Abstrakte Fotografie, manchmal als nicht-objektive, experimentelle, konzeptionelle oder konkrete Fotografie bezeichnet, ist ein Mittel zur Darstellung eines visuellen Bildes, das keine unmittelbare Assoziation mit der Objektwelt aufweist und das unter Verwendung von fotografischen Geräten, Verfahren oder Materialien erstellt wurde . Eine abstrakte Fotografie kann ein Fragment einer natürlichen Szene isolieren, um ihren inhärenten Kontext dem Betrachter zu entziehen. Sie kann absichtlich inszeniert werden, um aus realen Objekten eine scheinbar unwirkliche Erscheinung zu erzeugen, oder sie kann die Verwendung von Farbe, Licht, Schatten beinhalten. Textur, Form und / oder Form, um ein Gefühl, eine Empfindung oder einen Eindruck zu vermitteln. Das Bild kann unter Verwendung herkömmlicher fotografischer Geräte wie einer Kamera, einer Dunkelkammer oder eines Computers erzeugt werden, oder es kann ohne Verwendung einer Kamera durch direktes Manipulieren von Film, Papier oder anderen fotografischen Medien erzeugt werden.

Abstrakte Fotografie definieren
Es gibt keine allgemein gebräuchliche Definition des Begriffs „abstrakte Fotografie“. Bücher und Artikel zu diesem Thema umfassen alles, von einem vollständig gegenständlichen Bild eines abstrakten Gegenstands wie Aaron Siskinds Fotografien von abblätternder Farbe bis zu völlig nicht gegenständlichen Bildern, die ohne Kamera oder Film erstellt wurden, wie Marco Breuers fabrizierten Drucken und Büchern. Der Begriff umfasst sowohl eine breite Palette visueller Darstellungen als auch eine explizite Kategorisierung einer Art von Fotografie, die von Natur aus sichtbar mehrdeutig ist.

Viele Fotografen, Kritiker, Kunsthistoriker und andere haben über abstrakte Fotografie geschrieben oder gesprochen, ohne zu versuchen, eine bestimmte Bedeutung zu formalisieren. Alvin Langdon Coburn schlug 1916 vor, eine Ausstellung mit dem Titel „Abstrakte Fotografie“ zu organisieren, für die auf dem Anmeldeformular eindeutig steht, dass „keine Arbeiten zugelassen werden, bei denen das Interesse des Themas größer ist als die Wertschätzung des Außergewöhnlichen . “ Die vorgeschlagene Ausstellung fand nicht statt, doch Coburn schuf später einige ausgesprochen abstrakte Fotografien.

Der Fotograf und Professor für Psychologie John Suler sagte in seinem Aufsatz Photographic Psychology: Image and Psyche: „Eine abstrakte Fotografie hebt sich von dem ab, was realistisch oder wörtlich ist. Sie hebt sich von natürlichen Erscheinungen und erkennbaren Motiven in der tatsächlichen Welt ab. Einige Menschen Sogar sagen, es weicht von der wahren Bedeutung, der Existenz und der Realität selbst ab. Es unterscheidet sich vom konkreten Ganzen, und sein Zweck hängt von der konzeptuellen Bedeutung und der eigentlichen Form ab Stimme in dir, die sagt ‚Was ist das?‘

Barbara Kasten, ebenfalls Fotografin und Professorin, schrieb: „Die abstrakte Fotografie stellt unsere populäre Auffassung von Fotografie als objektivem Bild der Realität in Frage, indem sie ihre konstruierte Natur wieder betont. Die abstrakte Fotografie ist weiterhin ein Genre, das von ihrer Repräsentationspflicht befreit ist für die Mischung von Medien und Disziplinen. Es ist eine Arena, um Fotografie zu testen. “

Der deutsche Fotograf und Fototheoretiker Gottfried Jäger verwendete den Begriff „Konkrete Fotografie“ und spielte den Begriff „Konkrete Kunst“ aus, um eine bestimmte Art der abstrakten Fotografie zu beschreiben. Er sagte:

„Konkrete Fotografie zeigt nicht das Sichtbare (wie realistische oder dokumentarische Fotografie);
Es repräsentiert nicht das Nicht-Sichtbare (wie inszenierte, darstellende Fotografie);
Es wird nicht auf Ansichten zurückgegriffen (wie bildanalytische, konzeptuelle, demonstrative Fotografie).
Stattdessen wird die Sichtbarkeit hergestellt. Es ist nur sichtbar, das einzig Sichtbare.
Auf diese Weise verlässt es seinen Mediencharakter und gewinnt Objektcharakter. “

In jüngerer Zeit schrieb der Konzeptkünstler Mel Bochner Hand ein Zitat aus der Encyclopædia Britannica: „Fotografie kann keine abstrakten Ideen aufzeichnen.“ auf eine Notizkarte, dann fotografierte und druckte es mit sechs verschiedenen fotografischen Verfahren. Er wandelte die Worte, den Begriff und die Visualisierung des Begriffs in Kunst selbst um und schuf so ein Werk, das eine weitere Art abstrakter Fotografie präsentierte, ohne den Begriff selbst zu definieren.

