منذ سنوات الاستياء ، تلتزم MAMAC بقراءات جديدة نشطة لتاريخ الفن ، ترتكز على القضايا المجتمعية المعاصرة ؛ إبراز الشخصيات الفردية وإنتاج قصص جديدة. علاقتنا بالطبيعة والطريقة التي يتعامل بها الفنانون مع التحديات البيئية هي واحدة من الموضوعات الرئيسية التي أثيرت في البرنامج.

الجولات المصحوبة بمرشدين وورش العمل والاجتماعات مع الفنانين أو الباحثين وجولات سرد القصص والمحاضرات أو الإسقاطات وزيارات الرقص والحفلات الموسيقية والعروض والفعاليات ، وتعزيز إمكانية الوصول إلى الفن المعاصر للجمهور الأوسع وتحويل المتحف إلى ملعب للفنانين من مختلف المجالات. طوال العام ، يبني فريق المتحف كوكبة من الشبكات مع الشركات والجمعيات والطلاب والأخصائيين الاجتماعيين لابتكار برامج وطرق محددة لإعادة اختراع المتحف.

المعارض في 2018
Auguste-Dormeuil ، إذا كان علي أن أفعل كل شيء مرة أخرى
ولد Renaud Auguste-Dormeuil في عام 1968 ، وكان يتساءل عن كيفية إنشاء الصور منذ منتصف التسعينيات ، المتصورة في الساحة العامة والسياسية. الرؤية / الاختفاء ، النور / الظلام ، التذكر / النسيان ، ما نعرفه / ما نعتقد أننا نعرفه ، الاستحضار دون إظهار ، قول دون التحدث … كلها علامات لفهم أعماله ، والتي تشكل الرموز التي تنظم تدفق الصور. على الرغم من أن اهتمامات الفنان الأولية ركزت بشكل أساسي على رسم الخرائط الجديدة ، إلا أن عمله اتخذ منحى مجازيًا وأدائيًا لعدد من السنوات. تم تصميمه ليكون بمثابة كوكبة من الخبرات داخل MAMAC وفي المنطقة العامة ، وقد اتخذ معرضه في المعرض المعاصر شكل سلسلة من العروض التحتية والعروض التي أقيمت خلال الإطار الزمني للمعرض ،

Cosmogonies ، Au Gré des Éléments
استدعاء العناصر ، والتقاط الروابط غير المرئية التي تربط مكونات الكون ، وفهم عمليات التعرية ، والطبع ، والتبلور ، وكشف احتراق الشمس … منذ أوائل الستينيات ، سواء كان تخيلًا للسيطرة على العناصر أو اللعب بالتواضع الخلاق بترك الأشياء تحدث ، أو في مكان ما بينهما ، تحولت عدة أجيال من الفنانين إلى الطبيعة ومظاهرها. نهج هؤلاء الفنانين الجامعين ، الذين شرعوا في “جمع” الرياح أو الضوء أو حبوب اللقاح ، ينبع من التجارب التي تركز على التقاط الظواهر الطبيعية ، واستكشاف الحالات المختلفة للمواد أو المراقبة الدقيقة للعناصر التي تبدو بعيدة المنال.

يبدو أن تجارب إيف كلاين في التقاط “حالات الطبيعة اللحظية” وفن الأرض و Arte povera مفتونًا بـ “القوى العاملة” هي لحظات رئيسية في هذا التواطؤ بين العالم الفني والعالم الطبيعي. تحديث هذه التجربة ، الأعمال المختارة للمعرض تحدد قصيدة للثبات وظهور أشكال “بمساعدة” الطبيعة من خلال أجيال مختلفة من الفنانين. يسلطون الضوء على جاذبيتهم المستمرة للعمليات الطبيعية والتقاطها ، مع تكرار التنوع في النقاش المعاصر حول القضايا البيئية. مدفوعة بإدراك شديد لهشاشة النظام الطبيعي ، تحدد الممارسات ضمنيًا نداءً للبيئة ونداءً للاستماع إلى الحياة السرية للكون والإحساس بها.

ميشيل بلازي ، الجدول الزمني
وُلد ميشيل بلازي في مشهد ريفييرا في 24 أبريل 1966 ، وهو اليوم أحد أكثر الشخصيات الفرنسية الأصلية في جيله. من خلال تأثيرات وتجارب Low Tech ، يلاحظ الفنان ويعمل مع الأحياء ، باستخدام عناصر من الحديقة في المنزل إلى السوبر ماركت. تكشف هذه الأنشطة التطورية الصغيرة سريعة الزوال عن استكشافات حساسة للكائنات الحية الدقيقة في تغيير دائم.

لقد تخيل في Galerie des Ponchettes تركيبًا بيئيًا غامرًا مثل حديقة المسرات ، حيث تقدم اللوحات الجدارية والأطلال والنباتات العفوية تجربة مرور الوقت حرفياً. تتناقض أقواس المعرض ، المغطاة باللون الأحمر البومبياني مثل هريس الطماطم ، مع السماء الزرقاء المصنوعة من أجار أجار الذي يذكر لوحات جيوتو. في وسط هذه اللوحة الجدارية ، كانت هناك دائرة من الفحم نشأت منها النباتات بشكل عفوي. يتناقض اللون الأسود المطفأ للخشب المكلس مع تألق ونضارة المساحات الخضراء التي تبرز فكرة التجديد. تمثال Anrique المغطى برقائق الألمنيوم والطوب والقرص الصلب المليء بالنباتات العفوية والملابس المغطاة بالطحالب تكمل هذا المشهد اللوني والشم والحسي ، والمرسوم على نطاق العمارة.

