اللوحة الهندية

الرسم الهندي له تاريخ وتاريخ طويل للغاية في الفن الهندي. كانت أولى اللوحات الهندية هي اللوحات الصخرية لأزمنة ما قبل التاريخ ، والنقوش الصخرية الموجودة في أماكن مثل ملاجئ الصخور في بيمبيتتكا ، وبعض اللوحات الصخرية التي تعود إلى العصر الحجري ، والتي عُثِر عليها بين ملاجئ بيمبيتكا الصخرية يبلغ عمرها حوالي 30،000 سنة. إن الأدب البوذي في الهند مليء بأمثلة للنصوص التي تصف قصور الجيش والطبقة الأرستقراطية المزيّنة بالرسومات ، لكن لوحات كهوف أجانتا هي الأكثر أهمية بين القلة الباقية. ربما تم ممارسة الرسم على نطاق أصغر في المخطوطات في هذه الفترة على الأرجح ، على الرغم من أن أقدم حالات النجاة هي من العصور الوسطى. تمثل اللوحات المغولية مزيجًا من المنمنمات الفارسية مع تقاليد هندية قديمة ، ومن القرن السابع عشر كان أسلوبها منتشرًا في جميع المحاكم الهندية الأميرية من كل الأديان ، كل منها يطور أسلوبًا محليًا. كانت لوحات الشركة مصنوعة للعملاء البريطانيين تحت راج البريطانية ، والتي من القرن التاسع عشر أدخلت أيضا مدارس الفنون على طول الخطوط الغربية ، مما أدى إلى اللوحة الهندية الحديثة ، والتي تعود بشكل متزايد إلى جذورها الهندية.

توفر اللوحات الهندية سلسلة جمالية تمتد من الحضارة القديمة حتى يومنا هذا. من كونها دينية في الأساس في الغرض في البداية ، تطورت اللوحة الهندية على مر السنين لتصبح مزيجا من مختلف الثقافات والتقاليد.

شادانغا للرسم الهندي
في حوالي القرن الأول قبل الميلاد ، تطورت شادانغا أو ستة أطراف من الرسم الهندي ، سلسلة من الشرائع التي تضع المبادئ الأساسية للفن. يضيف فاتسيانا ، الذي عاش في القرن الثالث الميلادي ، هذه في كاماسوترا بعد أن استخرجها من أعمال أكثر قدمًا.

تمت ترجمة هذه “الأطراف الستة” على النحو التالي:

Rupabheda معرفة المظاهر.
Pramanam التصور الصحيح والقياس والهيكل.
Bhava العمل من المشاعر في الأشكال.
Lavanya Yojanam التسريب من النعمة والتمثيل الفني.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga الطريقة الفنية لاستخدام الفرشاة والألوان. (طاغور).
يشير التطور اللاحق للرسم من قبل البوذيين إلى أن هذه “الأطراف الستة” تم وضعها من قبل الفنانين الهنود ، وهي المبادئ الأساسية التي أسس عليها فنهم.

أنواع من الرسم الهندي
يمكن تصنيف اللوحات الهندية على نطاق واسع كجدارية ومنمنمات. الجداريات هي أعمال كبيرة تم تنفيذها على جدران المباني الصلبة ، كما في كهوف أجانتا ومعبد كايلاشيناث. يتم تنفيذ لوحات مصغرة على نطاق صغير جدا للكتب أو الألبومات على المواد القابلة للتلف مثل الورق والقماش. كان قصر البنغال رائدة الرسم المصغر في الهند. بلغ فن الرسم المصغر مجدها خلال فترة المغول. تم نقل تقليد اللوحات المصغرة من قبل رسامي مدارس راجاستان المختلفة للرسم مثل Bundi و Kishangarh و Jaipur و Marwar و Mewar. تنتمي لوحات Ragamala أيضًا إلى هذه المدرسة ، وكذلك لوحة الشركة التي تم إنتاجها للعملاء البريطانيين بموجب Raj البريطاني.

