Jugendstil

Art Nouveau ist ein internationaler Stil der Kunst, Architektur und angewandten Kunst, insbesondere der dekorativen Künste, der zwischen 1890 und 1910 am populärsten war. Eine Reaktion auf die akademische Kunst des 19. Jahrhunderts, wurde durch natürliche Formen und Strukturen, insbesondere der geschwungene Linien von Pflanzen und Blumen.

Dekorativer Stil des späten 19. Jahrhunderts und des frühen 20. Jahrhunderts, der hauptsächlich in Europa und den USA blühte. Obwohl er Malerei und Bildhauerei beeinflusste, waren seine wichtigsten Manifestationen in der Architektur und den dekorativen und grafischen Künsten zu finden gewundene, asymmetrische Linien basierend auf organischen Formen; in einem weiteren Sinne umfasst es die geometrischen und abstrakteren Muster und Rhythmen, die als Teil der allgemeinen Reaktion auf den Historismus des 19. Jahrhunderts entstanden sind. Es gibt große Unterschiede im Stil, je nachdem, wo er erschien und welche Materialien verwendet wurden

Art Nouveau gilt als ein „totaler“ Kunststil, der Architektur, Grafik, Innenarchitektur und die meisten dekorativen Künste einschließlich Schmuck, Möbel, Textilien, Haushaltssilber und andere Utensilien und Beleuchtung sowie die schönen Künste umfasst die Philosophie des Stils sollte Kunst eine Lebensweise sein Für viele wohlhabende Europäer war es möglich, in einem Jugendstil-inspirierten Haus mit Jugendstilmöbeln, Silberwaren, Stoffen, Keramik einschließlich Geschirr, Schmuck, Zigarettenetuis, usw. Künstler, die die schönen Künste und angewandte Kunst kombinieren möchten, auch für Gebrauchsgegenstände.

Form und Charakter
Obwohl der Art Nouveau aufgrund seiner geografischen Verbreitung deutlich lokalisierte Tendenzen entwickelte, weisen einige allgemeine Merkmale auf die Form hin. Eine im Pan-Magazin von Hermann Obrists Wandbehang Cyclamen (1894) veröffentlichte Beschreibung beschreibt es als „plötzliche heftige Kurven, die durch den Schlag einer Peitsche erzeugt werden“, die während der frühen Ausbreitung des Jugendstils bekannt wurden. Später wurde die Arbeit nicht nur besser bekannt als The Whiplash, sondern der Begriff „Schleudertrauma“ wird häufig auf die charakteristischen Kurven von Art Nouveau Künstlern angewendet. Solche dekorativen „Schleudertrauma“ -Motive, die von dynamischen, wellenförmigen und fließenden Linien in einem synkopierten Rhythmus und einer asymmetrischen Form gebildet werden, finden sich überall in der Architektur, Malerei, Skulptur und anderen Formen des Jugendstildesigns.

Die Ursprünge des Art Nouveau liegen im Widerstand des Künstlers William Morris gegenüber den überladenen Kompositionen und den Wiederbelebungstendenzen des 19. Jahrhunderts und seinen Theorien, die zur Gründung der Arts and Crafts Bewegung führten. Arthur Mackmurdos Buchcover für Wren’s City Churches (1883) mit seinen rhythmischen Blumenmustern wird jedoch oft als die erste Umsetzung des Art Nouveau angesehen. Etwa zur gleichen Zeit beeinflußten die flache Perspektive und die kräftigen Farben japanischer Holzblockdrucke, insbesondere die von Katsushika Hokusai, die Formulierung des Jugendstils stark. Der Japonismus, der in den 1880er und 1890er Jahren in Europa populär war, beeinflusste mit seinen organischen Formen und Verweisen auf die Natur besonders viele Künstler. Neben der Übernahme durch Künstler wie Emile Gallé und James Abbott McNeill Whistler wurden japanisch inspirierte Kunst und Design von den Geschäftsleuten Siegfried Bing und Arthur Lasenby Liberty in ihren Geschäften in Paris und London unterstützt.

In der Architektur sind Hyperbeln und Parabeln in Fenstern, Bögen und Türen üblich, und Zierleisten „wachsen“ in von Pflanzen abgeleitete Formen. Wie die meisten Designstile versuchte Art Nouveau seine Formen zu harmonisieren. Der Text über dem Eingang der Pariser Metro nutzt die Qualitäten des restlichen Eisenwerks in der Struktur.

