إن التصميم الاسكندنافي هو حركة تصميم تتميز بالبساطة والسلاسة والوظائف التي ظهرت في أوائل القرن العشرين ، والتي ازدهرت في الخمسينيات ، في بلدان الشمال الاسكندنافية الخمسة في الدنمارك وفنلندا وأيسلندا والنرويج والسويد.

نظرة عامة
في عام 1914 ، أطلقت الدانماركية Selskabet لشركة Dekorativ Kunst (شركة للفنون الزخرفية) مجلة Skønvirke (da) (حرفيا “العمل الرشيق”). أصبح لقبها اسم نمط جديد من الفنون والحرف اليدوية الدنماركية ، إلى منافسة الفن الحديث و Jugendstil.

من ثلاثينيات القرن العشرين ، مصممين مثل ألفار آلتو (الأثاث ، المنسوجات) ، آرني جاكوبسن (كراسي) ، بورج موغنسن (أثاث) ، هانز جي فيغنر (كراسي) ، فيرنر بانتون (كراسي بلاستيكية) ، بول هيننغسن (مصابيح) ، ومايا ساعد Isola (المنسوجات المطبوعة) على إنشاء “العصر الذهبي للتصميم الاسكندنافي”.

كانت جائزة Lunning ، التي مُنحت للمصممين الإسكندنافيين البارزين بين عامي 1951 و 1970 ، ذات دور أساسي في جعل التصميم الاسكندنافي سلعة معترف بها ، وفي تحديد معالمها.

في عام 1954 ، عقد متحف بروكلين معرضه “تصميم في الدول الاسكندنافية” ، وبدأت موضة “الأثاث الاسكندنافي الحديث” في أمريكا. لا يقتصر التصميم الاسكندنافي على الأثاث والسلع المنزلية. وقد تم تطبيقه على التصميم الصناعي ، مثل الإلكترونيات الاستهلاكية والهواتف المحمولة والسيارات.

كان مفهوم التصميم الاسكندنافي موضوع نقاشات علمية ومعارض وأجندة تسويقية منذ خمسينيات القرن العشرين. يشدد الكثيرون على مُثُل التصميم الديمقراطية التي كانت موضوعًا أساسيًا للحركة وينعكس في الخطابة المحيطة بالتصميم الإسكندنافي والعالمي المعاصر. غير أن آخرين قاموا بتحليل استقبال التصميم الاسكندنافي في الخارج ، حيث رأوا فيه شكلاً من أشكال صنع الأسطورة والسياسة العنصرية.

في الدول الاسكندنافية

تصميم الدنمارك
التصميم الدنماركى هو أسلوب التصميم الهندسى والعمارة الذى تم تطويره فى منتصف القرن العشرين. وتأثر العديد من المصممين الدنماركيين بتأثير من مدرسة باوهاوس الألمانية ، باستخدام التقنيات الصناعية الجديدة ، مقترنة بأفكار البساطة والوظيفية لتصميم المباني والأثاث والأدوات المنزلية ، والتي أصبح الكثير منها مبدعًا وما زال قيد الاستخدام والإنتاج ، مثل أرني جاكوبسن 1958 كرسي بيض و Poul Henningsen’s 1926 PH-lamps. بعد الحرب العالمية الثانية ، كانت الظروف في الدنمارك مناسبة بشكل مثالي للنجاح في التصميم. كان التركيز على الأثاث ، لكن الهندسة المعمارية والفضية والسيراميك والزجاج والمنسوجات استفادت أيضا من هذا الاتجاه. شكلت عملية التصنيع المتأخر في الدنمارك جنبا إلى جنب مع تقليد من الحرفية عالية الجودة أساس التقدم التدريجي نحو الإنتاج الصناعي.

ترتبط نقطة البداية لهذا الاتجاه في التصميم تقليديًا بتقاليد القرون الوسطى – حيث تم إنشاء المؤسسات الأساسية في القرن السادس عشر ، عندما تم إنشاء النقابات الحرفية الأساسية. ومع ذلك ، فقد تأثرت سمات التصميم الرئيسية في الدنمارك بالتقاليد الفنية الجديدة في القرن العشرين: الأسلوب الحداثي ، ثم – الوظيفية ، الأسلوب الدولي ، الحداثة وتقاليد باوهاوس. إن التصميم الدنماركي ، الذي يمكن اعتبار مرجعته المباشرة لنشاط مصنع الخزف الملكي Royal Copenhagen ، الذي تأسس عام 1775 ، له تأثير ملحوظ على التقاليد الكلاسيكية الجديدة والرومانسية. كانت حركة الفنون والحرف قريبة أيضًا من الفكرة الفنية الدنماركية وتقاليدها الأيديولوجية واليومية.