شهد الفن الهندي القديم صعود مدرسة البنغال للفنون في ثلاثينيات القرن العشرين ، وتبع ذلك العديد من أشكال التجريب في الأساليب الأوروبية والهندية. في أعقاب استقلال الهند ، تم تطوير العديد من الأنواع الفنية الجديدة من قبل فنانين مهمين مثل Jamini Roy و MF Husain و Francis Newton Souza و Vasudeo S. Gaitonde. مع تقدم الاقتصاد ، خضعت أشكال وأساليب الفن أيضًا لتغييرات كثيرة. في التسعينات ، تم تحرير الاقتصاد الهندي ودمجه في الاقتصاد العالمي مما أدى إلى التدفق الحر للمعلومات الثقافية داخل وخارج. ويشمل الفنانون: Subodh Gupta ، و Atul Dodiya ، و Devajyoti Ray ، و Bose Krishnamachari ، و Jitish Kahllat الذي تم طرح أعماله للمزاد في الأسواق الدولية. اختارت بهارتي دايال أن تتعامل مع لوحة ميتيلا التقليدية بأغلب الطرق المعاصرة وأنشأت أسلوبها الخاص من خلال تمارين خيالها الخاصة ، حيث تبدو جديدة وغير عادية.

الجداريات
يبدأ تاريخ الجداريات الهندية في العصور القديمة وأوائل العصور الوسطى ، من القرن الثاني قبل الميلاد إلى القرن الثامن – العاشر الميلادي. هناك أكثر من 20 موقعًا حول الهند تحتوي على جداريات من هذه الفترة ، خاصة الكهوف الطبيعية والغرف المقطوعة بالصخور. أعلى الإنجازات في هذا الوقت هي كهوف Ajanta ، Bagh ، Sittanavasal ، كهف Armamalai (تاميل نادو) ، مأوى روكان Chhaya الصخري ، معبد Kailasanatha في كهوف Ellora.

الجداريات من هذه الفترة تصور مواضيع دينية أساسا من الديانات البوذية ، والجين والهندوسية. على الرغم من أنه يوجد أيضًا مواقع تم فيها رسم اللوحات لتزيين المباني الدنيوية ، مثل غرفة المسرح القديمة في كهف جوجيمارا ونُزُل صيد ملكي محتمل في حوالي القرن السابع الميلادي – مأوى روكان تشايا الصخري.

وشهد نمط الرسم على الجدران على نطاق واسع الذي كان يسيطر على المشهد ، ظهور لوحات مصغرة خلال القرنين الحادي عشر والثاني عشر. ظهر هذا النمط الجديد أولاً في شكل رسوم توضيحية محفورة على مخطوطات أوراق النخيل. تضمنت محتويات هذه المخطوطات أدبًا عن البوذية والجاينية. في شرق الهند ، كانت المراكز الرئيسية للأنشطة الفنية والفكرية للدين البوذي هي نالاندا ، أودانتابوري ، فيكرامشيلا وسوماربورا في مملكة بالا (البنغال وبيهار).

اللوحة الشرقية الهند
في الهند الشرقية وضعت لوحة مصغرة في القرن العاشر. تم رسم هذه المنمنمات ، التي تصور الآلهة البوذية والمشاهد من حياة بوذا على الأوراق (حوالي 2.25 × 3 بوصات) من مخطوطات أوراق النخيل وكذلك أغطيةها الخشبية. تتضمن المخطوطات البوذية الأكثر شيوعًا نصوص أستاساهاسريكا براجنجاباراميتا ، و Pancharaksa ، و Karandavyuha و Kalachakra Tantra. تم العثور على أقدم المنمنمات موجودة في مخطوطة من Astasahasrika Prajnaparamita مؤرخة في السنة الثالثة regincas من Mahipala (ج. 993) ، في الوقت الحاضر امتلاك جمعية الآسيويين ، كولكاتا. اختفى هذا النمط من الهند في أواخر القرن الثاني عشر.

الرسم الهندسي المصغر الهندي
اللوحات المصغرة هي اللوحات اليدوية الجميلة ، وهي ملونة إلى حد ما ولكنها صغيرة الحجم. أهم ما يميز هذه اللوحات هو الفرشاة المعقدة والدقيقة ، والتي تضفي عليها هوية فريدة. الألوان مصنوعة يدوياً ، من المعادن ، الخضار ، الأحجار الكريمة ، النيلي ، قواقع المحار ، الذهب الخالص والفضة. بدأ تطور لوحات المنمنمات الهندية في جبال الهيمالايا الغربية ، حول القرن السابع عشر

تتعلق مواضيع هذه اللوحات المصغرة بموضوعات المخطوطات الدينية والأدبية في معظمها. العديد من اللوحات هي من الأدب السنسكريتي والأدب الشعبي. هو حول موضوع قصص الحب. بعض اللوحات من طائفة Vaishnav من الدين الهندوسي وبعضها من طائفة Jain. لوحات طائفة Vaishnav تتعلق بمناسبات مختلفة لحياة الرب كريشنا وجوبيس. لوحات Vaishnav من “غيتا Govinda” هو حول الرب كريشنا. لوحات Jain طائفة تتعلق Jain اللوردات والمواضيع الدينية.