إيرين كوبيلمان المناظر الطبيعية المتنامية والمتشابكة والمعقدة والملفوفة
ولدت إيرين كوبيلمان في قرطبة ، الأرجنتين ، عام 1974 ، وتعيش بين الأرجنتين وأمستردام. تستكشف النظم البيئية الاستثنائية حول العالم بحثًا عن فهم لآليات العالم الحي. يشكل كل نوع حيوي جديد مغامرة غمر محددة حساسة (الشعور بالمناظر الطبيعية وحجمها وتحركاتها) ؛ بصري (تشابك العناصر وترابطها) والفكري (اكتشاف مع الفرق العلمية في الموقع أدوات التسجيل والقياس ، وفهم الحياة نفسها لهذه النظم البيئية ودورها على نطاق واسع).

من مراحل ملاحظته ، يتم بعد ذلك إنشاء سلسلة من الرسومات أو الغواش ، على حافة التجريد ، والتي تستحضر زخارفها المجزأة العديد من عينات المناظر الطبيعية. يشير هذا العمل “على الفكرة” وهذه الممارسة لمسوح “ما بعد الطبيعة” إلى استكشافات علماء الطبيعة في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. مفتونًا بخزائن الفضول ، والألواح المتعددة للمعادن والأنواع النباتية التي ولدت في فترة الاكتشاف هذه ، يتساءل الفنان عن عصر الاستكشاف وبناء المعرفة هذا ، وتحديد الظواهر الطبيعية والتجربة المنهجية والخطأ ، بينما يواجهها بـ القضايا البيئية المعاصرة.

في كثير من الأحيان ، ركزت عن قصد على المناظر الطبيعية المتطرفة بسبب اتساعها وطبيعتها المحيطة والعجز النسبي عن استيعاب عالمها: الصحاري والغابات والأنهار الجليدية ، وما إلى ذلك. ، والأوراق ، ومجموعات بسيطة من الخطوط أثناء رحلة القارب في القارة القطبية الجنوبية ، وما إلى ذلك) ، كما لو كان من أجل إعادة الكون إلى مكوناته وحركاته بشكل أفضل وإبراز ضعف النظم البيئية. في MAMAC ، قدمت ، لأول مرة في فرنسا ، سلسلة تم إنشاؤها في الغابة الاستوائية في بنما في عام 2014 ، مشروع Vertical Landscape ، Lianas ؛ سلسلة من الرسومات على أشجار القرم تم إنشاؤها في بوكاس ديل تورو ولوحتان كبيرتان ، بناءً على سلسلة رسومات “شجرة بانيان” التي تم إنشاؤها خصيصًا للمعرض.

كما تم عرض ثمانية عشر رسماً من سلسلة Crab Pellets في معرض “Cosmogonies، au gré des éléments” وتردد صداها مباشرةً مع المعرض المعاصر. سيركز مجال بحثها التالي على الكائنات البحرية ، … الفرصة لرسم كوكبة جديدة مع المجتمعات العلمية في جميع أنحاء العالم ، أولاً وقبل كل شيء مرصد Océanologique de Villefranche-sur-Mer وجامعة Côte d’Azur ، والتي ، مع MAMAC ، سترافق الفنان في هذا الاستكشاف الجديد.

ابتكار الرقص: في وحول جودسون ، نيويورك 1959-1970
في الستينيات ، أصبحت كنيسة جودسون التذكارية (في ساحة واشنطن في نيويورك) مركزًا رئيسيًا للتجارب الفنية ومساحة أداء رئيسية للعديد من الفنانين في مشهد وسط مدينة نيويورك. من شأن العروض أن تنسج الفن المرئي والموسيقى والشعر والمسرح والرقص ، وتوسع بالفعل فكرة ما يمكن اعتباره رقصة. بعد أعمال الشخصيات البارزة في تلك الفترة مثل مصممي الرقصات آنا هالبرين وميرس كانينغهام والفنانين كلاس أولدنبورغ وآلان كابرو والملحنين جون كيج ولا مونتي يونغ ، اجتمع العديد من راقصي جودسون معًا في فصل دراسي تجريبي للرقص. بواسطة الملحن روبرت دن.

قدم المعرض لمحة عن “جودسون” التي لا تزال ، حتى يومنا هذا ، لها تأثير كبير على الرقص المعاصر والفن المرئي. من خلال الأفلام والصور الأرشيفية والأشياء الزائلة ، تحاول توثيق الحركات المختلفة للجثث في جودسون. ويبقى السؤال: كيف نعرض العمل ، بعد ستة عقود من الارتجال ، الكثير منه مرتجل ومخصص لأدائه الأصلي؟ عندما أعاد جون هندريكس ، الفنان الناشط والمؤسس المشارك لمجموعة Guerilla Art Action Group ، فتح معرض جودسون في عام 1966 ، ظهر مرة أخرى كموقع للراديكالية والتعاون متعدد التخصصات. في عام 1970 ، أصبحت نقطة اشتعال في دفاع الفنانين عن حرية التعبير أثناء معارضة حرب فيتنام والتطور المستمر للنشاط المناهض للعنصرية والمناهضة للاستعمار والنسوية والمثليين في المجال الثقافي.

