Kunstschmuck ist einer der Namen, die dem Schmuck von Studiokünstlern gegeben wurden. Wie der Name vermuten lässt, betont Kunstschmuck den kreativen Ausdruck und das Design und zeichnet sich durch die Verwendung verschiedener Materialien aus, die häufig alltäglich sind oder einen geringen wirtschaftlichen Wert haben. In diesem Sinne bildet es ein Gegengewicht zur Verwendung von „kostbaren Materialien“ (wie Gold, Silber und Edelsteinen) in konventionellem oder edlem Schmuck, wobei der Wert des Objekts an den Wert der Materialien, aus denen es hergestellt wird, gebunden ist . Kunstschmuck bezieht sich auf das Studiofach in anderen Medien wie Glas, Holz, Kunststoff und Ton. es teilt Überzeugungen und Werte, Bildung und Ausbildung, Produktionsumstände sowie Vertriebs- und Publizitätsnetzwerke mit dem breiteren Feld des Studiofertigens. Kunstschmuck hat auch Links zu Kunst und Design.

Während die Geschichte des Kunstschmucks in den USA in den 1940er Jahren in der Regel mit modernistischem Schmuck beginnt, gefolgt von künstlerischen Experimenten deutscher Goldschmiede in den 1950er Jahren, finden sich im Kunsthandwerk einige Werte und Überzeugungen, die den Kunstschmuck bestimmen Bewegung des späten neunzehnten Jahrhunderts. Viele Regionen wie Nordamerika, Europa, Australasien und Teile Asiens haben florierende Kunstschmuckszenen, während andere Orte wie Südamerika und Afrika die Infrastruktur von Lehrinstitutionen, Händlergalerien, Schriftstellern, Sammlern und Museen entwickelt haben, die Kunst fördern Schmuck.

Terminologie
Der Kunsthistoriker Liesbeth den Besten hat sechs verschiedene Begriffe zur Benennung von Kunstschmuck identifiziert, darunter Zeitgenössisch, Atelier, Kunst, Forschung, Design und Autor. Die drei häufigsten Begriffe sind zeitgenössisch, Atelier und Kunst. Kurator Kelly L’Ecuyer hat Studioschmuck als Ableger der Studiobewegung definiert und fügt hinzu, dass er sich nicht auf bestimmte künstlerische Stile bezieht, sondern eher auf die Umstände, unter denen das Objekt produziert wird. Ihrer Definition zufolge sind „Studio-Juweliere unabhängige Künstler, die ihr ausgewähltes Material direkt handhaben, um einzigartigen oder limitierten Schmuck herzustellen. Der Studio-Juwelier ist sowohl Designer als auch Verarbeiter jedes Stücks (obwohl Assistenten) oder Auszubildende können bei technischen Aufgaben helfen), und die Arbeit wird in einem kleinen privaten Atelier und nicht in einer Fabrik erstellt. “ Die Kunsthistorikerin Monica Gaspar hat die zeitliche Bedeutung der verschiedenen Namen von Kunstschmuck in den letzten 40 Jahren untersucht. Sie meint, dass „avantgardistische“ Schmuckstücke sich radikal vor den Mainstream-Ideen positionieren. „moderner“ oder „modernistischer“ Schmuck soll den Geist der Zeit widerspiegeln, in der er hergestellt wurde; „Atelier“ – Schmuck betont das Künstleratelier in der Handwerkswerkstatt; „neuer“ Schmuck nimmt eine ironische Haltung zur Vergangenheit ein; und „zeitgenössischer“ Schmuck beansprucht die Gegenwart und das „Hier und Jetzt“ im Gegensatz zu den ewigen Naturen des traditionellen Schmucks als Erbstück zwischen den Generationen.