واحدة من ميزات التصميم في النصف الأول من القرن العشرين في الدنمارك هي مزيج من تقاليد الكلاسيكية ، وحركة الفنون والحرف اليدوية ، والحداثة والحداثة. أحد الأمثلة على هذا الاتجاه هو عمل جورج جنسن. يرتبط تطوير أشكال جديدة وأسلوب جديد في التصميم الدنماركي بنشاط مجلة Kritisk Revy ، التي ساهمت في انتشار أفكار الحداثة والبنائية والباوهاوس.

يرتبط تصميم النصف الثاني من القرن العشرين باندماج دائم في النظام الدولي. التقليد الدنماركي في 1950s-1970s هو استخدام أشكال مبسطة (آرني جاكوبسن) ، ومواد جديدة (Werner Penton) والأنظمة التكنولوجية الجديدة (Bang & Olufsen). مثل العديد من أتباع النمط الدولي ، أدرك ممثلو التصميم الدنماركي الشيء والشيء على أنه جوهر المفهوم والفكرة. يمكن تسمية واحدة من السمات الرئيسية للتصميم الدنماركي موقف الانتباه إلى المواد والرغبة في إظهار الخصائص الفيزيائية (على سبيل المثال ، الكرسي ذو الذراعين في Ant Arne Jacobsen). تم نقل هذا التقليد من إحساس المواد في منتصف القرن العشرين إلى كائنات ومواد جديدة ، على وجه الخصوص – البلاستيك والزجاج والمعادن.

كاي بوييسين
هانز فيجنر
نيلز غميلجارد
نانا ديتزيل
جورج جنسن
كاري كلينت
أرنولد كروغ
بورغي موغينسن
فيرنر بانتون
بول هيننغسن
فريتز هانسن
ألفريد هومان
فين جول
آرني جاكوبسن
بانج & أمبير؛ أولفسن
بوكونسبت
رويال كوبنهاجن

تصميم فنلندا
يمتد التصميم الفنلندي على الملابس والتصميم الهندسي والأثاث والزجاج والإضاءة والمنسوجات والمنتجات المنزلية. تم إنشاء علامة “تصميم من فنلندا” في عام 2011. متحف التصميم في فنلندا (المعروف سابقا باسم متحف الفن والتصميم) لديه مجموعة تأسست في عام 1873 ، في حين أن جامعة هلسنكي للفنون والتصميم ، التي أنشئت في عام 1871 ، تشكل الآن جزءا من جامعة آلتو .

يرتبط أصل وتصاعد التصميم الفنلندي بظاهرة الرومانسية القومية ، التي نشأت في القرن التاسع عشر – أوائل القرن العشرين. إن إنشاء كاليفاال من قبل إلياس لِنروت في عام 1835 ، وتأثير العمارة السويدية في النصف الثاني من القرن التاسع عشر وتحقيق الاستقلال في عام 1917 قد أوجد الظروف لتشكيل مدرسة فنية وطنية في مجال التصميم. خصوصية المدرسة الفنلندية هي مزيج من التقاليد الوطنية ومبادئ العقيدة المعمارية الدولية. في النصف الأول من القرن العشرين ، صُمم التصميم الفنلندي بأفكار الحداثة. على وجه الخصوص ، شاركت أعمال ألفار آلتو في المعرض التاريخي “العمارة الحديثة: المعرض الدولي” ، الذي أقيم في متحف الفن الحديث في نيويورك في عام 1932 ، وفي الواقع ، أعطى دفعة لتطور الأسلوب الدولي. أصبحت فنلندا واحدة من أهم البلدان سواء من حيث انتشار النمط الدولي ، ومن حيث تطوير التصميم بشكل عام. يجمع التصميم الفنلندي الكلاسيكي بين عناصر الثقافة التقليدية (تيمو ساربانيفا) والدوافع الطبيعية (تابيو فيركالا) ومبادئ التصميم الوظيفي الدولي والبسيط (ألفار آلتو).