برنار فينيت. السنوات المفاهيمية 1966-1976
في عام 1966 ، غادر الفنان الشاب برنار فينيت مدينة نيس وانتقل إلى نيويورك حيث بدأ ثورة فنية أدخل فيها الرياضيات والفيزياء الفلكية ولاحقًا العديد من مجالات العلوم والتخصصات الأخرى في مجال الفن. في عام 1970 ، اكتسب سمعة كواحد من الأضواء الرائدة في الفن المفاهيمي ، وهي حركة ناشئة اجتاحت أوروبا والعالم. كانت الفترة من 1966 إلى 1976 فترة مبهرة وغزيرة الإنتاج وضع خلالها حدس فينيس ورؤيته المنهجية على طريق لا يمكن إيقافه نحو جيل جديد في آنٍ واحد من متمردي الأيقونات – دفع الفن إلى ما وراء حدود تعريفه الخاص وعملية ظهوره – ومعاصر بشكل عميق منذ ذلك الحين لقد عالجت أكثر من أي شكل فني آخر مسألة تجريد الفن وتيارات المعلومات. تميزت هذه الفترة أيضًا ببدايات برنار فينيت

يمتد المعرض إلى الطابق العلوي من MAMAC مع غرفة مخصصة للأعمال الرئيسية للفن البسيط والمفاهيمي المختار من مجموعة Bernar Venet ، مما يعكس المشهد الفكري والفني لهذا العقد وصداقاته في ذلك الوقت. لأول مرة منذ عام 1971 ، أصبحت هذه الفترة ، التي لا يُعرف عنها سوى القليل عن هذا العمل ، موضوعًا استعاديًا رئيسيًا. يجمع أكثر من 150 عملًا فنيًا ووثيقة ، يتم عرض معظمها لأول مرة. بالتوازي مع هذا المعرض والأبحاث الذي يستمر لمدة عشر سنوات ، يقدم معرض MAC Lyon الرئيسي عرضًا استعاديًا لمجموعة أعمال الفنان الكاملة: Bernar Venet: 2019 – 1959.

المعارض في 2019
أدريان فيسكوفي. Mnemosyne
بدعوة من MAMAC للاستيلاء على Galerie des Ponchettes ، ابتكر Vescovi مسيرة حسية تقريبًا من خلال تجاربه التصويرية. استجابة للتصميم الزاوي للمعرض ، فإن اللوحات المعلقة على ارتفاعات متفاوتة تتخلل المساحات ، وتلعب على المتوازيات والعمودية ، للزوار للتجول والعبر. الألوان ، التي استخرجها الفنان من خشب البلوط الدافئ روسيلون والتربة والتوابل المغربية ، غرست في اللوحات القماشية التي تعرض لها بعد ذلك للضوء البارد وسوء الأحوال الجوية في حديقة في هولندا لبضعة أشهر. بالنسبة إلى Ponchettes ، قام أخيرًا بتجميع تلك اللوحات القماشية القائمة بذاتها في تركيبات جديدة ، وعزف على تلك الحركات بين الشمال والجنوب التي تركت بصماتها على تاريخ الرسم.

ينتج Adrien Vescovi ألوانه الخاصة من decoctions النباتات أو المعادن ، مما يخلق “خلاصات طبيعية” تعكس المواقع الجغرافية المختلفة التي يعمل فيها من خلال تعريض لوحاته للرياح ، وغروب الشمس ، وأشعة الشمس ، وظواهر الأكسدة ، وتنشأ الأشكال البدائية أو الظلال ، التي يسكنها ذكرى حالات وجودهم المختلفة. في المعرض ، رسم الفنان الحبال مضفرة وصبغها منحنيات برية بين اللوحات ، تتشابك وتتصاعد بين الأقواس مثل الكروم المتعرجة على الأرض. لقد دمروا خطوط اللوحات وطائراتها. في أواني من ديكوتيون غريب ، أصبحوا تدريجياً مشبعين بالمواد / الألوان التي ابتكرها فيسكوفي. واستجابة لهذا المشي الداخلي كانت اللوحات على الأقواس الكبيرة بالخارج. في مواجهة البحر وتعرض للشمس والرياح والأمطار ،طوال فترة المعرض ، كانت اللوحات مليئة بذاكرة النيازك.

الشيطان في الجسد ، عندما يكهرب الفن السينمائي
كجزء من بينالي نيس للفنون 2019: “The Cinema Odyssey. La Victorine عمرها 100 عام”. في أوائل الستينيات ، ترك الفن الحركي بصماته في أوروبا بعقيدة مزدوجة: الإدراك المزعزع للاستقرار وجعل الفن شائعًا. غيّرت لوحات خدعة الضوء ، والنقوش المضاءة بمحركات ، والبيئات المذهلة الإدراك. أُطلق على هذا الفن الرائد في عام 1964 لقب «Op Art» ، وقد لاقى نجاحًا شعبيًا هائلاً ، لدرجة أنه عرف ظاهرة خطف استثنائية. في حين أن وكلاء الإعلان والمصممين والعلامات التجارية الكبرى وعالم الموضة استولوا على أشكالها المبهجة ، أعطت السينما Op Art زاوية غير متوقعة. فن الحركة والضوء ، كان في نفس الوقت سلفًا ، قادرًا على تحسين مسرحياته المرئية ، ومتابعًا سعى إلى ابتلاعه من خلال رغبته في الحداثة. من الدراما إلى الإثارة ،

يغمر هذا المعرض الزوار في هذه القصة العاطفية بين فنين ، يتخللها السخرية وسوء الفهم ، مع التسامي المتبادل ، مع توصيلات البوب ​​أو الباروك ، فضلاً عن التعاون والتقليد. بدعم ما يقرب من 30 فيلمًا و 150 عملاً ووثيقة ، يستكشف الفيلم الأصل والجوانب غير المعلنة لهذا السحر المفترس ، ويأخذ في الاعتبار ما تكشفه السينما عن طبيعتها إلى Op Art. لذا ، فهي تُظهر روح عقد من الزمن كانت تزعجها الحداثة ، متعطشة للتحرر وتطاردها أشباح الحرب. هذه الحقبة ، المليئة بالتناقضات ، خلقت جمالية جديدة تمامًا بلغت ذروتها في الاحتكاك المثمر بين الفنون البصرية والسينما.

