Kunst Stil

In der bildenden Kunst ist Stil eine „… unverwechselbare Weise, die die Gruppierung von Werken in verwandte Kategorien erlaubt“ oder „… jede unverwechselbare und damit erkennbare Art und Weise, in der eine Handlung durchgeführt oder ein Artefakt gemacht wird oder sollte durchgeführt und gemacht werden „. Es bezieht sich auf das visuelle Erscheinungsbild eines Kunstwerks, das es mit anderen Werken desselben Künstlers oder eines Künstlers aus der gleichen Zeit, Ausbildung, Ort, „Schule“, Kunstbewegung oder archäologischer Kultur in Beziehung setzt: „Die Vorstellung von Stil war lange Zeit die Hauptfunktion des Kunsthistorikers, Kunstwerke zu klassifizieren. Mit Stil wählt und gestaltet er die Kunstgeschichte. “

Der Stil wird oft in den allgemeinen Stil einer Periode, eines Landes oder einer kulturellen Gruppe, Künstlergruppe oder Kunstbewegung und den individuellen Stil des Künstlers innerhalb dieses Gruppenstils unterteilt. Es werden häufig Unterteilungen innerhalb beider Arten von Stilen vorgenommen, beispielsweise zwischen „früh“, „mittel“ oder „spät“. Bei manchen Künstlern, wie zum Beispiel Picasso, sind diese Unterteilungen vielleicht markiert und leicht zu sehen, in anderen sind sie subtiler. Stil wird als gewöhnlich dynamisch gesehen, in den meisten Perioden immer durch einen allmählichen Prozess, obwohl die Geschwindigkeit davon sehr unterschiedlich ist, zwischen der sehr langsamen Entwicklung des Stils typisch für die prähistorische Kunst oder die altägyptische Kunst zu den schnellen Veränderungen in modernen Kunststilen. Stil entwickelt sich oft in einer Reihe von Sprüngen, mit relativ plötzlichen Veränderungen, gefolgt von Perioden langsamer Entwicklung.

Nach der Dominanz der akademischen Diskussion in der Kunstgeschichte im 19. und frühen 20. Jahrhundert geriet die so genannte „Stilkunstgeschichte“ in den letzten Jahrzehnten zunehmend unter Druck, und viele Kunsthistoriker ziehen es nun vor, stilistische Klassifikationen zu vermeiden, wo sie können.

Etymologie
Das Wort Stil kommt aus dem lateinischen Stilus, einem Punkt, den die Römer zu schreiben pflegten. Aber im Griechischen bedeutet Stilo Kolumne, und da die Kolumne das einzigartigste und individuellste Element der Architektur war, können wir sagen, dass das Wort Stil ursprünglich die Art und Weise war, in der Literatur oder Architektur gemacht wurde.

Überblick
Jedes Kunstwerk ist theoretisch in der Lage, stilistisch zu analysieren; Weder Zeiträume noch Künstler können es vermeiden, einen Stil zu haben, außer durch völlige Inkompetenz, und umgekehrt kann man sagen, dass natürliche Objekte oder Sehenswürdigkeiten keinen Stil haben, da Stil nur aus den Entscheidungen eines Makers resultiert. Ob der Künstler eine bewusste Stilwahl trifft oder seinen eigenen Stil erkennen kann, spielt kaum eine Rolle. Künstler in jüngeren entwickelten Gesellschaften neigen dazu, sich ihres eigenen Stils bewusst zu sein, wohl überbewusst, während für frühere Künstler stilistische Entscheidungen wahrscheinlich „weitgehend unbefangen“ waren.

Die meisten Stilepochen werden später von Kunsthistorikern identifiziert und definiert, aber Künstler können ihren eigenen Stil definieren und benennen. Die Namen der meisten älteren Stile sind die Erfindung von Kunsthistorikern und wären von den Praktizierenden dieser Stile nicht verstanden worden. Einige entstanden als Spottworte, darunter Gotik, Barock und Rokoko. Der Kubismus hingegen war eine bewusste Identifikation, die von einigen Künstlern gemacht wurde; das Wort selbst scheint eher von Kritikern als von Malern geprägt zu sein, wurde aber von den Künstlern schnell akzeptiert.

