Anselm Kiefer: Die sieben himmlischen Paläste 2004-2015, Pirelli HangarBicocca

Konzipiert und präsentiert für die Eröffnung von Pirelli HangarBicocca im Jahr 2004 durch ein Projekt von Lia Rumma, verdankt die permanente ortsspezifische Installation von Anselm Kiefer, Die sieben himmlischen Paläste, ihren Namen den Palästen, die in der alten jüdischen Abhandlung Sefer Hechalot, dem “ Buch der Paläste / Heiligtümer „aus dem IV-V Jahrhundert n. Chr., Das den symbolischen Weg der spirituellen Einweihung desjenigen beschreibt, der sich der Gegenwart Gottes nähern möchte.

Der Name der ortsspezifischen Installation „Die sieben himmlischen Paläste“ – konzipiert und präsentiert für die Eröffnung von Pirelli HangarBicocca im Jahr 2004 und basierend auf einem Projekt von Lia Rumma – wurde von den in der alten hebräischen Abhandlung „Sefer Hechalot“ beschriebenen Palästen abgeleitet. das „Buch der Paläste / Heiligtümer“, das aus dem 4.-5. Jahrhundert n. Chr. stammt. Der Band beschreibt den symbolischen Weg der spirituellen Einweihung, den jeder unternehmen muss, der Gott näher kommen möchte.

Die sieben Türme, von denen jeder 90 Tonnen wiegt und sich auf Höhen zwischen 14 und 18 Metern erhebt, wurden aus Stahlbeton unter Verwendung der eckigen Konstruktionsmodule von Schiffscontainern hergestellt. Der Künstler hat zwischen die verschiedenen Ebenen jedes Turms Bleibücher und Keile eingefügt, die unter dem Gewicht des Betons komprimieren und die statische Natur der Struktur weiter gewährleisten.

Mehr als nur ein funktionaler Wert, für Kiefer hat die Verwendung dieses Metalls eine symbolische Bedeutung: Tatsächlich wird Blei traditionell als Material der Melancholie angesehen. „Die sieben himmlischen Paläste“ ist ein Ausgangspunkt für Kiefers gesamte künstlerische Produktion, indem er seine Hauptthemen zusammenfasst und sie in eine neue, zeitlose Dimension projiziert: Sie enthalten eine Interpretation der alten hebräischen Religion; Darstellung der Ruinen der westlichen Zivilisation nach dem Zweiten Weltkrieg; und Projektionen in eine mögliche Zukunft, durch die der Künstler uns einlädt, uns der Gegenwart zu stellen.

Fünf große Leinwände, die zwischen 2009 und 2013 hergestellt und erstmals ausgestellt wurden, bereichern und erweitern „The Seven Heavenly Palaces“, die permanente Installation von Anselm Kiefer. Die zusätzliche Ausstellung im Jahr 2015, kuratiert von Vicente Todolí, hat das Werk des Künstlers überdacht und ihm eine neue Bedeutung verliehen. Diese Gemälde bilden zusammen mit den „Türmen“ eine einzige Installation mit dem Titel „Die sieben himmlischen Paläste 2004-2015“, die Themen behandelt, die bereits in der ortsspezifischen Arbeit enthalten sind: große architektonische Konstruktionen der Vergangenheit als Versuch des Menschen, zum Göttlichen aufzusteigen; Konstellationen durch astronomische Nummerierung dargestellt.

Dank dieser neuen Darstellung wird Kiefers künstlerische Praxis durch Malerei weiter erforscht, wobei Überlegungen hervorgehoben werden, die für seine Poetik von zentraler Bedeutung sind, wie die Beziehung zwischen Mensch und Natur; oder Verweise auf die Geschichte des Denkens und der westlichen Philosophie. Besucher können durch den Raum der „Türme“ gehen und neue Werke erleben und neue Perspektiven erkunden, die aus dem Dialog zwischen den Gemälden und der Installation hervorgehen.

Der Künstler
Anselm Kiefer wurde 1945 in Donaueschingen geboren. Nach dem Studium der Rechtswissenschaften und Literatur widmete er sich der Kunst. Seine ersten Werke, die in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre entstanden sind, sind von der Geste und Arbeit des Künstlers Joseph Beuys beeinflusst. Zwischen 1993 und 2007 zog Anselm Kiefer nach Barjac in Südfrankreich, wo er eine 350.000 Quadratmeter große Seidenfabrik in sein Heimstudio verwandelte. Heute lebt und arbeitet er in Croissy und Paris, aber viele seiner großen Installationen befinden sich immer noch in Barjac, in einer Art persönlichem Museum und Gesamtkunstwerk.

Kiefer setzt sich in seinem gesamten Werk mit der Vergangenheit auseinander und geht auf Tabu und kontroverse Themen aus der jüngeren Geschichte ein. Themen aus der nationalsozialistischen Herrschaft spiegeln sich besonders in seiner Arbeit wider; So wurde das Gemälde „Margarethe“ (Öl und Stroh auf Leinwand) von Paul Celans bekanntem Gedicht „Todesfuge“ inspiriert.

Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine unerschütterliche Bereitschaft aus, sich mit der dunklen Vergangenheit seiner Kultur und dem nicht realisierten Potenzial in Werken auseinanderzusetzen, die oft in einem großen, konfrontativen Maßstab ausgeführt werden, der gut zu den Themen passt. Es ist auch charakteristisch für seine Arbeit, Unterschriften und / oder Namen von Personen von historischer Bedeutung, legendären Figuren oder historischen Orten zu finden. All dies sind verschlüsselte Siegel, mit denen Kiefer versucht, die Vergangenheit zu verarbeiten. Dies hat dazu geführt, dass seine Arbeit mit den Bewegungen Neuer Symbolismus und Neo-Expressionismus verbunden ist.