هيبوليت هينتجن ، البيكيني غير المرئي
The Invisible Bikini … قد يبشر العنوان ببداية مهمة غير محتملة يبدو أنها تستفيد من ذكريات أفلام الإثارة الكلاسيكية بالإضافة إلى الكتب المصورة ، سواء تلك التي اعتدنا أن نستهلكها كأطفال. تنتشر إبداعات Hippolyte Hentgen المنتشرة في جميع أنحاء المعرض مثل العديد من القرائن أو قصاصات السرد ، مما يغذي اللغز. يبدو أن الأيدي والأرجل والقدمين المتضخمتين ، التي تم إخراجها من أي شخصية ، قد تم رفعها مباشرة من رسم كاريكاتوري ، كما لو كانوا قد فروا من الشخصيات بسرور بالارض ، وتمددوا وسحقوا بواسطة تكس أفيري. الأشكال الذائبة ، التي تحررت من المصير ثنائي الأبعاد المخصص لها بالرسوم المتحركة والكوميديا ​​، لها أيضًا شيء يذكرنا بثقافة البوب. انها يكاد يكون من المستحيل عدم التفكير في المنحوتات الناعمة التي رسمها كلايس أولدنبورغ أو الشخصيات المصنوعة من الفينيل التي أنتجها معاصروه تيريزا بورغا وكيكي كوجلنيك عند مشاهدة هذا العرض لأجساد عديمة الشكل وأشياء تافهة مثل السجائر والصحف. يتم تعزيز هذا المرجع البوب ​​من خلال تضمين الشنق الذي يجمع بين عمليات التثبيت الصاخبة و onomatopoeia.

لعب Hippolyte Hentgen مع هذا المزيج من الأكوان لم يقصد أبدًا الاتصال به. في متحف الخيال هذا ، تختلط إبداعات طليعية وأشرطة كوميدية ورسوم متحركة ورسوم توضيحية شهيرة ورسوم كاريكاتورية تحريرية ، لتشكل عالمًا خياليًا ومبهجًا منفصلًا تمامًا عن التسلسلات الهرمية للأنواع. هذا البيكيني غير المرئي هو ، بالطبع ، إيماءة حادة وغير مقيدة إلى الريفيرا الفرنسية وأجسادها الضعيفة والصور النمطية ؛ مقدمة لقصة أن الزائر له الحرية في تأليف نفسه. لكنها أيضًا عبارة عن موسيقى البوب ​​غير الموقرة والصراخ وتتخذ عمداً أعمالاً مؤذية للعديد من الأسماء العظيمة التي تسكن مجموعات MAMAC.

لارس فريدريكسون
وُلد لارس فريدريكسون في السويد ، واستقر في جنوب فرنسا عام 1960. فنانًا فضوليًا ومبتكرًا بلا كلل ، ابتكر كونًا فريدًا وحساسًا تم تطويره من خلال الشعر والتجارب التجميلية وفلسفة الشرق الأقصى والتكنولوجيا الحديثة. كان بحثه متجذرًا في Zeitgeist: مثل Nam June Paik ، استكشف فريدريكسون في وقت مبكر جدًا الإمكانات البلاستيكية للتلفزيون – والإلكترونيات بشكل عام ، بينما يبدو بحثه في الهياكل غير المرئية والعشوائية قريبًا بشكل مذهل من عمل John Cage. تم ربط هذه الممارسات بمسعى واحد: جعل التدفقات غير المرئية عادة – سواء كانت طاقة أو تلورية أو فلكية أو داخلية – ملموسة.

جاء هذا المعرض الاستعادي للفنان لارس فريدريكسون من خلال التعاون مع NMNM ، المتحف الوطني الجديد في موناكو. هنا ، تم عرض الأعمال الرئيسية غير المرئية حتى الآن للفنان والقطع المستعارة من المجموعات العامة والخاصة المهمة معًا لأول مرة. افتُتح المعرض بالبُعد الكوني للأعمال “الحركية” والمنحوتات إينوكس قبل الانتقال إلى الفن التصويري والرسومات بالفاكس وصولاً إلى التركيبات الصوتية ، والتي كان فريدريكسون أحد روادها. سلط العرض الضوء على صلاته بمؤسسة Maeght ، وتعاونه المتعدد مع الشعراء ، وليس أقله ، مشاركته مع Villa Arson حيث أنشأ أول استوديو صوت في مدرسة فنية في فرنسا ، وبالتالي أثر على عدة أجيال من فناني الصوت حتى اليوم. في هذا الطريق،

شارلوت برينجي سيساك. الصوت الأساسي
Primal Sound هي دعوة للسفر عبر الزمن ، من أول دليل على حياة الإنسان في نيس قبل 400000 عام ، ومن شهادة الأحجار المقطوعة التي خلفتها هذه المجموعة ، حتى التجارب التي قادتها اليوم الفنانة شارلوت برينغي- Cessac لاستدعاء الذكرى النابضة بالحياة لتلك الحياة الماضية. تستند هذه الرحلة عبر القرون على فكرة الصوت البدائي ، وهو تعبير مستعار من الشاعر راينر ماريا ريلكه. بعد أن اكتشف بدهشة إمكانات الفونوغرافات الأولى ، حلم “بشيء مذهل”: “لإعطاء الأصوات إشارات الخلق التي لا حصر لها والتي تدوم في الهيكل العظمي ، في الحجر ، (…) ، الشق في الخشب ، نزهة حشرة “. ذكريات العالم الماضي ، والحوار الحميم مع شهود الماضي والفكر السحري الذي تستثمره في ما يبدو جامدًا ،

