte real und lebendig zu erhalten, den Begriff von Leben und Kunst neu zu definieren und beide Einheiten unabhängig zu halten.

Der ‚Realitätseffekt‘ ist nicht sekundär, sondern konstitutiv. (…) Kounellis verschiebt die Grenze dessen, was als Kunst definiert werden kann, aber es gibt nie die Idee, dass Kunst in Leben aufgelöst werden sollte. Im Gegenteil, der Kunst wird eine neue Botschaft als Initiationsritus gegeben, durch den sie das Leben neu erleben kann.

Piero Gilardi befasste sich, ähnlich wie das Ziel von Arte Povera selbst, mit der Überbrückung des Natürlichen und des Künstlichen. In seinem (Nature Carpets) von 1965, das ihm Anerkennung und Eingliederung in die Arte Povera-Bewegung einbrachte, baute Gilardi dreidimensionale Teppiche aus Polyurethan, bei denen „natürliche“ Blätter, Steine ​​und Erde als Dekoration, Design und Kunst ineinandergreifen die gesellschaftliche Sensibilität für das, was real und natürlich ist und wie Künstlichkeit in die zeitgenössische kommerzialisierte Welt eingearbeitet wurde, in Frage stellen.

Giovanni Anselmo (1934-), italienischer Bildhauer.
Alighiero Boetti (1940–1994), italienischer Künstler.
Ferruccio Bortoluzzi (1920-2007), italienischer Künstler.
Pier Paolo Calzolari (1943-), italienischer Künstler.
Enrico Castellani (1930-2017), italienischer Maler.
Rossella Cosentino
Luciano Fabro (1936–2007), Maler und Bildhauer.
Lucio Fontana (1899–1968), argentinischer Maler und Bildhauer.
Piero Gilardi (1942-), italienischer Bildhauer.
Kichinevsky
Jannis Kounellis (1936-2017), griechischer Maler und Bildhauer.
Mario Merz (1925–2003), italienischer Künstler, Maler und Bildhauer.
Marisa Merz (1931–2019), italienische Künstlerin.
Piero Manzoni (1933–1963), italienischer Künstler.
Giulio Paolini (1940-), italienischer Bildhauer und Maler.
Claudio Parmiggiani (1943-), italienischer Künstler.
Pino Pascali (1935–1968), italienischer Künstler.
Giuseppe Penone (1947-), italienischer Künstler und Bildhauer.
Michelangelo Pistoletto (1933-), italienischer Künstler, Maler und Bildhauer.
Azar Salman
Edoardo Tresoldi (1987-), italienischer Bildhauer Bildhauer.
Gilberto Zorio (es)

Kunstmarkt
Die Werke von arte povera sind lange Zeit der Logik des Marktes entgangen. In der Tat weigerten sich ihre Autoren, das Kunstwerk als „Produkt“ zu betrachten, und zögerten nicht, kurzlebige Werke zu schaffen, oder sie verwendeten Materialien, die als „arm“ gelten, wie Erde, Stoff, Pflanzen usw. Das Abenteuer jedoch Kurz vor Mitte der 1970er Jahre endeten viele Künstler der Gruppe mit individuellen Ansätzen.

Die Povera-Kunst ist keine Kunst des einfachen Zugangs: Die Erhaltung bestimmter Stücke erfordert große Aufmerksamkeit; andere, die in Form von Installationen vorliegen, können natürlich nur in geeigneten Innenräumen stattfinden.

Große amerikanische Institutionen und Sammler beginnen jedoch, sich intensiv mit dieser Strömung zu beschäftigen, nachdem sie sie lange Zeit beiseite gelegt haben.

Obwohl es sich um Konzeptkunst handelt, die in anderen Ländern – in den Vereinigten Staaten – praktiziert wird, war sie insbesondere das Ergebnis von Pop- und minimalistischen Erfahrungen, Happening und Underground-Kino.

Der ersten Ausstellung „Arte povera in spazio“ von arte povera, die 1967 in der Galerie La Bertesca in Genua stattfand, folgten viele andere Veranstaltungen, sowohl in Europa als auch in den USA.

Kritik
Arte povera verwendet schlechte Produkte (daher der Name): Sand, Lumpen, Erde, Holz, Teer, Seil, Sackleinen, gebrauchte Kleidung usw. und positioniert sie als künstlerische Elemente der Komposition. Einige Werke wie Mario Merz Igloo di Giap verwenden jedoch anspruchsvollere Materialien wie Neonlichter.

Die „Armut“ könnte dann die des Künstlers sein, der leichte Mittel einsetzt, die seine Unabhängigkeit gegenüber der Wirtschaft und den kulturellen Institutionen gewährleisten.

Wir haben auch in der Verwendung des Wortes „arm“ einen christlichen Hinweis auf Askese und franziskanischen Verzicht gesehen, weil wir in den Werken von arte povera einen spirituellen Materialismus finden, eine Offenbarung des Mysteriums der Existenz in den banalsten, unbedeutendsten Objekten am alltäglichsten.

Der Begriff Arm wurde auch im politischen Sinne interpretiert, weil die Künstler von Arte Povera radikale und marginale Positionen einnahmen, die der Mentalität der Protestbewegungen von 1968 nahe kamen.