Luftperspektive in der Kunst

Die Luft- und Atmosphärenperspektive ist die Methode, mit der ein Gefühl der Tiefe in einem Gemälde auftritt, um die Effekte des Raums nachzuahmen, die Objekte blasser, blauer und verschwommener erscheinen lassen oder eine weniger unterscheidbare Entfernung zwischen Mitte und Ferne.

Die Luftperspektive, die atmosphärische Perspektive oder die Ansicht des Aussehens ist eine bildliche Technik, die darin besteht, die Tiefe des Raumes durch die fortschreitende Abstufung der Farben und die allmählich weich werdenden Konturen zu markieren. Es gilt fast ausschließlich für die Landschaft.

Einige künstlerische Strömungen haben geschätzt, dass die Luftperspektive ausschließlich oder hauptsächlich auf die chromatische Perspektive reduziert ist, die die Dominanz von Farben darstellt, die in der Ferne in Richtung Blau zeichnen.

Leonardo da Vinci
Der Begriff wurde von Leonardo da Vinci geprägt, aber die Technik wurde möglicherweise bereits in den antiken griechisch-römischen Wandgemälden von Pompeji verwendet. Es wurde entdeckt, dass Staub und Feuchtigkeit in der Umgebung die Streuung der Leuchtkraft verursachten; Das kurzwellige Licht (blau) wird stärker und das langwellige Licht (roa) weniger gestreut.

Die italienischen Maler von Leonardo verwendeten das Verfahren; im fünfzehnten Jahrhundert von nordeuropäischen Künstlern und dann von Joseph Mallord William Turner ausgenutzt.
In der Kunst, insbesondere in der Malerei, bezieht sich die Luftperspektive auf die Technik, eine Illusion von Tiefe zu erzeugen, indem entfernte Objekte als blasser, weniger detailliert und normalerweise blauer dargestellt werden als nahe Objekte.

Seit der Hochrenaissance verwenden die Künstler neben der Zentralperspektive auch die Luft- und Farbperspektive, um den Tiefenraum darzustellen. Sie wollen die sichtbare Realität glaubwürdig widerspiegeln. Leonardo da Vinci erkennt, dass das entfernte Blau und die Blässe vom Medium Luft herrühren. Er ist wahrscheinlich der erste, der dieses Phänomen als Luftaufnahme beschreibt.

Die Luftperspektive, deren Untersuchungen hauptsächlich von Leonardo da Vinci begonnen wurden, basiert auf der Entdeckung, dass Luft kein vollständig transparentes Medium ist, aber mit zunehmender Entfernung vom Beobachtungspunkt werden die Konturen nuancierter, farbloser und weniger klar und ihre Bereich, der in Richtung Blau tendiert. Leonardo macht folglich in seiner Malerei Objekte mit Farben immer differenzierter je nach Entfernung, was die im Vordergrund stehenden schärfer macht. Tatsächlich tendiert Leonardo dazu, eine eigentliche “Luftperspektive”, in der der Gradient entsprechend der Entfernung der abgebildeten Objekte angewendet wird, von einer “Farbperspektive” zu unterscheiden, die stattdessen die Änderung der Farbe von Dingen aufgrund ihrer Entfernung theoretisiert.

Laut Leonardos optischen Studien ist die Luft außerdem umso dichter («eine Luft dicker als die anderen»), je näher sie am Boden ist, während sie mit der Höhe transparenter wird. So wirken vor allem die sich in der Höhe entwickelnden Landschaftselemente wie die Berge in den höheren Lagen schärfer.

“Deshalb machst du, Maler, wenn du die Berge machst, die Niedrigkeit von Hügel zu Hügel immer klarer als die Höhe, und was du weiter voneinander entfernt machen willst, machst die Niedrigkeit leichter; und je höher sie steigt, desto mehr es wird die Wahrheit von Form und Farbe zeigen “(Manuskript A, um 1492, Blatt 98 recto).

Unter den Arbeiten, die häufig als Beispiele für die Anwendung der Luftperspektive angeführt werden, befinden sich drei Bilder von Leonardos Reife: die Mona Lisa, die Verkündigung, die Jungfrau mit der Heiligen Anna und dem Kind und die Jungfrau der Felsen (Paris). Diese Technik verwendete Piero della Francesca auch in der Landschaft des Doppelporträts der Herzöge von Urbino.