تم إنشاء هذه اللوحات على “Taadpatra” وهذا يعني ورقة شجرة النخيل ، وورقة. خلال تلك الفترة ، تم إنشاء مخطوطات سابقة من أوراق شجرة النخيل ثم في وقت لاحق من الورقة.

في هذه اللوحات هناك عدد قليل جدا من الشخصيات البشرية مع الوجه الأمامي وينظر. وينظر معظم الشخصيات البشرية مع الجانب الجانبي. العيون الكبيرة والأنف المدبب والخصر النحيف هي ملامح هذه اللوحات. ألوان بشر الإنسان هي بنية ونزيهة. لون الجلد من الرب كريشنا هو الأزرق. لون الشعر والعيون أسود. الشخصيات النسائية لها شعر طويل. ترتدي الشخصيات البشرية المجوهرات على اليد والأنف والرقبة والشعر والخصر والكاحلين. يرتدي الرجال والنساء الزي الهندي التقليدي والنعال والأحذية. يرتدي الرجال العمائم على رؤوسهم. في هذه اللوحات ، تم رسم الأشجار والأنهار والزهور والطيور والأرض والسماء والمنازل والمقاعد التقليدية والوسائد والستائر والمصابيح والشخصيات البشرية.

في الغالب تم استخدام الألوان الطبيعية في هذه اللوحات. وتستخدم الألوان الأسود والأحمر والأبيض والبني والأزرق والأصفر لتزيين اللوحات.

كان الملوك ، وملاحو الملوك ، ورجال الأعمال الأثرياء ، والزعماء الدينيون في ذلك الوقت هم مروجو هذه اللوحات المصغرة.

كان رسام هذه الصور من المجتمع المحلي ، وكان “فاشاك” الرسام الشهير في ذلك الوقت. حاول الباحثون جعل موضوع المخطوطة حية بهذه الصور حتى يتمكن قراء المخطوط من الاستمتاع بالقراءة.

مدارس مالوا وديكان وجابونور للرسم
تم وضع اتجاه جديد في رسم المخطوطة بواسطة مخطوطة من Nimatnama رسمت في ماندو ، خلال عهد ناصر شاه (1500-1510). ويمثل هذا توليفة من النمط الفارسي الأصلي والرعوي ، على الرغم من أنه كان الأخير الذي سيطر على مخطوطات ماندو. كان هناك نمط آخر للرسم يعرف بـ Lodi Khuladar الذي ازدهر في سلطان السلطنة في شمال الهند الممتد من دلهي إلى Jaunpur.

أسلوب الرسم المصغر ، الذي ازدهر في البداية في محكمة بهماني وفي وقت لاحق في محاكمات أحمد نجر ، بيجابور وجولكندا معروف شعبياً باسم مدرسة ديكان للطلاء. تم العثور على واحدة من أقدم اللوحات الباقية كرسومات توضيحية لمخطوطة طريف حسين شاه (c.1565) ، والتي هي الآن في بهاراتا Itihasa Samshodhaka ماندالا ، بيون. توجد حوالي 400 لوحة مصغرة في مخطوطة نجوم العلماء (1570) ، محفوظة في مكتبة تشستر بيتي ، دبلن.

اللوحة المغولية
الرسم المغولي هو أسلوب معين في الرسم الهندي ، يقتصر عادة على الرسوم التوضيحية على الكتاب ويتم في المنمنمات ، والتي ظهرت وتطورت وشكلت خلال فترة الإمبراطورية المغولية القرن السادس عشر والتاسع عشر.

كانت اللوحات المغولية مزيجا فريدا من الأساليب الهندية والفارسية والإسلامية. ولأن الملوك المغاربة أرادوا تسجيلات مرئية لأفعالهم كصائدين وفاتحين ، صحبهم فنانوهم في بعثات عسكرية أو بعثات دولة ، أو سجلوا براعتهم كقُتلاء الحيوانات ، أو صوروها في احتفالات الزواج الأسرية العظيمة.