تشكل عصور ما قبل التاريخ والمنهجية والأدوات التي يستخدمها علم الآثار أساسًا لعملها ، وهي مادة تطور منها الخبرات والحكايات ، مما يسمح لنفسها بالتجول بين العلم والرخصة الشعرية ، والطباعة التي خلفها التاريخ وإعادة ابتكارها المعاصر. يُنظر إلى معرضها في نيس ، باعتباره رحلة ، من متحف ما قبل التاريخ في Terra Amata ، مركز نشاط هؤلاء البشر الأوائل ، إلى MAMAC ، بما في ذلك La “Colline du Château” حيث دفن يعود تاريخه إلى القرنين الثاني عشر والثالث عشر مليئًا بالجنائز. تم اكتشاف بقايا في عام 2013.

متحف الفن الحديث والمعاصر في نيس
متحف الفن الحديث والمعاصر ، المعروف أيضًا باسم Mamac ، هو متحف مخصص للفن الحديث والمعاصر مفتوح منذ 21 يونيو 1990 في نيس. يقع MAMAC في قلب المدينة ، بجوار Place Garibaldi وامتدادًا لـ “Coulée Verte” ، ويقدم الغوص في فنون ما بعد الحرب الدولية من الخمسينيات إلى الوقت الحاضر. من خلال مجموعة تضم ما يقرب من 1400 عمل لأكثر من 350 فنانًا ، (بمتوسط ​​200 معروض) ، يقدم المتحف – من بين أمور أخرى – حوارًا أصليًا بين الواقعية الأوروبية الجديدة وفن البوب ​​الأمريكي. يعرض المتحف أيضًا الأعمال الرئيسية للفن البسيط وآرت بوفيرا. يشكل الفنانون الرئيسيان في القرن العشرين قلب المجموعات: إيف كلاين ، مع غرفة دائمة فريدة من نوعها في العالم ، أصبحت ممكنة بفضل القروض طويلة الأجل لأرشيف إيف كلاين ، ونيكي دي سانت فال. قدمت الفنانة البارزة في فترة ما بعد الحرب ، نيكي دي سانت فال ، تبرعًا كبيرًا للمتحف في عام 2001. وبالتالي ، تمتلك MAMAC الآن أحد أكبر أموال الفنان في العالم.

يسلط المتحف الضوء أيضًا على تفرد وبروز المشهد الفني المحلي من أواخر الخمسينيات إلى أوائل السبعينيات. كانت منطقة نيس وكوت دازور بعد ذلك مكانًا مهمًا للتجريب واختراع الإيماءات الفنية الجديدة مع فنانين بارزين مثل إيف كلاين ومارتيال رايس وأرمان وبن ومجموعات مثل الدعم / السطح. على الرغم من تفرد الشخصيات والممارسات ، تظهر ثلاث قضايا رئيسية: فعل الاستيلاء على الحياة اليومية (مع الواقعيين الجدد على وجه الخصوص) ، وفن الإيماءات والموقف (مع Fluxus) والاستكشاف التحليلي للرسم (بدعم / السطح والمجموعة 70). تم وضع هذا البحث في منظور الإبداع الفني الأوروبي والأمريكي في السنوات الستين الماضية.

يقع مبنى المتحف بجوار Place Garibaldi ، الذي صممه المهندسين المعماريين Yves Bayard و Henri Vidal ، على شكل قوس رباعي الأرجل يمتد على طول Cours du Paillon. تم تطوير أثر المشروع على غلاف Paillon يجعل من الممكن ربط المتحف بمسرح عبر شرفة تسمى Promenade des Arts. مع مخططها المربع ، فإن هندستها المعمارية مستوحاة من قواعد الكلاسيكية الجديدة. تبلغ مساحة السطح المتاحة حوالي 4000 متر مربع موزعة على تسع غرف عرض لثلاثة مستويات. واجهاته الملساء مغطاة برخام كرارا الأبيض. يقع المدخل والمتجر على مستوى Esplanade Niki de Saint Phalle المطل على Place Yves Klein حيث توجد أيضًا القاعة والمعرض المعاصر للمتحف. تم تخصيص مساحات المتحف في الطابق الأول للمعارض المؤقتة ،

تغطي المساحات خمسة مستويات ، بما في ذلك مجموعتان بمساحة 1.200 متر مربع مخصصة لمجموعات المتحف. تم تخصيص طابق واحد وغرفة مشروع لعروض دولية مؤقتة بالتناوب مع معارض موضوعية ودراسات لكبار الفنانين في السنوات الستين الماضية. يوفر تراس السطح الذي يمكن الوصول إليه للجمهور إطلالة بانورامية خلابة على مدينة نيس.

يقع MAMAC (متحف الفن الحديث والمعاصر) في قلب مدينة نيس ، وقد صممه المهندسان المعماريان Yves Bayard و Henri Vidal وافتتح في عام 1990. شرفة على السطح مفتوحة للجمهور توفر إطلالة بانورامية خلابة على نيس. وتربط مجموعتها ، الغنية بأكثر من 1300 عمل من 300 فنان ، التاريخ الفني الإقليمي والدولي.