Westliche Kunst, wie die einiger anderer Kulturen, vor allem der chinesischen Kunst, hat eine ausgeprägte Tendenz, in Abständen „klassische“ Stile aus der Vergangenheit wiederzubeleben. In der kritischen Analyse der bildenden Kunst wird der Stil eines Kunstwerkes typischerweise als von seiner Ikonographie, die das Thema und den Inhalt des Werkes abgrenzt, getrennt behandelt, obwohl für Jas Elsner diese Unterscheidung „natürlich nicht wahr ist in jedes tatsächliche Beispiel, aber es hat sich rhetorisch als äußerst nützlich erwiesen „.

Geschichte des Konzepts
Die klassische Kunstkritik und die relativ wenigen mittelalterlichen Schriften zur Ästhetik haben einen Begriff des Stils in der Kunst oder deren Analyse nicht sehr entwickelt, und obwohl die Kunstschaffenden der Renaissance und des Barock sich stark mit dem, was wir Stil nennen, befassen, entwickelten sie keine kohärente Theorie davon, zumindest außerhalb der Architektur. Giorgio Vasari stellte einen sehr einflussreichen, aber vielbefragten Bericht über die Entwicklung des Stils in der italienischen Malerei (hauptsächlich) von Giotto bis zu seiner eigenen manieristischen Periode. Er betonte die Entwicklung eines Florentiner Stils, basierend auf Disegno oder Linienzeichnung, anstatt venezianischer Farbe. Mit anderen Renaissance-Theoretikern wie Leon Battista Alberti setzte er die klassische Debatte über das beste Gleichgewicht zwischen realistischer Naturdarstellung und Idealisierung fort; Diese Debatte sollte bis zum 19. Jahrhundert und dem Aufkommen der Moderne fortgeführt werden.

Der Theoretiker des Neoklassizismus, Johann Joachim Winckelmann, analysierte die stilistischen Veränderungen in der griechischen klassischen Kunst im Jahr 1764, verglichen sie eng mit den Veränderungen in der Renaissance Kunst, und „Georg Hegel kodifiziert die Vorstellung, dass jede historische Periode einen typischen Stil haben wird“ sehr langer Schatten über das Studium des Stils. Hegel wird oft mit der Erfindung des deutschen Wortes Zeitgeist in Verbindung gebracht, aber er hat das Wort nie gebraucht, obwohl er in den Vorlesungen über die Geschichtsphilosophie den Ausdruck „Geist seiner Zeit“ benutzt und schreibt: „Niemand kann seine eigene Zeit übertreffen, denn der Geist seiner Zeit ist auch sein eigener Geist. “

Entwürfe von Stilrichtungen historischer Kunst und Architektur zu entwerfen, war ein wichtiges Anliegen der Wissenschaftler des 19. Jahrhunderts auf dem neuen und zunächst überwiegend deutschsprachigen Gebiet der Kunstgeschichte, mit wichtigen Schriftstellern über die breite Theorie des Stils einschließlich Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried Semper und Alois Riegl in seinen Stilfragen von 1893, mit Heinrich Wölfflin und Paul Frankl setzen die Debatte im 20. Jahrhundert fort. Paul Jacobsthal und Josef Strzygowski gehören zu den Kunsthistorikern, die Riegl folgten, indem sie große Entwürfe vorschlugen, die die Übertragung von Stilelementen über große Bereiche in Zeit und Raum nachzeichnen. Diese Art von Kunstgeschichte wird auch als Formalismus oder das Studium von Formen oder Formen in der Kunst bezeichnet.

Semper, Wölfflin und Frankl, später Ackerman, hatten einen geschichtlichen Hintergrund in der Geschichte der Architektur, und wie viele andere Begriffe für Stilperioden wurden „Romanik“ und „Gotik“ ursprünglich geprägt, um architektonische Stile zu beschreiben, in denen große Veränderungen zwischen Stilen möglich sind klarer und einfacher zu definieren, nicht zuletzt deshalb, weil Stil in der Architektur einfacher zu replizieren ist, wenn man in der figurativen Kunst, wie der Malerei, einem Satz von Regeln folgt. Begriffe, die ursprünglich zur Beschreibung von Architekturperioden verwendet wurden, wurden oft später auf andere Bereiche der bildenden Kunst und dann noch weiter auf Musik, Literatur und die allgemeine Kultur angewendet.