بشر عهد أكبر (1556-1605) بعهد جديد في رسم المنمنمات الهندي. بعد أن عزز قوته السياسية ، بنى عاصمة جديدة في فاتحبور سيكري حيث جمع فنانين من الهند وبلاد فارس. وكان أول ملك أقام في الهند ورشة فنية تحت إشراف اثنين من الفنانين البارزين الفارسيين ، السيد سيد علي وعبد الصمد. في وقت سابق ، خدم كلاهما تحت رعاية همايون في كابول ورافقوه إلى الهند عندما استعاد عرشه عام 1555. تم توظيف أكثر من مائة رسام ، معظمهم من الهندوس من غوجارات وجواليور وكشمير ، ولادة مدرسة جديدة للرسم ، والمعروف شعبيا باسم مدرسة المغول للرسومات المصغرة.

كان من بين أول إنتاجات هذه المدرسة للرسم المصغر سلسلة Hamzanama ، التي تم تأسيسها في عام 1567 وفقًا لمؤرخ المحكمة ، Badayuni ، وأُنجزت عام 1582. وقد تم عرض فيلم Hamzanama ، قصص الأمير حمزة ، عم النبي. من مير سيد علي. تتميز لوحات هازاناما بالحجم الكبير ، 20 × 27 “وتم رسمها على القماش ، وهي على طراز الفارسي الصفوي. الألوان الحمراء والزرقاء والخضراء الرائعة ، والصخور الوردية المتآكلة والنباتات والطائرات والبرقوق المزدهر تشبه أشجار الخوخ في بلاد فارس ، ومع ذلك ، تظهر النغمات الهندية في أعمال لاحقة ، عندما كان يتم توظيف الفنانين الهنود.

بعده ، شجع جاهانجير الفنانين على رسم صور ومشاهد دوربار. كان رساموه الأكثر موهبة هم أستاد منصور وأبو الحسن وبيشانداس.

واصل شاه جهان (1627-1658) رعاية الرسم. بعض الفنانين المشهورين في تلك الفترة هم محمد فقير الله خان ، مير هاشم ، محمد نادر ، بيشتر ، تشيتارمان ، أنوبشتر ، مانوهار ، وهونهار.

لم يكن Aurangzeb طعم للفنون الجميلة. بسبب الافتقار إلى رعاية الفنانين هاجروا إلى حيدر أباد في الدكن والولاية الهندوسية في راجستان بحثًا عن رعاة جدد.

لوحة راجبوت
رسمت لوحة راجبوت ، وهي أسلوب من الرسم الهندي ، وازدهرت خلال القرن الثامن عشر في البلاط الملكي في راجبوتانا بالهند. تطورت كل مملكة Rajput أسلوب متميز ، ولكن مع بعض السمات المشتركة. تصور لوحات راجبوت عددًا من الموضوعات ، أحداث ملاحم مثل Ramayana و Mahabharata ، حياة كريشنا ، مناظر طبيعية جميلة ، والبشر. كانت المنمنمات هي الوسيط المفضل للوحة راجبوت ، لكن العديد من المخطوطات تحتوي أيضاً على لوحات راجبوت ، وقد تم حتى رسم لوحات على جدران القصور والغرف الداخلية للحصون والحصى ، وخاصة هافيسات شيخاواتي.

تم استخلاص الألوان المستخرجة من بعض المعادن ، والمصادر النباتية ، وقذائف المحارة ، وحتى باستخدام الأحجار الكريمة ، تم استخدام الذهب والفضة. كان إعداد الألوان المرغوبة عملية طويلة ، تستغرق أحيانًا أسابيع. فرش المستخدمة كانت جيدة جدا.

لوحة ميسور
تعد لوحة ميسور شكلاً مهماً من الرسم الكلاسيكي لجنوب الهند الذي نشأ في مدينة ميسور في كارناتاكا. تشتهر هذه اللوحات بأناقتها وألوانها الهادئة والاهتمام بالتفاصيل. المواضيع لمعظم هذه اللوحات هي الآلهة الهندوسية والآلهة والمشاهد من الأساطير الهندوسية. في العصر الحديث ، أصبحت هذه اللوحات هدية تذكارية مرغوبة كثيرًا خلال المناسبات الاحتفالية في جنوب الهند.

تنطوي عملية صنع لوحة ميسور على العديد من المراحل. تتضمن المرحلة الأولى عمل رسم أولي للصورة على القاعدة. تتكون القاعدة من ورق خرطوشة ملصوق على قاعدة خشبية. صُنع عجينة مصنوعة من أكسيد الزنك واللثة العربية تسمى “معجون جيسو”. بمساعدة فرشاة رفيعة ، يتم دهن جميع الحلي وأجزاء من العرش أو القوس ، التي تتميز ببعض الراحة ، لإضفاء تأثير طفيف على النحت. هذا يسمح ليجف. على هذا رقيقة الذهب هو اللصق. ثم يتم رسم بقية الرسم باستخدام الألوان المائية. يتم استخدام الألوان المخفية فقط.

