Antoni Clavé Rooms, Palast der Generalitat von Katalonien

Die Antoni Clavé-Räume grenzen an den Konferenzraum und nehmen den Rest des Raums unter dem Innenhof der Orangenbäume ein. Die Räume Antoni Clavé im Erdgeschoss entsprechen den Pati dels Tarongers im Erdgeschoss, benannt nach dem bekannten katalanischen Künstler Antoni Clavé i Sanmartí (1913–2005), der beauftragt wurde, eine Reihe großer Stücke für das zu malen Platz.

das in den Tagen von Enric Prat de la Riba (1912) unter der Leitung von Josep Puig i Cadafalch vom Land befreit wurde, um diese Räume zu bauen. Sie sind Antoni Clavé gewidmet, einem bedeutenden katalanischen Künstler (1913-2005), der speziell die ausgestellten großformatigen Gemälde anfertigte, begleitet von einer Auswahl besonders bedeutender Werke, die zusammen mit einer Auswahl seiner früheren und besonders bedeutenden Werke ausgestellt werden .

Sie wurden 1993 im Palast installiert. Sie bilden die Veranda des Auditoriums oder des Konferenzraums, ergänzen ihre Nutzung und ermöglichen den Zugang zum neuen Presseraum.

Biografie
Antoni Clavé (5. April 1913 – 1. September 2005) war ein katalanischer Malermeister, Grafiker, Bildhauer, Bühnenbildner und Kostümbildner. Für seine Arbeit an dem Film Hans Christian Andersen aus dem Jahr 1952 wurde er für zwei Oscar-Preise (Best Art Direction und Best Costume Design) nominiert.

Clavé war einer der bekanntesten und berühmtesten Künstler Spaniens. Seine Arbeit entwickelte sich von einem barocken, ornamentalen Stil zu einer reinen, minimalen Ästhetik. In seinen späteren Jahren ist seine Arbeit völlig abstrakt, verwendet ausdrucksstarke Linien und erkundet die Grenzen von Collage, Objekt, Schattierung, Textur und Farbe. Er wurde an der School of Fine Arts in Barcelona ausgebildet, wo er von Angel Ferrant und Felix Mestres unterrichtet wurde. Seine Werke werden von Künstlern wie Bonnard, Vuillard und Roualt beeinflusst. Bekannt wurde er durch seine lyrischen Abstraktionen, die Farbe mit Collage verbinden.

Clavé kämpfte in der republikanischen Armee im spanischen Bürgerkrieg und diente als Zeichner für die republikanische Regierung. Er kam 1939 als Flüchtling nach Frankreich und ging direkt nach Paris, um als Illustrator zu arbeiten. Seine erste Einzelausstellung fand 1940 in der Buchhandlung Au sans Pareil in der 37 Avenue Kleber in Paris statt, wo Max Ernst und andere führende Persönlichkeiten der Dada-Bewegung in den 1920er Jahren ihre ersten Ausstellungen hatten. 1944 lernte Clavé Picasso kennen und begann, Figurenkompositionen zu machen, die stark von Picassos Werken beeinflusst waren und Könige, Harlekine, Kinder und Stillleben zeigten.

Seine Theaterentwürfe wurden auf Bühnen in New York, München, London und Paris sowie im Film Hans Christian Andersen von 1952 gezeigt. Zu seinen Werken gehören Bühnenbilder für Oper, Theater und Ballett, insbesondere für Roland Petits Ballettkompanie Les Ballets des Champs Elysees (1945-1951), darunter Los Caprichos (1946) Carmen (1949) und ein von Roland Petit choreografiertes Comic-Ballett namens Deuil de 24 Heures. 1951 entwarf er La maison de Bernarda Alba (Das Haus von Bernarda Alba) für den Regisseur Marcel Achard am Theater de l’Oeuvre in Paris und 1962 eine Produktion von Die Hochzeit des Figaro für Maurice Sarrazin im Théatre de la cour de l’Archeveché in Aix-en-Provence.

1957 begann Clavé mit der Gestaltung von Teppichen und ab 1960 mit der Arbeit an skulpturalen Basreliefs, Assemblagen und totemartigen Skulpturen aus Holz und modelliertem oder bedrucktem Blei. Er benutzte auch einige Objekte Trouvé. 1965 zog Clavé nach Südfrankreich in der Nähe von Saint-Tropez.

Seine Arbeiten werden in vielen Museen ausgestellt, darunter in den Kunstmuseen von San Francisco, im Nationalmuseum Serbiens, im Museo Patio Herreriano de Valladolid in Spanien, im Museo Patio Herresriano, in der Tate Gallery in London, im Museo de Bellas Artes de Bilbao, im Museum of Modern Art, Paris, Museo Nacional de Arte Reina Sofia Museo Arte Reina Sofia, Madrid, Museum für moderne Kunst in Tokio und British Museum, London.