Art Nouveau in der Architektur und Innenarchitektur vermied die eklektischen Wiederbelebungsstile des 19. Jahrhunderts. Obwohl Art Nouveau Designer einige der abstrakteren Elemente des Rokoko – Stils, wie Flammen – und Muscheltexturen, auswählte und ‚modernisierte‘, befürworteten sie auch die Verwendung von sehr stilisierten organischen Formen als Quelle der Inspiration, die das ’natürliche‘ Repertoire erweitern Verwenden Sie Algen, Gräser und Insekten. Die sanft verschmolzenen Formen des aurikulären Stils aus dem 17. Jahrhundert, am besten in niederländischem Silberbesteck, waren ein weiterer Einfluss.

Beziehung zu zeitgenössischen Stilen und Bewegungen
Als Kunststil hat der Jugendstil Affinitäten mit den Präraffaeliten und den symbolistischen Stilen, und Künstler wie Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt und Jan Toorop konnten in mehr als einen dieser Stile eingeordnet werden. Im Gegensatz zur symbolistischen Malerei hat der Jugendstil jedoch eine unverwechselbare Erscheinung; Anders als die handwerklich orientierte Arts and Crafts-Bewegung verwendeten die Art-Nouveau-Künstler neue Materialien, maschinell bearbeitete Oberflächen und Abstraktion im Dienst des reinen Designs.

Art Nouveau hat nicht auf den Gebrauch von Maschinen verzichtet, wie es die Arts and Crafts-Bewegung getan hat. In der Bildhauerei wurden hauptsächlich Glas und Schmiedeeisen verwendet, was selbst in der Architektur zu skulpturalen Qualitäten führte. Keramik wurde auch verwendet, um Editionen von Skulpturen von Künstlern wie Auguste Rodin zu schaffen.

Die Jugendstilarchitektur nutzte viele technologische Innovationen des späten 19. Jahrhunderts, insbesondere die Verwendung von freiliegendem Eisen und großen, unregelmäßig geformten Glasstücken für die Architektur. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs begann jedoch die stilisierte Natur des Art Nouveau-Designs zugunsten einer geradlinigeren, geradlinigeren Moderne, die der einfachen Industrieästhetik, die Art-déco wurde, treu war, aufgegeben wurde.

Art Nouveau Tendenzen wurden auch in lokale Stile aufgenommen. In Dänemark beispielsweise war es ein Aspekt von Skønvirke („ästhetische Arbeit“), der sich wiederum stärker auf den Arts and Crafts-Stil bezieht. Ebenso haben die Künstler viele der floralen und organischen Motive des Jugendstils in den Stil Młoda Polska („Junges Polen“) in Polen übernommen. Młoda Polska bezog jedoch auch andere Kunststile mit ein und umfasste einen breiteren Zugang zu Kunst, Literatur und Lebensstil.

Die Graphik florierte im Jugendstil, dank neuer Drucktechnologien, insbesondere der Farblithographie, die die Massenproduktion von Farbplakaten ermöglichte. Kunst war nicht länger auf Galerien, Museen und Salons beschränkt; es konnte an Pariser Wänden gefunden werden, und in illustrierten Kunstmagazinen, die in ganz Europa und in die Vereinigten Staaten zirkulierten. Das beliebteste Thema von Art Nouveau-Plakaten war Frauen; Frauen symbolisieren Glamour, Modernität und Schönheit, oft umgeben von Blumen.

In Großbritannien war Aubrey Beardsley (1872-1898) der führende Grafiker im Jugendstil. Er begann mit gravierten Buchillustrationen für Le Morte d’Arthur, dann schwarz-weiß Illustrationen für Salome von Oscar Wilde (1893), die ihm Ruhm brachten. Im selben Jahr begann er, Illustrationen und Plakate für das Kunstmagazin The Studio zu gravieren, das europäische Künstler wie Fernand Khnopff in Großbritannien bekannt machte. Die geschwungenen Linien und komplizierten floralen Muster zogen so viel Aufmerksamkeit auf sich wie der Text.