In der Architektur folgt der Stilwechsel häufig und wird ermöglicht durch die Entdeckung neuer Techniken oder Materialien, vom gotischen Rippengewölbe bis zur modernen Konstruktion aus Metall und Stahlbeton. Ein wichtiger Diskussionspunkt in der Kunstgeschichte und Archäologie war, inwieweit stilistische Veränderungen in anderen Bereichen wie Malerei oder Töpferei auch eine Antwort auf neue technische Möglichkeiten sind oder einen eigenen Entwicklungsimpuls (den Kunstwollen von Riegl), oder Veränderungen in der Reaktion auf soziale und wirtschaftliche Faktoren, die sich auf das Patronat und die Bedingungen des Künstlers auswirken, wie das gegenwärtige Denken betont, indem es weniger strenge Versionen der marxistischen Kunstgeschichte verwendet.

Obwohl sich der Stil als zentraler Bestandteil der kunsthistorischen Analyse etabliert hatte, war die Kunst als überragender Faktor in der Kunstgeschichte durch den Zweiten Weltkrieg aus der Mode gekommen, als sich andere Sichtweisen auf die Kunst entwickelten Reaktion gegen die Betonung des Stils; Für Svetlana Alpers ist „die übliche Stilrede in der Kunstgeschichte eine deprimierende Angelegenheit“. Nach James Elkins „Im späten 20. Jahrhundert sollte die Stilkritik darauf abzielen, die hegelschen Elemente des Konzepts weiter zu reduzieren und dabei in einer Form zu halten, die leichter zu kontrollieren wäre“. Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich und George Kübler (The Shape of Time: Anmerkungen zur Geschichte der Dinge, 1962) haben bemerkenswerte Beiträge zur Debatte geleistet, die auch auf weitere Entwicklungen in der Kritischen Theorie einging. Im Jahr 2010 formulierte Jas Elsner es stärker: „Fast die gesamte 20. Jahrhundert war die Kunstgeschichte der unbestrittene König der Disziplin, aber seit den Revolutionen der siebziger und achtziger Jahre ist der König tot“, so sein Artikel erforscht Wege, auf denen „Stilkunstgeschichte“ am Leben bleibt, und sein Kommentar würde kaum auf Archäologie anwendbar sein.

Die Verwendung von Begriffen wie Counter-Maniera scheint rückläufig zu sein, da bei Kunsthistorikern die Ungeduld mit solchen „Style Labels“ wächst. Im Jahr 2000 wurde Marcia B. Hall, ein führender Kunsthistoriker der italienischen Malerei des 16. Jahrhunderts und Mentee von Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), der den Begriff erfand, von einem Kritiker von ihr nach Raphael kritisiert: Malerei in Mittelitalien in der 16. Jahrhundert für ihren „fundamentalen Fehler“, diese und andere Begriffe weiter zu verwenden, trotz einer apologetischen „Anmerkung zu Stil-Etiketten“ am Anfang des Buches und einem Versprechen, ihren Gebrauch auf ein Minimum zu beschränken.

Ein seltener neuer Versuch, eine Theorie zu entwickeln, um den Prozess zu erklären, der den künstlerischen Stil verändert, und nicht nur Theorien zur Beschreibung und Kategorisierung, ist der Verhaltenspsychologe Colin Martindale, der eine auf darwinistischen Prinzipien basierende Evolutionstheorie vorgeschlagen hat. Man kann jedoch nicht behaupten, dass dies unter Kunsthistorikern viel Unterstützung gefunden hat.

In den Schönen Künsten
Stil ist der Oberbegriff, der traditionell die gemeinsamen charakteristischen Merkmale einer Epoche oder die Werke eines Künstlers bezeichnet. Es ist ein abstrahierendes und idealisierendes Werkzeug, das von einzelnen Kunstwerken abgeleitet ist, um die Vielfalt der Kunst zu klassifizieren und zu systematisieren und charakteristische Merkmale zu beschreiben, die zwischen den Kunstwerken bestehen. Durch diese Zuordnung zu einem bestimmten Stil oder – als weitere Differenzierung innerhalb eines Stils – einer Stilrichtung werden entsprechende Werke von anderen unterschieden und so kann eine nach geeigneten wissenschaftlichen Kriterien gerichtete Unterscheidbarkeit festgestellt werden.