Künstlerischer Prozess
Im Allgemeinen schreibt Kiefer traditionelle Mythologie, Bücher und Bibliotheken als seine Hauptthemen und Inspirationsquellen zu. In seinen mittleren Jahren kam seine Inspiration von literarischen Figuren, nämlich Paul Celan und Ingeborg Bachmann. Seine späteren Arbeiten enthalten Themen aus jüdisch-christlichen, altägyptischen und orientalischen Kulturen, die er mit anderen Motiven kombiniert. Kosmogonie ist auch ein großer Schwerpunkt in seinen Arbeiten. Insgesamt sucht Kiefer nach dem Sinn der Existenz und „Repräsentation des Unverständlichen und des Nichtrepräsentativen“.

Philosophie
Kiefer schätzt eine „spirituelle Verbindung“ mit den Materialien, mit denen er arbeitet, „um den Geist zu extrahieren, der bereits in ihm lebt“. Dabei transformiert er seine Materialien unter anderem mit Säurebädern und physischen Schlägen mit Stöcken und Äxten.

Er wählt oft Materialien aufgrund ihrer alchemistischen Eigenschaften – insbesondere Blei. Kiefers anfängliche Anziehungskraft auf Blei entstand, als er im ersten Haus, das er besaß, alternde Rohre reparieren musste. Schließlich bewunderte er seine physischen und sensorischen Eigenschaften und begann mehr über seine Verbindung zur Alchemie zu erfahren. Physisch mag Kiefer besonders, wie das Metall während des Erhitzungs- und Schmelzprozesses aussieht, wenn er viele Farben sieht, insbesondere Gold, das er mit dem von Alchemisten gesuchten symbolischen Gold assoziiert.

Kiefers Verwendung von Stroh in seiner Arbeit steht für Energie. Er behauptet, dies liege an den physikalischen Eigenschaften des Strohs, einschließlich der Farbe Gold und seiner Freisetzung von Energie und Wärme beim Verbrennen. Die entstehende Asche macht Platz für eine neue Schöpfung und spiegelt so die Motive der Transformation und den Lebenszyklus wider.

Kiefer schätzt auch das Gleichgewicht zwischen Ordnung und Chaos in seiner Arbeit und erklärt: „Wenn es zu viel Ordnung gibt, ist [das Stück] tot; oder wenn es viel Chaos gibt, passt es nicht zusammen.“ Darüber hinaus kümmert er sich intensiv um den Raum, in dem sich seine Werke befinden. Er gibt an, dass seine Werke „ihre Kraft vollständig verlieren“, wenn sie in die falschen Räume gestellt werden.

Stil und Materialien
Formal ist Kiefers Werk monumental und figurativ („Ohne Objekt würde ich sowieso kein Bild machen“). Seine bevorzugte Farbe ist Grau, die „Farbe des Zweifels“. Inhalt zeugen von der Arbeit einer „Fortsetzung der Historienmalerei“ und einer „intensiven Erforschung kultureller Sammlungen“. Amerikanische Kunstkritiker stellen ihn in die Tradition der romantischen Landschaftsmalerei von Caspar David Friedrich.

Kiefer bewertet skeptisch den „klassischen Arbeitsprozess des Malers mit einer Idee, einem Skizzenbuch, einer Ausführung“, die er nicht hat; „Weil ich dafür ein gewünschtes Ergebnis annehmen müsste, und das interessiert mich nicht.“ „Ich sehe meine Bilder wie Ruinen oder wie Bausteine, die zusammengesetzt werden können. Sie sind Material, mit dem man etwas bauen kann, aber sie sind nicht perfekt. Sie sind nichts näher als der Perfektion.“ Menschliche Werke werden selten in dargestellt seine Werke erscheinen, wenn sie als „Ikonen, kulturgeschichtliche Symbole für Menschen“ oder als Selbstdarstellungen erscheinen. Wiederkehrende Themen und Themen sind traditionelle Mythen, Bücher und Bibliotheken. Er stimmte einem Interviewer zu, dass seine Arbeit „im Zusammenspiel von Mythologie und Verhältnis“ stattfand. Er war ein „Künstler der Unterwelt“ („Ich bin ein Künstler der Unterwelt“), ist eine seiner jüngeren Selbstcharakterisierungen. Armin Zwei versteht Kiefers Malerei als Interpretation der Welt, nicht als Visualisierung der subjektiven Wahrnehmung, sondern als Interpretation der Welt, „Aneignung des Unverständlichen“.

Nur wenige zeitgenössische Künstler haben ein so starkes Gespür für die Verpflichtung der Kunst, sich mit den vergangenen und ethischen Fragen der Gegenwart auseinanderzusetzen. Ende der 1980er Jahre übernahm er in einem „Art Talk“ die Verantwortung für Kunst wie folgt: „Ich glaube, dass Kunst Verantwortung übernehmen muss, aber sie sollte nicht aufhören, Kunst zu sein. Mein Inhalt mag nicht zeitgemäß sein, aber es mag sein politisch. „Wie der Kunsthistoriker Werner Spies feststellt, hat Kiefer wie nur Gerhard Richter“ der Unterdrückung von Namen, Begriffen und Topografien ein Ende gesetzt „. Die Schweizer Künstlerin Andrea Lauterwein charakterisierte sich in ihrer Dissertation über Kiefer und Paul Celan, eine Malerin, die auf breiten philosophischen und literarischen Referenzen beruhte und deren Dialog mit dem Dichter Celan in seine Arbeit als Leitmotiv.