Der schweizerisch-französische Künstler Eugène Grasset (1845-1917) war einer der ersten Schöpfer französischer Jugendstil-Plakate. Er half 1885 mit, das berühmte Kabarett Le Chat Noir zu dekorieren und machte seine ersten Plakate für die Fêtes de Paris. Er machte eine gefeierte Poster von Sarah Bernhardt im Jahr 1890 und eine Vielzahl von Buchillustrationen. Die Künstler-Designer Jules Chéret, Georges de Feure und der Maler Henri de Toulouse-Lautrec haben Plakate für Pariser Theater, Cafés und Kabaretts in Tanzsälen hergestellt. Der tschechische Künstler Alphonse Mucha (1860-1939) kam 1888 nach Paris und machte 1895 ein Poster für die Schauspielerin Sarah Bernhardt in dem Stück Gismonda von Victorien Sardou. Der Erfolg dieses Plakats führte zu einem Vertrag, Plakate für sechs weitere Stücke zu produzieren von Bernhardt. In den nächsten vier Jahren entwarf er auch Bühnenbilder, Kostüme und sogar Schmuck für die Schauspielerin. Basierend auf dem Erfolg seiner Theaterplakate machte Mucha Plakate für eine Vielzahl von Produkten, von Zigaretten und Seife bis hin zu Bierkeksen, die alle eine idealisierte weibliche Figur mit einer Sanduhrfigur aufwiesen. Er entwickelte Produkte von Schmuck bis Keksdosen in seinem unverwechselbaren Stil.

In Wien war Koloman Moser (1868-1918) der produktivste Gestalter von Grafiken und Plakaten, der mit Gustav Klimt und Josef Hoffmann aktiv an der Secessionsbewegung teilnahm und Illustrationen und Cover für die Zeitschrift der Bewegung Ver Sacrum fertigte ebenso wie Gemälde, Möbel und Dekoration.

Gemälde
Die Malerei war eine weitere wichtige Domäne des Jugendstils, obwohl die meisten Jugendstilmaler auch mit anderen Kunstströmungen in Verbindung gebracht wurden, insbesondere mit den Nabis in Frankreich und den Symbolisten in Frankreich und Österreich. 1892 organisierte Siegfried Bing in Paris eine Ausstellung mit sieben Malern, darunter Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton und Maurice Denis; und sein Maison de l’Art Nouveau zeigte Gemälde von Georges Seurat, Paul Signac und Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser und Gustav Klimt bewegten sich behaglich in der Avantgarde und im Jugendstil. In Belgien arbeitete Fernand Khnopff sowohl in der Malerei als auch im Grafikdesign. Gemälde von Gustav Klimt waren integraler Bestandteil des Dekorplans von Josef Hoffmann für das Palais Stoclet. Ein gemeinsames Thema sowohl der symbolistischen als auch der Jugendstilmaler war die stilisierte Darstellung von Frauen. Ein beliebtes Thema war die amerikanische Tänzerin Loie Fuller, portraitiert von französischen und österreichischen Malern und Plakatkünstlern.

Glaskunst
Die Glaskunst war ein Medium, in dem der Jugendstil neue und vielfältige Ausdrucksmöglichkeiten fand. Vor allem in Frankreich wurde intensiv experimentiert, um neue Effekte von Transparenz und Opazität zu finden: Gravieren mit Cameo, Doppellagen und saurem Gravieren, eine Technik, die Serienproduktion zuließ. Die Stadt Nancy wurde zu einem wichtigen Zentrum der französischen Glasindustrie, und die Ateliers von Emile Gallé und dem von Auguste und Anton Daum geleiteten Studio Daum befanden sich dort. Sie arbeiteten mit vielen namhaften Designern zusammen, darunter Ernest Bussière, Henri Bergé und Amalric Walter. Sie entwickelten eine neue Methode des Inkrustierens von Glas, indem sie Fragmente von verschiedenfarbigem Glas in das unfertige Stück pressten. Sie arbeiteten oft mit dem Möbeldesigner Louis Majorelle zusammen, dessen Haus und Werkstätten in Nancy waren. Ein weiteres Merkmal des Jugendstils war die Verwendung von Buntglasfenstern mit floralen Motiven in Wohnsalons, insbesondere in den Jugendstilhäusern in Nancy. Viele waren das Werk von Jacques Gruber, der Fenster für die Villa Majorelle und andere Häuser herstellte.