اللوحة Tanjore
لوحة Tanjore هي شكل مهم من أشكال الرسم الكلاسيكي في جنوب الهند الأصلي لبلدة Tanjore في ولاية Tamil Nadu. يرجع تاريخ الفن إلى أوائل القرن التاسع ، وهي الفترة التي سيطر عليها حكام تشولا ، الذين شجعوا الفن والأدب. تشتهر هذه اللوحات بأناقتها وألوانها الغنية والاهتمام بالتفاصيل. المواضيع لمعظم هذه اللوحات هي الآلهة الهندوسية والآلهة والمشاهد من الأساطير الهندوسية. في العصر الحديث ، أصبحت هذه اللوحات هدية تذكارية مرغوبة كثيرًا خلال المناسبات الاحتفالية في جنوب الهند.

تنطوي عملية صنع لوحة Tanjore على العديد من المراحل. تتضمن المرحلة الأولى عمل رسم أولي للصورة على القاعدة. تتكون القاعدة من قطعة قماش ملصوقة على قاعدة خشبية. ثم يتم خلط مسحوق الطباشير أو أكسيد الزنك مع مادة لاصقة قابلة للذوبان في الماء وتطبيقها على القاعدة. لجعل القاعدة أكثر سلاسة ، يستخدم أحيانا كشط معتدل. بعد الانتهاء من الرسم ، تتم زخرفة المجوهرات والثياب في الصورة بأحجار شبه كريمة. وتستخدم الأربطة أو الخيوط أيضا لتزيين المجوهرات. علاوة على ذلك ، يتم لصق رقائق الذهب. وأخيراً ، تستخدم الأصباغ لإضافة ألوان إلى الأشكال الموجودة في اللوحات.

اللوحة كانجرا
هذا النمط نشأ في ولاية جولر ، في النصف الأول من القرن الثامن عشر ووصل إلى ذروته في عهد مهراجا سانسار شاند كاتش.

لوحة مادهوباني
لوحة Madhubani هو نمط من اللوحة ، تمارس في منطقة Mithila ولاية بيهار. تدور الموضوعات حول الآلهة الهندوسية والأساطير ، إلى جانب مشاهد من البلاط الملكي والأحداث الاجتماعية مثل حفلات الزفاف. عموما يتم ترك أي مساحة فارغة؛ تمتلئ الفجوات بواسطة لوحات من الزهور والحيوانات والطيور ، وحتى تصاميم هندسية.في هذه اللوحات ، يستخدم الفنانون الأوراق والأعشاب والزهور لجعل اللون المستخدم لرسم اللوحات.

Pattachitra
تشير Pattachitra إلى اللوحة الكلاسيكية لغرب البنغال و Odisha ، في المنطقة الشرقية من الهند. ‘Patta’ في اللغة السنسكريتية تعني ‘Vastra’ أو ‘الملابس’ و ‘chitra’ تعني اللوحات.

يشير البنغالية Patachitra إلى لوحة ولاية البنغال الغربية. إنه تراث تقليدي وأسطوري من غرب البنغال. ينقسم البنغالية Patachitra إلى بعض الجوانب المختلفة مثل دورغا بات ، Chalchitra ، Patakitra القبلية ، Medinipur Patachitra ، Kalighat Patachitra وغيرها. موضوع البنغال Patachitra هي في الغالب القصص الأسطورية والدينية والتقاليد الشعبية والاجتماعية. تم تطوير Kalighat Patachitra ، آخر تقاليد البنغال Patachitra بواسطة Jamini Roy. يدعى الفنان من البنغالية Patachitra Patua.