Innerhalb einer Epoche (Epochenstil) gibt es Unterschiede nach Ländern und Regionen. Selbst die Arbeit eines einzelnen Künstlers zeigt trotz aller Ähnlichkeiten mit dem Stil seiner Zeit und seiner Nation Besonderheiten, die seinen persönlichen Stil (individuellen Stil) ausmachen. Nach dem Entwicklungsstadium unterscheidet man historisch sowohl in der Epoche als auch im individuellen Stil frühe, hohe und späte Phasen, die bestimmte Tendenzen weiter entwickeln. Zum Beispiel ist Überladen typisch für die späte Phase einer Epoche.

Innerhalb des akademischen Fachs Kunstgeschichte werden Kunststile durch sogenannte Stilistiken erforscht. In der zeitgenössischen Kunstgeschichte wird der Pluralismus von Stilen innerhalb einer Epoche oder im Werk eines Künstlers zunehmend in Bezug zu historischen, sozialen und kommunikativen Kontexten untersucht. Stile werden nicht nur als formale, abstrakte Ordnungskriterien einer Gruppe von Kunstwerken analysiert, sondern auch als bewusst gewählte Bedeutungsträger: So entstanden beispielsweise Repräsentationsbauten der Gotik in den Formen einer vergangenen Epoche wie Romanesqueto unterstreichen (oder sogar vorgeben) die historische Bedeutung des Baumeisters. Das traditionelle Konzept des einheitlichen Epochenstils wird daher zunehmend in Frage gestellt.

Individueller Stil
Die traditionelle Kunstgeschichte hat auch dem individuellen Stil eines Künstlers große Bedeutung beigemessen: „dem Begriff des persönlichen Stils – dass Individualität nicht nur in der Art und Weise, wie ein Künstler malt, sondern auch in den stilistischen Eigenheiten des Schreibens eines Autors (z Beispiel) – ist vielleicht ein Axiom westlicher Identitätsbegriffe „. Die Identifizierung einzelner Stile ist besonders wichtig bei der Zuordnung von Werken zu Künstlern, die für ihre Bewertung für den Kunstmarkt, vor allem für Arbeiten in der westlichen Tradition seit der Renaissance, bestimmend ist. Die Identifizierung des individuellen Stils in den Werken ist „im Wesentlichen einer Gruppe von Spezialisten auf dem Gebiet der Kunstkenner zugeordnet“, einer Gruppe, die sich im Kunsthandel und in Museen mit Spannungen zwischen ihnen und der Gemeinschaft akademischer Kunsthistoriker konzentriert.

Die Ausübung von Conoisseurship ist weitgehend eine Frage von subjektiven Eindrücken, die schwer zu analysieren sind, aber auch eine Frage der Kenntnis von Details der Technik und der „Hand“ verschiedener Künstler. Giovanni Morelli (1816 – 1891) leistete Pionierarbeit in der systematischen Untersuchung der Untersuchung von kleinen Details, die die kaum bewussten Kurzschriften und Konventionen der Künstler für die Darstellung von beispielsweise Ohren oder Händen in westlichen Altmeistergemälden enthüllten. Seine Techniken wurden von Bernard Berenson und anderen übernommen, und wurden auf Skulpturen und viele andere Arten von Kunst, zum Beispiel von Sir John Beazley auf attische Vasenmalerei angewendet. Persönliche Techniken können bei der Analyse des individuellen Stils wichtig sein. Obwohl die Ausbildung der Künstler vor der Moderne im wesentlichen nachahmend war und sich auf gelehrte technische Methoden verließ, ob als Lehrling in einer Werkstatt oder später als Student in einer Akademie, gab es immer Raum für persönliche Abwechslung. Die Idee der technischen „Geheimnisse“, die vom Meister, der sie entwickelt hat, streng bewacht wird, ist ein langjähriger Topos in der Kunstgeschichte von Vasaris wahrscheinlich mythischen Erzählung von Jan van Eyck bis zu den geheimnisvollen Gewohnheiten von Georges Seurat.