«Von der Luft, die die Wurzeln der Berge deutlicher zeigt als ihre Gipfel.

Die Gipfel der Berge werden immer dunkler als ihre Basen. Dies geschieht, weil diese Berggipfel in eine dünnere Luft eindringen, die ihre Basis nicht bildet, gemäß der zweiten der ersten, die besagt, dass diese Luftregion umso transparenter und dünner sein wird, je weiter sie vom Wasser entfernt ist und von der Erde; In der Folge beweisen diese Berggipfel, die in der Luft dünn werden, mehr von ihrer natürlichen Dunkelheit als diejenigen, die in die niedrige Luft eindringen, die nachweislich viel größer ist.

Denn je weiter die Bäume von weitem entfernt sind, desto mehr leuchten sie auf.

Aus der Ferne sind die Bäume umso klarer, je weiter sie vom Auge entfernt sind, da die Luft am Horizont zuletzt klarer wird. Dies ergibt sich aus der Luft, die sich zwischen den Bäumen und dem Auge befindet und die von weißer Qualität ist, so sehr sie auch interveniert, und von viel größerem Weiß sie Bäume besetzt, die an sich selbst von dunkler Farbe teilnehmen, und die das Weiß dieser zwischengelagerten Luft macht dunkle Teile mehr blau als ihre beleuchteten Teile. ”

Malerei aus der Luftperspektive
Die Aquarelle von Albrecht Dürers zweiter Italienreise belegen das Vertrauen des Künstlers in den visuellen Eindruck. Er malt ferne Berge in hellblau, obwohl sie in Wahrheit (dh in der Nähe) die Farben von Wald, Stein oder Schnee haben.

Insbesondere die niederländischen Barockmaler klassifizieren ihre Landschaften konsequent von warm bis kalt. Sie verwenden warmes Braun, Rot und Gelb im Vordergrund, ein kaltes Stahlblau im Hintergrund und grüne Abstufungen in der Mitte zwischen den beiden.

Romantische Maler setzen der Nüchternheit und Strenge des Klassizismus das Gefühl und das verinnerlichte Naturerlebnis entgegen. Sie wenden sich zunehmend der Landschaftsmalerei zu. Die Luftperspektive spielt eine wichtige Rolle bei der Darstellung des Gefühls der Einsamkeit und der Sehnsucht nach der Distanz.

Ab der Renaissance blieben die Luft-, Farb- und Zentralperspektive bis zum Impressionismus unangefochten. Seitdem haben Künstler auch multiperspektivische und perspektivische Perspektiven verwendet.

Aerial Perspektive
Lehrer Landschaftsmalerei am Ende des XVII. Jahrhunderts, PH Valenciennes Down Rendering von Raum oder Perspektive, lineare Perspektive, die Linien und Luftperspektive bestimmt, die Farbe bestimmt. Es folgt einem gut eingeführten Brauch seit Girard Desargues, der auf diese Weise seinen Vertrag von 1648 geteilt hatte. 1732 fasst das Wörterbuch von Thomas Corneille zusammen: “Zusätzlich zur linearen oder linearen Perspektive, die, wie wir gesagt haben, die unteren Linien lehrt, Maler Beobachten Sie die Luftperspektive, die in der Reduzierung von Farbtönen und Farben besteht, je nach mehr oder weniger Abstand von Gegenständen. ”

Die Perspektive des Aussehens wurde zu verschiedenen Zeiten wiederentdeckt, die Fresken von Pompeji zeigen, dass sie in der Antike verwendet wurden.

Im 19. Jahrhundert üben die Künstler der Barbizon-Schule und die folgenden Strömungen, die sich für Landschafts- und Lichteffekte interessieren, fleißig die Luftperspektive. Gleichzeitig war der Einfluss der Distanz auf Formen und Farben Gegenstand wissenschaftlicher Untersuchungen. Im Jahr 1791 vertrat Watelet die Auffassung, dass die Luftperspektive “keinen streng nachgewiesenen Grundsätzen unterliegt” und dass “der Künstler vor allem durch Beobachtung die Gesetze der Luftperspektive erlernen wird”. Das Primat der menschlichen Beobachtung bleibt eine Grundlage der Kunst, Jahrhundert von Brücke und Helmholtz setzen sich mit dem Thema aus wissenschaftlicher Sicht in den Wissenschaftlichen Grundlagen der Schönen Künste auseinander. Einige andere Wissenschaftler wie Rayleigh werden wissenschaftliche Studien zur Lichtstreuung in der Atmosphäre liefern, die für die Farbe des Himmels verantwortlich ist.