In Belgien war das führende Unternehmen die Glasfabrik des Val Saint Lambert, die Vasen in organischen und floralen Formen schuf, von denen viele von Philippe Wolfers entworfen wurden. Wolfers wurde besonders für die Schaffung von Werken von symbolistischen Glas, oft mit Metallschmuck angebracht. In Böhmen, damals eine Region der österreichisch-ungarischen Monarchie, die für die Kristallherstellung bekannt ist, experimentierten die Firmen Lobmeyr und Loetz-Witwe auch mit neuen Färbetechniken, die lebendigere und sattere Farben hervorbringen. In Deutschland wurde das Experimentieren von Karl Köpping geleitet, der mit geblasenem Glas extrem empfindliche Gläser in Form von Blumen schuf; so zart, dass nur wenige heute überleben.

In Wien waren die Glasdesigns der Sezessionsbewegung viel geometrischer als die von Frankreich oder Belgien; Otto Prutscher war der strengste Glasdesigner des Uhrwerks.

In Großbritannien wurde eine Reihe von floralen Glasmalereien von Margaret Macdonald Mackintosh für die architektonische Ausstellung „The House of Art Lover“ geschaffen.

In den Vereinigten Staaten wurden Louis Comfort Tiffany und seine Designer besonders berühmt für ihre Lampen, deren Glasschirme florale Motive aufwändig zusammenfügten. Tiffany-Lampen wurden nach der World’s Columbian Exposition 1893 in Chicago populär, wo Tiffany seine Lampen in einer byzantinischen Kapelle ausstellte. Tiffany experimentierte intensiv mit den Verfahren der Glasfärbung und patentierte 1894 das Favrile-Glas, das Metalloxide verwendete, um das Innere des geschmolzenen Glases zu färben und ihm einen irisierenden Effekt zu verleihen. Seine Werkstätten produzierten mehrere verschiedene Serien der Tiffany-Lampe in verschiedenen floralen Designs, zusammen mit Glasfenstern, Schirmen, Vasen und einer Reihe von dekorativen Objekten. Seine Werke wurden zuerst nach Deutschland, dann nach Frankreich von Siegfried Bing importiert und wurden dann zu einer der dekorativen Sensationen der Ausstellung von 1900. Ein amerikanischer Rivale von Tiffany, Steuben Glass, wurde 1903 in Corning, NY, von Frederick Carder gegründet, der wie Tiffany das Fevrile-Verfahren verwendete, um Oberflächen mit irisierenden Farben zu erzeugen. Ein anderer bemerkenswerter amerikanischer Glaskünstler war John La Farge, der komplizierte und bunte Glasfenster sowohl für religiöse als auch für rein dekorative Themen schuf.

Metallkunst
Der Architekturtheoretiker Viollet-le-Duc aus dem 19. Jahrhundert hatte sich dafür eingesetzt, die Eisengerüste moderner Gebäude zu zeigen, aber die Art Nouveau-Architekten Victor Horta und Hector Guimard gingen noch einen Schritt weiter Formen sowohl im Innen- als auch im Außenbereich ihrer Gebäude. Sie hatten die Form von Treppengeländern im Innenraum, Leuchten und anderen Details im Inneren und Balkonen und anderen Verzierungen an der Außenseite. Dies wurden einige der markantesten Merkmale der Jugendstil-Architektur. Die Verwendung von Metallschmuck in pflanzlichen Formen erschien bald auch in Silberwaren, Lampen und anderen dekorativen Gegenständen.

In den Vereinigten Staaten fertigte der Designer George Grant Elmslie äußerst komplizierte gusseiserne Designs für die Balustraden und andere Innendekorationen der Gebäude des Chicagoer Architekten Louis Sullivan.

Während französische und amerikanische Designer Blumen- und Pflanzenformen verwendeten, entwarfen Joseph Maria Olbrich und die anderen Secessionskünstler Teekannen und andere Metallobjekte in einem eher geometrischen und nüchternen Stil.

Schmuck
Art Nouveau zeichnet sich durch weiche, geschwungene Formen und Linien aus und weist normalerweise natürliche Designs wie Blumen, Vögel und andere Tiere auf. Der weibliche Körper ist ein beliebtes Thema und wird auf einer Vielzahl von Schmuckstücken, insbesondere Kameen, gezeigt. Sie umfasste häufig lange Halsketten aus Perlen oder Sterling-Silber-Ketten, unterbrochen von Glasperlen oder endend in einem Silber- oder Goldanhänger, oft selbst als Schmuck für ein einzelnes facettiertes Juwel aus Amethyst, Peridot oder Citrin entworfen.