Geschichte

19. Jahrhundert
Einige der frühesten Bilder der sogenannten abstrakten Fotografie erschienen im ersten Jahrzehnt nach der Erfindung des Handwerks. 1842 schuf John William Draper mit einem Spektroskop Bilder, die Lichtstrahlen in ein damals noch nicht aufgenommenes sichtbares Muster zerstreuten. Die Drucke, die er anfertigte, bezogen sich nicht auf die Realität der sichtbaren Welt, die andere Fotografen damals aufzeichneten, und sie zeigten die beispiellose Fähigkeit der Fotografie, bisher Unsichtbares in eine greifbare Präsenz umzuwandeln. Draper betrachtete seine Bilder eher als wissenschaftliche Aufzeichnungen als als Kunst, doch ihre künstlerische Qualität wird heute wegen ihres bahnbrechenden Status und ihrer inhärenten Individualität geschätzt.

Eine andere frühe Fotografin, Anna Atkins in England, produzierte ein selbst veröffentlichtes Buch mit Fotogrammen, das aus getrockneten Algen direkt auf Cyanotypiepapier hergestellt wurde. Die stark weiß-blauen Bilder, die als wissenschaftliche Studie gedacht sind, haben aufgrund der negativen Abbildung und des Mangels an natürlichem Kontext für die Pflanzen eine ätherische abstrakte Qualität.

Die Entdeckung des Röntgenstrahls im Jahr 1895 und der Radioaktivität im Jahr 1896 löste in der Öffentlichkeit eine große Faszination für Dinge aus, die zuvor unsichtbar oder unsichtbar waren. Als Reaktion darauf begannen die Fotografen zu untersuchen, wie sie erfassen konnten, was beim normalen menschlichen Sehen nicht zu sehen war.

Ungefähr zur gleichen Zeit experimentierte der schwedische Autor und Künstler August Strindberg damit, Kochsalzlösungen auf Fotoplatten Hitze und Kälte auszusetzen. Die Bilder, die er mit diesen Experimenten erzeugte, waren unbestimmte Wiedergaben von, was sonst nicht gesehen werden konnte und waren in ihrer Darstellung gänzlich abstrakt.

Um die Jahrhundertwende versuchte Louis Darget in Frankreich, Bilder von mentalen Prozessen zu erfassen, indem er unbelichtete Platten auf die Stirn der sitzenden Personen drückte und sie aufforderte, Bilder aus ihrem Kopf auf die Platten zu projizieren. Die Fotografien, die er produzierte, waren verschwommen und unbestimmt, doch Darget war überzeugt, dass das, was er „Gedankenvibrationen“ nannte, nicht von Lichtstrahlen zu unterscheiden war.

20. Jahrhundert
Während des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts gab es eine Welle künstlerischer Erforschung, die den Übergang in Malerei und Skulptur vom Impressionismus und Postimpressionismus zum Kubismus und Futurismus beschleunigte. Ab 1903 führte eine Reihe jährlicher Kunstausstellungen in Paris, der Salon d’Automne, die Öffentlichkeit in die radikale Vision von Künstlern wie Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka und Albert Gleizes ein. Jean Metzinger. Ein Jahrzehnt später löste die Armory Show in New York einen Skandal aus, indem sie vollständig abstrakte Werke von Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay und anderen zeigte.

Das Interesse der Öffentlichkeit an und manchmal auch die Abneigung gegen abstrakte Kunst wurde von einigen der kreativeren Fotografen dieser Zeit gebührend zur Kenntnis genommen. 1910 begann Alfred Stieglitz in New York, abstrakte Maler wie Marsden Hartley und Arthur Dove in seiner 291 Kunstgalerie zu zeigen, die zuvor nur bildhafte Fotografie ausgestellt hatte. Fotografen wie Stieglitz, Paul Strand und Edward Steichen experimentierten mit Motiven, die in abstrakten Kompositionen fotografiert wurden.

Die ersten öffentlich ausgestellten Bilder, die heute als abstrakte Fotografien anerkannt sind, waren eine Serie mit dem Titel Symmetrische Muster aus natürlichen Formen, die Erwin Quedenfeldt 1914 in Köln zeigte. Zwei Jahre später begann Alvin Langdon Coburn mit einer Serie zu experimentieren, die er Vortographen nannte. Während eines Zeitraums von sechs Wochen im Jahr 1917 machte er ungefähr zwei Dutzend Fotos mit einer Kamera, die mit einem facettenreichen Prisma ausgestattet war. Die resultierenden Bilder hatten absichtlich nichts mit den Realitäten zu tun, die er sah, und mit seinen früheren Porträts und Stadtansichten. Er schrieb: „Warum sollte die Kamera nicht die Fesseln der zeitgenössischen Darstellungen abwerfen …? Warum, ich bitte Sie ernsthaft, müssen wir weiterhin alltägliche kleine Belichtungen machen …?“

In den 1920er und 1930er Jahren nahm die Zahl der Fotografen, die sich mit abstrakten Bildern beschäftigten, erheblich zu. In Europa wurde Prag zu einem Zentrum der Avantgarde-Fotografie. František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek und Jaromír Funke schufen Fotografien, die vom Kubismus und Futurismus beeinflusst waren. Insbesondere Rösslers Bilder gingen über die gegenständliche Abstraktion hinaus zu reinen Abstraktionen von Licht und Schatten.