Früh in Barcelona
1926 begann er sein Studium am Hauptsitz der Carrer Aribau in der Escola Llotja. Dort wird er Angel Ferrant als Bildhauer und José Mongrell als Mallehrer haben. Einige seiner Kollegen waren der Maler Emili Grau Sala und die Bildhauer Eduald Serra und Jordi Casals. Eine von Clavés ersten Leinwänden war eine Kopie einer Landschaft von Mongrell, die Pierre Cabanne in seiner monografischen Arbeit über den Maler reproduziert. Clavés frühe Arbeiten zeigen also die akademischen Merkmale seiner Ausbildung. Tatsächlich erklärte Clavé, dass er bei seinem ersten Blick auf ein Werk von Matisse verschwommen war.

In den frühen 1930er Jahren kam er dank seines Freundes, auch des Malers Salvador Ortiga, der die Kunst, die zu dieser Zeit in Paris hergestellt wurde, als Bezugspunkt für die Moderne aus erster Hand kannte, zum ersten Mal mit der Avantgarde-Kunst in Kontakt . Clavés Interesse an der Technik der Collage und der Verwendung unorthodoxer Materialien auf dem Gebiet der Malerei entstand dann. 1936 besuchte er auch eine Ausstellung von Picasso in Barcelona, ​​die seine Arbeit stark beeinflusste.

1933 begann er seine Karriere als Filmplakatkünstler. Als er bei Can Tolosa arbeitete, erfuhr er, dass CINAES, ein Filmvertrieb und das wichtigste Kunstunternehmen in Barcelona, ​​nach einem Plakatkünstler suchte, der große Tafeln mit Filmen illustrierte, die Woche für Woche vor der Tür einiger Kinos Premiere hatten. die Teil des Unternehmens waren. Seine Zeichen sind leicht zu erkennen, mit einem Stil, der klare Einflüsse von Kubismus, Art-Deco und Surrealismus hat. Clavé appellierte nicht an die Reproduktion des Bildes eines Schauspielers oder eines Rahmens des Films, sondern schuf seinen eigenen Stil, der durch Vereinfachung der Formen gekennzeichnet war.

1936, mit dem Ausbruch des Bürgerkriegs und als er als Plakatkünstler berühmt wurde, wurde er an die Spitze gerufen, so dass er seine künstlerische Karriere vorübergehend aufgeben musste. Nach dem Konflikt flüchtete er nach Paris.

Paris und die Theaterkulissen
In der französischen Hauptstadt traf er andere Verbannte wie Grau Sala, Martí Bas und Apel les Fenosa. Parallel zur Werbearbeit machte er in den 1930er Jahren eine hauptsächlich karikaturistische Arbeit mit surrealistischen und traumhaften Echos, die jedoch von einer sanften nostalgischen dekorativen Anmut geprägt war, ein wenig wie sein Freund Grau Sala. Die ersten Jahre leben jedoch von kleinen Umständen. Bis Mitte der 1950er Jahre hatte Clavé zwei Hauptthemen: die Illustration bibliophiler Bücher, von denen Rabelais ‚Gargantua das Highlight ist, und die Dekoration und Produktion von Bühnenbildern und Kostümen. von Theater und Musik, mit denen es mehr als bemerkenswerte Erfolge erzielen wird. Er begann 1946 mit dem Ballett Los Caprichos, inspiriert von Goya-Radierungen, für die Gesellschaft der Champs-Elysées. Bemerkenswert ist auch Roland Petits Auftrag für das Carmen Ballet, dessen Sets bis in die 90er Jahre weiter verwendet werden.

Es ist zu bedenken, dass die Entdeckung der besten Kunst der Pariser Museen ein großer Schock für ihn war und seine erste Bildarbeit von Vuillard und insbesondere Pierre Bonnard beeinflusst wurde.

Aufgrund seines Wohnsitzes in dieser Stadt hat er sich der bekannten Pariser Schule mit anderen Künstlern anderer Nationalitäten angeschlossen, aber auch mit dem spanischen Künstler Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró oder Antonio Saura, mit denen er seinen Wohnsitz in Frankreich teilte Kapital und mehr als spezifische künstlerische Trends.

1944 lernte er Picasso persönlich kennen, eine Tatsache, die ihn zeitlebens prägte, und es war eine Freundschaft, die bis zum Tod des Künstlers aus Malaga andauerte. Seitdem hat er den eingeschlagenen Weg aufgegeben und begonnen, ein Werk mit viel anderer und weniger klassischer Kunst zu entwickeln.