Die Jugendstil-Periode brachte eine bemerkenswerte stilistische Revolution in der Schmuckindustrie, die hauptsächlich von den großen Firmen in Paris angeführt wurde. In den vergangenen zwei Jahrhunderten hatte die Betonung von edlem Schmuck dramatische Einstellungen für Diamanten geschaffen. Während der Zeit des Jugendstils spielten Diamanten gewöhnlich eine unterstützende Rolle. Juweliere experimentiert mit einer Vielzahl von anderen Steinen, darunter Achat, Granat Opal, Mondstein, Aquamarin und andere Halbedelsteine, und mit einer Vielzahl von neuen Techniken, unter anderem Emaillieren, und neue Materialien, einschließlich Horn, Formglas und Elfenbein.

Zu den frühen namhaften Pariser Juwelieren im Jugendstil gehörte Louis Aucoc, dessen Familienschmiede 1821 gegründet wurde. Der berühmteste Designer des Jugendstils, René Lalique, absolvierte von 1874 bis 1876 seine Lehre im Studio Aucoc. Lalique wurde zu einem Zentrum Figur von Art Nouveau Schmuck und Glas, mit der Natur, von Libellen bis zu Gräser, als sein Vorbild. Künstler außerhalb der traditionellen Schmuckwelt, wie Paul Follot, bekannt als Möbeldesigner, experimentierten mit Schmuckdesigns. Andere bemerkenswerte französische Art Nouveau Schmuckdesigner schlossen Jules Brateau und Georges Henry ein. In den Vereinigten Staaten war der berühmteste Designer Louis Comfort Tiffany, dessen Arbeiten im Laden von Siegfried Bing und auch bei der Pariser Weltausstellung 1900 gezeigt wurden.

In Großbritannien war die prominenteste Figur der Designer von Liberty & Co., Archibald Knox, der eine Vielzahl von Jugendstil-Stücken schuf, darunter silberne Gürtelschnallen. CR Ashbee hat Anhänger in Form von Pfauen entworfen. Der vielseitige Glasgower Designer Charles Rennie Mackintosh fertigte auch Schmuck mit traditionellen keltischen Symbolen. In Deutschland war das Zentrum für Jugendstilschmuck die Stadt Pforzheim, wo sich die meisten deutschen Firmen, darunter Theodor Fahrner, befanden. Sie haben schnell Werke produziert, um die Nachfrage nach dem neuen Stil zu befriedigen.

Die Architektur
Jugendstilarchitektur war eine Reaktion auf die eklektischen Stile, die die europäische Architektur in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beherrschten. Es wurde durch Dekoration ausgedrückt. Die Gebäude waren mit Ornamenten in geschwungenen Formen bedeckt, basierend auf Blumen, Pflanzen oder Tieren: Schmetterlinge, Pfauen, Schwäne, Iris, Alpenveilchen, Orchideen und Seerosen. Die Fassaden waren asymmetrisch und oft mit polychromen Keramikfliesen verziert. Die Dekoration schlug gewöhnlich eine Bewegung vor; Es gab keinen Unterschied zwischen der Struktur und dem Ornament.

Der Stil erschien zuerst in Brüssel Hôtel Tassel (1894) und Hôtel Solvay (1900) von Victor Horta. Das Hôtel Tassel wurde von Hector Guimard besucht, der den gleichen Stil in seinem ersten großen Werk, dem Castel Béranger (1897-98), verwendete. In all diesen Häusern entwarfen die Architekten auch die Möbel und die Inneneinrichtung, bis hin zu Türklinken und Teppichen. Im Jahr 1899 erhielt Guimard, basierend auf dem Ruhm des Castel Béranger, einen Auftrag für die Gestaltung der Eingänge der Stationen der neuen Pariser Métro, die 1900 eröffnet wurde. Obwohl nur wenige der Originale erhalten blieben, wurden sie zum Symbol der Jugendstilbewegung in Paris.