Die Idee des persönlichen Stils ist jedoch nicht auf die westliche Tradition beschränkt. In der chinesischen Kunst ist es ebenso tief verwurzelt, wird aber traditionell als ein Faktor in der Wertschätzung einiger Arten von Kunst betrachtet, vor allem Kalligraphie und Literatenmalerei, aber nicht andere, wie chinesisches Porzellan; eine Unterscheidung, die auch oft in den sogenannten dekorativen Künsten im Westen zu finden ist. Die chinesische Malerei ermöglichte es dem Künstler auch, politische und soziale Ansichten viel früher zu vertreten, als dies im Westen normalerweise der Fall ist. Die Kalligraphie, die auch in der islamischen Welt und in Ostasien als Kunst gilt, bringt einen neuen Bereich in den Bereich des persönlichen Stils; Das Ideal der westlichen Kalligrafie besteht darin, den individuellen Stil zu unterdrücken, während die Graphologie, die sich darauf stützt, sich selbst als Wissenschaft betrachtet.

Weise
„Manner“ ist ein verwandter Begriff, der oft für das verwendet wird, was eigentlich eine Unterteilung eines Stils ist, der sich vielleicht auf bestimmte Punkte des Stils oder der Technik konzentriert. Während viele Elemente des Periodenstils auf charakteristische Formen oder Formen reduziert werden können, die in einfachen, gezeichneten Diagrammen adäquat dargestellt werden können, wird „Art und Weise“ häufiger verwendet, um den gesamten Stil und die Atmosphäre eines Werks zu bezeichnen, insbesondere komplexe Werke wie Gemälde, die nicht so leicht einer genauen Analyse unterzogen werden können. Es ist ein etwas veralteter Begriff in der akademischen Kunstgeschichte, der vermieden wird, weil er ungenau ist. Wenn es verwendet wird, ist es oft im Kontext von Imitationen des individuellen Stils eines Künstlers, und es ist eine der Hierarchie von diskreten oder diplomatischen Begriffen, die im Kunsthandel für die Beziehung zwischen einem Werk zum Verkauf und dem eines Bekannten verwendet werden Künstler, mit „Manner von Rembrandt“, der eine distanzierte Beziehung zwischen dem Stil des Werkes und Rembrandts eigenem Stil vorschlägt. Die „Erklärung der Katalogisierungspraxis“ des Auktionators Christie’s erklärt, dass „Manner von …“ in ihren Auktionskatalogen „unserer Meinung nach ein Werk im Stil des Künstlers, aber eines späteren Datums“ bedeutet. Der Manierismus, abgeleitet von der italienischen maniera („Manier“), ist eine spezifische Phase des allgemeinen Renaissance-Stils, aber „Manier“ kann sehr weit verbreitet sein.

Stil in der Archäologie
In der Archäologie bleibt der Zeit – oder Kulturstil trotz moderner Techniken wie Radiokarbon – Datierung ein entscheidendes Werkzeug bei der Identifizierung und Datierung nicht nur von Kunstwerken, sondern aller Klassen von archäologischen Artefakten, einschließlich rein funktionaler Artefakte (ohne die Frage, ob rein funktionale Artefakte existieren) ). Die Identifizierung einzelner Stile von Künstlern oder Handwerkern wurde in einigen Fällen sogar für entlegene Perioden wie die Eiszeit-Kunst des europäischen Jungpaläolithikums vorgeschlagen.

