Amerikanischer Modernismus 1910 – 1935

Als Bezeichnung für die Mainstream-Tendenz in der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts kam der „Modernismus“ erst in den 1960er Jahren auf breite Anwendung. Er wurde auf die Abstrakten Expressionisten und auf zeitgenössische Hard-Edge-Malerei, Farbfeldmalerei und abstrakte Skulptur angewandt Der amerikanische Kritiker Clement Greenberg Seine Abstammung geht zurück auf Manet als Initiator einer Abfolge von formalen Neuerungen, insbesondere jener, die den Illusionismus in der Malerei und den Mimetizismus in der Skulptur reflektierten, die die wirtschaftliche und kulturelle Überlegenheit der USA und die enorme Macht der New Yorker Kunst widerspiegeln Markt wurde dieser Standpunkt international orthodox. Er wurde jedoch durch Subversion von Pop und minimalistischen Künstlern und durch verheerende Kritik von konzeptuellen, politischen und feministischen Künstlern und Kommentatoren beeinflusst. Anfang der 1970er Jahre wurde er als Paradigma für die meisten Künstler verdrängt, obwohl er weiter besteht in vielen Museen, Galerien und Bildungssystemen

Der amerikanische Modernismus ist, ähnlich wie die Bewegung des Modernismus, eine Tendenz des philosophischen Denkens, die sich aus den weitverbreiteten Veränderungen in Kultur und Gesellschaft im Zeitalter der Moderne ergibt. Die amerikanische Moderne ist eine künstlerische und kulturelle Bewegung in den Vereinigten Staaten um die Wende des 20. Jahrhunderts Jahrhundert, mit einer Kernperiode zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg. Wie sein europäisches Pendant entstammt der amerikanische Modernismus einer Ablehnung des aufklärerischen Denkens, um die Realität in einer neuen, industrialisierten Welt besser darzustellen

Bezeichnenderweise neigt die modernistische Kunst zur Abstraktion, ist innovativ, ästhetisch, futuristisch und selbstreferenziell. Sie umfasst visuelle Kunst, Literatur, Musik, Film, Design, Architektur sowie Lebensstil. Sie reagiert auf Historismus, künstlerische Konventionen und Institutionalisierung von Kunst Kunst sollte nicht nur in Akademien, Theatern oder Konzertsälen, sondern auch im Alltag und für jedermann zugänglich sein. Darüber hinaus konzentrierten sich die Kulturinstitutionen auf bildende Kunst und die Gelehrten kümmerten sich wenig um die revolutionären Stile der Moderne. Wirtschaftlicher und technologischer Fortschritt in den USA während der Roaring Twenties führte zu weit verbreiteten Utopismus, die einige modernistische Künstler beeinflusst, während andere skeptisch gegenüber der Umklammerung der Technologie waren Der Sieg im Ersten Weltkrieg bestätigte den Status der USA als internationaler Akteur und gab den Menschen selbst Vertrauen und Geborgenheit In diesem Zusammenhang markierte die amerikanische Moderne den Beginn der amerikanischen Arisierung Sie unterschieden sich vom europäischen Geschmack, indem sie künstlerische Konventionen sprengten, die bis dahin nach europäischen Traditionen geprägt waren

Die amerikanische Moderne profitierte von der Vielfalt der Einwandererkulturen Karibik , Asiatische und europäische Volkskulturen und eingebettet diese exotischen Stile in ihre Werke

Die modernistische amerikanische Bewegung ist ein Spiegelbild des amerikanischen Lebens im 20. Jahrhundert. In dieser schnell industrialisierenden Welt und beschleunigtem Tempo des Lebens ist es für den Einzelnen leicht, von der Weite der Dinge verschlungen zu werden. links herumwandern, ohne Ziel Soziale Grenzen in Rasse, Klasse, Geschlecht, Reichtum und Religion werden alle herausgefordert Als die soziale Struktur durch neue kommende Sichtweisen herausgefordert wird, lösen sich die Grenzen traditioneller Standards und sozialer Strukturen auf und ein Verlust der Identität ist alles Überreste; Später wurde sie in Isolation, Entfremdung und ein Gefühl der Abgeschiedenheit von jeder Art von „Ganzem“ übersetzt. Die Einheit eines kriegsversehrten Landes lag im Sterben, ebenso die Illusion der Höflichkeiten, die es an seine Soldaten und Menschen verkaufte. Die Welt wurde gewalttätig , vulgär und geistig leer