Durch die Rezeption von Celans Gedichten hatte er den Kreis der Faszination und des Ekels angesichts der nationalsozialistischen Phantasmagorie durchbrochen und war auch in der Lage, die jüdische Sicht auf Holocaust und Shoa zu visualisieren. Der Londoner Kunsthistoriker Norman Rosenthal schreibt über die Wirkung von Kiefers Bildern: „Sie mögen den Deutschen Schmerzen bereiten, aber er wird im Ausland bewundert, weil er während der Hitler-Zeit komplexe Werke geschaffen hat, einschließlich des Judentums.“ Dieser Deutsche hatte eine echte Beziehung zu seiner eigenen Kultur, zu Beethoven, Heine, Goethe oder Wagner, und er bringt „das Schreckliche und Schöne seines Landes auf großartige Weise zusammen“. Der französische Kunsthistoriker Daniel Arasse betont, dass Humor, Ironie und Lächerlichkeit „eine konstitutive Dimension“ seiner Arbeit sind, die es ihm manchmal ermöglicht, „Verbote zu brechen“.

Neben dem Dichter Paul Celan ließ sich Kiefer auch von Ingeborg Bachmann zu wichtigen Werken inspirieren. Die Bilder Böhmen am Meer (1995 und 1996) tragen den Titel eines Gedichts von Bachmann. Ihr Vers „Jeder, der fällt, hat Flügel“ ist auch in einem seiner späteren Gemälde von Barjac enthalten.

Während Kiefers frühe Schaffensperiode neben Gnosis und jüdischer Mystik (Kabbala) von einer fast zwanghaften Auseinandersetzung mit deutscher Geschichte und Kultur bestimmt wurde, wurden in seinen späteren Arbeitsphasen ägyptische und altorientalische Mythologien und Kosmogonien als neue Inspirationsquellen hinzugefügt, ohne Die alten Themen verschwinden vollständig.

Seine Arbeiten zeichnen sich durch das archaische Material aus: Neben dem dominierenden Blei gibt es Asche, Stroh, Sonnenblumen, Haarsträhnen, Sand, Ton, verbranntes Holz, Stoffreste, die häufig in überlappenden Schichten aufgetragen werden. Kiefer ist ein „Freund des Bleis“, wie er sich eingesteht: „Blei betrifft mich mehr als jedes andere Metall“. Er formulierte sein Credo im Paradoxon: „Ich verstecke Materie, indem ich sie ausziehe.“

Neben seiner Vorliebe für unkonventionelle Materialien ist Beuys ‚Denken eng mit den von Kiefer wahrgenommenen Parallelen zwischen den Rollen des Alchemisten und des Künstlers verbunden, wobei letzterer Rohmaterial und Leinwand in symbolische Bedeutungen umwandelt.

Wer bisher versucht, das gesamte Werk von Kiefers zu überwachen und zu organisieren, wird immer auf die Tatsache stoßen, dass der Künstler verschiedene Werke und Werkgruppen, die zu unterschiedlichen Zeiten mit denselben Titeln entstanden sind, mit den Worten Jürgen Hohmeyer, ehemaliger Kulturredakteur des Spiegels, benennt , ist für Kiefer „Titelrecycling gängige Praxis“. Beispielhaft dafür sind seine zahlreichen Werke, Werkgruppen und Ausstellungen mit himmlischen Palästen oder Türmen himmlischer Paläste.

Fotografie
Kiefer begann seine Karriere mit der Erstellung von Performances und deren Dokumentation in Fotografien mit dem Titel Occupations and Heroische Sinnbilder. Kiefer, gekleidet in die Wehrmachtsuniform seines Vaters, ahmte den Gruß der Nazis an verschiedenen Orten in Frankreich, der Schweiz und Italien nach. Er forderte die Deutschen auf, sich an den Verlust ihrer Kultur durch die verrückte Fremdenfeindlichkeit des Dritten Reiches zu erinnern und ihn anzuerkennen. 1969 präsentierte er in der Galerie am Kaiserplatz in Karlsruhe seine erste Einzelausstellung „Besetzungen“ mit einer Reihe von Fotografien kontroverser politischer Aktionen.

Malerei und Skulptur
Kiefer ist am bekanntesten für seine Gemälde, die durch Zusätze von Blei, Glasscherben und getrockneten Blumen oder Pflanzen immer größer geworden sind. Dies führt zu verkrusteten Oberflächen und dicken Schichten von pastosem Material.

Während seines informellen Studiums bei Joseph Beuys an der Kunstakademie Düsseldorf im Jahr 1970 ähnelten seine stilistischen Neigungen dem Ansatz von Georg Baselitz. Er arbeitete mit Glas, Stroh, Holz und Pflanzenteilen. Die Verwendung dieser Materialien führte dazu, dass seine Kunstwerke vorübergehend und zerbrechlich wurden, wie Kiefer selbst wusste; er wollte die Materialien auch so präsentieren, dass sie nicht verkleidet waren und in ihrer natürlichen Form dargestellt werden konnten. Die Fragilität seiner Arbeit steht im Gegensatz zu dem krassen Thema seiner Bilder. Diese Verwendung vertrauter Materialien, um Ideen auszudrücken, wurde von Beuys beeinflusst, der in seinen Arbeiten Fett und Teppichfilz verwendete. Es ist auch typisch für den neo-expressionistischen Stil.

Kiefer kehrte 1971 in die Gegend seines Geburtsortes zurück. In den folgenden Jahren bezog er insbesondere die deutsche Mythologie in seine Arbeit ein und studierte im nächsten Jahrzehnt die Kabbala sowie Kabbalisten wie Robert Fludd. Er unternahm ausgedehnte Reisen durch Europa, die USA und den Nahen Osten. Die beiden letztgenannten Reisen haben seine Arbeit weiter beeinflusst. Neben Gemälden schuf Kiefer Skulpturen, Aquarelle, Fotografien und Holzschnitte, wobei er insbesondere Holzschnitte verwendete, um ein Repertoire an Figuren zu schaffen, das er in den nächsten Jahrzehnten in allen Medien wiederholt wiederverwenden konnte, um seinem Werk seine knorrige thematische Kohärenz zu verleihen.