Der Kunsthistoriker Maribel Koniger argumentiert, dass die Namen von Kunstschmuck wichtig sind, um diese Art von Schmuck von verwandten Objekten und Praktiken zu unterscheiden. Die Verwendung des Begriffs „konzeptueller“ Schmuck ist in ihren Worten ein „Versuch“, sich durch die Terminologie von den Produkten der kommerziellen Schmuckindustrie zu lösen, die Klischees reproduzieren und sich an dem Geschmack des Massenkonsums orientieren. auf der anderen Seite die individualistischen, subjektiv ästhetisierenden Entwürfe des reinen Handwerks. “

Bilden
Kunstschmuck hat oft ungewöhnliche Formen, die manchmal sperrig und im Alltag nicht akzeptabel sind. Als Materialien werden sowohl typische Dekorationen wie Edelmetalle und Juwelen als auch atypische Nichtedelsteine ​​oder Halbedelsteine ​​wie Gummi, Kunststoffe, Schiefer, Recyclingmaterial oder Muttermilch verarbeitet. Die Verarbeitungstechniken weichen entsprechend vom traditionellen Goldschmiedehandwerk ab.

Die formale und symbolische Ästhetik dieser Schmuckstücke bedeutet, dass sie wie Kunstwerke empfangen werden. Der Schmuck des Autors versucht auch, die Beziehung zwischen Schmuckobjekt und menschlichem Körper zu untersuchen. Anstatt den sozialen Status des Trägers als dekoratives Accessoire hervorzuheben, ermöglicht der Schmuck des Autors eine ästhetische Erfahrung, die zwischen seinem gleichzeitigen „Sein als Kunst und Bleiben im Schmuck“ schwankt.

Kritik der Kostbarkeit
Kunstschmiede arbeiten oft kritisch oder bewusst mit der Geschichte des Schmucks oder der Beziehung zwischen Schmuck und Körper zusammen und hinterfragen Konzepte wie „Kostbarkeit“ oder „Tragbarkeit“, die üblicherweise von konventionellem oder edlem Schmuck ohne Frage akzeptiert werden. Diese Qualität ist ein Produkt der Kritik der Kostbarkeit, ein Begriff, der die Herausforderung beschreibt, mit der Kunstjuweliere in den Vereinigten Staaten und in Europa die Idee finden, dass der Wert von Schmuck der Kostbarkeit seiner Materialien entspricht. Ursprünglich arbeiteten Kunstschmiede mit wertvollen oder Halbedelmaterialien, betonten jedoch den künstlerischen Ausdruck als wichtigste Qualität ihrer Arbeit und verknüpften ihren Schmuck mit modernistischen Kunstbewegungen wie Biomorphismus, Primitivismus und Tachisme. In den 1960er Jahren begannen Kunstschmiede, neue alternative Materialien wie Aluminium und Acryl in ihre Arbeiten einzuführen, die mit der historischen Rolle des Schmucks als Zeichen für Status und wirtschaftlichen Wert oder tragbaren Reichtum brachen. Als der Wertefokus nachließ, nahmen andere Themen als Schmuckthema seinen Platz ein. 1995 schrieb Peter Dormer die Auswirkungen der Kostbarkeitskritik wie folgt: „Erstens ist der Geldwert des Materials irrelevant; zweitens, sobald der Wert des Schmucks als Statussymbol deflationiert war, das Verhältnis zwischen Ornament und Schmuck der menschliche Körper nahm wieder eine beherrschende Stellung ein – Schmuck wurde körperbewusst, drittens verlor Schmuck seine Ausschließlichkeit für ein Geschlecht oder ein Alter – er konnte von Männern, Frauen und Kindern getragen werden. “

Kunsthandwerk Schmuck
Der Kunstschmuck, der in den ersten Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts entstand, war eine Reaktion auf den viktorianischen Geschmack, und der schwere und verzierte Schmuck, der häufig maschinell hergestellt wurde, war im 19. Jahrhundert beliebt. Laut Elyse Zorn Karlin „war Kunstschmuck für die meisten Juweliere eine persönliche künstlerische Suche sowie die Suche nach einer neuen nationalen Identität. Basierend auf einer Kombination von historischen Bezügen, Reaktionen auf regionale und weltweite Ereignisse, neu verfügbaren Materialien und anderen Faktoren Kunstschmuck spiegelte die Identität eines Landes wider und war gleichzeitig Teil einer größeren internationalen Reformreformbewegung. “ Anfänglich war Kunstschmuck für eine ausgewählte Gruppe von Kunden mit künstlerischem Geschmack interessant, wurde jedoch schnell von kommerziellen Unternehmen aufgegriffen und allgemein verfügbar gemacht.