Der Arbeiter der Mittelschicht fällt in eine deutlich unbemerkte Position, eine Kogge viel zu klein, um in einer viel größeren Maschine Anerkennung zu finden. Die Bürger wurden mit ihrer eigenen Vergeblichkeit besiegt. Jugendträume zerbrechen mit Versagen und enttäuschender Enttäuschung in Anerkennung von Grenzen und Verlusten die Desillusionierten und Ausgestoßenen werden fokaler Die Fähigkeit, sich selbst durch harte Arbeit und Einfallsreichtum zu definieren, um Ihre eigene Vision von sich ohne die Hilfe von traditionellen Mitteln zu schaffen, wird geschätzt Einige Autoren unterstützen dies, während andere, wie F Scott Fitzgerald, herausfordernd, aber destruktiv falsch können die Werte des Privilegs sein

Geschichte
Bezeichnenderweise neigt die modernistische Kunst zur Abstraktion, ist innovativ, ästhetisch, futuristisch und selbstreferenziell. Es umfasst visuelle Kunst, Literatur, Musik, Film, Design, Architektur sowie Lebensstil. Es reagiert auf Historismus, künstlerische Konventionen und Institutionalisierung von Kunst. Kunst sollte nicht nur in Akademien, Theatern oder Konzertsälen behandelt, sondern in den Alltag integriert werden und für alle zugänglich sein. Darüber hinaus konzentrierten sich die Kulturinstitutionen auf bildende Kunst und die Gelehrten schenkten den revolutionären Stilen der Moderne wenig Aufmerksamkeit. Wirtschaftlicher und technologischer Fortschritt in der UNS Während der Goldenen Zwanziger entstand ein weit verbreiteter Utopismus, der einige modernistische Künstler beeinflusste, während andere der Umarmung der Technologie skeptisch gegenüberstanden. Der Sieg im Ersten Weltkrieg bestätigte den Status des UNS als internationaler Player und gab den Menschen Selbstvertrauen und Geborgenheit. In diesem Kontext markierte die amerikanische Moderne den Beginn der amerikanischen Kunst als eigenständig und unabhängig vom europäischen Geschmack, indem sie künstlerische Konventionen brach, die bis dahin nach europäischen Traditionen geformt worden waren.

Der amerikanische Modernismus profitierte von der Vielfalt der Einwandererkulturen. Künstler wurden von afrikanischen inspiriert, Karibik , Asiatische und europäische Volkskulturen und eingebettet diese exotischen Stile in ihre Werke.

Die modernistische amerikanische Bewegung war ein Spiegelbild des amerikanischen Lebens im 20. Jahrhundert. In der sich rasch industrialisierenden Welt und beschleunigter Geschwindigkeit des Lebens war es für den Einzelnen leicht, von der Unermeßlichkeit der Dinge verschlungen zu werden, die ohne Ziel unterwegs waren. Soziale Grenzen in Rasse, Klasse, Sex, Reichtum und Religion wurden in Frage gestellt. Als die soziale Struktur durch neue ankommende Ansichten herausgefordert wurde, lösten sich die Grenzen traditioneller Standards und sozialer Strukturen auf, und es verblieb ein Identitätsverlust, der sich schließlich in Isolation, Entfremdung und ein allgemeines Gefühl der Abgeschiedenheit von jeder Art von „Ganzem“ verwandelte. Die Einheit eines kriegsversehrten Landes lag im Sterben, ebenso wie die Illusion der Höflichkeiten, die es an seine Soldaten und seine Leute verkaufte. Die Welt war gewalttätig, vulgär und geistig leer.

Der Arbeiter der Mittelschicht fiel in eine deutlich unbemerkte Position, eine Kogge viel zu klein, um in einer viel größeren Maschine Anerkennung zu finden. Die Bürger waren mit ihrer eigenen Sinnlosigkeit überfordert. Die Träume der Jugendlichen zerbrachen mit Versagen und einer enttäuschenden Enttäuschung in Anerkennung von Grenzen und Verlusten. Das Leben der Desillusionierten und Ausgestoßenen wurde stärker fokussiert. Die Fähigkeit, sich selbst durch harte Arbeit und Einfallsreichtum zu definieren, um Ihre eigene Vision von sich selbst ohne die Hilfe traditioneller Mittel zu schaffen, wurde geschätzt. Einige Autoren befürworteten dies, während andere, wie F. Scott Fitzgerald, herausforderten, wie verlockend, aber destruktiv die Werte von Privilegien falsch sind.