Ein Künstler kann sowohl eine lineare als auch eine Luftperspektive auf dasselbe Bild anwenden und auch nur das eine oder das andere verwenden. Die französischen Maler des xviii Jahrhunderts, wie die klassischen chinesischen Maler, achteten sehr auf die Luftperspektive.

Chromatische Perspektive
Bei bestimmten künstlerischen Lehren ist die Entfernung durch bläuliche Farben gekennzeichnet. In vielen Gemälden wie der Jungfrau der Felsen oder der Mona Lisa malt Leonardo da Vinci die entfernte Farbe blauer als die Nahaufnahmen.

Goethe sagt: „Es ist sicher, dass die atmosphärische Perspektive von der Lehre von unruhigen Umgebungen abhängt. Der Himmel und entfernte Objekte, die nahen Schatten scheinen uns blau; die glänzenden und prächtigen Gegenstände bieten uns Nuancen, die von gelb bis purpurrot variieren können; In vielen Fällen sind die Farben so für unsere Augen, dass uns eine farblose Landschaft dank der gut beobachteten Bedingungen des Klaren und des Dunkeln stark gefärbt erscheinen kann. “Dies ist, was Valenciennes bestreitet:” Es gibt keine die Objekte der Natur, die von flüchtiger Farbe sind oder die mehr als eine andere voranschreiten, wenn nicht diejenige, die am meisten an der Luftfarbe teilnimmt (…) in dieser Entfernung, trotz seiner starken und entschlossenen Farbe: in Wahrheit, Diese Farbe wird durch die Zwischenschaltung der Erddämpfe, die sich zwischen diesem Objekt und unserem Auge befinden und die einen sehr großen Unterschied zwischen dieser Farbe und der gleichen, die sich auf der Vorderseite des Bildes befinden würde, feststellen, extrem geschwächt. Indem wir diesen Dampf mehr oder weniger fühlen lassen, bewegen wir das Objekt vorwärts oder rückwärts “.

Es bleibt die Tatsache, dass die experimentelle Psychologie prominente und flüchtige Farben erkennt. Wenn eine farbige Disc auf einen grauen Hintergrund gelegt wird, identifiziert das Motiv sie als einen Punkt auf dem Hintergrund, wenn sie rot oder rosa ist, aber als ein Loch in Richtung eines anderen Hintergrunds, wenn sie blau ist. Es ist eine bestimmte Fähigkeit des Künstlers, diesen Effekt zu nutzen, indem er die Vertiefungen und die entfernten blau malt. Die moderne Kunst wird nach Cézanne diese Eigenschaft zu einer Grundlage für die Komposition machen, von der Modellierung bis zur Modulation.

Anhänge
Luftperspektive und atmosphärische Perspektive sind austauschbar, wobei die erste häufiger in der Quelle aus dem 17. Jahrhundert vorkommt, während einige Autoren, wie der gelehrte Hermann von Helmholtz, erst im 19. Jahrhundert die zweite attestierte bevorzugen. Der etwas schwerere Ausdruck hat den Vorteil, dass Mehrdeutigkeiten vermieden werden. Ende des 18. Jahrhunderts werden die Prozesse der linearen Perspektive gelehrt, um vertikale Gemälde zu malen. Die Prinzipien sind die gleichen, aber die Methoden für gestrichene Decken unterscheiden sich. Letztere repräsentieren oft himmlische, spirituelle oder göttliche Wesen. Die Luftperspektive hat nichts mit diesen Luftwesen zu tun.

Die chromatische Perspektive ist der Teil des Themas, der die Schwächung der Farben und das dominante Blau der Hintergründe betrifft, ausgenommen die Abnahme des Kontrasts und die Verwirrung der Konturen: “Die Luftperspektive setzt sich aus der Perspektive von klar und dunkel zusammen chromatische Perspektive oder Farben “.