Es gibt viele verschiedene Bewegungen, die zur Kategorie Kunstschmuck beigetragen haben, wie wir sie heute kennen. Als Teil der englischen Kunst- und Handwerksbewegung, die zwischen 1860 und 1920 florierte, produzierten Charles Robert Ashbee und seine Guild and School of Handicraft den frühesten Kunsthandwerksschmuck in einer Zunftumgebung. Die erste Generation von Juwelieren aus Kunst und Kunsthandwerk war der Meinung, dass ein Objekt von derselben Person entworfen und hergestellt werden sollte, auch wenn ihre Arbeiten als Gegenmittel für die industrielle Produktion präsentiert wurden. Als Reaktion auf Veränderungen in der Mode sowie auf die viktorianische Vorliebe für Sets, machten Juweliere aus Kunst und Handwerk Anhänger, Halsketten, Broschen, Gürtelschnallen, Umhangverschlüsse und Haarkämme, die allein getragen wurden. Kunst- und Handwerksschmuck tendierte auch dazu, Materialien mit geringem inneren Wert zu bevorzugen, die für ihre künstlerischen Wirkungen verwendet werden könnten. Unedle Metalle, Halbedelsteine ​​wie Opale, Mondsteine ​​und Türkis, Misshapenperlen, Glas und Muscheln und die reichhaltige Verwendung von Glasemail ermöglichten es den Juwelieren, kreativ zu sein und erschwingliche Objekte herzustellen.

Jugendstilschmuck aus Frankreich und Belgien trug ebenfalls wesentlich zum Kunstschmuck bei. Getragen von wohlhabenden und künstlerisch geschulten Kunden, darunter Kurtisanen der Pariser Demimonde, wurde der Jugendstilschmuck von Rene Lalique und Alphonse Mucha von symbolistischer Kunst, Literatur und Musik inspiriert und eine Wiederbelebung der kurvilinearen und dramatischen Formen der Rokokozeit. Elyse Zorn Karlin meint: „Das Ergebnis waren Juwelen von atemberaubender Schönheit und Phantasie, sinnlicher, sexueller und betörender und manchmal sogar erschreckender Art. Diese Juwelen waren weit entfernt von den symmetrischen und etwas beruhigenden Entwürfen von Arts and Crafts-Schmuck, was mehr bedeutet sehr ähnlich Renaissance-Juwelen. “ Lalique und andere Jugendstil-Juweliere mischten oft Edelmetalle und Edelsteine ​​mit billigen Materialien und bevorzugten Pliqué-a-Jour- und Cabochon-Emailtechniken.

Weitere wichtige Zentren der Kunstschmuckherstellung waren die Wiener Werkstätte in Wien, wo die Architekten Josef Hoffmann und Koloman Moser Schmuck aus Silber und Halbedelsteinen entwarfen, die manchmal mit Kleidung getragen werden sollten, die auch von der Werkstatt entworfen wurde. Die dänische Bewegung Skønvirke (ästhetische Arbeit), von der Georg Jensen das bekannteste Beispiel ist, bevorzugte Silber und einheimische skandinavische Steine ​​und eine Ästhetik, die zwischen den Grundsätzen des Jugendstils und des Kunstgewerbes liegt. Kunstschmuck in Finnland war gekennzeichnet durch eine Wiederbelebung der Wikinger, die mit seiner politischen Freiheit in Schweden im Jahr 1905 zusammenfiel, während der Modernismus in Spanien der Führung von Juwelieren im Jugendstil folgte. Kunstschmuck wurde auch in Italien, Russland und den Niederlanden praktiziert.