Modernist Amerika mussten in einer Welt, die nicht mehr im Glauben vereint war, eine gemeinsame Basis finden. Die gefundene Einheit lag in der gemeinsamen Grundlage des geteilten Bewusstseins in allen menschlichen Erfahrungen. Die Wichtigkeit des Individuums wurde betont; die wirklich begrenzte Natur der menschlichen Erfahrung bildete eine Verbindung über alle Brücken der Rasse, der Klasse, des Geschlechts, des Reichtums oder der Religion. Auf diese Weise fand die Gesellschaft eine gemeinsame Bedeutung, selbst in Unordnung.

Manche sehen die Moderne in der Tradition des Ästhetizismus des 19. Jahrhunderts und der Bewegung „Kunst um der Kunst“. Clement Greenberg argumentiert, dass die moderne Kunst „etwas außer sich“ ausschließt. Andere sehen modernistische Kunst, zum Beispiel in Blues und Jazz, als Medium für Emotionen und Stimmungen, und viele Arbeiten beschäftigen sich mit zeitgenössischen Themen wie Feminismus und Stadtleben. Einige Künstler und Theoretiker fügten der amerikanischen Moderne sogar eine politische Dimension hinzu.

Amerikanisches Design und Architektur der Moderne ermöglichten den Menschen, ein modernes Leben zu führen. Aufgrund des wirtschaftlichen Aufschwungs in den 1920er Jahren änderte sich das Arbeits- und Familienleben radikal und schnell. In dem UNS , das Auto wurde populär und erschwinglich für viele, Freizeit und Unterhaltung gewann an Bedeutung und der Arbeitsmarkt öffnete sich für Frauen. Um das Leben effizienter zu gestalten, strebten Designer und Architekten nach einer Vereinfachung der Hausarbeit.

Die Weltwirtschaftskrise Ende der 20er Jahre und in den 30er Jahren desillusionierte Menschen über die wirtschaftliche Stabilität des Landes und erodierte das utopische Denken. Der Ausbruch und die Schrecken des Zweiten Weltkriegs verursachten weitere Veränderungen in der Mentalität. Die folgende Nachkriegszeit wurde als Spätmoderne bezeichnet. Die Postmoderne wurde allgemein als charakteristisch für die Kunst des späten 20. Jahrhunderts in den 1980er Jahren betrachtet.

Amerikanische Ikonen im europäischen Verstand
Definition von „amerikanische Ikone“
Dieser Abschnitt konzentriert sich auf Menschen und Objekte, die den amerikanischen Modernismus repräsentieren. Diese berühmten Menschen und wohlbekannten Objekte werden im Allgemeinen als Ikonen bezeichnet, da sie neben einer Aura von Einzigartigkeit und Originalität (vgl. Wagner 2006: 121) das Interesse der Öffentlichkeit für diese Zeit geweckt und nachhaltig geprägt haben Einfluss auf zukünftige Generationen (vgl. Czech 2006: 27-28). Sie dienen daher gegenwärtig als Schwerpunkte kollektiver Erinnerung oder Identität (vgl. Ebd.). Sogar einige Leute in Europa erkennen sie immer noch als Symbole der amerikanischen Moderne.

Die mediale / öffentliche Darstellung legt den Grundstein für die Schaffung von Ikonen. Auf diese Weise entsteht ein bestimmtes Bild einer biologischen Person oder ein reales Objekt (Signifikant) und wird zum Signifikat (vgl. Volkmann 2006: 94-96). Die emanierte Konfiguration der Zeichen (vgl. Ebd. 96) hilft, das Signifikat zur Ikone zu machen, wenn es die Atmosphäre einer bestimmten Periode / eines bestimmten Landes erfasst und von zeitgenössischen Gesellschaften sowie zukünftigen Generationen anerkannt wird.