ترتبط تقاليد Orisha Pattachitra ارتباطًا وثيقًا بعبادة اللورد جاغاناث. وبصرف النظر عن الدليل القاطع على اللوحات على كهوف Khandagiri و Udayagiri و Sitabhinji الجداريات في القرن السادس للميلاد ، فإن أقدم اللوحات الأصلية من Odisha هي Pattachitra التي قام بها Chitrakars (يسمى الرسامون Chitrakars). موضوع مراكز الرسم الأوريا حول جولة طائفة Vaishnava. منذ بداية ثقافة Pattachitra كان اللورد جاغاناث الذي كان تجسيدًا للرب كريشنا المصدر الرئيسي للإلهام. موضوع باتا شيترا هو في الغالب قصص أسطورية و دينية و تقاليد شعبية. المواضيع هي بشكل رئيسي على اللورد جاغاناث ورادها كريشنا ، “فيساس” مختلفة من جاغاناث ، بالابهادرا و سوبهارا ، وأنشطة المعبد ، والتجسيد العشر لـ Vishnu مستندة على “Gita Govinda” من Jayadev ، Kama Kujara Naba Gunjara ، Ramayana ، Mahabharata. كما يتم رسم اللوحات الفردية للآلهة والإلهات. ويستخدم الرسامون ألوانًا نباتية ومعدنية دون استخدام ألوان الملصقات المصنوعة في المصنع. هم يعدون ألوانهم الخاصة. يرصد اللون الأبيض من قشريات المحارة عن طريق المسحوق والغليان والترشيح في عملية خطيرة للغاية. يتطلب الكثير من الصبر. ولكن هذه العملية تعطي تألق وجدية في الصبغة. يتم استخدام “هينغولا” ، اللون المعدني ، باللون الأحمر. يتم استخدام “Haritala” ، ملك المكونات الحجرية للأصفر ، “Ramaraja” وهو نوع من النيلة للأزرق. يتم استخدام المصباح الأسود النقي أو الأسود المحضر من حرق قشور جوز الهند. الفرش التي تستخدمها هذه “Chitrakaras” هي أيضا من السكان الأصليين ومصنوعة من شعر الحيوانات الأليفة. مجموعة من الشعر مرتبطة بنهاية عصا البامبو تجعل الفرشاة. انها حقا مسألة عجب في كيفية رسم هذه الرسامين خطوط من هذه الدقة والانتهاء من مساعدة هذه الفرش الخام. هذا التقليد القديم لرسوم الأوريا ما زال قائماً حتى اليوم في أيدي الخبراء الموهوبين في تشيتراكاراس (الرسامين التقليديين) في بوري ، راغوراجبور ، بارالاكهموندي ، شيكيتي وسونبور.

مدرسة البنغال
كانت مدرسة البنغال للفنون أسلوبًا مؤثرًا في الفن ازدهر في الهند خلال عهد راج البريطاني في أوائل القرن العشرين. كان مرتبطا بالقومية الهندية ، ولكن تم الترويج له ودعمه من قبل العديد من مدراء الفنون البريطانية.

نشأت مدرسة البنغال كحركة طليعية وحركة قومية تتفاعل مع أساليب الفن الأكاديمي التي روجت في الهند ، سواء من قبل الفنانين الهنود مثل رافي فارما وفي مدارس الفن البريطاني. بعد التأثير الواسع للأفكار الروحية الهندية في الغرب ، حاول مدرس الفن البريطاني إرنست بينفيلد هافيل إصلاح طرق التدريس في كلية كلكتا للفنون من خلال تشجيع الطلاب على تقليد المنمنمات المغولية. وتسبب هذا في جدل كبير ، أدى إلى إضراب الطلاب والشكاوى من الصحافة المحلية ، بما في ذلك من القوميين الذين اعتبروه خطوة رجعية. كان هافل مدعومًا من قبل الفنان أبينيندرانات طاغور ، ابن شقيق الشاعر رابيندراناث طاغور. رسمت طاغور عددًا من الأعمال التي تأثرت بالفن المغولي ، وهو أسلوب اعتقد به وهافل أنهما معبران عن الصفات الروحية المتميزة للهند ، في مقابل “المادية” للغرب. رسمت لوحة بهاناتيناثات طاغور الأكثر شهرة ، أمهات الهند (Bharat Mata) ، امرأة شابة ، مصورة بأربعة أذرع بطريقة الآلهة الهندوسية ، تحمل أشياء رمزية لطموحات الهند الوطنية. حاول طاغور في وقت لاحق تطوير روابط مع فنانين من الشرق الأقصى كجزء من طموح لبناء نموذج فني شامل. ومن بين الأشخاص المرتبطين بهذا النموذج الهندوي الفارسي ، كان Nandalal Bose ، و Mukul Dey ، و Kalipada Ghoshal ، و Benode Behari Mukherjee ، و Vinayak Shivaram Masoji ، و BC Sanyal ، و Beohar Rammanohar Sinha ، وبعد ذلك طلابهم A. Ramachandran ، و Tan Yuan Chameli ، و Ramananda Bandopadhyay ، وعدد قليل الآخرين.