تم التوقيع على الإعلان التأسيسي للواقعية الجديدة ، الذي كتبه الناقد الفني بيير ريستاني في إيف كلاين ، في باريس في 27 أكتوبر 1960. ومع ذلك ، خلال العقد الماضي ، أعد الفنانون الأرضية: هينز وفيليجلي في وقت مبكر من عام 1949 “فصل” أولى “ملصقاتهم الممزقة” معًا ؛ يصنع كلاين أول أشكاله أحادية اللون وتانغلي تماثيل الرسوم المتحركة الأولى له …

عام 1960 هو عام حيوي: ابتكر تانغلي أول آلة تدمير ذاتي في نيويورك. يصنع كلاين “القياسات الأنثروبومترية” الخاصة به ثم “نشأة الكون” ؛ في باريس ، يعرض سيزار ثلاث سيارات مضغوطة في Salon de Mai ، ويملأ Arman معرض Iris Clert بالنفايات ، خلال عرض بعنوان “The Full” ، إلخ.

السمات المشتركة للواقعيين الجدد هي رفض التجريد ، وإدراك “الطبيعة الحديثة”: طبيعة المصنع والمدينة ، والإعلان ، والوسائط الضخمة ، والعلم والتقنية. ترتكز عمليتهم على هذا الواقع ، وهي تعكس التحليل الرائع للمجتمع الاستهلاكي وأصنامه التي اقترحها رولان بارت في كتابه الأساطير عام 1956. تشرك المجموعة الكائن في مغامرة جديدة ، باستخدام الجانب الشعري للشيء: المخلفات ، وفصل الملصقات ، والتجمعات ، والضغط أو تراكمات العناصر القادمة من التكنولوجيا الصناعية.

في عام 1961 ، يكرس المعرض الذي يحمل عنوان The Art of Assemblage ، في متحف الفن الحديث في نيويورك ، تقارب الواقعيين الجدد مع فناني فن البوب.

بُني فن البوب ​​الأمريكي على تراث فن البوب ​​البريطاني الذي انبثق عن المجموعة المستقلة التي كان لورانس لواي عضوًا بارزًا فيها ، وفي عام 1956 قام بتنظيم معرض هذا غدًا في لندن. على الجانب الأمريكي ، ظهرت الحركة على نطاق واسع من خلال فناني نيو دادا روبرت روشنبرغ وجاسبر جونز. يقع جوهرها في نيويورك حيث عرض فنان مثل آندي وارهول وروي ليشتنشتاين وتوم ويسلمان فنهم. يشير فنانون البوب ​​بشكل مباشر إلى المجتمع الاستهلاكي والآثار الضارة المرتبطة بالمجتمع الاستهلاكي الحديث. لقد دعوا إلى العودة إلى الواقع ، والتحول إلى عالم البضائع والأشكال الجديدة للثقافات الشعبية: نجوم السينما والإعلانات والرسوم الهزلية ، مما يمنحهم بُعدًا مبدعًا ومنفصلًا ، مع قيم المجتمع الأمريكي كخلفية.

تمتلك MAMAC واحدة من أكبر مجموعات أعمال Niki de Saint Phalle في العالم: أكثر من 200 عمل ، مما يسمح لهم بتغيير الأعمال المعروضة بانتظام. قامت نيكي دي سانت فال (Neuillysur-Seine ، فرنسا ، 1930 – لا جولا ، الولايات المتحدة ، 2002) بعمل فني من حياتها. بدون أي تعليم فني خاص بخلاف غريزتها ونوع من اليقين بأن هذا هو مصيرها ، تكرس نفسها بالكامل لعملها. كان الفن بالنسبة لها علاجًا ، وساعدتها شهيتها الفنية على التغلب على الصعوبات ، وإبراز معاناتها والتكيف مع المرض. “Champagne، glacier et fleurs” ، عنوان رسالة من عام 1979 كتبتها نيكي دي سانت فال إلى صديقتها الفنانة مارينا كاريلا ، تلخص شخصيتها التي كانت قوية وحساسة وجذابة. كانت متمردة واختارت استخدام السلاح ،

تم إنشاء أولها في عام 1961. “Tirs” [إطلاق النار] ، كانت سلسلة الأعمال التي اكتسبت من خلالها شهرة كفنانة واكتسبت ، رغم الانتقادات الشديدة ، شهرة في فرنسا وسرعان ما دولية. ابتكرت أيضًا أعمالًا أصلية من خلال وضع أكياس مليئة بالطلاء على قماش مغطاة بالجص ثم إطلاق النار على اللوحات باستخدام بندقية. تم تصوير العمل والنتيجة هي قطعة إبداعية جديدة. عبرت الفنانة عن غضبها وعنفها بداخلها في لفتة خارجية. أطلقت النار على والدها الذي تعرضت للإيذاء من قبل في سن 11 ، على والدتها ، وكذلك على المجتمع الكنسي وكل مظالمه.