New York
New York City ist eine der kultigsten Städte in den Vereinigten Staaten und eine der wichtigsten Weltstädte der Welt aufgrund ihrer wichtigen Geschäfts-, Finanz-, Handels- und Kulturorganisationen, wie der Wall Street, den Vereinten Nationen, dem Metropolitan Museum of Arts und Broadway-Theater mit ihrer (damals innovativen) elektrischen Beleuchtung. Es gilt als der Geburtsort vieler amerikanischer Kulturbewegungen, einschließlich der Harlem Renaissance in der Literatur und des abstrakten Expressionismus in der bildenden Kunst.

New York ist nicht nur für Amerikaner, sondern auch für viele Europäer als Stadt des Schmelztiers ikonisch, in der viele ethnische Gruppen leben, oft in bestimmten Stadtvierteln wie Chinatown , Klein Italien. In der amerikanischen Moderne New York wurde die erste Anlaufstelle für Einwanderer, die ein besseres Leben suchten. Die Bevölkerung der Stadt boomte, 5 Bezirke wurden gegründet, die New York City Subway wurde eröffnet und wurde zum Symbol für Fortschritt und Innovation. Die Stadt sah den Bau von Wolkenkratzern in der Skyline.

„Nehmen New York Skyline zum Beispiel – diese zerlumpte, von Menschenhand geschaffene Sierra am östlichen Rand des Kontinents. In den Köpfen der Einwanderer und zurückkehrenden Reisenden, in der Ikonographie der Admen, die sie als Kulisse für das Bourbon- und Flugzeuggepäck, das sie verkaufen, den Augen der Dichter und der militärischen Strategien verwenden, ist es eines der Hauptsymbole. “ (Kouwenhoven 1998: 124) Besonders hervorzuheben sind die Manhattan Skyline und ihre strukturellen Eigenschaften. Es gilt als Symbol für amerikanischen Fortschritt und Wettbewerb in der Höhe, Kreativität der Struktur, Fortschritt und Effizienz. Es gilt als Ikone des „architektonischen Individualismus“ (vgl. Ebd. 125). Das typische Gittermuster der Straßen der Stadt ist eine Ikone der Einfachheit (vgl. Ebd. 127), während die vertikale Stahlkonstruktion vieler Geschichten eine Ikone des Fortschritts und der Innovation ist.

Charlie Chaplin
Charlie Chaplin gilt als Filmikone. Geboren in London und während nicht a UNS Bürger, er hatte ein starkes Gefühl der Zugehörigkeit zur amerikanischen Gesellschaft. Chaplin wurde berühmt nach der Hauptrolle in seinem ersten Film, Making a Living, (1914). Als 10-jähriger Junge „arbeitete er als Pantomime auf dem britischen Vaudeville-Circuit“. Die Tatsache, dass er einst sehr arm war, inspirierte das Markenzeichen seines Tramps. Er schuf eine verzerrte Version eines formellen Dinner-Anzugs (als Symbol eines erwachsenen Mannes in Person) kombiniert mit der Haltung eines unschuldigen Kindes.

Er war der erste und der letzte Mensch, der für die Herstellung seiner Filme verantwortlich war. Er gründete sein eigenes Filmstudio United Artists; war verantwortlich für die Regie, das Schreiben, Editieren, Produzieren und Casting der Filme, in denen er spielte. Es heißt, er habe die Filmindustrie in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in eine Kunstform verwandelt. Es war seine Persönlichkeit und sein Genie mit „expressiver Grazie“, „unendlichem Erfindungsreichtum“ und Kreativität, die ihn zu einer amerikanischen Ikone machten. Er zog es vor, Stummfilme zu machen (er machte mehr als 75 Stummfilme) und stellte das Schauspiel und die Handlung in den Mittelpunkt der Aktion. Seine bekanntesten Filme sind Der große Diktator (1940), Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952), Das Kind (1921), Der Goldrausch (1925), Der Zirkus (1928), City Lights (1931) und Modern Times (1936)

Er war so gut erkennbar, dass 1920 eine Bewegung von „Chaplinitis“ entstand. Es gab Chaplin-Lieder, Tänze, Comics, Puppen und Cocktails. Gedichte wurden über ihn und seine Pantomime geschrieben. Die Beat Generation (von Schriftstellern) machte ihn zu einer seiner Ikonen. In den 80er Jahren nahm IBM den Tramp für das Logo in ihre Werbung für Personal Computer