In Deutschland und später in den USA experimentierte László Moholy-Nagy, ein Leiter der Bauhaus-Schule der Moderne, mit den abstrakten Eigenschaften des Fotogramms. Er sagte, dass „die erstaunlichsten Möglichkeiten im Rohmaterial der Fotografie noch zu entdecken sind“ und dass die Fotografen „lernen müssen, nicht das“ Bild „, nicht die Ästhetik der Tradition, sondern das ideale Ausdrucksmittel, das ausreichendes Fahrzeug für die Bildung. “

Einige Fotografen haben in dieser Zeit auch die Grenzen konventioneller Bildsprache erweitert, indem sie die Visionen des Surrealismus oder Futurismus in ihre Arbeit einbezogen haben. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat und Filippo Masoero waren einige der bekanntesten Künstler, die überraschende Bilder produzierten, die sowohl die Realität als auch die Perspektive in Frage stellten.

Sowohl während als auch nach dem Zweiten Weltkrieg untersuchten Fotografen wie Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith und Lotte Jacobi Kompositionen gefundener Objekte auf eine Weise, die zeigte, dass auch in unserer natürlichen Welt Elemente der Abstraktion eingebettet sind.

Frederick Sommer betrat 1950 Neuland, indem er absichtlich neu angeordnete Fundstücke fotografierte, was zu mehrdeutigen Bildern führte, die weithin interpretiert werden konnten. Nach TS Eliots Aufsatz über Kritik und Bedeutung wählte er einen Titel für ein bestimmtes rätselhaftes Bild: The Sacred Wood.

Die 1960er Jahre waren zu dieser Zeit eine ungehemmte Erkundung der Grenzen fotografischer Medien, beginnend mit Fotografen, die ihre eigenen und / oder gefundenen Bilder zusammenstellten oder neu zusammenstellten, wie Ray K. Metzker, Robert Heinecken und Walter Chappell.

Mitte der 1970er Jahre entwickelte Josef H. Neumann Chemogramme, die sowohl aus der fotografischen Verarbeitung als auch aus der Malerei auf Fotopapier stammen. Vor der Verbreitung von Computern und dem Einsatz von Bildverarbeitungssoftware kann der Prozess der Erstellung von Chemogrammen als eine frühe Form der analogen Postproduktion betrachtet werden, bei der das Originalbild nach dem Vergrößerungsprozess geändert wird. Im Gegensatz zu Werken der digitalen Postproduktion ist jedes Chemogramm ein Unikat.

Ab Ende der 1970er-Jahre stießen Fotografen in den damals traditionellen Fotomedien, die in einer Dunkelkammer entwickelt werden mussten, an die Grenzen von Maßstab und Oberfläche. Inspiriert von der Arbeit von Moholy-Nagy begann Susan Rankaitis, gefundene Bilder aus wissenschaftlichen Lehrbüchern in großformatige Fotogramme einzubetten. Die Entstehung wurde als „Palimpsest“ bezeichnet, der fast wie eine archäologische Ausgrabung erforscht werden muss. Später schuf sie riesige interaktive Galeriekonstruktionen, die die physischen und konzeptuellen Vorstellungen davon, was ein Foto sein könnte, erweiterten. Ihre Arbeit soll „die Fragmentierung des zeitgenössischen Geistes nachahmen“.

In den neunziger Jahren erkundete eine neue Welle von Fotografen die Möglichkeiten, mit Computern neue Möglichkeiten für die Erstellung von Fotografien zu entwickeln. Fotografen wie Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman und Carel Balth schufen Arbeiten, die Fotografie, Skulptur, Druckgrafik und computergenerierte Bilder kombinierten.

21. Jahrhundert
Mit der Verbreitung von Computern und Fotografiesoftware wurden die Grenzen der abstrakten Fotografie über die Grenzen von Film und Chemie hinaus auf nahezu unbegrenzte Dimensionen ausgedehnt. Alle Grenzen, die zwischen reinen Künstlern und reinen Fotografen blieben, wurden von Personen beseitigt, die ausschließlich in der Fotografie arbeiteten, aber nur computergenerierte Bilder produzierten. Zu den bekanntesten der frühen Generation des 21. Jahrhunderts gehörten Gaston Bertin, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Harvey Lloyd, Adam Broomberg und Oliver Chanarin.