بعد معارضها الأولى في Tirs ، دعاها الواقعيون الجدد للانضمام إلى مجموعتهم ، حيث كانت العضوة الوحيدة. عندما انتقلت نيكي دي سانت فال في عام 1963 بعيدًا عن تيرس ، بدأت في إنشاء منحوتات من الجص الأبيض ، كان بعضها مميتًا أو مزعجًا كما هو الحال مع المسلسل الذي يمثل العرائس والقلوب وحتى النساء اللائي يلدن. صُنعت منحوتاتها من القماش والصوف فوق إطارات الأسلاك التي غالبًا ما أضافت نيكي دي سانت فال الأشياء التي تم إنقاذها. كانت النساء اللواتي صورهن نيكي دي سانت فال ما زلن مقيدين بالزواج أو الأمومة ، وكانت تحاول إطلاق سراحهن. بحلول عام 1964 ، تبنت نيكي دي سانت فال سلسلة “ناناس” لتسليط الضوء مرة أخرى على الشخصيات النسائية. ترمز هذه المنحوتات ، بألوانها الجريئة والمنحنيات السخية ، إلى المرأة العصرية المتحررة من التقاليد. ناناس سوداء ،

كرست الفنانة جزءًا كبيرًا من حياتها لهذه المشاريع الضخمة. تحولت منحوتاتها إلى قطع معمارية حقيقية: زلاجة غولم في القدس عام 1972 أو هون ، أكبر زلاجة ناناس (بطول 28 مترًا) ، بناها نيكي في عام 1966 في ستوكهولم. شاركت بنشاط في Cyclope (1969-1994) بواسطة Jean Tinguely في Millyla-Forêt ، بالقرب من باريس. ومع ذلك ، كان مشروع Jardin des Tarots ، الذي بدأ في توسكانا في عام 1978 ، بلا شك هو أكثر أعمالها شمولاً. قامت بتمويل المشروع بالكامل واستغرق الأمر أكثر من 20 عامًا لإكماله. ربما يكون الفن قد أنقذ حياتها ، لكن الهواء الذي استنشقته أثناء صنعها لمنحوتاتها المصنوعة من البوليستر كان سببًا لمشاكل الرئة التي كانت ستعاني منها لبقية حياتها. قبل عام من وفاتها في عام 2001 ، تبرعت بالعديد من الأعمال الهامة لـ MAMAC ،

إيف كلاين
مغامرة أحادية اللون
استكشف معرضًا فريدًا في العالم مخصصًا لسيد اللامادي. ولد إيف كلاين في نيس في أبريل 1928 ؛ كان والديه رسامين (ماري ريموند وفريد ​​كلاين). في عام 1946 التقى بأرمان والشاعر كلود باسكال في نيس ، وشارك معه مغامرات شعرية على الشواطئ المحلية

لقد تعلم الجودو مع كلود باسكال ، (سيصبح الرابع دان) ، وكان الاثنان يتجولان في شارع جان ميديسين حافي القدمين ، مرتدين قمصانًا بيضاء عليها آثار أقدام كلاين وآثار أقدامها. كان كلاين وأرمان مهتمين بفلسفة الزين ، وكان ذلك على جدار قبو تابع لعائلة أرمان حيث رسم كلاين أول لون أزرق أحادي اللون له بين عامي 1947-1948. في عام 1955 ، التقى في باريس بتانغلي وسيزار ورايس وريستاني ، وفي صالون Réalités Nouvelles ، أظهر لوحة بلون واحد ، Expression de l’univers de la couleur منجم برتقالي [تعبير عن الكون Color Lead Orange] ، (M60) ، 1955 ، وقعت “Yves le Monochrome” ، والتي تم رفضها وتسبب في ضجة كبيرة.

من عام 1956 فصاعدًا ، تبعت معارض “Yves: peintures”: عروض أحادية اللون ، معرض Colette Allendy في باريس ، Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu ، في ميلانو و Pigment pur في عام 1957 ، مرة أخرى في معرض Allendy ، حيث قدم خلالها العرض العملي تطبيقات “الفترة الزرقاء” ، بعد إنشاء اللون الأزرق الفائق ، والذي سيعرف باسم IKB (International Klein Blue). كان ذلك في عام 1958 ، بعد الحدث الإعلامي الكبير الذي كان معرض الفيديو في معرض إيريس كليرت في باريس ، حيث قدم كلاين معرضًا فارغًا تمامًا ؛ قام الفنان بطلاء الجدران باللون الأبيض ونافذة المعرض باللون الأزرق. استضافه صديقه روبرت جوديه ، في جزيرة إيل سانت لويس ، قام بتنسيق أولى تجارب “فرش الحياة” ،

عُرضت أول مقاييس الأنثروبومترية علنًا في معرض Galerie internationale d’Art contemporain في باريس في مارس 1960 ، مع عرض قامت فيه ثلاث عارضات عاريات مغطاة بالطلاء الأزرق بالزحف والتحرك فوق الأرضية التي كانت مغطاة بالورق لهذه المناسبة ؛ كما طبعت العارضات أجسادهن على الجدران ، تحت إشراف “موصل” كلاين ، على صوت السيمفونية أحادية الصمت. توفي كلاين في يونيو 1962 في باريس ، تاركًا وراءه أعمالًا ذات عمق غنائي كبير ، بعد أن أظهر قوة الفراغ ، ونحت الماء والنار ، واخترع هندسة الهواء ، وما إلى ذلك ، والدليل على ذلك في سلسلة “Cosmogonies” ، ” حالات الطبيعة اللحظية “، مسجلاً علامات السلوك الجوي للوحات القماش التي تسافر على سطح سيارته بين باريس ونيس ،

الطابق 3
اللعب بالكلمات. العب على اللافتات.
يعطي عمل مبدع لـ MAMAC أو La Cambra أو “متحف Ben” سرداً لمكان الكتابة في عمل هذا الفنان الأساسي. يعيدنا خطه السلس ، غير المقيد ، الطفولي تقريبًا إلى رياح التغيير وفن السلوك الذي بدأ في أواخر الخمسينيات في نيس. حول هذا العمل الضخم ، يتم عرض ألعاب أخرى تحتوي على كلمات وكتابات ولغات. على الجدران ، تم اختراع اللوحات والصفائح الورقية والحروف الأبجدية ، ورسم الجناس الناقصة والقصائد الراقصة والعلامات والكلمات المتقاطعة. يجمع هذا المعرض أعمالًا من المجموعة بالإضافة إلى القروض والعروض التقديمية لفنانين من مختلف الأجيال فيما يتعلق بتاريخ المتحف. يتم إبراز العلاقة بين الجدار والكتابة.