»Alle paar Wochen, vor dem Kino in fast jeder amerikanischen Stadt in den späten 1910er Jahren, stand die lebensgroße Pappfigur eines kleinen Landstreichers – ausgestattet mit zerlumpten, weiten Hosen, einem ausgeschnittenen Mantel und einer Weste, unglaublich groß, abgenutzt Schuhe und ein ramponierter Derby-Hut mit der Aufschrift „Ich bin heute hier“. „Die liebenswerte Figur seines Little Tramp war auf der ganzen Welt sofort erkennbar und brachte Millionen zum Lachen. Immer noch. Immer noch.“

Während der McCarthy-Ära wurde er von einigen wegen der zunehmend politisierten Botschaften seiner Filme angegriffen und verurteilt; und er wurde beschuldigt, „antiamerikanische Aktivitäten“ betrieben zu haben und ein mutmaßlicher kommunistischer Anhänger zu sein. Er behielt seine britische Staatsbürgerschaft und nach einer Reise nach England im Jahr 1952 und für viele Jahre durfte er nicht wieder in die UNS Schließlich kehrte er 1972 zurück und wurde mit einem Ehren-Oscar ausgezeichnet. Er wird heute aufgrund des Charmes und der Brillanz seiner Filme als amerikanische Filmikone wahrgenommen.

Der Modell-T Ford
Ikonen sind in der Regel in der Lage, einerseits das Traditionsbewusstsein und andererseits den Fortschrittsbegriff zu vermitteln (vgl. Www.ikonothek.de). An dieser Stelle ist es erwähnenswert einige Konzepte der Moderne in der UNS , nämlich das Gefühl zukunftsweisender Gleichzeitigkeit (Wilk 2006: 2), das Vertrauen in die Macht und das Potenzial der Maschinen- und Industrietechnik (ebd. 3) und die Betonung des Prozesses (Kouwenhoven 1998: 133-136). All diese Aspekte können mit dem Ford Modell 1913 in Verbindung gebracht werden. Durch den Einsatz von Fließbandsystemen wendeten Henry Ford und seine Mitarbeiter während der Produktion die Prinzipien des kontinuierlichen Prozesses an (Strasser 1989: 6). Erwähnenswert ist in diesem Zusammenhang die Tatsache, dass viele ungelernte Einwanderer in der erweiterten Ford-Fabrik beschäftigt waren, um der steigenden Nachfrage nach dieser materiellen Ikone der amerikanischen Moderne auf dem entstehenden Massenmarkt gerecht zu werden. In der Folge unterstrich der Beitrag der ausländischen Arbeiter auch den Mythos des amerikanischen Schmelztiegels (siehe auch: Meyer 1998).

Heute repräsentiert der Ford Model-T weiterhin die Idee von Prozess und Mobilität. Obwohl die Moderne darauf abzielt, jede Form von Tradition und Geschichte abzulehnen, vermittelt diese Ikone interessanterweise bis zu einem gewissen Grad einen Sinn für Tradition.

Alltag und Kultur
Die modernistische Bewegung verursachte große Veränderungen in Gesellschaften, in denen sie stattfand. Mit der Einführung industrieller Entwicklungen begann das amerikanische Volk das Ergebnis der neuen Ära der Moderne zu genießen. Alltag und Kultur sind die Bereiche, die den gesellschaftlichen Wandel in den Gewohnheiten der Gesellschaft widerspiegeln. Entwicklungen, die mit der Moderne auftraten, beeinflussten den Lebensstandard der amerikanischen Bevölkerung und wichen einem neuen Lebensstil.

Die weitverbreitete Verwendung von Elektrizität und die Massenproduktion von technischen Haushaltsgeräten wie Kühlschrank brachte die Änderung der Essgewohnheiten der amerikanischen Bevölkerung mit sich. Die Verwendung von Tiefkühlkost wurde häufiger. Nach dem Krieg UNS Regierung verabschiedete neue Gesetze in Bezug auf Essen. So kamen einige neue Lebensmittel direkt aus den Ration Kits in die Läden. „Lebensmittel, die früher ausschließlich für den Militärgebrauch hergestellt wurden, wurden auf den zivilen Markt gebracht.“ Gefrorene und getrocknete Lebensmittel wurden auch nach dem Krieg populär. Nationale Forschungsgesellschaft von Boston eingeführt gefrorenes Orangensaftkonzentrat namens „Tang.“ Die Firma wurde Minute Maid, und 1950, ein Viertel von Florida Die Orangenernte konzentrierte sich auf Konzentrate. Das gefrorene Produkt überholte schnell frisch gepressten Orangensaft in den meisten amerikanischen Häusern. Tiefgefrorene Mahlzeiten waren nicht weit entfernt. In den 1950er Jahren, a Nebraska Die Firma Swanson brachte ihre TV-Dinner zu großem Erfolg.