In Paris war der Architekturstil auch eine Reaktion auf die strengen Vorschriften, die Georges-Eugène Haussmann, der Präfekt von Paris unter Napoleon III. Bogenfenster wurden schließlich 1903 erlaubt, und Jugendstilarchitekten gingen zum entgegengesetzten Extrem, am bemerkenswertesten in den Häusern von Jules Lavirotte, die im Wesentlichen große Arbeiten der Skulptur waren, die vollständig mit der Dekoration bedeckt sind. In der französischen Stadt Nancy, um die Villa Majorelle (1901-02), der Residenz des Möbeldesigners Louis Majorelle, entstand ein bedeutender Stadtteil mit Jugendstilhäusern. Es wurde von Henri Sauvage als Schaufenster für die Möbelentwürfe von Majorelle entworfen.

Der architektonische Stil verbreitete sich von Belgien und Frankreich nach Deutschland, der Schweiz, Italien und Spanien und dem übrigen Europa, wobei in jedem Land ein anderer Name und Charakter angenommen wurde. Sie erreichte 1910 ihren Höhepunkt und war zu Beginn des Ersten Weltkrieges praktisch beendet. Ein neuer Stil, Art Deco, trat an seine Stelle.

Möbel
Möbeldesign im Jugendstil war eng mit der Architektur der Gebäude verbunden, die die Architekten oft für Möbel, Teppiche, Leuchten, Türgriffe und andere dekorative Details entwarfen. Die Möbel waren oft auch aufwendig und teuer; Ein feines Finish, in der Regel poliert oder lackiert, wurde als wesentlich angesehen, und kontinentale Designs waren in der Regel sehr komplex, mit geschwungenen Formen, die teuer in der Herstellung waren. Es hatte auch den Nachteil, dass der Besitzer des Hauses die Möbel nicht ändern oder Stücke in einem anderen Stil hinzufügen konnte, ohne die gesamte Wirkung des Raumes zu stören. Aus diesem Grund, als Jugendstil-Architektur aus der Mode kam, verschwand auch der Stil der Möbel weitgehend.

In Frankreich war das Zentrum für Möbeldesign und -herstellung in Nancy, wo zwei große Designer, Émile Gallé und Louis Majorelle, ihre Ateliers und Werkstätten hatten und wo die Allianz der Industriezweige (später die Schule von Nancy genannt) gegründet worden war Im Jahr 2001. Beide Designer auf ihre Struktur und Verzierung auf Formen aus der Natur, einschließlich Blumen und Insekten, wie die Libelle, ein beliebtes Motiv im Jugendstil-Design. Gallé war vor allem für seine Verwendung von Intarsien im Relief, in Form von Landschaften oder poetischen Themen bekannt. Majorelle war bekannt für seine Verwendung von exotischen und teuren Hölzern und für die Anbringung von Bronze in pflanzlichen Motiven an seine Möbelstücke. Beide Designer verwendeten Maschinen für die ersten Phasen der Herstellung, aber alle Stücke wurden von Hand gefertigt. Andere bemerkenswerte Möbeldesigner der Schule in Nancy waren Eugène Vallin und Émile André; beide waren ausgebildete Architekten und entwarfen Möbel, die den Möbeln belgischer Designer wie Horta und Van de Velde ähnelten, die weniger Dekoration hatten und den geschwungenen Pflanzen und Blumen näher kamen. Weitere bemerkenswerte französische Designer waren Henri Bellery-Desfontaines, der sich von den neugotischen Stilen von Viollet-le-Duc inspirieren ließ; und Georges de Feure, Eugène Gaillard und Édouard Colonna, die mit dem Kunsthändler Siegfried Bing zusammenarbeiteten, um die französische Möbelindustrie mit neuen Themen zu beleben. Ihre Arbeit war bekannt für „abstrakten Naturalismus“, ihre Einheit von geraden und geschwungenen Linien und ihren Rokoko-Einfluss. Die Möbel von de Feure im Pavillon von Bing wurden bei der Pariser Weltausstellung 1900 mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Der ungewöhnlichste und malerischste französische Designer war François-Rupert Carabin, ein ausgebildeter Bildhauer, dessen Möbel nackte weibliche Formen und symbolische Tiere, besonders Katzen, zeigten, die Elemente des Jugendstils mit dem Symbolismus verbanden. Weitere einflussreiche Pariser Möbeldesigner waren Charles Plumet und Alexandre Charpentier. In vielerlei Hinsicht wurden alte Vokabeln und Techniken der klassischen französischen Rokokomöbel aus dem 18. Jahrhundert in einem neuen Stil neu interpretiert.