في فترة ما بعد الحرب ، كان تطوير التصميم في فنلندا جزءًا من برنامج حكومي واسع النطاق يتعلق بدعم وتعزيز الثقافة الوطنية. يعتبر عام 1951 عام ما يسمى “ميراكل ميراكل”: تم تقديم التصميم الفنلندي على نطاق واسع في معرض ميلان الثلاثي وعروض التصميم الرائدة. في عام 1954 ، في ترينالي العاشرة في ميلانو ، تم تصميم موقف فنلندا من قبل تابيو فيركالا ، الذي أظهر مجموعة واسعة من الأعمال من مجموعة متنوعة من المواد والتركيز على الطابع “النحتي” للتصميم الفنلندي. عمل مصممو الزجاج الفنلنديون ، على وجه الخصوص ، كثيرًا لمصانع نفخ الزجاج في مورانو. ادعى التصميم الفنلندي التطبيقي والمنزلي وضع كائن فني. كل موضوع اعتبر ليس مجرد كائن مريح للأواني ، ولكن كتجسيد لفكرة فنية. تعتبر الفترة من 1960 إلى 1970 “العصر الذهبي” للتصميم الفنلندي.

ألفار آلتو
آينو آلتو
ايرو ارانيو
تابيو فيركالا
ماريا إيزولا
إينكيري ليفو
انتي Nurmesniemi
إيليل سارينن
تيمو ساربينيفا
Ilmari Tapiovaara
أويوا تويكا
كاي فرانك
كلاوس هابانييمي
كورت إيكهولم
الطيورالغاضبة
جزيره العرب
آرتيك
Fiskars
Iittala
ماريميكو
نوكيا

تصميم أيسلندا
يُعد التصميم في أيسلندا تقليدًا شابًا نسبيًا ، بدءًا من خمسينيات القرن العشرين ، لكنه ينمو الآن بسرعة. إن خيارات البلاد المحدودة للتصنيع وخياراتها المحدودة من المواد قد أجبر المصممين على الابتكار ، على الرغم من أن الصوف يظل مادة أساسية ، سواء كانت ملبسة أو محبوكة. افتتح متحف آيسلندا للتصميم والفنون التطبيقية ، بهدف تسجيل التصميم الأيسلندي من عام 1900 فصاعدا ، في عام 1998. كما تأسست أكاديمية آيسلندا للفنون في عام 1998 ، سرعان ما تلتها كلية الهندسة المعمارية والتصميم ، والتي روجت لطابع ايسلندي متميز في تصميم الأمة.

تكمن خصوصية التصميم الأيسلندي في تطورها المتأخر. لم تشارك آيسلندا عملياً في تشكيل الأفكار الفنية في أوائل القرن العشرين. نظرًا لحقيقة أن البلاد تحتل أحد أكثر المواقف انعزالًا بين جميع الدول الإسكندنافية ، فإنها لم تشارك عمليًا في العملية الفنية المتسقة للدول القارية. ومع ذلك ، بقيت أيسلندا جزءًا من الدنمارك حتى منتصف القرن العشرين ، ولم تحصل على الاستقلال إلا في عام 1944. كان من الأهمية الأساسية لتطوير التصميم في أيسلندا افتتاح مدرسة الفنون التطبيقية في ريكيافيك في عام 1939. خصوصية التصميم الأيسلندي هو موقفها المحدد تجاه الحداثة. ظهرت عناصر الاتجاه الجديد في أيسلندا في وقت كان فيه النمط الدولي ، في الواقع ، بالفعل ظاهرة ثابتة. تزامن التعارف مع الحداثة مع تحقيق الاستقلال. ولذلك ، كان ينظر إلى الحداثة في آيسلندا جزئيا كرمز للحرية والهوية الوطنية ، وليس علامة على عقيدة فنية عالمية.

إن خصوصية التصميم الأيسلندي هي الافتقار إلى المواد الجديدة واستخدامها المحدود (مثل الزجاج والبلاستيك والصلب) وزيادة الاهتمام بالمواد الخام الطبيعية: الزجاج البركاني والحمم المجمدة والحجر الخام. بهدف دعم وتطوير المدرسة الوطنية التطبيقية في 1950s-1960s ، كان هناك حظر على واردات الأثاث في الجزيرة. منذ التسعينات ، تم التركيز بشكل رئيسي على تطوير التصميم الجرافيكي والحاسوبي.

لودفيج غودموندسون
اينار جونسون
غونار ماجنوسون
جوناس سولمندسون
هيلجي هالجريمسون
فالديس هاريسدوتير

تصميم النرويج
التصميم النرويجي لديه جمالية الحد الأدنى قوية. وتشمل العناصر المصممة مصابيح وأثاث. تشمل الصفات التي يتم التركيز عليها المتانة والجمال والوظيفة والبساطة والأشكال الطبيعية.

يقع المركز النرويجي للتصميم والهندسة المعمارية “DogA” في محطة محولات سابقة في أوسلو. تقيم النرويج معرض تصميم سنوي يسمى “100٪ النرويج” في معرض لندن للتصميم.