Diese Veränderungen der Essgewohnheiten führten zu großen Veränderungen bei Geräten, Transport und Landwirtschaft. Seit die Leute mit dem Kauf der neuen Produkte begannen, wurden schnell neue Kühlschränke mit größeren Gefrierabteilen entwickelt. Schockfeste Kühlschrankeinheiten für LKWs mussten erfunden und vom Militär verwendet werden, bevor Tiefkühlprodukte im ganzen Land und auf der ganzen Welt vertrieben und vermarktet werden konnten. Diese Entwicklungen zwangen die Landwirte dazu, zu ändern, was sie anwachsen ließen und wie sie ihre Produkte wuchsen, um neue Verbraucheranforderungen zu erfüllen.

Im Folgenden sind einige der Lebensmittel, die in den 1940er Jahren zuerst produziert und verkauft wurden.

– Frau Pauls gefrorene Fischstäbchen
– Cheerios (zuerst verkauft als Cheeri Hafer, das erste essfertige Haferflocken) und Kellogg’s Rosinen-Kleie
– Minuten Reis
– Reddi-Whip Schlagsahne
– Nestles Quick Getränkepulvermischung
– Verpackte Kuchenmischungen
– M & Ms Pralinen, Pfefferminz Patty, Junior Mints, Mandel Joy, Whopper Malz Milchbällchen, Jolly Rancher Candies
– Deep Dish Pizza (Pizzeria Uno, Chicago)

Mit der zunehmenden Anzahl von Autos begannen amerikanische Leute, aus ihren Häusern herauszukommen und aßen draußen zu Abend. Während des Krieges fuhren die Leute jedoch so wenig wie möglich mit ihren Autos. Gas und Reifen wurden von der Regierung begrenzt. Die Automobilproduktion wurde eingestellt, da die Fabriken Panzer, Jeeps und andere Militärfahrzeuge herstellen mussten. Nach dem Krieg stapelten sich Familien wieder in Autos, als Folge wurden neue Autobahnen gebaut. Die Anzahl der Drive-Ins stieg sofort an. Drive-Ins wurden Teil des gesellschaftlichen Lebens in Amerika Ende 1940.

Die Moderne zeigte ihre Wirkung fast in allen Bereichen. Eine der immensen Entwicklungen bestand darin, die ländlichen Gebiete mit Strom zu versorgen. Die REA, Rural Electrification Administration, begann in den 1930er Jahren, es dauerte jedoch einige Zeit, um Stromleitungen Meilen in ländlichen Gebieten zu bauen. Während der 1940er Jahre baute die REA weiterhin die Stromleitungen.

Die Elektrizität veränderte das Leben der Bauernfamilien von dem Moment an, als sie früh morgens aufstanden, durch Mahlzeiten, Hausarbeiten und Arbeit, bis sie abends zu Bett gingen. Strom brachte Licht, um nachts zu arbeiten, zu lesen und zu nähen; Strom für Geräte wie Kühlschränke und Gefrierschränke, um Lebensmittel zu konservieren; Strom für kleine Küchengeräte wie Mixer und Mixer; und Energie für andere arbeitssparende Geräte wie Elektroherde, Bügeleisen und Waschmaschinen. Strom brachte Veränderungen mit sich, die das Leben sicherer und besser machten – wie farbige Lichter anstelle von gefährlichen Kerzen an Weihnachtsbäumen, Kühlschränke, um Lebensmittel frisch zu halten und elektrische Ventilatoren, die an heißen Sommertagen Erleichterung bringen.

Im Jahr 1930 hatten nur 13 Prozent der Betriebe Elektrizität.
In den frühen 1940er Jahren hatten nur 33 Prozent der Betriebe Elektrizität.
Lokal in York , Nebraska , hatte der Perennial Public Power District bis September 1945 fast 250 Meilen Stromleitung zu mehr als 500 Kunden aufgereiht.
Bis 1950 fast alle Nebraska Bauernhöfe wurden „angeschlossen“, und Elektrizität ersetzte Kerosinlaternen in Häusern und Scheunen.
Bei den Kommunikations- und Mediengeräten wie der Erfindung von Radio und Fernsehen wurden entscheidende Schritte unternommen.