In Belgien entwarfen Victor Horta und Henry van de Velde, die Pioniere des Jugendstils, mit kräftigen geschwungenen Linien und minimaler Dekoration Möbel für ihre Häuser. Der belgische Designer Gustave Serrurier-Bovy fügte mehr Dekoration hinzu und setzte Messingstreifen in geschwungenen Formen ein. In den Niederlanden, wo der Stil Nieuwe Kunst oder New Art hieß, folgten HP Berlag, Lion Cachet und Theodor Nieuwenhuis einem anderen Kurs, der englischen Arts and Crafts Bewegung, mit mehr geometrischen rationalen Formen.

In Großbritannien waren die Möbel von Charles Rennie Mackintosh reine Kunst und Kunsthandwerk, mit strengen und geometrischen, mit langen geraden Linien und rechten Winkeln und einem Minimum an Dekoration. Continental-Designs waren viel aufwändiger und verwendeten häufig gekrümmte Formen sowohl in den Grundformen des Stücks als auch in angewandten dekorativen Motiven. In Deutschland waren die Möbel von Peter Behrens und des Jugendstils weitgehend rationalistisch, mit geometrischen Geraden und einer Dekoration an der Oberfläche. Ihr Ziel war genau das Gegenteil des französischen Jugendstils; Einfachheit der Struktur und Einfachheit der Materialien, für Möbel, die billig und einfach in Massenproduktion sein könnten. Dasselbe gilt für die Möbel der Wiener Wiener Wiener Werkstätten unter Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich und Koloman Moser. Die Möbel waren geometrisch und hatten ein Minimum an Dekoration, obwohl sie im Stil oft nationalen historischen Präzedenzfällen folgten, insbesondere dem Biedemeier Stil.

Das italienische und spanische Möbeldesign hat sich in die eigene Richtung entwickelt. Carlo Bugatti in Italien entwarf für die internationale Ausstellung in Turin 1902 den ungewöhnlichen Schneckensessel aus Holz mit lackiertem Pergament und Kupfer. In Spanien entwarf der Möbeldesigner Gaspar Homar, inspiriert von Antoni Gaudi und dem Modernismo-Stil, inspirierte Werke durch natürliche Formen mit einem Hauch von katalanischen historischen Stilen.

In den Vereinigten Staaten wurde das Möbeldesign häufiger von der Arts and Crafts-Bewegung oder von historischen amerikanischen Modellen als vom Art Nouveau inspiriert. Ein Designer, der Art-Nouveau-Themen einführte, war Charles Rohlfs in Buffalo, New York, dessen Entwürfe für amerikanische Möbel aus weißer Eiche von Motiven der keltischen Kunst und der gotischen Kunst beeinflusst waren, mit einem Hauch von Jugendstil in den Metallverzierungen.

Keramik
Der letzte Teil des 19. Jahrhunderts sah viele technologische Innovationen in der Herstellung von Keramik, insbesondere die Entwicklung von Hochtemperatur (Grand Feu) Porzellan mit kristallisierten und matten Glasuren. Zur gleichen Zeit wurden mehrere verlorene Techniken, wie Oxblood-Glasur, wiederentdeckt. Auch die Jugendstilkeramik war geprägt von traditioneller und moderner japanischer und chinesischer Keramik, deren pflanzliche und florale Motive gut zum Jugendstil passten. In Frankreich haben Künstler auch die traditionellen grés-Methoden wiederentdeckt und mit neuen Motiven neu erfunden. Die Keramik fand auch in der Architektur eine wichtige neue Verwendung: Jugendstilarchitekten, unter ihnen Jules Lavirotte und Hector Guimard, begannen, die Fassaden der Gebäude mit Keramikfliesen zu schmücken, viele davon von der Firma Alexandre Bigot, die ihnen einen ausgeprägten Jugendstil verliehen skulpturales Aussehen. Im Jugendstil rückte die Keramik rasch in den Bereich der Skulptur und Architektur.