In den 1970er und frühen 1980er Jahren fertigte Kiefer zahlreiche Gemälde, Aquarelle, Holzschnitte und Bücher zu Themen an, die Richard Wagner in seinem Vier-Opern-Zyklus Der Ring des Nibelungen interpretierte.

In den frühen 1980er Jahren schuf er mehr als dreißig Gemälde, gemalte Fotografien und Aquarelle, die sich in ihren Titeln und Inschriften auf das Gedicht „Todesfuge“ des rumänisch-jüdischen Schriftstellers Paul Celan beziehen.

Eine Gemäldeserie, die Kiefer zwischen 1980 und 1983 ausgeführt hat, zeigt drohende Steingebäude, die sich auf berühmte Beispiele nationalsozialistischer Architektur beziehen, insbesondere auf Gebäude, die von Albert Speer und Wilhelm Kreis entworfen wurden. Der große Platz in To the Unknown Painter (1983) bezieht sich speziell auf den Außenhof der Hitler-Kanzlei in Berlin, der 1938 von Speer zu Ehren des Unbekannten Soldaten entworfen wurde. In den Jahren 1984 bis 1985 fertigte er eine Reihe von Arbeiten auf Papier an, die manipulierte Schwarzweißfotografien öder Landschaften mit Strommasten und Stromleitungen enthielten. Solche Arbeiten wie Heavy Cloud (1985) waren eine indirekte Antwort auf die Kontroverse in Westdeutschland Anfang der 1980er Jahre über die Stationierung taktischer Nuklearraketen durch die NATO auf deutschem Boden und die Platzierung von Anlagen zur Verarbeitung von Kernbrennstoffen.

Mitte der 1980er Jahre weiteten sich Kiefers Themen von einem Fokus auf die Rolle Deutschlands in der Zivilisation auf das Schicksal von Kunst und Kultur im Allgemeinen aus. Seine Arbeit wurde skulpturaler und umfasste nicht nur nationale Identität und kollektives Gedächtnis, sondern auch okkulte Symbolik, Theologie und Mystik. Das Thema aller Arbeiten ist das Trauma ganzer Gesellschaften und die ständige Wiedergeburt und Erneuerung des Lebens. In den 1980er Jahren wurden seine Bilder physischer und zeigten ungewöhnliche Texturen und Materialien. Das Spektrum seiner Themen wurde um Verweise auf die alte hebräische und ägyptische Geschichte erweitert, wie in dem großen Gemälde Osiris und Isis (1985–87). Insbesondere seine Gemälde der neunziger Jahre beschäftigen sich eher mit den universellen Mythen der Existenz und Bedeutung als mit denen der nationalen Identität. Von 1995 bis 2001 produzierte er einen Zyklus großer Gemälde des Kosmos. Er begann sich auch der Skulptur zuzuwenden, obwohl Blei immer noch sein bevorzugtes Medium ist.

Im Laufe der Jahre hat Kiefer viele ungewöhnliche Werke geschaffen, aber ein Werk sticht unter den anderen als besonders bizarr heraus – dieses Werk ist sein Stück 20 Jahre Einsamkeit. 20 Jahre Einsamkeit (1971-1991) ist ein deckenhoher Stapel von Hunderten von weiß gestrichenen Büchern und handgefertigten Büchern, die mit Schmutz und getrockneter Vegetation übersät sind und deren Seiten mit dem Sperma des Künstlers befleckt sind. Das Wort Einsamkeit im Titel bezieht sich auf das häufige Masturbieren der Künstler auf Papier während der 20 Jahre, die es dauerte, um es zu schaffen. Er bat den amerikanischen Kunstkritiker Peter Schjeldahl, einen Text für einen Katalog der Masturbationsbücher zu schreiben. Schjeldahl versuchte sich zu verpflichten, scheiterte aber letztendlich an seinem Bestreben. Kein anderer Kritiker würde die Aufgabe übernehmen, so dass die Arbeit weitgehend in Vergessenheit geraten ist.

Bei einer Dinnerparty im Mai 1993 schockierte er die Kunstwelt erneut. Kiefer und seine zweite Frau, Renate Graf, dekorierten ein kommerzielles Loft bei Kerzenschein in New York mit weißem Musselin, bedeckten den Boden mit weißem Sand und besetzten ihn mit Kellnern verkleidet als Pantomime mit weißem Gesicht. Einer Handvoll Elite der Kunstwelt, wie Sherrie Levine, wurden verschiedene Gänge arkanen Orgelfleischs wie Bauchspeicheldrüse serviert, die größtenteils weiß waren. Es überrascht nicht, dass die Gäste das Essen nicht als besonders appetitlich empfanden.

Seit 2002 arbeitet Kiefer mit Beton und schafft die Türme für die Pirelli-Lagerhäuser in Mailand, eine Reihe von Hommagen an Velimir Khlebnikov (Gemälde des Meeres, mit Booten und einer Reihe bleierner Gegenstände, 2004-5), eine Rückkehr zu das Werk von Paul Celan mit einer Reihe von Gemälden mit Runenmotiven (2004–2006) und anderen Skulpturen. 2003 veranstaltete er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Thaddäus Ropac, Salzburger Villa Katz, Anselm Kiefer: Am Anfang, die einer Reihe neuer Werke gewidmet war, die sich mit den wiederkehrenden Themen Geschichte und Mythen befassten.

2005 veranstaltete er seine zweite Ausstellung in der Galerie Thaddaeus Ropac in Salzburg, Für Paul Celan, die sich auf Kiefers Beschäftigung mit dem Buch konzentrierte und Verweise auf die germanische Mythologie mit der Poesie von Paul Celan, einem deutschsprachigen Juden aus Czernowitz, verband. Die Ausstellung zeigte elf Arbeiten auf Leinwand, eine Reihe gebundener Bücher in Vitrinen und fünf Skulpturen, darunter eine mächtige, monumentale Skulptur aus Stahlbeton und Bleielementen im Freien, zwei bleierne Stapel Bücher, kombiniert mit Sonnenblumen aus Bronze, Bleischiffen und Keilen und zwei monumentale bleierne Bücher aus der Serie The Secret Life of Plants. Die Ausstellung tourte im folgenden Jahr durch die Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, und die Galerie Yvon Lambert, Paris.