Kings and Warriors-Serie
Während der Entwicklung der Theaterlandschaft begann Clavé mit der Arbeit an Illustrationen von Gargantúa, die ihn dazu brachten, sich mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut zu machen, die er in seiner berühmten Serie von Kriegern, Königen, Königinnen und Rittern entwickelte und die sie am Anfang in einem gewissen Realismus darstellten , aber dass im Laufe der Zeit die Abstraktion innerhalb der Entwicklung seiner Bildarbeit an Boden gewann. Die Figuren verlieren an Präzision und Form und weichen dem Strich und einer persönlichen Auswahl an Farben und Texturen als Hauptakteure seiner Arbeiten. Clavés Gemälde wird jedoch immer ein figuratives Element behalten, das dazu dient, es aus seinen Kompositionen zu strukturieren.

1952 nahm er an dem Film Hans Christian Andersen („Andersen Magnificent“) unter der Regie von Charles Vidor teil, der für die Realisierung der Szenerie (zusammen mit Richard Day und Howard Bristol) und der Kostüme (zusammen mit Mary Willis und Barbara Karinska) verantwortlich war für die sie eine Oscar-Nominierung war. Ab 1954 gab er jedoch die Malerei auf und widmete sich der Malerei.

1960er Jahre
In den 1960er Jahren wurde Domenikos Theotokopoulos ‚“El Greco“ -Hommage vom Künstler geehrt. In dieser Zeit sieht man deutlich die Einflüsse der Klassiker und des Barock. Von besonderer Bedeutung ist das Thema des Ritters von der Hand bis zur Brust, das eine Referenz darstellt, insbesondere die Hand, die in Clavés zukünftigen Arbeiten wiederholt wird. Zu dieser Zeit ist es durch den endgültigen Schritt in Richtung Abstraktion in seiner Arbeit gekennzeichnet, wo es die vom Künstler gewählte Figur oder das vom Künstler gewählte Thema deutlich überlappt.

1970er Jahre
In den 1970er Jahren setzte Clavé seine Entwicklung von Formen und Farben mit einer Vielzahl von Techniken wie Collage oder „Trompe-l’oeil“ fort und erfand sogar neue wie die „papier froissé“ -Frucht einer technischen Ursache bei der Verwendung von Aerosol auf zerknitterten Papieren, die er nicht nur in dieser Zeit, sondern auch in späteren Zeiten auf sehr persönliche Weise verwendete.

1978 widmete das Nationalmuseum für moderne Kunst in Paris, heute das Centre Georges Pompidou, die erste Retrospektive, die Clavé zu einem der renommiertesten Künstler seiner Generation machte.

1980er Jahre
Die 1980er Jahre waren bemerkenswert für Picassos Serie „A Don Pablo“, die von Picassianischen Drucken inspiriert war, sowie für die Einflüsse, die er auf zwei großen Reisen nach Japan und New York erhielt, wo sie die Aspekte destillierten, die die Aufmerksamkeit des Historischen am meisten auf sich zogen und soziale Kultur dieser Orte. Antoni Clavé mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya im Jahr 1984.

Darüber hinaus gewann er den City of Barcelona und den National Fine Arts Award. Es ist auch wichtig, die Retrospektive hervorzuheben, die 1989 im Palau de la Virreina präsentiert wurde, und im folgenden Jahr eine große anthologische Ausstellung im Palau Robert, beide in Barcelona. Bereits 1990 gab der Stadtrat von Barcelona ein monumentales Totem aus Stahl und Beton in Auftrag, um an das 100-jährige Bestehen der Weltausstellung 1988 zu erinnern, die im Ciutadella-Park installiert ist.

Letzte Lebensjahre
Seine Arbeiten in den 1990er Jahren und zu Beginn des Jahrhunderts xxi sind dafür bekannt, die abstrakten Texturen unter Verwendung von „beleidigenden Papieren“ und anderen Themen, die in früheren Stadien verwendet wurden, nachzubilden.

Die internationale Anerkennung dieses Künstlers zeigt sich in der Fülle seiner Werke in wichtigen privaten und öffentlichen Sammlungen in verschiedenen Ländern der Welt wie Frankreich, Japan, den USA, der Schweiz und Korea. Im März 2013 begannen die Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag mit einer Gemäldeausstellung im Can Framis Museum der Vila Casas Foundation.