Einer der ersten französischen Keramiker im Jugendstil war Ernest Chaplet, dessen Keramikkarriere dreißig Jahre dauerte. Er begann Steinzeug zu produzieren, das von japanischen und chinesischen Prototypen beeinflusst wurde. Ab 1886 arbeitete er mit dem Maler Paul Gauguin an Steingutdesigns mit angewandten Figuren, mehreren Griffen, bemalt und teilweise verglast und arbeitete mit den Bildhauern Félix Bracquemond, Jules Dalou und Auguste Rodin zusammen. Seine Werke wurden auf der 1900 Exposition gefeiert.

Die wichtigsten nationalen Keramikfirmen hatten einen wichtigen Platz bei der Pariser Ausstellung von 1900: die Manufacture nationale de Sèvres außerhalb von Paris; Nymphenburg, Meißen, Villeroy & Boch in Deutschland und Doulton in Großbritannien. Weitere führende französische Keramiker waren Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) und Auguste Delaherche.

In Frankreich überschritt Jugendstilkeramik manchmal die Grenze zur Skulptur. Die Porzellanfigur Tänzerin mit einem Schal von Agathon Léonard, die für die Manufacture nationale de Sèvres hergestellt wurde, wurde auf der Pariser Weltausstellung 1900 in beiden Kategorien ausgezeichnet.

Die Zsolnay-Fabrik in Pécs, Ungarn, wurde 1853 von Miklós Zsolnay (1800-1880) und seinem Sohn Vilmos Zsolnay (1828-1900) mit Tádé Sikorski (1852-1940), dem Chefdesigner, zur Herstellung von Steingut und anderen Keramiken geleitet. Im Jahr 1893 führte Zsolnay Porzellanstücke aus Eosin ein. Er führte die Fabrik zu weltweiter Anerkennung durch die Demonstration seiner innovativen Produkte auf Weltausstellungen und internationalen Ausstellungen, einschließlich der Weltausstellung 1873 in Wien, dann auf der Weltausstellung 1878 in Paris, wo Zsolnay einen Grand Prix erhielt. Frostbeständige Zsolnay-Gebäudedekorationen wurden in zahlreichen Gebäuden verwendet, insbesondere während der Jugendstilbewegung.

Textilien und Tapeten
Textilien und Tapeten waren von Anfang an ein wichtiger Träger des Jugendstils und ein wesentliches Element der Jugendstil-Innenarchitektur. In Großbritannien hatten die Textildesigns von William Morris geholfen, Arts and Crafts Movement und dann Art Nouveau ins Leben zu rufen. Für das Londoner Liberty-Kaufhaus wurden viele Entwürfe entworfen, die den Stil in ganz Europa populär machten. Ein solcher Designer war das Silver Studio, das farbenfrohe stilisierte florale Muster lieferte. Andere unverwechselbare Designs kamen von der Glasgow School und Margaret Macdonald Mackintosh. Die Schule in Glasgow führte verschiedene charakteristische Motive ein, darunter stilisierte Eier, geometrische Formen und die „Rose of Glasgow“.

In Frankreich wurde ein wichtiger Beitrag von Designer Eugène Grasset geleistet, der 1896 La Plante et ses applications ornamentales veröffentlichte, in denen er Jugendstildesigns auf der Grundlage verschiedener Blumen und Pflanzen vorschlug. Viele Muster wurden für die großen französischen Textilhersteller in Mulhouse, Lille und Lyon von deutschen und belgischen Werkstätten entworfen und hergestellt. Der deutsche Designer Hermann Obrist hat sich auf florale Muster spezialisiert, insbesondere auf das Alpenveilchen und den „Schleudertrauma“ -Stil, der auf Blumenstielen basiert und zu einem Hauptmotiv des Stils wurde. Der Belgier Henry van de Velde präsentierte im Salon La Libre Esthéthique in Brüssel eine Textilarbeit, La Veillée d’Anges, inspiriert von der Symbolik von Paul Gauguin und der Nabis. In den Niederlanden wurden Textilien häufig von Batikmustern aus den niederländischen Kolonien in Ostindien inspiriert. Volkskunst inspirierte auch die Kreation von Tapisserien, Teppichen, Stickereien und Textilien in Mitteleuropa und Skandinavien, in den Arbeiten von Gerhard Munthe und Frida Hansen in Norwegen. Das Fünf-Schwäne-Design von Otto Eckmann erschien in mehr als einhundert verschiedenen Versionen. Der ungarische Designer Janos Vaszary kombinierte Jugendstilelemente mit folkloristischen Themen.