Im Jahr 2006 wurde Kiefers Ausstellung Velimir Chlebnikov zunächst in einem kleinen Studio in der Nähe von Barjac gezeigt, dann in den White Cube in London verlegt und anschließend im Aldrich Contemporary Art Museum in Connecticut fertiggestellt. Die Arbeit besteht aus 30 großen (2 x 3 Meter) Gemälden, die in zwei 15er-Bänken an gegenüberliegenden Wänden eines ausdrücklich konstruierten Wellblechgebäudes hängen, das das Studio nachahmt, in dem sie entstanden sind. Die Arbeit bezieht sich auf die exzentrischen Theorien des russischen futuristischen Philosophen / Dichters Velimir Chlebnikov, der eine „Sprache der Zukunft“ namens „Zaum“ erfand und postulierte, dass katastrophale Seeschlachten alle 317 Jahre den Lauf der Geschichte verändern. In seinen Gemälden werden Kiefers spielzeugähnliche Schlachtschiffe – unförmig, zerschlagen, verrostet und an verdrillten Drähten hängend – von Farbe und Gipswellen umgossen. Die wiederkehrenden Farbnotizen des Werks sind Schwarz, Weiß, Grau und Rost. und ihre Oberflächen sind rau und mit Farbe, Gips, Schlamm und Ton überzogen.

2007 war er der erste Künstler, der beauftragt wurde, seit Georges Braque vor etwa 50 Jahren ein dauerhaftes Werk im Louvre in Paris zu installieren. Im selben Jahr eröffnete er die Ausstellungsreihe Monumenta im Grand Palais in Paris mit Werken, die den Dichtern Paul Celan und Ingeborg Bachmann besondere Anerkennung zollen.

2009 veranstaltete Kiefer zwei Ausstellungen in der White Cube Galerie in London. Eine Reihe von Walddiptychen und Triptychen in Glasvitrinen, von denen viele mit dichten marokkanischen Dornen gefüllt waren, trug den Titel Karfunkelfee, ein Begriff aus der deutschen Romantik, der aus einem Gedicht des österreichischen Nachkriegsschriftstellers Ingeborg Bachmann stammt. In The Fertile Crescent präsentierte Kiefer eine Gruppe epischer Gemälde, die von einer Reise nach Indien vor fünfzehn Jahren inspiriert waren, als er zum ersten Mal auf ländliche Ziegelfabriken stieß. Während des letzten Jahrzehnts „hallten“ die Fotografien, die Kiefer in Indien aufgenommen hatte, in seinem Kopf nach und deuteten auf eine Vielzahl kultureller und historischer Referenzen hin, die von der ersten menschlichen Zivilisation Mesopotamiens bis zu den Ruinen Deutschlands nach dem Zweiten Weltkrieg reichten , wo er als Junge spielte. „Wer auf der Suche nach einer Resonanzmeditation über die Instabilität gebauter Größe ist“, schrieb der Historiker Simon Schama in seinem Katalogaufsatz, „sollte sich Kiefers The Fertile Crescent genau ansehen“.

In Morgenthau Plan (2012) ist die Galerie mit einer Skulptur eines goldenen Weizenfeldes gefüllt, das in einem fünf Meter hohen Stahlkäfig eingeschlossen ist. Im selben Jahr eröffnete Kiefer den Galerieraum der Galerie Thaddaeus Ropac in Pantin mit einer Ausstellung monumentaler neuer Werke, Die Ungeborenen. Begleitet wurde die Ausstellung von einer Publikation mit einem Brief von Anselm Kiefer und Essays von Alexander Kluge und Emmanuel Daydé. Er ist weiterhin in der Galerie vertreten und nimmt an Gruppen- und Einzelausstellungen an ihren verschiedenen Standorten teil.

Bücher
1969 begann Kiefer Bücher zu entwerfen. Frühe Beispiele sind typischerweise überarbeitete Fotografien; Seine neueren Bücher bestehen aus Bleiblättern, die mit Farbe, Mineralien oder getrocknetem Pflanzenmaterial überzogen sind. Zum Beispiel stellte er zahlreiche Leitbücher in Stahlregalen in Bibliotheken zusammen, als Symbole für das gespeicherte, weggeworfene Wissen über die Geschichte. Das Buch Rhein (1981) enthält eine Folge von 25 Holzschnitten, die eine Reise entlang des Rheins suggerieren; Der Fluss spielt eine zentrale Rolle in der geografischen und historischen Entwicklung Deutschlands und gewinnt in Werken wie Wagners Ring der Nibelungen eine fast mythische Bedeutung. Szenen des unberührten Flusses werden von dunklen, wirbelnden Seiten unterbrochen, die den Untergang des Schlachtschiffs Bismarck im Jahr 1941 während eines atlantischen Einsatzes mit dem Codenamen Rheinübung darstellen.