بدأ تأثير مدرسة البنغال على المشهد الفني الهندي بالتدريج بالتخفيف من انتشار الأفكار الحداثية بعد الاستقلال. إن دور كوبرامانيان في هذه الحركة كبير. اليوم تعد أكاديمية ريدنوفا للفنون في بانكورا ، الهند أكاديمية فن بارزة أنشأها الفنان أبيرلار.

الحداثة السياقية
لقد برز مصطلح الحداثة السياقية الذي استخدمه سيفا كومار في كتالوج المعرض كأداة حاسمة لما بعد الاستعمار في فهم الفن الذي مارسه الفنانون السننكيتيون.

وقد استخدمت عدة مصطلحات بما في ذلك ثقافة بول غيلروي للحداثة والحداثة الاستعمارية تاني بارلو لوصف هذا النوع من الحداثة البديلة التي ظهرت في السياقات غير الأوروبية. يجادل الأستاذ غال بأن “الحداثة السياقية” مصطلح أكثر ملاءمة لأن “الاستعمار في الحداثة الاستعمارية لا يستوعب رفض الكثيرين في الحالات المستعمرة لإضفاء الطابع الداخلي على الدونية. شمل رفض المعلمين في Santiniketan من التبعية رؤية مضادة للحداثة ، والتي سعت إلى تصحيح النزعة العنصرية والثقافية التي دفعت وتميزت بالحداثة والحداثة الغربية الإمبريالية. لقد أثارت تلك الحداثيات الأوروبية ، التي تم عرضها من خلال قوة استعمارية بريطانية منتصرة ، استجابات قومية ، وهي نفس القدر من الإشكالية عندما أدرجت أساسيات مشابهة “.

ووفقًا لما قاله ر. سيفا كومار “كان فنانون Santiniketan من أوائل الذين تحدوا عن وعي فكرة الحداثة هذه عن طريق اختيار الحداثة الدولية والأصولية التاريخية وحاولوا خلق حداثة حساسة للسياق”. كان يدرس عمل أساتذة سانتينكيتان والتفكير في نهجهم للفن منذ أوائل الثمانينيات. كانت ممارسة إدراج ناندال بوس ، رابندراناث طاغور ، رام كينكر بايج وبنود بيهاري موخرجي تحت مدرسة البنغال للفنون ، حسب سيفا كومار ، مضللة. حدث هذا لأن الكتاب الأوائل كانوا يسترشدون بسلسلة من التلمذة الصناعية بدلاً من أساليبهم ونظرتهم العالمية ووجهات نظرهم حول الممارسة الفنية.

يقول الناقد الأدبي رانجيت هوسكوتي بينما كان يراجع أعمال الفنان المعاصر أتول دوديا: “إن التعرّض لسانتينكيتان ، من خلال تحوّل أدبي ، فتح عيني دوديا على الظروف التاريخية لما سماه مؤرّخ الفن آر سيفا كومار” الحداثة السياقية “. في شرق الهند في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين خلال العقود المضطربة من الكساد العالمي ، وكفاح تحرير غاندي ، والنهضة الثقافية التاجورية والحرب العالمية الثانية. ”

لقد وجدت الحداثة السياقية في الماضي القريب استخدامها في المجالات الأخرى ذات الصلة من الدراسات ، وخاصة في الهندسة المعمارية.

اللوحة الهندية العامية
الفن العاموي هو فن حي (فن معاصر) ، يقوم على الماضي (الأساطير والتقاليد والدين) ومصمم من قبل مجموعات محددة. يعتمد الفن العامي على الذاكرة الجماعية لهذه المجموعة.

أمثلة على اللوحة الهندية العامية:

اللوحة القبلية:
لوحة بهيل
اللوحة الورقية
لوحة gond
لوحة سانتال
لوحة Saora
اللوحة كورومبا

الرسم الريفي:
لوحة باتشيترا
لوحة مادهوباني
لوحة كالامكاري
لوحة كولام
لوحة كلام
لوحات Mandana

لوحة هندية حديثة
خلال الحقبة الاستعمارية ، بدأت التأثيرات الغربية تؤثر على الفن الهندي. طور بعض الفنانين أسلوبًا استخدم أفكارًا غربية عن التأليف والمنظور والواقعية لتوضيح المواضيع الهندية. استعانت أخرى ، مثل Jamini Roy ، بإلهام من الفن الشعبي. وقد اختارت دارى دايال التعامل مع لوحة Mithila التقليدية على نحو معاصر ، وتستخدم كلا من الواقعية والتجريدية في عملها مع الكثير من الخيال الممزوج بهما. شعورًا لا تشوبه شائبة من التوازن والانسجام والنعمة.