In den Vereinigten Staaten war Kunsthandwerksschmuck bei Amateuren beliebt, da er im Gegensatz zu Keramik, Möbeln oder Textilien nur eine bescheidene Investition in Werkzeuge benötigte und in der Küche gemacht werden konnte. Madeline Yale Wynne, eine der ersten amerikanischen Juweliere im Kunst- und Handwerksbereich, war Autodidakt und wandte sich ihrem Schmuck als Form und Komposition mit dem Schwerpunkt auf ästhetischen Qualitäten und nicht mit Können an und sagte: „Ich betrachte jede Anstrengung in Farbe und Form So wie ich ein Bild malen würde. “ Brainerd Bliss Thresher, ein anderer amerikanischer Kunst- und Kunsthandwerksjuwelier, verwendete für seine ästhetischen Qualitäten Materialien wie geschnitztes Horn und Amethyst. Er folgte dem Beispiel von René Lalique, der in seinem Schmuck Schmuck und andere Materialien kombinierte. Wie Janet Koplos und Bruce Metcalf vorschlagen, während die britische Arts and Crafts-Bewegung Kunst und Arbeit wieder vereinigen wollte, vereinten viele Amerikaner wie Thresher Kunst und Freizeit: „Die Ausübung des Handwerks als Erholung könnte eine Entlastung vom Druck sein eine schwierige Arbeit, eine Demonstration des guten Geschmacks und der Lebensfreude, eine höfliche Manifestation einer fortschrittlichen Politik oder ein Ausdruck der Freude, Arbeit zu befriedigen. “

Kunstschmuck geriet in den 1920er und 30er Jahren nicht mehr in den Stil und wurde von Art Deco überschattet. Das Publikum reagierte auf seine funktionale und ästhetische Herausforderung (zu zerbrechlich und ungeheuerlich). Es markiert jedoch einen bedeutenden Bruch mit dem, was vorher kam, und legte viele Werte und Einstellungen für die Ideale von Kunst und Atelierschmuck des 20. Jahrhunderts nieder. Wie Elyse Zorn Karlin schreibt: „Kunstschmuck schätzte das handgefertigte und geschätzte innovative Denken und den kreativen Ausdruck. Diese Juweliere waren die ersten, die Materialien verwendeten, die nicht den intrinsischen Wert hatten, den man bei Schmuck erwarten würde, und sie lehnten den traditionellen Schmuckgeschmack ab. Sie dachten daran ihre Arbeit als künstlerisches Streben und machte es für ein kleines Publikum, das ihre ästhetischen und konzeptionellen Werte teilte. “

Modernistischer Schmuck
Die Geschichte des Kunstschmucks ist an das Aufkommen des modernistischen Schmucks in urbanen Zentren der Vereinigten Staaten in den 1940er Jahren gebunden. Laut Toni Greenbaum: „Ab etwa 1940 begann sich in den Vereinigten Staaten eine revolutionäre Schmuckbewegung zu entwickeln, die durch die Zerstörung des Zweiten Weltkriegs, das Trauma des Holocaust, die Angst vor der Bombe und die Politik vorangetrieben wurde Vorurteile, die Sterilität der Industrialisierung und die Kompromisslosigkeit des Kommerzialismus. “ Modernistische Juweliergeschäfte und Ateliers entstanden in New York City (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer und Jules Brenner in Greenwich Village sowie Ed Wiener, Irena Brynner und Henry Steig in Midtown Manhattan) und die Bay Area an der Westküste (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, Merry Renk, Irena Brynner, Francis Sperisen und Bob Winston). Das Publikum für den Schmuck der Moderne war der liberale, intellektuelle Rand des Mittelstandes, der auch die moderne Kunst unterstützte. Die Kunsthistorikerin Blanche Brown beschreibt den Reiz dieses Werkes: „Um 1947 ging ich in Ed Wieners Laden und kaufte einen seiner silbernen Vierkantspiralen … weil es toll aussah, konnte ich es mir leisten und identifizierte mich mit der Gruppe von Meine Wahl – ästhetisch bewusst, intellektuell geneigt und politisch fortschrittlich. Diese Anstecknadel (oder eine von ein paar anderen) war unser Abzeichen, und wir haben sie stolz getragen. Sie zelebrierte die Hand des Künstlers und nicht den Marktwert des Materials. “