Studios
Kiefers erstes großes Studio befand sich auf dem Dachboden seines Hauses, einem ehemaligen Schulhaus in Hornbach. Jahre später installierte er sein Atelier in einem Fabrikgebäude in Buchen bei Hornbach. 1988 verwandelte Kiefer eine ehemalige Ziegelfabrik in Höpfingen (ebenfalls bei Buchen) in ein umfangreiches Kunstwerk mit zahlreichen Installationen und Skulpturen. Nach zwanzigjähriger Arbeit im Odenwald verließ der Künstler 1991 Deutschland, um die Welt zu bereisen – nach Indien, Mexiko, Japan, Thailand, Indonesien, Australien und in die USA. 1992 ließ er sich in Barjac, Frankreich, nieder, wo er sein 35 Hektar großes Atelier La Ribaute in ein Gesamtkunstwerk verwandelte. Als verlassene Seidenfabrik ist sein Atelier riesig und in vielerlei Hinsicht ein Kommentar zur Industrialisierung. Er schuf ein umfangreiches System aus Glasgebäuden, Archiven, Installationen, Lagerräumen für Materialien und Gemälden, unterirdischen Kammern und Korridoren.

Sophie Fiennes filmte Kiefers Studiokomplex in Barjac für ihre Dokumentarfilmstudie Over Your Cities Grass Will Grow (2010), in der sowohl die Umwelt als auch der Künstler bei der Arbeit aufgenommen wurden. Ein Kritiker schrieb über den Film: „Kiefer baute fast von Grund auf in einer verlassenen Seidenfabrik und entwarf ein künstlerisches Projekt, das sich über mehrere Hektar erstreckte: kilometerlange Korridore, riesige Atelierräume mit ehrgeizigen Landschaftsgemälden und Skulpturen, die monumentalen Konstruktionen in der Umgebung entsprechen Wald und Serpentin gruben Labyrinthe mit großen erdigen Säulen aus, die Stalagmiten oder Termitenhügeln ähneln. Nirgendwo ist klar, wo das fertige Produkt definitiv steht; vielleicht ist alles in Arbeit, ein monumentaler Konzeptkunstorganismus. “

Im Jahr 2008 verließ Kiefer seinen Studiokomplex in Barjac und zog nach Paris. Eine Flotte von 110 Lastwagen transportierte seine Arbeit in ein 3.300 m2 großes Lagerhaus in Croissy-Beaubourg außerhalb von Paris, das einst das Depot des Kaufhauses La Samaritaine war. Ein Journalist schrieb über Kiefers verlassenen Studiokomplex: „Er hat das großartige Werk von Barjac zurückgelassen – die Kunst und die Gebäude. Ein Hausmeister kümmert sich darum. Unbewohnt wartet es leise darauf, dass die Natur die Kontrolle über unsere Städte übernimmt.“ Gras wird wachsen. Kiefer hat im Sommer 2019 bei Barjac gelebt und gearbeitet. “

Rezeption
Laut Kunstkritiker Jürgen Hohmeyer „fühlte kein anderer zeitgenössischer Künstler so abwechselnde Bäder des totalen Urteils und der Anbetung“ wie Kiefer.

Anfang der achtziger Jahre war ein erheblicher Teil der deutschen Kunstkritik an Kiefer „äußerst negativ, ja sogar abwertend“; Sein „scheinbar positives Einfühlungsvermögen für faschistische Gesten und Symbole“ machte ihn äußerst unbeliebt. Kiefers zweideutiger Umgang mit der deutschen Vergangenheit ließ die Kritiker die „ironischen, provokativen, subversiven Aspekte seiner Arbeit“ übersehen. Werner Spies hat ihn 1980 in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung als „Überdosis Teutschem“ bezeichnet. Petra Kipphoff tadelte sein „Spiel mit Irrationalismus und Brutalität“ im ZEIT.

Eine wissenschaftliche Untersuchung der Kiefer begann erst in der zweiten Hälfte der 1980er Jahre. Die zunehmende Anerkennung seiner Arbeit im Ausland trug dazu bei. Die Retrospektive von 1984 für die Düsseldorfer Kunsthalle ging im selben Jahr nach Paris und Israel. Es erhielt eine polyphone positive Antwort von der israelischen Öffentlichkeit. Aber erst mit der Wanderausstellung 1987–1989 in den USA und den nachdrücklichen Kritiken aus Übersee, die laut Spiegelkommentar „sensationell unverhältnismäßig zu den Vorbehalten zu Hause waren“, erhielt seine Arbeit in Deutschland die gebührende Anerkennung. Der einflussreiche angelsächsische Kunstkritiker Robert Hughes nannte ihn den „besten Maler seiner Generation auf beiden Seiten des Atlantiks“. Schon damals vermutete Werner Spies dem amerikanisch-jüdischen Publikum eine „unentdeckte masochistische Anziehungskraft aufgrund der Gefährlichkeit und Schönheit der Dunkelheit und des Brandes, die auf den Bildern so konkret dargestellt wird“.

Nach der Verleihung des prestigeträchtigen Wolfspreises im Sommer 1990 war die politische Korrektheit seiner Kunst, vertreten durch die Nachkommen der Opfer der Jerusalemer Knesset, bestätigt worden, ohne solche Anschuldigungen. Weniger als 20 Jahre später (2008) hielt einer seiner ehemals schärfsten Kritiker, Werner Spies, bei der Preisverleihung die Laudatio bei Kiefer. Anlässlich der Retrospektive im Centre Pompidou 2015–2016 in Paris wurde die in Frankreich besonders geschätzte Form der „künstlerischen Trauer“ erneut kritisch hinterfragt.

Kiefer wurde mit zahlreichen Preisen und Auszeichnungen ausgezeichnet und ist heute einer der weltweit bedeutendsten zeitgenössischen Künstler. Seit Jahren gehört er zu den Top Ten des Kunstkompasses der 100 gefragtesten zeitgenössischen Künstler weltweit. 2015 belegte er den 6. Platz.