خصوصية التصميم النرويجي هو موقف غير عادي فيما يتعلق بكل من الاتجاهات الفنية الدولية وتقاليد الفن المحلي. يفترض النظام النرويجي الحياة من قبل المزارع الكبيرة المعزولة عن العالم الخارجي ، وفي نفس الوقت ، يزود بكل ما هو ضروري. خصوصية النرويج هي مزيج من الظروف المعيشية القاسية والراحة التي تجمع بين التقليد الوطني ومبادئ التصميم الدولي.

تكمن خصوصية الثقافة النرويجية في الاهتمام المستمر بحركة الفنون والحرف المرتبطة بأفكار الرومانسية الوطنية ، وكذلك الاهتمام المطرد بالأسلوب الحداثي ، الذي اكتسب في النرويج أوجه تشابه مع “أسلوب الحيوان” في العصور الوسطى ( -نصت النرويجية “التنين ستايل”).

وقد تأسس عام 1918 من قبل اتحاد المصممين النرويجيين (Landsforbundet Norsk Brukskunst، LNB) ، الذي قام بتطوير وتنمية تقاليد الحرف الوطنية بدلاً من مبادئ النمط الدولي. تركت أنشطة النقابة بصماتها على النظام الكامل لمدرسة التصميم في النرويج ، التي ركزت على الحفاظ على الأشكال التقليدية ، بدلاً من الحفاظ على مفهوم التصميم الدولي وتطويره.

ديفيد اندرسن
جوستاف جاديرناك
ويلي يوهانسون
جيرهارد مونته
بيتر أوبسفيك
غريتا بريتز
فريدا هانسن
تياس إيكهوف
Hadeland
Porsgrund

تصميم السويد
يعتبر التصميم السويدي بسيطًا ، مع التركيز على الوظائف وخطوط نظيفة بسيطة. هذا ينطبق بشكل خاص على الأثاث. تشتهر السويد بالمصنوعات الحرفية التقليدية بما في ذلك الزجاج وصناعات يدوية من سامي. كان التصميم السويدي رائداً من قبل Anders Beckman (الرسومات) ، و Bruno Mathsson (الأثاث) ، و Märta Måås-Fjetterström و Astrid Sampe (النسيج) ، و Sixten Sason (الصناعية). المنظمات التي تروج للتصميم في السويد هي Svensk Form ، الجمعية السويدية للحرف والتصميم ، التي تأسست في عام 1845 ؛ مؤسسة التصميم الصناعي السويدي ، والمعروفة باسم SVID ؛ مجلس الفنون السويدي والمركز السويدي للهندسة المعمارية والتصميم (المعروف باسم ArkDes) في جزيرة Skeppsholmen في ستوكهولم ، بجانب متحف الفن الحديث.

ترتبط أفكار التصميم السويدي بمفهوم الأخلاق البروتستانتية ، الذي صاغه ماكس ويبر. هذه العقيدة الأيديولوجية تفترض الصرامة ، وضبط النفس ، وتعتبر العمل النزيه والمستحق مقابل أجر كجزء من الهوية الدينية. إن نقطة البداية للتصميم السويدي هي فترة الرمزية والحداثة ، عندما تكون في السويد تشكلت لغتها الفنية الخاصة تحت تأثير المدرسة الوطنية الكلاسيكية ، والرومانسية ، والعاطفة ، والانطباعية ، والتقاليد الرمزية السويدية. يمكن اعتبار الفنان الأكثر شهرة وتأثيرا في هذا الوقت كارل لارسون.

يتقدم التصميم السويدي من مزايا مستوى معيشة آمن ومستدام لكنه غير مثير. تقليد التصميم في السويد في القرن العشرين هو مزيج من أفكار حركة الفنون والحرف مع فكرته عن الراحة المنزلية والتقليد البسيط الراديكالي للحداثة. بالنسبة للسويد ، أصبح التصميم شكلاً من أشكال الهوية الوطنية ، وهي طريقة لخلق وتعبير شخصية وطنية لها سماتها الفريدة وفي نفس الوقت يتم تضمينها في نظام القيم الأوروبية.

غونار اسبلاند
غونار وينربرغ
بيورن داهلستروم
كارل لارسون
إنجبورج لوندين
برونو ماتسون
سيجورد بيرسون
إنجارد رامان
سيكسن ساسون
A & E Design
إريكسون
الكترولوكس
Gustavsberg
هاسيلبلاد
IKEA
فولفو