تعمل الأعمال على إشراك جسد المشاهد أو القارئ أو المتحدث أو حتى الممثل. بعض الأعمال لها صورة منخفضة جدًا وتتطلب من الزائرين الانتباه ، والبعض الآخر يصرخ عليهم ، ويأخذهم إلى المهمة ، ويستدعي خيالهم. السؤال المركزي لفك رموزها يردد أصداء فهم العمل ومفاتيح تفسيره. بينما تدعو الكلمات إلى عوالم الشعر والطفولة ، فإنها تربطها علاقة سياسية بارزة مع العالم ، على موقع الفنان في مجتمعنا.

الفن التجريدي الأمريكي
ظهر الفن البسيط في الولايات المتحدة في منتصف الستينيات
مع Minimalism ، كان يُنظر إلى الفن من منظور جديد تمامًا يمر بمرحلة انتقالية جذرية تجنب التقاليد التقليدية. كان الجانب الأكثر بروزًا لهذا التحول هو العلاقة الجديدة بين المتفرج والعمل الفني ، والتي أعادت اختراع الإدراك الجمالي للشيء وصولاً إلى جوهره. احتكرت الأعمال الفنية المساحة ، التي أصبحت مساحة وجودية ولم تعد مساحة جمالية. في السابق ، احتلت قطعة فنية أراضيها التي كانت منفصلة عن المتفرج. فتح الفن البسيط مجالًا جديدًا من النشاط للفنان حيث يسود وعي جسده في علاقته بالمساحة المحيطة ، مما أدى إلى ظهور لوحات كبيرة جدًا وتقادم القاعدة.

تم شراؤها بمساعدة FRAM Photo Muriel Anssens و Ville de Nice – ADAGP و Paris و 2019 مثلثات وما إلى ذلك) وحول مسائل الحجم والسطح والتسطيح. سعياً وراء تحقيق أقصى تأثير من خلال الحد الأدنى من الموارد ، أزال هؤلاء الفنانون أي أثر للذات في عملهم وغالبًا ما أدرجوا مواد وتقنيات صناعية

من بين أنصار الحركة: دونالد جود وإلسورث كيلي وروبرت موريس وكينيث نولاند وفرانك ستيلا وريتشارد سيرا.

ظهر الفن المفاهيمي في الستينيات. وأكدت أسبقية الفكرة على الموضوع ، لدرجة أن إنتاج العمل لم يعد ضروريًا تمامًا. لقد دفع حدود المجال الفني التقليدي من خلال التشكيك في معنى وهدف الممارسة الفنية. في عام 1969 ، أعلن سول ليويت: “يمكن للأفكار أن تكون أعمالًا فنية. فهي في سلسلة من التطور قد تجد في النهاية شكلاً ما. ولا يلزم جعل كل الأفكار مادية.”

الفنانون المفاهيميون التاليون موجودون في هذه الغرفة: Sol LeWitt و Joseph Kosuth و Robert Morris و James Lee Byars و Ed Ruscha.

ألبرت تشوباك
ولد ألبرت تشوباك في جنيف عام 1925. بعد دراسته في الفنون الزخرفية والفنون الجميلة في جنيف ، تأثر عمله ببعض الفترات التكوينية: اهتمامه بكلي وكاندينسكي وميرو وماتيس وبيكاسو ؛ لقاء نيكولا دي ستايل في عام 1950 وأسفاره في إيطاليا وإسبانيا واليونان ومصر والجزائر.

المعارض التي تم إنشاؤها باستخدام أعمال من مجموعة MAMAC ومساعدة لا تقدر بثمن من: أرشيف Yves Klein ، المركز الوطني للفنون البلاستيكية (باريس) ، Jean Dupuy ، Estate Robert Filliou ، Peter Freeman ، Inc. (نيويورك / باريس) ، JeanBaptiste Ganne ، Eric Guichard ، Arnaud Labelle-Rojoux ، La خلافة أرمان ، مؤسسة Lilja Art Fund Foundation ، Loevenbruck (باريس) ، Stéphanie Marin ، Tania Moroud ، مؤسسة Niki Charitable Art Foundation ، Emmanuel Régent ، مؤسسة Sharing Art Foundation ، Ben Vautier ، Bernar Venet وجامعي التحف الذين يرغبون في عدم الكشف عن هويتهم .

من لوحاته الأولى ، التي كانت شبه مجردة ، استخدم لوحة من الألوان الأساسية ، مطبقة في كتل. ثم طبق هذه التقنية على المنحوتات الخشبية “القابلة للتحويل”. كانت الفكرة من وراء هذه المنحوتات هي تمكين المشاهد من تبديل العناصر. في فترة لاحقة ، استكشف الخصائص الانارة لشكل زجاجي ملون.

في عام 2004 ، تبرع ألبرت تشوباك بحوالي مائة عمل لمدينة نيس لمتحف الفن الحديث والمعاصر. عرضت MAMAC هذا التبرع في عام 2004 ، وبذلك أصبحت نقطة مرجعية لعمل الفنان في فرنسا.