1993 wurden die Antoni Clavé-Räume im Palau de la Generalitat eingeweiht, wo Sie eine Dauerausstellung des Werks von 1958 bis 1993 genießen können. Kürzlich lobten zwei große Ausstellungen den Werkkünstler des Insignes: die erste in La Pedrera de Barcelona 1996 und das letzte im Centro Cultural Conde Duque de Madrid 1999. Nach seinem Tod am 31. August 2005 organisierte die Joan Abelló Municipal Foundation im März 2006 eine große retrospektive Ausstellung, die erste von einer öffentlichen Einrichtung nach seinem Tod noch einmal zu loben und die Figur von Antoni Clavé zu verdienen. In dieser Retrospektive wurde das Erbe, das der Künstler uns durch seine plastische Kreation hinterlassen hat, als Ergebnis eines alleinigen und stillen Kampfes gewürdigt, was jedoch zu einem außergewöhnlichen Werk von aufrichtigem Geist geführt hat, einzigartig und einfühlsam, offen für alle plastischen Erfindungen und über alle Grenzen hinweg, sowohl geografisch als auch zeitlich.

Sein Stil
Antoni Clavé verwendete unter anderem Malerei, Skulptur, Zeichnung, Gravur, Plakate, Keramik, Theaterkulisse, Collage oder Buchillustration. Er beschritt einen neuen Weg, der Kampf um eine einzigartige und einzigartige Sprache nahm Gestalt an. Einerseits wollte es die Suche, Vereinfachung und Reinigung der Form erreichen, andererseits versuchte es, die Grenze zwischen Figuration und Abstraktion zu überschreiten, Elemente, die das Arbeitstier bildeten, das sich auf das Problem seiner Erzeugung konzentrierte.

Clavé ließ sich in Paris nieder und entdeckte die Ungestümheit von Rouault und Soutine. Aus seinen Begegnungen mit Rabelais geht die Idee hervor, großartige Serien zu schaffen, ein Merkmal, das für viele Jahre ein Markenzeichen seiner Arbeit sein würde. Serien von Mannequins, Königen, Kriegern oder Stillleben waren die wertvollsten und herausragendsten Beispiele seiner Malerei. Dies ist der Moment, in dem Werke wie dieses geboren werden. Le Roi, 1957, Figuren, die von der Zeichnung der menschlichen Figur ausgehen, dem Gesicht, in dem sich das Denken und die Sensibilität manifestieren und externalisieren. Dies ist eine Zeit, in der der figurative Referent für die Komposition immer noch von wesentlicher Bedeutung ist, obwohl er schrittweise zu einem viel gestenfreieren Strich synthetisiert und auf vorgefasste Weise für einen viel ausdrucksstärkeren und suggestiveren Dialog freigegeben wird. In diesem Abschnitt kennt Clavés Fantasie keine Grenzen und überrascht uns jedes Mal mit seiner kreativen Begabung. Bereits in den 1950er Jahren wurden ihre Umrisse vereinfacht, während der Chromatismus in dem irreversiblen Streben nach einer Askese synthetisiert wurde, die dem Expletiven beraubt war. So entwickelte sich seine Arbeit in seinen reifen Jahren nach einer Reihe formaler Schema-Debugging zur Abstraktion.

Palast der Generalitat von Katalonien
Der Palau de la Generalitat im gotischen Viertel von Barcelona ist eines der wenigen Gebäude mittelalterlichen Ursprungs in Europa, die als Regierungssitz und für dieselbe Institution, für die er gebaut wurde, erhalten wurden.

Das ursprüngliche Haus an der Carrer Sant Honorat wurde 1400 erworben und im 15. Jahrhundert erweitert und in einen neuen gotischen Palast umgewandelt, das Werk von Marc Safont. Zu den am besten erhaltenen Elementen aus dieser Zeit zählen die Gotische Galerie und die Kapelle Sant Jordi.

Im 16. Jahrhundert wuchs der Palau de la Generalitat mit einem neuen Teil, der den früheren gotischen Stil respektierte, wie der Cambra Daurada (Goldene Kammer) und dem ersten Pati dels Tarongers (mit Orangenbäumen bepflanzter Innenhof). Die radikalsten Veränderungen ergaben sich mit der Erweiterung auf den Plaça Sant Jaume (1597-1619): Die heutige Hauptfassade wurde von der italienischen Renaissance inspiriert, und es gibt vier dorische Säulen römischen Ursprungs aus dem 2. Jahrhundert.

Die letzten größeren Änderungen am Gebäude erfolgten in der Zeit der Mancomunitat de Catalunya, des katalanischen Commonwealth (1914-1925): Gegenstände wie die Ehrentreppe und die Reiterstatue von Sant Jordi wurden hinzugefügt. Bemerkenswert ab den 1970er Jahren ist der Erwerb von mehr als hundert modernen, avantgardistischen und zeitgenössischen Kunstwerken durch Künstler wie Montserrat Gudiol, Josep Maria Subirachs, Antoni Clavé, Joan Hernández Pizjuán und Antoni Tàpies.