Radio war das erste Massenmedium der Nation, das das Land verband und die Isolierung der ländlichen Bewohner beendete. Radio war so wichtig, dass die Volkszählung von 1930 fragte, ob der Haushalt ein Radio hätte. Radio stellte kostenlose Unterhaltung zur Verfügung (nachdem Sie das Radio gekauft hatten) und verband Landleute mit Weltgeschehen. Walter Winchell und Lowell Thomas waren beliebte Nachrichtensprecher im Radio.

Die Familien lachten über die Komiker Jack Benny, Fred Allen, George Burns und Gracie Allen, Amos und Andy sowie über Fibber McGee und Molly.
Radio zeigte tagsüber Seifenopern.
Am Abend hörten die Leute den Lone Ranger, die Green Hornet, The Shadow und Jack Armstrong.
Die Sänger Bing Crosby und die Mills Brothers, Guy Lombardos Orchester und die Grand Ole Opry waren sehr beliebt.
Familien hörten Baseball und jubelten für Stars wie Lou Gehrig und Joe DiMaggio. Fast 40 Millionen Menschen hörten den Pferderennen zwischen Seabiscuit und War Admiral in Maryland .
In den Nachrichten erfasste das deutsche Luftschiff Hindenburg 1937, als es in New Jersey . Tausende von Menschen im ganzen Land hörten Herb Morrison die erschreckende Szene im Live-Radio beschreiben und sagten „Oh, die Menschheit!“
Die ersten praktischen Fernsehgeräte wurden auf der Weltausstellung in Hamburg 1939 vorgeführt und verkauft New York . Die Sets waren sehr teuer und New York hatte die einzige Rundfunkstation. Als der Zweite Weltkrieg begann, wurde die gesamte kommerzielle Produktion von Fernsehgeräten verboten. Die Produktion der Kathodenstrahlröhren, die die Bilder erzeugten, wurde auf Radar und andere High-Tech-Kriegsanwendungen umgeleitet. Nach dem Krieg war das Fernsehen etwas, von dem nur wenige gehört hatten. Das hat sich schnell geändert. Im Jahr 1945 fragte eine Umfrage Amerikaner, „Weißt du, was Fernsehen ist?“ Die meisten nicht. Aber vier Jahre später hatten die meisten Amerikaner vom Fernsehen gehört und wollten eines! Einer Umfrage aus dem Jahr 1950 zufolge hörten die Menschen vor dem Fernsehen durchschnittlich fünf Stunden am Tag Radio. Innerhalb von neun Monaten, nachdem sie einen Fernseher gekauft hatten, hörten sie Radio, aber nur zwei Stunden am Tag. Sie sahen fünf Stunden am Tag fern. Die Fernseher aus den vierziger Jahren sahen nicht wie heutige Fernseher aus. Die meisten hatten Bildschirmdiagonalen zwischen 10 und 15 Zoll diagonal, in großen, schweren Schränken. Und natürlich kamen Farbsendungen erst viel später, im Jahr 1954, an.

Jazz
Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte sich der Jazz aus der Blues-Tradition, aber auch viele andere musikalische und kulturelle Elemente. Im New Orleans oft als Geburtsort des Jazz betrachtet, profitierten die Musiker vom Zustrom spanischer und französischer Kolonialeinflüsse. In dieser Stadt erlaubten eine einzigartige ethnische Kulturmischung und lockere Rassenverbote den Afroamerikanern mehr Einfluss als in anderen Regionen des Südens. Der Spanisch-Amerikanische Krieg brachte mit seinen Bands Nordsoldaten in die Region. Die daraus resultierende Musik wurde von den neuen Blechblasinstrumenten übernommen. Während der großen Migration verbreitete sich Jazz von New Orleans zu New York , Chicago und andere Städte, die neue Klänge auf dem Weg integrieren. Harlem , New York City, wurde das neue Zentrum für das Jazz-Zeitalter.