Die Ausstellung
Die sieben Türme mit einem Gewicht von jeweils 90 Tonnen und einer Höhe zwischen 14 und 18 Metern bestehen aus Stahlbeton, wobei eckige Behältermodule für den Warentransport als Bauelemente verwendet werden. Anselm Kiefer hat Bleibücher und Keile zwischen die verschiedenen Stockwerke jedes Turms eingefügt, die unter dem Gewicht des Betons die statische Beschaffenheit der Strukturen besser gewährleisten. Für den Künstler hat die Verwendung dieses Metalls nicht nur einen funktionalen, sondern auch einen symbolischen Wert: Blei wird in der Tradition tatsächlich als eine Frage der Melancholie betrachtet. Die sieben himmlischen Palacesthey stellen einen Ausgangspunkt für das gesamte Werk des Künstlers dar und fassen seine Hauptthemen zusammen, indem sie sie außerhalb der Zeit in eine neue Dimension projizieren: die Interpretation der alten jüdischen Religion; die Darstellung der Ruinen des Westens nach dem Zweiten Weltkrieg; die Projektion in eine mögliche Zukunft, aus der der Künstler uns einlädt, unsere Gegenwart zu betrachten.

Seit September 2015 bereichern und erweitern fünf große Leinwände, die zwischen 2009 und 2013 entstanden sind, die permanente Installation von Anselm Kiefer. Die von Vicente Todolí kuratierte Neuordnung überdenkt und verleiht dem Werk des Künstlers eine neue Bedeutung. Die fünf großen Leinwände – Jaipur (2009); zwei Werke aus der Reihe Cette obscure clarté qui tombe des étoiles (2011); Alchemie (2012); Die Deutsche Heilslinie (2012-2013) – werden im Raum des Navate ausgestellt, in dem sich die permanente Installation befindet, was Anselm Kiefers Meisterwerk eine neue Bedeutung verleiht. Die Bildwerke bilden zusammen mit den „Türmen“ eine einzige Installation mit dem Titel I Sette Palazzi Celesti 2004–2015, die Themen behandelt, die bereits in der ortsspezifischen Arbeit vorhanden sind – die großen architektonischen Konstruktionen der Vergangenheit als Versuch des Menschen Aufstieg zum Göttlichen und zu den durch astronomische Nummerierung dargestellten Konstellationen – und einige zentrale Reflexionen in der Poetik des Künstlers hinzufügen, wie die Beziehung zwischen Mensch und Natur, Verweise auf die Geschichte des westlichen Denkens und der Philosophie.

Sefiroth
Der erste der sieben Türme, „Sefiroth“, ist auch der kürzeste (14 Meter). Der Turm gipfelt in einem Stapel von sieben Bleibüchern und präsentiert Neonlichter, die die hebräischen Namen von Sefiroth bilden, die in Cabala als Darstellungen der Ausdrücke und Werkzeuge Gottes angesehen werden und das eigentliche Material der Schöpfung bilden: Kether (Krone), Chochmah (Weisheit) ), Binah (Verständnis), Chessed (Liebenswürdigkeit), Geburah (Stärke), Tiffereth (Schönheit oder Majestät), Netzach (Ewigkeit oder Sieg), Hod (Pracht), Jessod (Fundament), Malkut (Königreich) und Daad ( Verständnis und Weisheit).

Melancholie
„Melancholie“ zeichnet sich vor allem durch die Fertigstellung des letzten Umschlags aus, eines Polyeders aus dem gleichnamigen Stich von Albrecht Dürer aus dem Jahr 1514, der zu einem der berühmtesten allegorischen Bilder des Künstlers wurde. Künstler wurden als „unter Saturn Geborene“ definiert, da die Menschen glaubten, dass der Planet der Melancholie den kontemplativen, ambivalenten Charakter des Künstlers darstellt.

Am Fuße des Turms befinden sich die sogenannten „Sternschnuppen“, kleine Glasscheiben und Papierstreifen, die mit alphanumerischen Reihen markiert sind und der NASA-Klassifikation der Himmelskörper entsprechen.

Ararat
„Ararat“ ist nach dem Berg in Kleinasien benannt, auf dem nach biblischer Tradition Noahs Arche endlich zur Ruhe kam. Die Arche wird durch ein kleines Modell in Blei dargestellt, das sich oben auf dem Turm befindet und ein Fahrzeug des Friedens und der Erlösung, aber auch ein Kriegsschiff und damit ein Fahrzeug der Zerstörung und Verwüstung symbolisiert.

Magnetfeldlinien
Der imposanteste Turm der gesamten Installation ist 18 Meter hoch und zeichnet sich durch eine Reihe von Bleifilmen aus, die um ihn herum verlaufen, schließlich die Basis erreichen und neben einer leeren Filmrolle und einer Kamera aus demselben Material liegen.

Die Wahl von Blei, einem Material, durch das Licht nicht hindurchtreten kann (und daher die Produktion von Bildern verhindert), kann auf verschiedene Arten interpretiert werden: vom Versuch der Nazis, die jüdische Kultur und ethnische Minderheiten auszulöschen, bis zum ikonoklastischen Kampf, der regelmäßig durchläuft Die westliche Kultur, die byzantinische Ära bis hin zur lutherischen Ära und die von Kiefer oft zitierte Auffassung, dass „jedes Kunstwerk diejenigen auslöscht, die ihm vorausgehen“.

JH & WH
Diese beiden Türme werden an der Basis von Meteoriten verbreitet, die mit geschmolzenem Blei in unregelmäßigen Formen nummeriert wurden, was den Schöpfungsmythos symbolisiert, der in mehreren Cabala-Texten dargestellt wird. Die beiden Türme ergänzen sich in ihren Kronen gleichermaßen und gipfeln in der Neonlichtschrift der Buchstaben „JH“ und „WH“, die, wenn sie nach den Regeln der hebräischen Phonetik vereint werden, die Welt „Jahwe“ bilden, ein unaussprechlicher Begriff in die jüdische Tradition.