Im Jahr 1946 organisierte das Museum of Modern Art in New York die Ausstellung Modern Handmade Jewelry, die Arbeiten von Studio-Juwelieren wie Margaret De Patta und Paul Lobel sowie Schmuck moderner Künstler wie Alexander Calder, Jacques Lipchitz und Richard Pousette-Dart umfasste . Diese Ausstellung tourte durch die Vereinigten Staaten, gefolgt von einer Reihe einflussreicher Ausstellungen im Walker Art Center in Minneapolis. Kelly L’Ecuyer meint: „Calder’s Schmuck war für viele Museums- und Galerieausstellungen dieser Zeit von zentraler Bedeutung und er gilt nach wie vor als wegweisend für zeitgenössischen amerikanischen Schmuck.“ Mit kalter Konstruktion und groben Techniken, die einen Geist der Improvisation und Kreativität suggerierten, teilt Calder’s Schmuck die Linien und Bewegungen seiner Skulptur mit, um den Raum zu beschreiben. Dabei entstehen Schmuckstücke, die sich oft mit dem Körper des Trägers bewegen. Eine starke Verbindung zu Kunstbewegungen ist in dieser Zeit typisch für amerikanischen Kunstschmuck. Während Calder ein primitivistisches Interesse an afrikanischer und altgriechischer Kunst zeigte, fertigte Margaret De Patta konstruktivistischen Schmuck, der das Licht, den Raum und die optische Wahrnehmung gemäß den Lektionen, die sie von László Moholy-Nagy am New Bauhaus in Chicago gelernt hatte, manipuliert. Toni Greenbaum schreibt: „Nachdem sein Mentor, John Haley, ihm Werke von Matisse und Picasso gezeigt hatte, rief Bob Winston aus:“ Das ist die Art von Mist, die ich mache! „. Die Materialien von modernistischem Schmuck – organische und anorganische unedle Substanzen sowie gefundene Gegenstände – korrelieren mit kubistischen, futuristischen und dadaistischen Einstellungen, während die Stile von modernistischem Schmuck – Surrealismus, Primitivismus, Biomorphismus und Konstruktivismus – ebenfalls Kunstbewegungen sind .

Kunstschmuck seit 1960
Das Wachstum von Schmuck in den Vereinigten Staaten nach dem Krieg wurde durch das Konzept unterstützt, dass Schmuckherstellungstechniken, die die Hand- und Armmuskulatur stärken und die Auge-Hand-Koordination fördern sollen, eine Rolle in Physiotherapieprogrammen für Veteranen des Zweiten Weltkriegs spielten. Das War Veterans ‚Art Center im Museum of Modern Art, angeführt von Victor D’Amico, der School for American Craftsman, und die von Margret Craver in New York City durchgeführten Workshops befassten sich mit den Bedürfnissen der Rückkehr amerikanischer Soldaten während der GI-Rechnung of Rights bot kostenlosen Collegeunterricht für Veteranen an, von denen viele Handwerksarbeiten absolvierten. Kelly L’Ecuyer meint dazu: „Neben der individuellen Kreativität hat die Verbreitung von handwerklicher Ausbildung und Therapie für Soldaten und Veteranen in den Vereinigten Staaten während und nach dem Krieg einen Anreiz für das gesamte Studiofachwerk geschaffen, insbesondere für den Schmuck- und Metallschmiedebereich. Öffentlichkeit und private Ressourcen, die den Handwerksprogrammen der Veteranen gewidmet waren, haben den Grundstein für länger andauernde Bildungsstrukturen gelegt und ein breites Interesse am Handwerk als kreativen, erfüllenden Lebensstil entwickelt.