بحلول وقت الاستقلال في عام 1947 ، قدمت العديد من المدارس الفنية في الهند إمكانية الوصول إلى التقنيات والأفكار الحديثة. تم إنشاء صالات لعرض هؤلاء الفنانين. عادةً ما يُظهر الفن الهندي الحديث تأثير الأنماط الغربية ، ولكنه غالبًا ما يكون مستوحى من الموضوعات والصور الهندية. بدأ الفنانون الرئيسيون يكتسبون اعترافًا دوليًا ، في البداية بين المغتربين الهنود ، ولكن أيضًا بين الجماهير غير الهندية.

كان الهدف من مجموعة الفنانين التقدميين ، التي أنشئت بعد وقت قصير من استقلال الهند في عام 1947 ، إنشاء طرق جديدة للتعبير عن الهند في حقبة ما بعد الاستعمار. كان المؤسسون ستة من الفنانين البارزين – KH Ara ، و SK Bakre ، و HA Gade ، و MF Husain ، و SH Raza ، و FN Souza ، على الرغم من أنه تم حل المجموعة في عام 1956 ، فقد كان له تأثير عميق في تغيير لغة الفن الهندي. تقريبا جميع فناني الهند الرئيسيين في 1950s كانوا مرتبطين بالمجموعة. بعض هؤلاء المعروفين اليوم هم Bal Chabda ، Manishi Dey و VS Gaitonde و Krishen Khanna و Ram Kumar و Tyeb Mehta و Beohar Rammanohar Sinha و Akbar Padamsee. رسامون مشهورون آخرون مثل جهار داسجوبتا ، وبروكاش كارماكار ، وجون ويلكنز ، وبيجون تشودهوروري أثروا ثقافة الفن في الهند. لقد أصبحوا رمز الفن الهندي الحديث. وقد أشار مؤرخو الفن مثل البروفسور راي أناند كريشنا أيضًا إلى أعمال الفنانين المعاصرين التي تعكس روح الهند.

أيضا ، فإن الزيادة في الخطاب حول الفن الهندي ، في اللغة الإنجليزية وكذلك اللغات الهندية الدارجة ، استولت على الطريقة التي كان ينظر بها الفن في مدارس الفن. أصبح النهج الحاسم صارما ، مثل النقاد غيتا كابور ، R. ساهم سيفا كومار في إعادة التفكير في ممارسة الفن المعاصر في الهند. لقد مثلت أصواتهم الفن الهندي ، ليس فقط في الهند ولكن في جميع أنحاء العالم. كما كان للنقّاد دور مهم كقيّمين على المعارض الهامة ، وإعادة تعريف الحداثة والفن الهندي.

حصل الفن الهندي على دفعة مع التحرير الاقتصادي للبلاد منذ أوائل 1990s. بدأ الفنانون من مختلف المجالات في جلب أنماط عمل متنوعة. وهكذا فإن الفن الهندي بعد التحرير لا يعمل فقط داخل حدود التقاليد الأكاديمية بل أيضًا خارجها. في هذه المرحلة ، قدم الفنانون حتى مفاهيم جديدة لم يسبق رؤيتها في الفن الهندي. طرحت Devajyoti Ray نوعًا جديدًا من الفن يسمى Pseudorealism. الفن الزائف الفن هو نمط الفن الأصلي الذي تم تطويره بالكامل على التربة الهندية. ويأخذ هذا الواقع في الحسبان المفهوم الهندي للتجريد ويستخدمه لتحويل مشاهد الحياة الهندية العادية إلى صور رائعة.

في الهند ما بعد التحرير ، رسخ العديد من الفنانين أنفسهم في سوق الفن العالمي مثل Anish Kapoor و Chintan التي اكتسبت أعمالهم الفنية العملاقة الاهتمام بحجمها الكبير. كما تم افتتاح العديد من المنازل الفنية والمعارض في الولايات المتحدة الأمريكية وأوروبا لعرض الأعمال الفنية الهندية. بعض الفنانين مثل chiman dangi (رسام ، صانع مطبوعات) بهوبات دودي ، سوبود جوبتا ، بيو ساركار ، فاجارام شودري ، أميتافا سينجوبتا وغيرهم كثير منهم قاموا بأعمال السحر في جميع أنحاء العالم. Ghosh هو رسام موهوب ، ونشط جدا في معرض الفنون Triveni ، نيودلهي.