Wie in der Kunstgeschichte ist die formale Analyse der Morphologie (Form) einzelner Artefakte der Ausgangspunkt. Englisch: www.dlr.de/en/desktopdefault.aspx/t…_read-11839/ Dies dient zur Erstellung von Typologien für verschiedene Arten von Artefakten, und mit der Technik der Seriation wird eine relative Datierung für einen Ort oder eine Gruppe von Orten erreicht, in denen wissenschaftliche absolute Datierungsmethoden nicht verwendet werden können, insbesondere wenn nur Stein, Keramik oder Metallartefakte oder Überreste sind verfügbar, was oft der Fall ist. Keramikscherben sind oft sehr zahlreich in Orten aus vielen Kulturen und Epochen, und sogar kleine Stücke können durch ihren Stil sicher datiert werden. Im Gegensatz zu neueren Tendenzen in der akademischen Kunstgeschichte hat die Abfolge von archäologischen Theorieschulen im letzten Jahrhundert, von der kulturhistorischen Archäologie zur prozessualen Archäologie und schließlich zum Aufkommen der postprozessualen Archäologie in den letzten Jahrzehnten, die Bedeutung der Studium des Stils in der Archäologie als Grundlage für die Klassifizierung von Objekten vor der weiteren Interpretation.

Stilisierung
Stilisierung und Stilisierung (bzw. „stilisiert“ und „stilisiert“ in (nicht-Oxford) britischem Englisch) haben eine spezifischere Bedeutung und beziehen sich auf visuelle Darstellungen, die vereinfachte Darstellungsweisen von Objekten oder Szenen verwenden, die keinen vollen, präzisen Eindruck machen und eine genaue Darstellung ihrer visuellen Erscheinung (Mimesis oder „realistisch“), wobei sie eine attraktive oder expressive Gesamtdarstellung bevorzugen. Technisch wurde es definiert als „die dekorative Verallgemeinerung von Figuren und Objekten mittels verschiedener konventioneller Techniken, einschließlich der Vereinfachung von Linie, Form und Beziehungen von Raum und Farbe“ und beobachtete, dass „tylized art“ die visuelle Wahrnehmung auf Konstrukte reduziert Muster in Linie, Oberflächenbearbeitung und abgeflachter Raum „.

Alte, traditionelle und moderne Kunst sowie populäre Formen wie Cartoons oder Animationen verwenden häufig stilisierte Darstellungen, so verwenden beispielsweise die Simpsons hochstilisierte Darstellungen, ebenso wie traditionelle afrikanische Kunst. Die beiden Picasso-Gemälde, die oben auf dieser Seite dargestellt sind, zeigen eine Bewegung zu einer stilisierten Darstellung der menschlichen Figur im Stil des Malers, und das Uffington White Horse ist ein Beispiel für eine stark stilisierte prähistorische Darstellung eines Pferdes. Motive in der dekorativen Kunst wie die Palmette oder Arabeske sind oft stark stilisierte Versionen der Pflanzenteile.

Selbst in der Kunst, die im Allgemeinen Mimesis oder „Realismus“ versucht, findet sich ein Grad der Stilisierung sehr oft in Details, und besonders Figuren oder andere Merkmale im kleinen Maßstab, wie Menschen oder Bäume etc. im fernen Hintergrund sogar eines große Arbeit. Dies ist jedoch keine Stilisierung, die vom Betrachter bemerkt werden soll, außer bei genauer Betrachtung. Zeichnungen, Modelle und andere Skizzen, die nicht als fertige Arbeiten zum Verkauf gedacht sind, werden ebenfalls sehr oft stilisiert.

„Stilisiert“ kann die Adoption eines beliebigen Stils in jedem Kontext bedeuten, und in amerikanischem Englisch wird oft für den typografischen Stil von Namen verwendet, da in AT & T auch ATT und at & t stilisiert sind: dies ist eine spezifische Verwendung, die zu haben scheint entgangene Wörterbücher, obwohl es eine kleine Erweiterung der bestehenden anderen Sinne des Wortes ist.

Epochenstil in der Literatur
Der Philologe Walter Berschin hat das Konzept des Epochenstils für die Literaturwissenschaft fruchtbar gemacht und erforscht, wie mittelalterliche Biografien von dem geprägt sind, was die jeweiligen Epochen der literarischen Gattung (Literatur-) Biographie erwarten.

Computeridentifikation
In einem Experiment von 2012 an der Lawrence Technological University in Michigan analysierte ein Computer etwa 1.000 Gemälde von 34 bekannten Künstlern mit einem speziell entwickelten Algorithmus und ordnete sie ähnlichen Stilkategorien wie Kunsthistoriker an. Die Analyse umfasste die Stichprobe von mehr als 4000 visuellen Merkmalen pro Kunstwerk.