In den frühen 1960er Jahren stellten die Absolventen dieser Programme nicht nur die konventionellen Ideen von Schmuck in Frage, sondern unterrichteten eine neue Generation amerikanischer Juweliere in neuen Universitätsprogrammen für Schmuck- und Metallschmiedekurse. Zur gleichen Zeit wurde architektonischer Schmuck entwickelt.

In den 1960er und 1970er Jahren förderte und unterstützte die deutsche Regierung und die kommerzielle Schmuckindustrie moderne Schmuckdesigner stark und bildeten so einen neuen Markt. Sie kombinierten modernes Design mit traditioneller Goldschmiedekunst und Schmuckherstellung. Orfevre, die erste Galerie für Kunstschmuck, wurde 1965 in Düsseldorf eröffnet.

Ausstellungen
Die Akzeptanz von Schmuck als Kunst wurde in den Vereinigten Staaten nach dem Zweiten Weltkrieg sehr schnell von bedeutenden Museen wie dem Museum of Modern Art in New York und dem Walker Art Center in Minneapolis gefördert, die jeweils bedeutende Ausstellungen von Kunstschmuck in den USA veranstalteten 1940er Jahre. Das Museum für Kunst und Design, ehemals The American Craft Museum, begann seine Sammlung 1958 mit Werken aus den 1940er Jahren. Andere Museen, deren Sammlungen zeitgenössische (amerikanische) Schmuckdesigner umfassen, umfassen das Cleveland Museum of Art, das Corning Museum of Glass, das Mint Museum für Kunsthandwerk und Design in Charlotte, NC, das Museum of Fine Arts, Boston, das Museum of Arts Fine Arts, Houston und die Renwick Gallery des Smithsonian Museum.

Einige berühmte Künstler, die in der Vergangenheit Kunstschmuck kreierten, waren Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí und Nevelson. Einige davon waren in der Sculpture to Wear Gallery in New York vertreten, die 1977 geschlossen wurde.

Die Artwear Gallery, die Robert Lee Morris gehörte, setzte sich in diesem Bestreben fort, Schmuck als Kunstform zu präsentieren.

Eine Kunstschmucksammlung befindet sich im Schmuckmuseum in Pforzheim.

Liste der Schmuckkünstler
Gelistet in dem Jahrzehnt, in dem sie erstmals anerkannt wurden:

1930er Jahre
Suzanne Belperron, Frankreich, 1900-1983

1940er Jahre
Margaret De Patta, USA, 1903–1964
Art Smith, USA, 1923–1982

1950er Jahre
Irena Brynner, USA, 1917-2003
Claire Falkenstein, USA, 1908–1998
Peter Macchiarini, Vereinigte Staaten, 1909-2001

1960er Jahre
Gijs Bakker, Niederlande, 1942-
Kobi Bosshard, Schweiz / Neuseeland, 1939-
Stanley Lechtzin, USA, 1936-
Charles Loloma, USA, 1921–1991
Olaf Skoogfors, Schweden, 1930–1975
J Fred Woell, Vereinigte Staaten, 1936-2016

70er Jahre
Arline Fisch, USA, 1931-
William Claude Harper, USA, 1944-
Mazlo, Libanon 1949 – Frankreich
Robert Lee Morris, Deutschland 1947 – Vereinigte Staaten

1980er Jahre
Warwick Freeman, Neuseeland, 1953-
Lisa Gralnick, USA, 1953-
Bruce Metcalf, USA, 1949-
Alan Preston, Neuseeland, 1941-
Bernhard Schobinger, Schweiz, 1946

1990er Jahre
Andrea Cagnetti – Akelo, Italien, 1967
Karl Fritsch, Deutschland / Neuseeland, 1963-
Linda MacNeil, USA, 1954-
Lisa Walker, Neuseeland, 1967-
Areta Wilkinson, Neuseeland, 1969
Nancy Worden, USA, 1954-
Karen Pontoppidan, Dänemark

2000er Jahre
Rebecca Rose, USA, 1980
Betony Vernon, USA, 1968