Turm der fallenden Bilder
Der „Torre dei Quadri Cadenti“ verdankt seinen Namen noch einmal den Objekten, die von oben bis unten in der Konstruktion vorhanden sind: eine Reihe von Holz- und Bleirahmen mit dicken Glasscheiben, von denen viele in unregelmäßigen Abständen zerbrochen wurden. Überraschenderweise zeigen die Frames keine Bilder an. Anselm Kiefer befasst sich erneut mit dem Thema fehlender Bilder und ihren möglicherweise mehrfachen Querverweisen.

Jaipur
Der Titel dieses Gemäldes stammt aus Jaipur, einer Stadt, die Kiefer während seiner zahlreichen Reisen durch Indien besuchte. Die Leinwand zeigt eine nächtliche Landschaft: Im unteren Bereich hat der Künstler eine architektonische Struktur gemalt, die den Betrachter an eine umgekehrte Pyramide erinnert; oben ein Sternenhimmel. Die am Himmel sichtbaren Sternbilder, die mit Linien verbunden sind, werden unter Verwendung des NASA-Klassifizierungssystems nummeriert. Aus thematischer Sicht scheint dieses Kunstwerk dasjenige zu sein, das am engsten mit „Die sieben himmlischen Paläste“ verbunden ist: Die Pyramide wird zum Symbol für den vergeblichen Versuch des Menschen, sich dem Göttlichen zu nähern.

Cette obskure clarté qui tombe des étoiles
In diesen beiden Gemälden aus der Serie „Cette obscure clarté qui tombe des étoiles“ porträtiert Kiefer eine Wüstenlandschaft, auf die er schwarze Sonnenblumenkerne setzt – ein wiederkehrendes Element in der Arbeit des Künstlers. Diese symbolisieren gefallene Sterne, schwarz auf weiß, als wären sie Negativdrucke. Indem der Künstler der Oberfläche des Gemäldes verschiedene Materialien hinzufügt, überschreitet er die Grenze zwischen Malerei und Skulptur und scheint den Betrachter einzuladen, in seine Welt einzutreten.

Alchemie
„Alchemie“ besteht aus zwei nebeneinander angeordneten Leinwänden, die eine trockene, trockene Landschaft darstellen, in der die Erde völlig steril erscheint. Ein „Niederschlag“ von Sonnenblumenkernen ist das einzige Lebenszeichen und die Hoffnung auf Nachwachsen. Das Element, das die Leinwände verbindet, ist eine Waage, die Salz auf einer Schale und Sonnenblumenkerne auf der anderen enthält: entgegengesetzte Symbole für Sterilität und Fruchtbarkeit. Dies ist ein klares Zitat des Interesses des Künstlers an Alchemie, einer esoterischen Wissenschaft, die darauf abzielte, Blei in Gold umzuwandeln, und eine Allegorie der Spannung des Menschen gegenüber Perfektion und Göttlichem.

Die Deutsche Heilslinie
Das größte Gemälde im Display des Pirelli HangarBicocca zeigt symbolisch und buchstäblich – wie der Titel schon sagt – die Geschichte der deutschen Erlösung. Auf einer Regenbogenbahn, die Erde und Himmel verbindet und die gesamte Oberfläche überquert, transkribiert Kiefer in einem historisch-philosophischen Pfad, der vom Denken der Illuministen bis zu Karl Marx reicht, die Namen deutscher Philosophen, die die Idee der Erlösung durch die Handlungen unterstützten eines Führers. An der Basis des Gemäldes steht die Figur eines Mannes, der von hinten dargestellt wird, während er einsam und allein über eine Landschaft blickt, die an die romantischen Gemälde des Künstlers Caspar David Friedrich erinnert. Überall sind die Namen von Denkern festgelegt, die die Idee unterstützt haben, dass Erlösung durch das Erkennen der eigenen individuellen Identität erreicht werden kann

Pirelli HangarBicocca
Pirelli HangarBicocca, auch als HangarBicocca bekannt, ist ein Ausstellungsraum für moderne und zeitgenössische Kunst im Mailänder Stadtteil Bicocca. Das Gebäude war ursprünglich eine Industrieanlage der Firma AnsaldoBreda, die 2004 von Pirelli übernommen und anschließend in 1.500 Quadratmeter Ausstellungsgalerien umgewandelt wurde.

Pirelli HangarBicocca ist eine gemeinnützige Stiftung, die 2004 gegründet wurde und von Pirelli gegründet und vollständig unterstützt wurde. Pirelli hat eine ehemalige Industrieanlage in Mailand in eine Institution zur Produktion und Förderung zeitgenössischer Kunst umgewandelt.

Dieses dynamische Experimentier- und Forschungszentrum ist 15.000 Quadratmeter groß und damit einer der größten zusammenhängenden Ausstellungsräume in Europa. Jedes Jahr werden große Einzelausstellungen italienischer und internationaler Künstler gezeigt, wobei jedes Projekt so konzipiert ist, dass es in enger Beziehung zur Architektur des Komplexes steht, und anhand eines Kalenders paralleler Veranstaltungen eingehend untersucht wird. Der Eintritt in den Raum und die Shows ist völlig kostenlos, und Moderatoren helfen der Öffentlichkeit, sich mit der Kunst zu verbinden. Vicente Todolí ist seit 2013 künstlerischer Leiter der Stiftung.

Der Komplex, in dem einst eine Lokomotivenfabrik untergebracht war, umfasst einen Bereich für öffentliche Dienstleistungen und Bildungsaktivitäten sowie drei Ausstellungsräume, deren ursprüngliche architektonische Merkmale des 20. Jahrhunderts deutlich sichtbar sind: Schuppen, Navate und Cubo. Neben dem Ausstellungsprogramm und den kulturellen Veranstaltungen beherbergt Pirelli HangarBicocca dauerhaft eines der wichtigsten ortsspezifischen Werke von Anselm Kiefer, „Die sieben himmlischen Paläste 2004-2015“, das für die Eröffnung von Pirelli HangarBicocca in Auftrag gegeben wurde.