Bildende Kunst
Es gibt kein einziges Datum für den Beginn der Moderne in Amerika , wie Dutzende von Malern zu Beginn des 20. Jahrhunderts tätig waren. Es war die Zeit, als die ersten kubistischen Landschaften, Stilleben und Porträts erschienen; helle Farben traten in die Malerpaletten ein, und die ersten gegenstandslosen Bilder wurden in den Galerien ausgestellt.

Feminismus
Ab dem frühen 19. Jahrhundert benutzten einige Frauen die Doktrinen der idealen Weiblichkeit, um die Isolation der häuslichen Sphäre zu vermeiden. In den 1830er Jahren forderten Frauen offen den Frauenbereich heraus und forderten größere politische, wirtschaftliche und soziale Rechte. Sie gründeten überall in den USA Frauenklubs und wohlwollende Gesellschaften. Die männliche Vorherrschaft in der Öffentlichkeit war für viele dieser bürgerlichen Aktivistinnen nicht mehr akzeptabel. Beginnend mit der Seneca Falls Convention 1848 hielten amerikanische Feministinnen staatliche und nationale Konventionen bis zum frühen 20. Jahrhundert. Einige Sprecherinnen der feministischen Bewegung verbanden die feministische Sache mit der freien Liebe und der sexuellen Revolution, die Tabuthemen des viktorianischen Zeitalters waren. Daher konzentrierten sich die Feministinnen sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten auf politische und rechtliche Fragen, insbesondere auf die Abstimmung, und auf andere wichtige Fragen von Frauen in Bezug auf die häusliche Rolle von Frauen und die Organisation des häuslichen Lebens im Allgemeinen. Schließlich, nach einem langen und harten Kampf, der massive, manchmal gewalttätige Proteste, die Inhaftierung vieler Frauen und sogar einige Tote beinhaltete, wurde der Kampf um das Frauenwahlrecht gewonnen. Das Wahlrecht wurde in der Vereinigte Staaten im Jahr 1920 für Frauen, die Haushälterinnen oder Hausfrauen waren und 1928 für alle erwachsenen Frauen. (Afroamerikanische Frauen wurden nicht berücksichtigt. Sie erhielten nur das Wahlrecht in der Bürgerrechtsbewegung der 1960er Jahre.) Die Nationale Organisation für Frauen (NOW) wurde 1966 von einer Gruppe von Feministinnen gegründet. Die größte Frauenrechtsgruppe in der UNS JETZT zielt darauf ab, sexuelle Diskriminierung, insbesondere am Arbeitsplatz, durch legislative Lobbyarbeit, Rechtsstreitigkeiten und öffentliche Demonstrationen zu beenden. In den folgenden Jahren des späten 20. Jahrhunderts kam es zu einer starken Ausweitung der Frauenrechte in allen Bereichen der modernen Gesellschaft. Moderne Künstler hatten eine ambivalente Einstellung zum Feminismus: Einerseits entschieden sie sich für die Gleichbehandlung von Männern und Frauen in Bezug auf Recht, Wahlrecht und Berufe; auf der anderen Seite hatten sie immer noch die wahrgenommenen weiblichen Unzulänglichkeiten in Bezug auf Biologie, Kultur und Transzendenz im Auge. Die radikale Feministin Emma Goldman verkündete: „Wahre Befreiung beginnt weder bei den Wahlen noch bei den Gerichten [sondern] in der Seele einer Frau“ .

Mode
Mit Bezug auf Mode würde man normalerweise an Kleidungsstile oder Kostüme denken. Natürlich ist der Kleidungsstil eine sehr wichtige Kategorie des Wortes „Mode“. Auf der anderen Seite, „Mode“ hat mehr Bedeutungen und könnte in vielen anderen Bereichen, wie Architektur, Körpertyp, Tanz und Musik, und sogar Formen der Sprache usw. erklärt und gefunden werden.

Literatur
Amerikanische modernistische Literatur war eine dominierende Tendenz in der amerikanischen Literatur zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg. Die modernistische Ära hob Innovationen in der Form und Sprache von Poesie und Prosa hervor, ebenso wie auf zahlreiche zeitgenössische Themen, wie Rassenbeziehungen, Geschlecht und die menschliche Verfassung. Viele amerikanische Modernisten wurden ausgebürgert Europa Während dieser Zeit wurden sie oft zu Talenten in der europäischen Bewegung, wie es bei TS Eliot, Ezra Pound und Gertrude Stein der Fall war. Diese Autoren wurden oft als The Lost Generation bekannt.